Mit KUNST AUF REISEN/ART IN MOTION – 2024 beginnt der Start einer der kreativen und spielerischen Kommunikationsaktion mit einer Institution, die für die Zusammenarbeit zwischen Künstler, Kunst und dem Betrachter eine herausragende Rolle und Symbiose spielen kann.

Die Seemannsmission in Hamburg Altona in der großen Elbstraße 132. Sie ist dabei nicht nur Hamburgern, sondern auch Seefahrern in aller Welt als Ort der Geborgenheit, der zeitlich begrenzten Heimat und des interkulturellen Austausches bekannt.
Kunst und Kultur konnte und kann gerade in gesellschaftspolitisch virulenten Zeiten hier bereits einen ergänzenden Beitrag leisten, Menschen unterschiedlichster Hautfarbe, Sozialisation, Herkunft und Religionszugehörigkeit zusammenzuführen, um dabei freien und friedlichen Austausch der Standpunkte zu ermöglichen. Ausstellungskonzepte haben in den letzten Jahren bereits erfolgreich Fuß gefasst.

Die Arbeiten im zentralen Raum der Seefahrermission können dabei weiterhin den Impuls des Gespräches und des kulturellen Austausches initiieren. Und sie können bei „Gefallen“ ihre Reise als begleitendes Geschenk zurück in die Heimat der weltweit tätigen Seefahrer/Innen und Festigung der Missionsidee in die Welt tragen.
Es kann dann am Zielort in neuer Umgebung und Erinnerung mit der jeweiligen Reise versehen werden. Am Ende bleibt in der Seemannsmission (der Zeitraum wird noch festgelegt) eine leere Wand übrig. Kunst auf Reisen ist dann zu Ende, ähnlich dem Arbeitsvertrag von Mitarbeiterinnen und Mitarbeitern auf Containerschiffen und Kreuzfahrtschiffen. Und Kunst auf Reisen/Art in Motion bleibt eine Reise der Erinnerungen, die durch eine Karte bei Google Maps wachgehalten wird. Sie zeigt mittels roter Pins/Markierungen die Orte an, wo die Bilder im Projektzeitraum gelandet sind. Das setzt voraus, dass die Teilnehmer/Innen von Art in Motion den letzten Standort des Bildes als Ende seiner unter aim@kunsteins.de mitteilen.

Auch wenn die Fotografien von Nicole Ahland, Corina Gertz und Kris Scholz die Gegenwart zeigen, fühlen sich die Betrachtenden an Vergangenes erinnert. Die im Rahmen ihres Artist-in-Residence-Aufenthalts auf Föhr geschaffenen Werke zwingen zum Innehalten und zur Selbstbefragung im Hinblick auf unseren Umgang mit Erbe, Traditionen und Werten.

So erkundet Nicole Ahland, die bereits mehrfach auf Föhr zu Gast war, leer stehende Innenräume und Gebäude, in deren Mauern und in zurückgelassenen Objekten Geschichten eingeschrieben zu sein scheinen. „Räume spiegeln unsere Gesellschaft“ – so sagt sie treffend.

Die Fotografin Corina Gertz widmet sich in ihrer Serie Das abgewandte Porträt den Tracht tragenden Föhrerinnen. Ohne von Mimik, Gestik oder dem Umraum abgelenkt zu werden, richtet sich der Fokus auf die Rückansichten: aufwendige Frisuren, detaillierte Stickereien der Kopf- und Schultertücher und die Stofflichkeit der Röcke. Durch diese Konzentration entfalten Gertz’ Aufnahmen eine große Ruhe und erzählen von Herkunft, Tradition und vom sich wandelnden Handwerk.

Kris Scholz, bis 2021 als Professor für künstlerische Fotografie an der Hochschule Darmstadt tätig, arbeitet gezielt mit dem historischen Papiernegativverfahren. Dadurch vermitteln seine großformatigen Landschaftsaufnahmen in Schwarz-Weiß den Eindruck, als würden wir an Orte der Vergangenheit geführt.

Janus la Cour (1837–1909), an der dänischen Westküste geboren, gilt es wiederzuentdecken – vor allem in seiner Modernität. Bekannt als großer Einsiedler, hatte er bei seiner ersten Italienreise 1867 den Traum von einem perfekten Bild: ein leerer Strand, wild und öde. In den Schweizer Bergen, im warmen Italien, aber besonders bei seinen Wanderungen an den heimischen Stränden bei Århus suchte er seitdem karge, einsame Orte auf und verherrlichte sie in seiner fast meditativen Kunst. Bis heute faszinieren diese oft seriell angelegten menschenleeren Monumente der Stille. Nicht zuletzt hält er eine gefährdete Natur fest, die in der fortschreitenden Industrialisierung Europas zu verschwinden droht, und betont damit zugleich seine Ablehnung des impressionistischen Paris, das er wie alle Großstädte abscheulich fand. Er animiert uns, innezuhalten.

Die Ausstellung − entstanden in Kooperation des MKdW und der Nivaagaards Malerisamling in Nivå, Dänemark − basiert auf Meisterwerken aus der Berliner Janus-la-Cour, Sammlung von Christoph Müller, und wird um Leihgaben aus Privatsammlungen sowie wichtigen dänischen Museen ergänzt. Erweitert wird sie um zeitgenössische Perspektiven: Die Maler Per Kirkeby und Sven Drühl, die selbst La-Cour-Sammler waren beziehungsweise sind, setzen sich in ihren Werken direkt oder indirekt mit La Cours Kunst auseinander.

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Kontakt:
Gitronik Handpans&More Hamburg
Fuhlsbüttlerstraße 681 Hamburg-Ohlsdorf
040-5000990 Mail: info(at)gitronik.de

Aus dem Artist-in-Residence-Programm des MKdW wurden zwei Künstler ausgewählt, die mit sehr unterschiedlichen Techniken arbeiten, aber eine große Begeisterung teilen: die intensive Auseinandersetzung mit der Natur.

Der deutsche, in Hamburg lebende Maler Jochen Hein (* 1960) sowie der argentinische, in Berlin tätige Installationskünstler Miguel Rothschild (* 1963) loten in ihren Werken das Verhältnis von Mensch und Natur neu aus. Die Landschaft wird zur bestimmenden Größe. Oftmals lässt sich nicht sagen, ob es eine Natur vor oder nach den Menschen ist – jegliche zivilisatorische Zeugnisse fehlen in ihr und erschweren damit, die reale Größe der Landschaft zu ermessen.

Die Künstler begeistern sich für alle Witterungsphänomene – Stürme überziehen das Land, Nebel steigen auf, Wolken regnen sich ab, Sonnenstrahlen dringen durch Laubwerk. Immer wieder werden neue atmosphärische Stimmungen in den oftmals monumentalen Bildformaten eingefangen. Gerade die schnellen Wetterwechsel, denen die Natur auf Föhr ausgesetzt ist, bilden einen Motivkreis. Oft scheint es, als würden die Bildräume über ihre realen Begrenzungen ausgreifen. Jochen Hein arbeitet zudem in Serien, um die tageszeitlichen Veränderungen zu visualisieren, die dem Land, dem Meer und dem Himmel immer wieder eine andere Ausdruckskraft verleihen. Demgegenüber bricht Rothschild die Bildoberflächen auf, durchlöchert sie sogar oder fügt ihnen Brandstellen hinzu. Die Betrachtenden werden gefordert, sich ihrer Beziehung zur Urkraft der Natur im Wissen um die sich dramatisch verändernden klimatischen Bedingungen zu stellen.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.

Die in Mecklenburg lebenden Künstlerinnen Monika Lawrenz und Anke Bastrop widmen sich in den Gattungen Fotografie und Lyrik der Natur und stellen die ihr innewohnende Schönheit sowie ihre Verletzlichkeit und Gefährdung in den Vordergrund.

Monika Lawrenz fotografiert still beobachtend Augenblicke, die sie in Deutschland, in der Schweiz, auf Island und in Norwegen vorfindet. Ihre Fotografien erzählen noch im Flüchtigen von den unendlich scheinenden Kreisläufen des Lebens. Indem sie die Farbe in ihren Fotografien reduziert oder die Linien in Dunst und Atmosphäre auflöst, vermitteln die Arbeiten eine besondere Nähe zur künstlerischen Grafik.

Anke Bastrop greift die Motive der Fotografien in ihren Texten auf und führt sie schreibend fort. Seien es die Kraniche in der Winterlandschaft oder auch das Torfabbaugebiet als Wunde – Bilder und Texte der Ausstellung berühren in ihrem Zusammenspiel und zeigen ein Spannungsfeld zwischen dem Verlorenen und dem Unverlierbaren auf.

Das Exlibris als besondere Form der Kleingrafik hat eine lange, bis ins Mittelalter reichende Tradition, diente es doch als künstlerisch gestaltete Besitzanzeige in Büchern zur Kennzeichnung des Eigentümers. Die Verwendung und Umsetzung von Exlibris hatte durch die Jahrhunderte Bestand und erlebte schließlich Ende des 19. Jahrhunderts einen neuen Aufschwung, an dem Künstler wie Max Klinger wesentlichen Anteil hatten. Es entstanden Exlibris mit vielfältigen Themen und Motiven sowie in unterschiedlichen Ausführungen. Insbesondere im Jugendstil und im Expressionismus erfreute sich die Gattung des Exlibris bei Künstlern und Publikum großer Beliebtheit, woraus sich in der Folge Untergattungen entwickelten und Exlibris zum Gegenstand eigener Sammlungen von Kunstkennern wurden.

Sämtliche Exponate in der Ausstellung stammen aus Privatbesitz.

Ausdrucksstark und stimmungsvoll sind die Werke der Laboer Malerin, die fast ausschließlich Landschaften zeigen. Das Betrachten und Erleben der Natur führt sie zu ihren Bildmotiven, die sie in der näheren Umgebung ihrer Heimatgemeinde Laboe oder an weiter entfernten Orten aufsucht. Gleich drei Museen präsentieren die Werke der Malerin mit unterschiedlicher Akzentuierung: das Museum des Kreises Plön, das Probstei Museum Schönberg und das Künstlermuseum Heikendorf.

𝐑𝐞𝐢𝐬𝐞𝐥𝐮𝐬𝐭 𝐒𝐤𝐚𝐧𝐝𝐢𝐧𝐚𝐯𝐢𝐞𝐧 bei uns im Künstlermuseum
Eröffnung: Samstag, 8. März, 17 Uhr
Unkostenbeitrag Vernissage: 1 Euro/Person
Ausstellungsdauer: 8. März bis 8. Juni 2025

𝐀𝐮𝐬𝐟𝐥𝐮𝐠𝐬𝐳𝐢𝐞𝐥 𝐖𝐞𝐬𝐭𝐤ü𝐬𝐭𝐞 im Museum des Kreises Plön
Eröffnung: Freitag, 7. März, 19:30 Uhr
Ausstellungsdauer: 8. März bis 14. September 2025

𝐀𝐧𝐤𝐞𝐫𝐩𝐥𝐚𝐭𝐳 𝐋𝐚𝐛𝐨𝐞 im Probstei Museum Schönberg
Eröffnung: Sonntag, 9. März, 11:15 Uhr
Ausstellungsdauer: 9. März bis 13. Juli 2025

Die Sammlung der Stadtgalerie Kiel umfasst Kunstwerke, die durch
die Landeshauptstadt Kiel angekauft, in Auftrag gegeben oder ihr
geschenkt wurden. Nach demokratischem Verständnis sind die Werke
öffentliches Eigentum und somit im Besitz der Kieler Bürger*innen.
An diesen Gedanken knüpft das Motto »Unsere Kunst – Eure Kunst«
an, unter dem die Stadtgalerie Kiel in regelmäßigen Abständen einen
öffentlichen Einblick in die Kunstsammlung gewährt.

Die Sammlung der Stadtgalerie Kiel ist in ihren älteren Beständen
aus dem Kunstbesitz der Landeshauptstadt Kiel hervorgegangen.
Mit dem Beginn der Ausstellungstätigkeit der Stadtgalerie Kiel vor
37 Jahren konnte ein Erwerbungskonzept nach musealen Gesichtspunkten
entwickelt werden. Heute repräsentiert die Sammlung
den Facettenreichtum der Kunst vom Beginn des 20. Jahrhunderts
bis hin zu aktuellen Tendenzen.

Nach dem Umzug aus den Räumen im Sophienhof, wo sie 1988 eröffnet
wurde, hat die Stadtgalerie Kiel im März 2000 ihre Ausstellungstätigkeit
an der Andreas-Gayk-Straße aufgenommen. Grund genug den Fokus
der diesjährigen Sammlungspräsentation auf die Erwerbungen der vergangenen
25 Jahre zu legen. Jüngste Ankäufe umfassen Arbeiten von
überwiegend in Norddeutschland tätigen Künstler*innen, von Preisträger*
innen des Gottfried-Brockmann-Preises und Teilnehmer*innen
an den Wechselausstellungen in der Stadtgalerie Kiel. Entsprechend
lassen sich anhand der Sammlung der Stadtgalerie Kiel auch wichtige
Stationen der jüngeren Kieler und schleswig-holsteinischen Kunstgeschichte
ablesen. Regionale Positionen finden sich um Schlaglichter
überregionaler und internationaler Kunst ergänzt.

Otto Beckmann bezeichnet sich selbst als „Spülsaum- und Meerjunkie“. Nach seiner Ausstellung Briefe an das Meer (2003) ist er nun erneut im Flensburger Schifffahrtsmuseum zu Gast und führt mit Leinwand und Skalpell einen künstlerischen Dialog mit der See.

Die Ausstellung „Frauen – Bibliothek – Geschichte“ ist zehn Frauen, ihrem Leben, Werk und ihrem Bezug zu Bibliotheken sowie auch zur Eutiner Landesbibliothek gewidmet.
Es sind spannende Frauen wie Jane Austen, Maria Sibylla Merian, Conradine Stinde oder Marie von Bunsen, die schrieben und reisten, die erste Meilensteine für Frauenrechte setzen und Spuren hinterließen.

Kuratiert von Dr. Betty Brux-Pinkwart und Esther Dörrhöfer.

Die Ausstellung zeigt informelle Kunst im Spannungsfeld von konstruktiv-abstrakter Kunst der Gegenwart.

Präsentiert wird Malerei, Grafik, Enkaustik, dreidimensionale Papierobjekte und Objekte aus Epoxidharz. In der Ausstellung sind Ralf Bohnenkamp, Osmund Hansen, Manfred Jung, Jan Kolata, Malene Landgreen, Gabriele Mierzwa, Klaus Ulfert Rieger und Krista Rosenkilde vertreten.

In den 1950er Jahren traten Künstler*innen an, um mit intuitiv gemalter abstrakter Kunst den Kunstbegriff zu revolutionieren. Ihr Ziel war die radikale Befreiung der Kunst von allen Regeln, Stilrichtungen und formalen Bedingungen. Der Kunsthistoriker Michel Tapié fasste ihre Bewegung unter dem Begriff Art Informel zusammen.

Informelle Kunst ist weniger eine Stilrichtung als eine künstlerische Haltung. Sie steht für Unmittelbarkeit und Spontanität, sie lehnt gegenständliche Motive, klassische Kompositionsprinzipien und alles Planerische ab. Stattdessen nutzt sie experimentelle Techniken und spontane Gesten des Zufalls.

Der freie Geist des Informell reicht bis in die heutige Zeit hinein und durchströmt die ausgestellten Werke. In den Lithografien von Manfred Jung löst sich im spontanen Schaffensprozess die Farbe von der Form und die Linie vom Motiv, an ihrer Stelle rückt eine Bewegungskraft, die dem Zufall freien Raum lässt.
Jan Kolata experimentiert in seiner limitierte Siebdruckedition von 2019 mit unterschiedlich grob bespannten Drucksieben und erzeugt mit übereinander geschichteten Flächen, Scheiben und Farben spannende visuelle Effekte.
Auch die Enkaustik, die Wachsmalerei, bietet sich für instinktive schöpferischen Malprozesse an. Klaus Ulfert Rieger ist in dieser Ausstellung mit zwei impulsiv-abstrakten Wachsbildern vertreten.

Im Gegensatz zur formlosen Kunst des Informel folgen die ausgestellten Arbeiten mit abstrakten geometrischen Formen konzeptuell, planerischen Prinzipien.
Osmund Hansen zählt zu den bedeutendsten Vertretern des Konstruktivismus des skandinavischen Raums. In seinen Lithografien strukturiert und komponiert er Farben und Formen und unterwirft sie seiner eigenen Ordnung.
Gabriele Mierzwa ordnet kleine Papierstücke nach Farben und sortiert sie in Strudel- oder Kreisform. Ihre Papierobjekten erzielen eine meditative Wirkung. Sie steht aber in ihrer systematischen Anordnung der Objekte im Gegensatz zum dynamischen Arbeitsprozess des Informel.
Malene Landgreen ist mit Lithografien von geometrischen Vierecken und Dreiecken vertreten. Ihre Arbeiten besitzen einen Bezug zur konzeptuellen Konkreten Kunst, die sich in abstrakten Kompositionen und visuellen Harmonien übt.

Abstrakte Kunst sucht die direkte Kommunikation mit uns. Sie benötigt keine gegenständliche Darstellung und kein Thema, um uns zu erreichen. Sie benötigt Offenheit gegenüber ihrer konsequenten Haltung. Lassen wir uns auf die Wildheit des dynamischen Informel oder der ordnenden Harmonie der Konkreten Kunst ein, dann beschenkt sie uns reichlich.

Ab dem 27. März zeigt die Stadt Schwentinental in den Räumen des Rathauses Werke des Künstlerpaares Renate Knauer und Mathias Wolf.
Renate Knauer, Schmuck- und bildende Künstlerin zeigt Malerei und Zeichnung, Mathias Wolf Malerei und Objekte. Die Arbeiten des Paares sind vielseitig, eigenwillig und überraschen oft mit ungewohnten Perspektiven.
Renate Knauer – Kunst mit Augenzwinkern
Renate Knauer, gebürtige Augsburgerin, renommierte und von der Akademie der Bildenden Künste München anerkannte Schmuckkünstlerin, ist in ihrem künstlerischen Schaffen immer auf der Suche nach Neuem und Ungewöhnlichem. Ihrer Phantasie scheinen dabei keine Grenzen gesetzt zu sein, in Material wie auch in Form. R. Knauers virtuoses Schaffen in allen Bereichen gleicht einer sinfonischen Dichtung, voller Poesie und Schönheit. Ihre Experimentierfreude spiegelt sich in ihren Schmuckobjekten genauso wieder wie in ihrem bildnerischen Werk, das Malerei, Zeichnung und Skulptur umfasst. Viele ihrer Zeichnungen gleichen Karikaturen, voller Witz und Ironie. Die Künstlerin thematisiert grundlegende gesellschaftliche Themen oder aktuelle Ereignisse, und bringt sie mit wenigen Strichen aufs Papier. Sparsam ausgearbeitet und pointiert.
Die zeichnerische Leichtigkeit offenbart sich auch im Pinselstrich ihrer Malerei. Hier arbeitet die Künstlerin oft spontan „en pleine air“. Die Bewegung im Pinselstrich, im temperamentvollen Umkreisen und Ausdruck der Form wird nachvollziehbar. Strudel und Wirbel, schnelle, gezielte Pinselstriche… – jene (inneren) Landschaften geraten in Aufruhr, und das leuchtende, kraftvolle Farbspiel unterstützt die expressive Dynamik in der Gestaltung. Ihre Bilder wechseln zwischen impressionistischen Landschaften und abstrakten Formen, die sich dem Betrachter mal offenbaren, mal wieder entziehen – geheimnisvoll und vielschichtig.

Mathias Wolf – Spiel mit Material und Wahrnehmung
 
Mathias Wolfs künstlerische Bandbreite ist so groß, dass es oft scheint, als wären es Werke von verschiedenen Künstlern. Wolf, bekannt durch seine großen Faden- und Netzinstallationen im Innen- und Außenbereich, die er sowohl in Deutschland als auch in den USA realisierte, arbeitet ebenso in den Bereichen Malerei, Objekt, Skulptur und Zeichnung, hier vorrangig Kugelschreiberzeichnungen, die in ihrer Ausarbeitung wohl als einzigartig bezeichnet werden können. Bei M.W.s Arbeiten lohnt es sich, genau und auch einmal länger hinzuschauen. Sein virtuoser Umgang mit Materialien und Techniken eröffnet überall interessante Details und Bezüge. Diese Fähigkeit macht es unter anderem auch möglich, scheinbar Unmögliches, ja geradezu Gegensätzliches zu verbinden. In seiner Malerei entstehen durch die Überlagerung mehrerer Techniken, Schichten, Ebenen und oder inhaltlicher Bezüge Räume. “Räume“ erschafft Wolf auch in seinen Fadenobjekten, angelehnt an seine Rauminstallationen. Es zeigen sich ruhige, verharrende, kontemplative Momente, aber auch komplex und verdichtet Dynamisches. Auf jeden Fall ist es ein Spiel mit dem Raum, in dem der Künstler mit der Trägheit des Auges spielt. Anders in den weiteren Objekten von Mathias Wolf. Hier greift der Künstler auch aktuelle Themen auf und interpretiert sie auf eine teils humorvolle Weise oder erforscht die “Seele“ des Materials und bringt sie in Bezug zum Bildgrund.

Es sind farbintensive poetische Bildwelten, die sich dem Betrachtenden zum Innenblick anbieten. Titel wie Meeting Fjälla oder From North to South, Tulikettus Dreams of Gozo entführen in die freien Räume verschütteter Anknüpfungen an Erzählungen und Erinnerungen unserer nordischen Ahnen.
Wilde Tiere begegnen sich in sparsam definierter Landschaft, oft mit kontrastreicher Kontur gemalt. Die Szenen scheinen entrückt und nicht von dieser Welt.
Seit 2025 widmet sich Mona Claudine ausschließlich ihrer Kunst und präsentiert ihre Werke nun in ihrer ersten Einzelausstellung in der Galerie 11.

Die Eröffnung findet statt am Sonnabend, 22. März 2025, um 17 Uhr mit einem Interview der Künstlerin, das dann als neue Episode bei Kultur und Wort, dem Kunstpodcast ausm Norden erscheint.
Dazu erscheint auch ein Katalog.

Zur Finissage am Sonnabend, 10. Mai, um 13 Uhr kommt Mona Claudine noch einmal in die Galerie.