Galerie RIECK zeigt auf der Carlshöhe in Eckernförde die Kunst des Nordens der letzten 100 Jahre – angefangen bei den Bornholm-Künstler:innen, über die dänischen Modernist:innen bis zu bekannten Vertreter:innen der nordischen Moderne. Im Fokus stehen ausgewählte Arbeiten renommierter Künstler:innen wie Olaf Rude, Kehnet Nielsen, Elke Hergert, Peter Skovgaard oder Menno Fahl. Ergänzt wird das Spektrum durch Neuentdeckungen mit neuen Ideen und Ausdrucksformen. So sind in der Galerie auf der Carlshöhe dauerhaft Gemälde, Skulpturen, Assemblagen, Textilobjekte und vieles mehr zu sehen. Wechselnde Themenausstellungen stellen darüber hinaus einzelne Arbeiten und Epochen in den Mittelpunkt.

tierisch nordisch …
… so der Titel der Ausstellung, welche gut 50 Werke von Uta Masch und Heino Karschewski im Oberlandesgericht Schleswig präsentiert.
Einem nordischen Impressionismus folgend entstehen mit zügigem, manchmal ungeduldigen Strich die abstrahierten Landschaften von Uta Masch in ihrem  Atelier auf der Carlshöhe in Eckernförde.
»Im Draußen atme ich die Natur ein – im Atelier male ich sie aus« so die Künstlerin.
Das erlaubt ihr, mittendrin im Motiv zu sein. Dabei vernachlässigt sie bewusst Details.
Die atmosphärische Gesamtwirkung übernimmt die Vervollständigung des Bildes.
Meist bewegt sie sich dabei in der von einer erdigen, Grau geprägten Farbpalette.
Mit ihren Werken möchte sie den Betrachter an ihrer Wertschätzung zum Leben in und mit der Natur teilhaben lassen und ihn für seine unmittelbare Umgebung begeistern.
Diese Einstellung teilt Uta Masch mit ihrem Künstlerkollegen Heino Karschewski.
„Ich höre hin was die Natur mir erzählt – und ich versuche allem Negativen etwas Positives entgegenzustellen“ so der Künstler.
Positive Ausstrahlung gepaart mit Tiefgründigkeit und norddeutscher Gelassenheit waren ihm in seinen Werken ein wichtiges Anliegen und so ließ er – mal streng realistisch, mal fast surreal anmutend – mit Pinsel und Farbe auf der Leinwand beinahe greifbares Leben entstehen. Heino Karschewski selber sprach von norddeutscher Gelassenheit in seiner Malerei. Seine starke Affinität zum Lebensraum Meer spiegelt sich dabei in vielen seiner Werke: Wellen und Wind, Möwen und Schiffe, Menschen und Eisbären, all das sind Motive, die der Kunstmaler in seinen Ölgemälden einfing.
Beide Künstler sind keine Freunde der lauten Farben oder turbulenten Szenerien in ihren Bildern. Eher ruhige Geister, die das strukturierte, bedachte Medium der Ölmalerei für sich gewählt haben.
Es sind stille, ruhige Szenen von hohem ästhetischem Reiz und positiver Strahlkraft. Gemeinsam ist ihnen, dass immer ein irgendwie erwartungsfrohes Schweigen in ihren Bildern liegt. Sowohl Uta Masch wie auch Heino Karschewski können auf eine lange Reihe von Ausstellungen im In- und Ausland zurückblicken.

tierisch nordisch …
… so der Titel der Ausstellung, welche gut 50 Werke von Uta Masch und Heino Karschewski im Oberlandesgericht Schleswig präsentiert.
Einem nordischen Impressionismus folgend entstehen mit zügigem, manchmal ungeduldigen Strich die abstrahierten Landschaften von Uta Masch in ihrem  Atelier auf der Carlshöhe in Eckernförde.
»Im Draußen atme ich die Natur ein – im Atelier male ich sie aus« so die Künstlerin.
Das erlaubt ihr, mittendrin im Motiv zu sein. Dabei vernachlässigt sie bewusst Details.
Die atmosphärische Gesamtwirkung übernimmt die Vervollständigung des Bildes.
Meist bewegt sie sich dabei in der von einer erdigen, Grau geprägten Farbpalette.
Mit ihren Werken möchte sie den Betrachter an ihrer Wertschätzung zum Leben in und mit der Natur teilhaben lassen und ihn für seine unmittelbare Umgebung begeistern.
Diese Einstellung teilt Uta Masch mit ihrem Künstlerkollegen Heino Karschewski.
„Ich höre hin was die Natur mir erzählt – und ich versuche allem Negativen etwas Positives entgegenzustellen“ so der Künstler.
Positive Ausstrahlung gepaart mit Tiefgründigkeit und norddeutscher Gelassenheit waren ihm in seinen Werken ein wichtiges Anliegen und so ließ er – mal streng realistisch, mal fast surreal anmutend – mit Pinsel und Farbe auf der Leinwand beinahe greifbares Leben entstehen. Heino Karschewski selber sprach von norddeutscher Gelassenheit in seiner Malerei. Seine starke Affinität zum Lebensraum Meer spiegelt sich dabei in vielen seiner Werke: Wellen und Wind, Möwen und Schiffe, Menschen und Eisbären, all das sind Motive, die der Kunstmaler in seinen Ölgemälden einfing.
Beide Künstler sind keine Freunde der lauten Farben oder turbulenten Szenerien in ihren Bildern. Eher ruhige Geister, die das strukturierte, bedachte Medium der Ölmalerei für sich gewählt haben.
Es sind stille, ruhige Szenen von hohem ästhetischem Reiz und positiver Strahlkraft.
Gemeinsam ist ihnen, dass immer ein irgendwie erwartungsfrohes Schweigen in ihren Bildern liegt.
Sowohl Uta Masch wie auch Heino Karschewski können auf eine lange Reihe von Ausstellungen im In- und Ausland zurückblicken.

tierisch nordisch

… so der Titel der Ausstellung, welche gut 50 Werke von Uta Masch und Heino Karschewski im Oberlandesgericht Schleswig präsentiert.

Einem nordischen Impressionismus folgend entstehen mit zügigem, manchmal ungeduldigen Strich die abstrahierten Landschaften von
Uta Masch in ihrem Atelier auf der Carlshöhe in Eckernförde.
»Im Draußen atme ich die Natur ein – im Atelier male ich sie aus« so die Künstlerin.
Das erlaubt ihr, mittendrin im Motiv zu sein. Dabei vernachlässigt sie bewusst Details.
Die atmosphärische Gesamtwirkung übernimmt die Vervollständigung des Bildes.
Meist bewegt sie sich dabei in der von einer erdigen, Grau geprägten Farbpalette.
Mit ihren Werken möchte sie den Betrachter an ihrer Wertschätzung zum Leben in und mit der Natur teilhaben lassen und ihn für seine unmittelbare Umgebung begeistern.

Diese Einstellung teilt Uta Masch mit ihrem Künstlerkollegen Heino Karschewski.

„Ich höre hin was die Natur mir erzählt – und ich versuche allem Negativen etwas Positives entgegenzustellen“ so der Künstler.
Positive Ausstrahlung gepaart mit Tiefgründigkeit und norddeutscher Gelassenheit waren ihm in seinen Werken ein wichtiges Anliegen
und so ließ er – mal streng realistisch, mal fast surreal anmutend – mit Pinsel und Farbe auf der Leinwand beinahe greifbares Leben entstehen.
Heino Karschewski selber sprach von norddeutscher Gelassenheit in seiner Malerei. Seine starke Affinität zum Lebensraum Meer
spiegelt sich dabei in vielen seiner Werke: Wellen und Wind, Möwen und Schiffe, Menschen und Eisbären, all das sind Motive, die der Kunstmaler in seinen Ölgemälden einfing.

Beide Künstler sind keine Freunde der lauten Farben oder turbulenten Szenerien in ihren Bildern.
Eher ruhige Geister, die das strukturierte, bedachte Medium der Ölmalerei für sich gewählt haben.
Es sind stille, ruhige Szenen von hohem ästhetischem Reiz und positiver Strahlkraft.

Gemeinsam ist ihnen, dass immer ein irgendwie erwartungsfrohes Schweigen in ihren Bildern liegt.
Sowohl Uta Masch wie auch Heino Karschewski können auf eine lange Reihe von Ausstellungen im In- und Ausland zurückblicken.

Uta Masch & Heino Karschewski
Ausstellung tierisch nordisch
19. Februar – 18. August 2026
Mo-Do 8-15 Uhr , Fr 8-13 Uhr

tierisch nordisch

… so der Titel der Ausstellung, welche gut 50 Werke von Uta Masch und Heino Karschewski im Oberlandesgericht Schleswig präsentiert.

Einem nordischen Impressionismus folgend entstehen mit zügigem, manchmal ungeduldigen Strich die abstrahierten Landschaften von
Uta Masch in ihrem Atelier auf der Carlshöhe in Eckernförde.
»Im Draußen atme ich die Natur ein – im Atelier male ich sie aus« so die Künstlerin.
Das erlaubt ihr, mittendrin im Motiv zu sein. Dabei vernachlässigt sie bewusst Details.
Die atmosphärische Gesamtwirkung übernimmt die Vervollständigung des Bildes.
Meist bewegt sie sich dabei in der von einer erdigen, Grau geprägten Farbpalette.
Mit ihren Werken möchte sie den Betrachter an ihrer Wertschätzung zum Leben in und mit der Natur teilhaben lassen und ihn für seine unmittelbare Umgebung begeistern.

Diese Einstellung teilt Uta Masch mit ihrem Künstlerkollegen Heino Karschewski.

„Ich höre hin was die Natur mir erzählt – und ich versuche allem Negativen etwas Positives entgegenzustellen“ so der Künstler.
Positive Ausstrahlung gepaart mit Tiefgründigkeit und norddeutscher Gelassenheit waren ihm in seinen Werken ein wichtiges Anliegen
und so ließ er – mal streng realistisch, mal fast surreal anmutend – mit Pinsel und Farbe auf der Leinwand beinahe greifbares Leben entstehen.
Heino Karschewski selber sprach von norddeutscher Gelassenheit in seiner Malerei. Seine starke Affinität zum Lebensraum Meer
spiegelt sich dabei in vielen seiner Werke: Wellen und Wind, Möwen und Schiffe, Menschen und Eisbären, all das sind Motive, die der Kunstmaler in seinen Ölgemälden einfing.

Beide Künstler sind keine Freunde der lauten Farben oder turbulenten Szenerien in ihren Bildern.
Eher ruhige Geister, die das strukturierte, bedachte Medium der Ölmalerei für sich gewählt haben.
Es sind stille, ruhige Szenen von hohem ästhetischem Reiz und positiver Strahlkraft.

Gemeinsam ist ihnen, dass immer ein irgendwie erwartungsfrohes Schweigen in ihren Bildern liegt.
Sowohl Uta Masch wie auch Heino Karschewski können auf eine lange Reihe von Ausstellungen im In- und Ausland zurückblicken.

Uta Masch & Heino Karschewski
Ausstellung tierisch nordisch
19. Februar – 18. August 2026
Mo-Do 8-15 Uhr , Fr 8-13 Uhr

Gärten und Bücher sind von jeher die ideale Kombination – beide sind wie nichts anderes dazu geeignet, darin einzutauchen, die Seele baumeln, sich inspirieren zu lassen. Und das klappt in beide Richtungen: Lesende (und natürlich auch Schreibende) lassen sich von Gärten und Gärtnernde sich von Büchern inspirieren.
Die Geschichte der Gartenbücher und Büchergärten erzählt diese Ausstellung, die vom 25. Februar bis 20. Juni besichtigt werden kann, anhand von Büchern aus dem Bestand der Eutiner Landesbibliothek.

„Signs of Control“ arbeitet mit einem Motivtyp, der im Alltag kaum auffällt: Schilder, die Verhalten regeln. „Kein Eingang“, „Ballspielen nicht erlaubt“, „Düne betreten verboten“, „Überflutungsgefahr“, „Notausgang freihalten“ – kurze, imperative Sätze, ergänzt um Piktogramme, Pfeile und Ortsangaben wie Wyk oder Sylt. Es sind Texte, die nicht gelesen, sondern befolgt werden sollen.

Die Serie greift diese Schilder fotografisch auf und unterzieht sie einem klar strukturierten Transformationsprozess. In der Chromalayer-Technik werden die Vorlagen in Farbebenen zerlegt, farblich neu interpretiert und als Schichtstruktur aufgebaut. Der industrielle Träger – gebürstetes Aluminium – bleibt sichtbar und wird Teil der Bildlogik: Die metallische Oberfläche schimmert durch die Farbschichten, trägt Reflexe, unterläuft jede Illusion von Tiefe. Die Motive bleiben plan; es gibt keine „Landschaft“ hinter dem Schild, sondern Oberfläche, Raster, Material.

Wichtig ist, dass das Schild nach der Bearbeitung wieder als Schild erscheint. Rahmung, Schraublöcher, Kanten, Typografie – all das bleibt erkennbar. Aber die Umgebung ist in ihrer Farbigkeit überzeichnet und grafisch verdichtet. Die Hinweise wirken vertraut und zugleich aus dem Zusammenhang gelöst. Sie stehen nicht mehr konkret an einer Tür, am Deich oder auf einem Hof, sondern in einem Bildraum, der genau diese Funktionalität aussetzt. Die Autorität des Textes bleibt, sein Anlass verschwindet.

Damit bewegt sich die Arbeit in einer Traditionslinie von Kunst, die mit Sprache im Bild arbeitet: von der Konzeptkunst und Textkunst der 1960er/70er Jahre – etwa bei Jenny Holzer oder Barbara Kruger – bis hin zu fotografischen Serien, die Infrastruktur und Beschilderung als Bestandteil gesellschaftlicher Ordnung untersuchen. Ein Einfluss aus einer frühen künstlerischen Förderung durch Gerhard Winner zeigt sich in der konstruktiven, seriellen Behandlung der Zeichen. Zugleich gibt es eine Nähe zur dokumentarischen Fotografie von Schildern und Schriftzügen, die hier jedoch nicht im dokumentarischen, sondern im konstruktiven Sinn weitergeführt wird: Nicht das Auffinden, sondern das Neuaufbauen der Zeichen steht im Zentrum.

Die Serie zeigt eine Grammatik der Steuerung: Verbote, Warnungen, Instruktionen. Fast alle Tafeln sprechen im Imperativ, vermeiden ich- oder wir-Formen und verwenden eine sachliche, funktionale Typografie. Begriffe wie „Schutzdeich“, „Hafengebiet“ oder Formulierungen wie „Benutzung auf eigene Gefahr“ markieren konkrete Situationen. Die Bilder legen frei, dass diese Sprache nicht neutral ist, sondern wirksam: Sie definiert, wer sich wie wo bewegen darf.

Viele der Schilder stammen aus einem konkreten regionalen Umfeld und tragen Spuren davon – durch Ortsangaben wie Wyk oder Sylt sowie einzelne Hinweise auf lokale Nutzungssituationen. Dieser Aspekt öffnet eine zweite Leseschicht: Für Betrachterinnen und Betrachter, die den Ort kennen, entstehen Momente des Wiedererkennens oder Vermutens.

„Signs of Control“ untersucht Beschilderung als Schnittstelle zwischen Text, Raum und Verhalten. Die Arbeiten dokumentieren nicht einfach vorhandene Schilder, sondern verhandeln ihre Funktionsweise im Bild. Der Druck auf gebürstetes Aluminium, die Verdichtung der Farben, das Festhalten an der Form des Schildes – all das macht sichtbar, wie ästhetisch präzise diese funktionalen Gegenstände gestaltet sind. Was im Alltag als nüchterne Information erscheint, zeigt sich hier als gestaltete Oberfläche, die Verhalten steuert.

Carl Maria von Weber neu entdecken.
Tonkunst gemeinsam erleben.
Schleswig‐Holsteins Erbe bewahren.

Schleswig-Holstein begeht in diesem Jahr seinen runden Landesgeburtstag unter dem Motto echt achtzig. SH. Außerdem jähren sich der 240. Geburtstag und der 200. Todestag des schleswig-holsteinischen Komponisten Carl Maria von Weber. Geboren wurde er in der Festspielstadt Eutin. In der Lübecker Straße 48 nahm vor 240 Jahren eine internationale Musikgeschichte ihren Anfang. Damit treffen im Jahr 2026 mehrere kulturhistorisch bedeutsame Jubiläen zusammen.

Die virtuelle Ausstellung zeigt Carl Maria von Weber als Teil einer bis heute lebendigen Erinnerungslandschaft zwischen Eutin, Schleswig-Holstein, Bühne, Archiv und bürgerschaftlichem Engagement.

Der digitale Parcours ist als „Ausstellung in vier Akten“ angelegt: Vier Räume, vier Themen: „SPURENsuche“ widmet sich Weber in Eutin, „ZEITräume“ historischen Zusammenhängen und biografischen Stationen, „SPIELzeit zeigt die Eutiner Festspieltradition im Wandel. Der Schlussakt namens „NACHklang“ richtet den Blick auf Erinnerung und Bürgerengagement und soll zeigen, wie wertvoll auch nach acht Jahrzehnten das Weitertragen dieses kulturellen Erbes für kommende Generationen ist. Im Laufe des Jubiläumsjahres 2026 bieten sich mehrere Anlässe und Sonderthemen, um die virtuellen Räume immer wieder neu zu besuchen.

Zugang über diese Website:
carlmariavonweber.de

Und hier entsteht im wahrsten Sinne des Wortes von Ernst W.Gombrich ein Brutkasten/ein Quadrat mit insektenfreundlichen Pflanzen. Im Laufe der Zeit wird sich dieses quadratische Bild vielfarbig entwickeln und von oben betrachtet vielleicht an niederländische Blumen-Stillleben erinnern. Ein Angebot zum Staunen, Lachen, Erfreuen und natürlich auch zum Ärgern.
Ich arbeite nahe an der Natur des „Weltnaturerbe Wattenmeer“, gleichsam aus ihr heraus. Meine Arbeiten sind keine Gegenentwürfe zur Stadt und zu „UrbanArt“, sondern tendieren dazu, einzig in der Natur aufzugehen. Dabei erscheint häufig die dunkle, ocker- oder sepiahafte sandige und schlickhafte Fläche am Strand und im Watt oder die grüne Seite der Landschaft der Insel Föhr in meinem Fokus. Ich sehe die Vorgänge als Sinnbilder dessen, was uns im Leben zustößt; es ist keine Kunst der künstlerischen Idylle. Die Materialien sind strikt natürlich.

Diese Kunstrichtung geht zurück auf Werke von Walter de Maria, Robert Smithson und Robert Morris. Mit ihren „Earthworks“ wollten diese Künstler, angesichts der gewaltigen Umweltprobleme, einen Appell an die Menschheit richten. Ihre Kunstwerke sollten die Menschen motivieren, ihr Verhältnis zur Natur zu überdenken, und wenn möglich wieder in ein Gleichgewicht bringen. „Land-Art“ und „Nature-Art“ wurden dabei zur wichtigsten Richtung in der Avantgarde.

Die Aktionskunst, ihrer Natur nach vergänglich, kann allerdings nur in den Kommunikationsprozess eintreten, wenn sie fotografisch dokumentiert werden. Konzept und Arbeitsprozess werden parallel genau so wichtig, als die „Ästhetik des Objekts“ das daraus resultiert.

Viele dieser Projekte zeichnen sich durch ihre Vergänglichkeit aus, weshalb sie durch S&W- und Farbfotografien, Videos und kleinen Texten dokumentiert werden. Die Absicht des Künstlers ist es nicht, seine Spuren in der Landschaft zu hinterlassen, sondern intuitiv in ihr zu arbeiten, sodass seine Werke, wie z.B. das Quadrat, so flüchtig sie auch immer sein mögen, eine einfühlende Beziehung zur Natur manifestieren. Es ist der Blick zurück hin zur Entdeckung des „ästhetischen Augenblicks“.

Die Freiheit der Kunst im öffentlichen Raum ist nicht selten eine Zumutung. Sich trotzdem zu positionieren und das auszuhalten, macht eine funktionierende Demokratie in ihrem Kern aus. Für den Künstler, wie für den Betrachter!

Die dritte Ausstellung des Jahres vom Kunstverein Elmshorn steht in den Startlöchern: Vom 25. April bis 05. Juni 2026 stellt die Hamburger Künstlerin Katharina Duwe ihre Arbeiten im Rahmen der Ausstellung „ZERBRECHLICHE WELT“ im Torhaus Elmshorn aus.

In ihren großformatigen Werken entwirft die bekannte Hamburger Künstlerin Katharina Duwe fiktive Stadtlandschaften: Ein komplexes, fast kaleidoskopartiges Zusammenspiel aus zivilisatorischen Versatzstücken und wuchernder Natur. Es ist ein visuelles Ringen um die Frage: Erobert der urbane Raum das letzte Grün oder schlägt die Vegetation unaufhaltsam zurück? Während in der Serie »Urbanität« die Architektur dominiert, taucht in den »Stadtmenschen« das Individuum nur noch als schattenhafte Figur auf – gefangen im künstlichen Licht einer durchstrukturierten Welt. Einen intimen Gegenpol bildet die kleinformatige Serie »Lichtreflexe«, in denen das nächtliche Leuchten der Großstadt in Malerei umgesetzt wird.

Katharina Duwe gehört zu den prägenden Positionen der zeitgenössischen Malerei in Hamburg. Aus einer bedeutenden Künstlerfamilie hervorgegangen – als Tochter von Harald Duwe und Heilwig Duwe-Ploog – hat sie eine unverwechselbare künstlerische Handschrift entwickelt, die weit über die Region hinaus Beachtung findet. Internationale Arbeitsaufenthalte von New York bis Marrakesch prägen ihr Werk ebenso wie ihre langjährigen Lehrtätigkeiten. Zahlreiche Auszeichnungen und die Präsenz ihrer Arbeiten in renommierten öffentlichen wie privaten Sammlungen unterstreichen ihre künstlerische Bedeutung.

Ihr Werk ist weit mehr ist als reine Bildproduktion – es ist eine intensive, jahrzehntelange Auseinandersetzung mit der Frage, wie wir als Menschen in einer sich rasant verändernden Welt leben. Ihre eindringlichen, atmosphärisch dichten Bildwelten bewegen sich souverän zwischen Realität und Imagination und ziehen den Betrachter unmittelbar in ihren Bann. Ihre Malerei fordert den Blick heraus. Sie zeigt keine fertigen Antworten, sondern öffnet Räume, die man selbst entdecken muss. Genau darin liegt ihre Kraft: Wer sich auf Duwes Werke einlässt, wird nicht nur Zuschauer, sondern Teil des Bildgeschehens. Besonders die Dynamik der Großstadt wird bei ihr zu einem Sinnbild unserer Gegenwart: zwischen Schönheit, Überforderung und der Suche nach Orientierung.

Die Ausstellung endet mit einer Finissage und einem Künstlergespräch am letzten Ausstellungstag, am Freitag, den 5. Juni 2025 von 16.00 bis 18.00 Uhr. Frau Katharina Duwe wird persönlich anwesend sein und für Fragen und Gespräche zur Verfügung stehen.

Ein besonderes Highlight: Im Zuge dieser Ausstellung bietet der Kunstverein Elmshorn einen Workshop für Jugendliche am 28.05.2026 von 16.30 – 19.00 h an, der von Susanne Berger und Amelie Sommer geleitet wird. Dieser Workshop bietet Jugendlichen zwischen 10 und 16 Jahren die Möglichkeit, sich intensiv mit Kunst im Rahmen der Ausstellung von Katharina Duwe auseinanderzusetzen – sowohl in Theorie als auch in Praxis. Mit diesem Workshop soll die Freude an der Kunstbetrachtung entfacht und die eigene Kreativität geweckt werden. Die Teilnahme-/Materialgebühr beträgt 10 Euro. Anmeldungen bis zum 21.05.2026 bitte an info@kunstverein-elmshorn.de.

Die Ausstellung ist zu den regulären Öffnungszeiten des Kunstvereins Elmshorn im Torhaus geöffnet. Der Eintritt ist frei.

Öffnungszeiten:
Mittwoch – Freitag: 10–12 Uhr und 16–18 Uhr
Samstag & Sonntag: 11–13 Uhr

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Info: Keine Gruppenveranstaltung

Kontakt:
Gitronik Handpans&More Hamburg
Fuhlsbüttlerstraße 681 Hamburg-Ohlsdorf
040-5000990 Mail: info(at)gitronik.de

Die Installation „Zug des Lebens“ ist in ständiger Bewegung – ohne Unterbrechung. Für die Lübecker Künstlerin Maike Remane wird der Zug zum Sinnbild ihrer Lebensreise.
Einzelne Waggons mit zahlreichen Abteilen tragen 100 Kunstwerke im Format DIN A5 – Impressionen einer fortwährenden Reise. Menschen steigen ein, begleiten ein Stück des Weges und steigen wieder aus, während andere hinzukommen. Begegnungen, Erlebnisse und Erinnerungen verdichten sich zu einem kontinuierlichen Fluss.
Die Werke spiegeln diese Vielfalt wider: mal leicht und suchend, mal pastos und kraftvoll. Jedes einzelne Bild ist Ausdruck eines Moments, skizzenhaft und schemenhaft inszeniert.
Die 100 Arbeiten bewegen sich gemeinsam im „Zug des Lebens“, nehmen Fahrt auf und erzählen von Veränderung und Übergang. Dazwischen öffnen weiße Leerstellen Raum für Neues – für unbekannte Ziele, zukünftige Begegnungen und das, was noch kommt.
Die Betrachtenden werden selbst zum Passagier. Ohne sich zu bewegen, taucht er/sie ein, geht in Resonanz, begleitet eine Etappe – und nimmt innerlich Fahrt auf.
Reiseziel: Leben. Im Zug des Lebens.

„Vertraute Formen an unerwarteten Stellen“. So beschreibt die Künstlerin Anja Müggenburg (1972) ihre phantasievollen, mit Fineliner und Buntstiften erstellten „Kosmen“ in ihren Bildern. Ihre Bewunderung für die Schöpfung zeigt sie uns, indem sie Teile von Tier- und Pflanzenwelt neu miteinander in unerwarteter Weise vernetzt. Es lohnt sich genau hinzuschauen. Entdecken Sie für sich die „fabelhafte Welt“ der Anja Müggenburg!

Daneben zeigt die Kunstsammlung der Gemeinde Zeichnungen, Radierungen, Aquarelle von Erich Duggen, Heinrich Kuhn, Gerd Uschkereit, Gisela Kleinschmidt, Georg Panskus und Tom Kosbab.

„Vertraute Formen an unerwarteten Stellen“. So beschreibt die Künstlerin Anja Müggenburg (1972) ihre phantasievollen, mit Fineliner und Buntstiften erstellten „Kosmen“ in ihren Bildern. Ihre Bewunderung für die Schöpfung zeigt sie uns, indem sie Teile von Tier- und Pflanzenwelt neu miteinander in unerwarteter Weise vernetzt. Es lohnt sich genau hinzuschauen. Entdecken Sie für sich die „fabelhafte Welt“ der Anja Müggenburg!

Daneben zeigt die Kunstsammlung der Gemeinde Zeichnungen, Radierungen, Aquarelle von Erich Duggen, Heinrich Kuhn, Gerd Uschkereit, Gisela Kleinschmidt, Georg Panskus und Tom Kosbab.

Jeden einzelnen von uns beschäftigen irgendwann die wichtigen Fragen des Lebens. Angst, Trauer, das Gefühl von Ausweglosigkeit oder Verlassenheit sind ebenso von zentraler Bedeutung wie Zuspruch, Hilfe, Angenommensein und soziale Sicherheit. Als ehemaligem Gläubigen und heutigem Agnostiker begeistern mich auf meiner künstlerischen Suche auch die Themen der Bibel. Sie beschreibt in ihren Gleichnissen und Geschichten zentrale menschliche Bedürfnisse. Diese begegneten mir auch in meinem Leben als Hausarzt im Kreis Pinneberg in vielfältiger Weise. Die Auseinandersetzung damit schließt allerdings – wie fast alle wichtigen Ereignisse unseres Lebens – den Zweifel mit ein. Will ich wirklich, dass jemand alle meine Gedanken kennt? Es bleibt oft eine gewisse Unklarheit, ein Vielleicht, ein Möglicherweise. Hier begründet sich die bewusst zugelassene gestalterische Unschärfe in meiner Bildern.

Führung am 4.6.26, 10 Uhr

Jeden einzelnen von uns beschäftigen irgendwann die wichtigen Fragen des Lebens. Angst, Trauer, das Gefühl von Ausweglosigkeit oder Verlassenheit sind ebenso von zentraler Bedeutung wie Zuspruch, Hilfe, Angenommensein und soziale Sicherheit. Als ehemaligem Gläubigen und heutigem Agnostiker begeistern mich auf meiner künstlerischen Suche auch die Themen der Bibel. Sie beschreibt in ihren Gleichnissen und Geschichten zentrale menschliche Bedürfnisse. Diese begegneten mir auch in meinem Leben als Hausarzt im Kreis Pinneberg in vielfältiger Weise. Die Auseinandersetzung damit schließt allerdings – wie fast alle wichtigen Ereignisse unseres Lebens – den Zweifel mit ein. Will ich wirklich, dass jemand alle meine Gedanken kennt? Es bleibt oft eine gewisse Unklarheit, ein Vielleicht, ein Möglicherweise. Hier begründet sich die bewusst zugelassene gestalterische Unschärfe in meiner Bildern.

Führung am 4.6.26, 10 Uhr

Fotografie fesselt uns immer wieder aufs Neue. Gabriele Marl beherrscht ihr Fotografen-Handwerk im klassischen Sinne und ist mit allen Prozessen der manuellen Fertigung vertraut. Ihre Fotografie, die Wahl der Themen, Techniken und Ausarbeitungen, verschiedenste Druckverfahren und buchbinderische Unsetzungen ergeben eine unverwechselbare Handschrift.

„New York war ein unerschöpflicher Raum… es hinterließ in ihm das Gefühl, verloren zu sein… New York war das Nirgendwo… der verlorenste, der elendste aller Orte… Die Zerbrochenheit ist allgegenwärtig, die Unordnung universal“. So zornige Urteile von Paul Auster in seiner New-York-Trilogie über den Charakter der Metropole. Orientierungslos nach einer Ankunft in der Nacht, gebannt durch die völlige Fremdheit gegenüber dem urbanen Wirrwarr, das Misstrauen gegenüber der eigenen Vorstellung von Sicherheit. Am Morgen im Fahrstuhl, im SkyPod, Metropolgeschichte im Sekundentakt, bei einer Geschwindigkeit von über zehn Meter pro Sekunde. Dann ein Vorhang, ein abruptes Öffnen auf 406 Meter Höhe: Manhattan – Staunen wäre untertrieben, eine neue, andere Welt. Eine Entdeckung, die zur Kreativität anspornt, die Fantasie entführt. An jedem Häuserblock entzündet sich ein Erzählstrom in einem unerschöpflichen Raum. Die Bilder entlaufen in einem Labyrinth der Eindrücke. Sie streiten um ihre Eigenheit, um ihre Identität als Ausdruck künstlerischer Autonomie.
Berthold Grzywatz geht auf einen sehr persönlichen Gang durch New York, der allseits Bekanntes nicht ausspart, aber stets das individuelle Erleben verfolgt: Das Verweben von außen und innen, die entfesselte Urbanität, Symbole, der berauschende Blick auf die Konsumwelt, Bauten, Szenen, Lichter, das Innenleben, aber auch die Erinnerung an Gewalt und Terror wird in aufregenden Bildern festgehalten. Das New-York-Portrait korrespondiert mit Metallskulpturen, die sich linearen Strukturen fügen, aber auch durch die Behandlung ihres Materials in emotionale Tiefen entführen.

Bis Ende Juni 2026 präsentiert die Sparkassenstiftung zahlreiche Werke im „Konvolut 2“ der Privatsammlung Miethke (Molfsee), die der Sparkassenstiftung als Vorlass übergeben wird.

Sie beinhaltet die Werke mehrerer zeitgenössischer Künstlerinnen und Künstler aus Schleswig-Holstein. Im Jahr 2024/2025 wurde bereits eine Auswahl als „Konvolut 1“ im Finanzministerium ausgestellt.

Es beginnt mit etwas Kleinem: einer Gräte. Fein, widerspenstig, fast unsichtbar. Sie bleibt im Hals stecken und plötzlich entsteht Kommunikation. Vielleicht liegt genau darin ihre Kraft. Die Gräte unterbricht den glatten Ablauf der Dinge. Sie zwingt zum Innehalten. Der Fisch ist seit Jahrhunderten ein starkes Bild der Kunst. Picasso zeichnete und modellierte immer wieder Fische — manchmal mediterran leicht, manchmal aggressiv zerlegt wie in einem anatomischen Experiment. In seinen Stillleben erscheinen Fische oft als stille Gegenstände zwischen Messer, Tisch und Zeitung — Nahrung und Form zugleich.

Salvador Dalí machte aus Fischen surrealistische Traumwesen. Bei ihm werden sie weich, monströs oder erotisch aufgeladen. Joan Mirós Fischformen schweben wie Hieroglyphen durchs Bild — reduziert, verspielt, fast kindlich kosmisch. Damien Hirst zeigt tote Tiere und konservierte Körper oft mit kalter klinischer Distanz. Auch Fische erscheinen bei ihm als Objekte zwischen Wissenschaft und Konsum. Frank Gehry ist dazwischen ein interessanter Sonderfall: Er entwarf riesige Fischskulpturen und benutzte die Fischform als architektonische Struktur. Paul Klee machte ihn schließlich in seiner Arbeit „Der Goldfisch“ zu einem leuchtenden Traumwesen — geheimnisvoll und poetisch. Bei Joseph Beuys dagegen erscheint der Fisch oft nur noch als Rest: als Gräte, Knochen oder Spur eines Lebens. Der Fisch wird Material, Erinnerung und gesellschaftliches Zeichen zugleich. Genau zwischen diesen Polen bewegt sich FISCHEINS. Der Fisch ist hier nicht bloß Nahrung oder Dekoration. Er wird Symbolträger. Die Gräte darin erinnert daran, dass unter jeder glatten Oberfläche ein Gerüst verborgen liegt. Die Gräte.

Der DRILLIG grätenfrei treibt dieses Spiel weiter. Schon der Name erzeugt Spannung. Der Drilling — eigentlich der dreifache Angelhaken — steht für Fang, Widerstand und Verletzung. Doch „grätenfrei“ klingt nach Sicherheit, Komfort und makellosem Konsum. Daraus entsteht ein poetischer Widerspruch. Denn unsere Gegenwart liebt das Glatte. Den Fisch ohne Gräte. Die Erfahrung ohne Risiko. Aber Kunst beginnt oft genau dort, wo etwas hängen bleibt. Vielleicht erklärt das auch die mediale Aufmerksamkeit rund um die Gräte im Fischbrötchen. Nicht das Perfekte erzeugt Gespräch, sondern die kleine Störung. Die Gräte wird zum Satzzeichen zwischen Natur und Kultur. So erscheint FISCHEINS wie eine poetische Gegenbewegung zur vollständigen Glättung der Welt. Der Fisch bleibt Zeichen. Die Gräte bleibt Widerstand. Und der DRILLIG grätenfrei wird zu einer Figur zwischen Ironie, Konsumkritik und Kunst. Denn manchmal beginnt Bedeutung genau dort, wo etwas quer sitzt. Oder am Ende schließlich an der Wand hängt.

Und wenn es nur ein Drilling ist!

Kalligraphische Werke von Heidi Niehaus
Illustrationen von Miriam Lange

Die eine klebt gerissenes und geschnittenes Papier zu frischen Figuren zusammen, der andere fertigt seine hölzernen Menschen und Tiere mit der Kettensäge. Beide haben es nicht so mit der Akkuratesse. Das haben sie schon mal gemeinsam.

Jetzt werden Iris Menges und Peer Oliver Nau in der Galerie 11, Itzehoe, erstmalig in einer Ausstellung nebeneinander gezeigt.

Iris Menges, geb. 1970, studierte in Kiel Kunst und Didaktik und arbeitet in der alten Kranwerkstatt, einem urigen Atelierhaus am Kanal in Rendsburg. Mit einer unaufhaltsamen Abenteuerlust verfolgt sie neue Gestaltungswege, um Menschen und ihre Menschlichkeit darzustellen.

Peer Oliver Nau, geb. 1971, studierte unter anderem Holzgestaltung in Zwickau sowie Kunst im öffentlichen Raum und Raumstrategien in Weimar. Er lebt in Berlin und nahe Lübeck. Seine grob gearbeiteten Holzfiguren sind in poppigen Farben bemalt und haben ihren eigenen Charme.

Zur Eröffnung am Sonnabend, 16. Mai, kamen Iris Menges und Peer Oliver Nau in die Galerie 11 und wurden um 17 Uhr in einem Interview vorgestellt, das demnächst bei Kultur und Wort, dem Kunstpodcast ausm Norden, erscheint.

Jetzt läuft die Ausstellung bis zum 27. Juni 2026.
Zwischendurch, am Freitag, 5. Juni, um 18 Uhr kommt die Schriftstellerin Anja Marschall zu einem Grandhotel-Abend zu uns, um zu lesen und zu erzählen. Tickets kosten 12€/ AK 15€.
Gleich danach, am Sonntag, 7. Juni, bietet Iris Menges selbst einen Collage-Workshop an: Ausdrücke finden. Melde dich gerne an!

„Der Stein der Selene“ von Ingo Warncke und Jürgen Wesseler befindet sich am Außenhafen/ ehem. Anleger der Elbfähre. Das Werk ist wenigstens in Europa einzigartig und macht nur durch den Tidenhub der Elbe bewegt, die Mondphase (z.B. Halbmond) sichtbar.

Der Kreis der Künste in Eutin veranstaltet wieder eine Gemeinschaftsausstellung, an der sich ein großer Teil der Kunstschaffenden präsentiert. Aquarelle, Öl-und Acrylmalerei, Holzschnitte, Skulpturen aus Ton, Book-Art etc.,…….. wir zeigen einen Querschnitt unseres künstlerischen Schaffens in den schönen Ausstellungsräumen des Kulturbahnhofes in Eutin (KuBah).
Die Ausstellung wird am Sonntag, 24.Mai 2026, 15:04 Uhr mit einer Vernissage eröffnet.

Die eine klebt gerissenes und geschnittenes Papier zu frischen Figuren zusammen, der andere fertigt seine hölzernen Menschen und Tiere mit der Kettensäge. Beide haben es nicht so mit der Akkuratesse. Das haben sie schon mal gemeinsam.

Jetzt werden Iris Menges und Peer Oliver Nau in der Galerie 11, Itzehoe, erstmalig in einer Ausstellung nebeneinander gezeigt.

Iris Menges, geb. 1970, studierte in Kiel Kunst und Didaktik und arbeitet in der alten Kranwerkstatt, einem urigen Atelierhaus am Kanal in Rendsburg. Mit einer unaufhaltsamen Abenteuerlust verfolgt sie neue Gestaltungswege, um Menschen und ihre Menschlichkeit darzustellen.

Peer Oliver Nau, geb. 1971, studierte unter anderem Holzgestaltung in Zwickau sowie Kunst im öffentlichen Raum und Raumstrategien in Weimar. Er lebt in Berlin und nahe Lübeck. Seine grob gearbeiteten Holzfiguren sind in poppigen Farben bemalt und haben ihren eigenen Charme.

Zur Eröffnung am Sonnabend, 16. Mai, kamen Iris Menges und Peer Oliver Nau in die Galerie 11 und wurden um 17 Uhr in einem Interview vorgestellt, das demnächst bei Kultur und Wort, dem Kunstpodcast ausm Norden, erscheint.

Jetzt läuft die Ausstellung bis zum 27. Juni 2026.
Zwischendurch, am Freitag, 5. Juni, um 18 Uhr kommt die Schriftstellerin Anja Marschall zu einem Grandhotel-Abend zu uns, um zu lesen und zu erzählen. Tickets kosten 12€/ AK 15€.
Gleich danach, am Sonntag, 7. Juni, bietet Iris Menges selbst einen Collage-Workshop an: Ausdrücke finden. Melde dich gerne an!

Mit der neuen Ausstellung zeigt Galerie RIECK zum ersten Mal im Rahmen einer „Fokus“-Ausstellung zahlreiche Werke der dänischen Künstlerin Siri Gindesgaard. Es sind ca. 20 neue und besondere Gemälde der sensiblen Malerin zu sehen. Die Ausstellung steht im Mittelpunkt der Galerie. Ergänzend werden eine Auswahl skandinavischer Kunst der letzten Jahrzehnte präsentiert – von Positionen der Klassischen Moderne bis zu Zeitgenössischen Sichtweisen. So treten die Werke von Siri Gindesgaard in einen Dialog mit unterschiedlichen künstlerischen Ideen und anderen Epochen. Alle Werke stehen zum Verkauf.

Siri Gindesgaard zählt zu den besonderen Vertreterinnen zeitgenössischer figurativer Malerei in Skandinavien. Ihre weiblichen Figurenszenen und Stillleben sind von sanfter Intensität und stimmungsvoller Ruhe geprägt. Sie schafft es mit ihren Arbeiten Momente festzuhalten, bei denen eine besondere Spannung zwischen dem realen Motiv und dem sichtbaren Malprozess entsteht.

Im Zentrum ihrer Werke stehen häufig weibliche Figuren, meist in ruhenden, sitzenden oder liegenden Positionen. Die dargestellten Frauen wirken in sich gekehrt, nachdenklich oder in einem stillen Moment. Diese Posen öffnen einen Raum für Reflexion und Selbstbefragung – sowohl bei den dargestellten Figuren als auch beim Betrachtenden. Es geht um Stimmungen, Erinnerungen und emotionale Zustände, die sich im Bild verdichten. Die Künstlerin beschreibt ihre Malerei selbst als Arbeit mit Gefühlen: Erinnerungen an Vergangenes, gegenwärtige Emotionen oder alltägliche Zustände, die ihre Bildsprache prägen.

Ausgebildet als Kunstlehrerin und Grafikdesignerin sowie an der Kunstakademie in Aarhus, verbindet Siri Gindesgaard in ihrer Praxis konzeptionelles Denken mit intuitivem Arbeiten. Ihre Werke wurden international ausgestellt, unter anderem vielfach in Dänemark, den USA, London, Basel und Norwegen, und befinden sich in privaten sowie institutionellen Sammlungen.

Am Samstag, den 30. Mai um 12.30 Uhr, wird Siri Gindesgaard im Dialog mit den Galeristen, Einblicke in Ihre Arbeit geben.

Die freiberufliche Illustratorin und freie Künstlerin Edda Skibbe zeigt Collagen auf Leinwand, die von Texten und Abbildungen aus Printmedien inspiriert, übermalt und verfremdet wurden. Jedes Bild erzählt eine eigene Geschichte.

Vom 30.05. – 28.06.2026 sind in der Galerie „Schmuckstücke & Mehr“, Promenade 37, 24217 Schönberger Strand, Collagen von der Illustratorin und Künstlerin Edda Skibbe zu sehen. Geöffnet jeweils Mi-So 14-18 Uhr.
Die Vernissage findet am 31.05. um 16 Uhr statt.

Vernissage Vernissage 30.Mai 17:00 Mit Musik von Polina Abu Saymeh
Café Liebevoll Bahnhofstr. 17 23769 Fehmarn
30.Mai-25.September 2026.
Roland Willaerts Bilder entstehen aus ruhigen Momenten. Sie zeigen Menschen beim Warten, Sitzen oder Nachdenken – Situationen, die jeder kennt. Viele seiner Eindrücke stammen aus einem langen, bewegten Leben und von Reisen auf fünf Kontinenten. Ihn interessieren weniger große Ereignisse als vielmehr Gefühle, Erinnerungen und die kleinen Augenblicke dazwischen. Genau darum geht es in der Ausstellung „Zwischen den Momenten“.

Die Gemeinschaft Lübecker Künstlerinnen und Künstler zeigt eine Ausstellung zweier Neuaufnahmen: Sven Offenbächer / Bildhauerei, Eva Stueben / Malerei

ORT Artler Kunstkollektiv, Große Burgstraße 32

Licht und Schatten umgibt uns allgegenwärtig.
Schatten entstehen, wenn Dinge im Licht sind, Körper oder Gegenstände, Landschaften, Flora und Fauna werden von Licht bestrahlt und spenden gleichzeitig Schatten.
Neben den natürlichen Eigenschaften von Licht und Schatten, werden die beiden Wörter für viele Umschreibungen des täglichen Lebens benutzt. Steht man im Licht, ist dies eine positive Beschreibung, im Schatten von jemanden stehen bedeutet eher das Gegenteil, es steht jemand im Licht und bildet einen Schatten, der andere verdunkelt und wenig sichtbar macht.
Auch in der Dunkelheit kann Schatten entstehen, bei tiefster Nacht im Mondlicht entstehen Schatten, die wir wahrnehmen. Künstler beschäftigen sich von Anbeginn mit Licht und Schatten, ob in der Malerei oder auch in anderen Genres wird mit Licht und Schatten gespielt, gearbeitet. Finden Sie heraus, wie die Künstler*innen in der Jahresausstellung 2026 mit Licht und Schatten spielen, wie sie mit Licht und Schatten umgehen und welche Interpretationen sie nutzen um das Thema darzustellen. Ob Fotografie, Malerei, Objektkunst oder Installation, in diesem Jahr dreht sich alles um Licht und Schatten.

Mit dieser Ausstellung präsentieren Ulrike Hansen und Ines Ramm in Husum eine künstlerische Hommage an Norddeutschland. Inmitten der einzigartigen Landschaft Schleswig-Holsteins entfaltet sich eine Ausstellung, die den Sommer an Nord- und Ostsee spürbar macht, mit seinem Licht und der frischen Briese des Meers.

Die Bilder von Ulrike Hansen verströmen in kräftigen Farben pure Lebensfreude. Sie rufen Erinnerungen an warme Sonnentage und ausgedehnte Strandspaziergänge wach. Am Anfang des Malprozesses stehen Landschaften, Wetterstimmungen und Begegnungen, die von ihr erlebt und erfahren wurden. Manchmal ist es auch eine Abbildung auf Fotos, Postkarten oder aus Zeitschriften, die den Impuls zu einer Bildidee geben. Die Strahlkraft der Bilder ist Ulrike Hansen sehr wichtig. Ihre Eitemperafarben stellt sie deshalb selbst her. Ihre Malerei bewegt sich zwischen Abstraktion und Gegenstandsbezug.

Ines Ramm hingegen bringt die unmittelbare Erfahrung von Wind und Wasser auf die Leinwand. Sie ist Stand-up-Paddlerin, dem Segelsport verbunden und nah dran an den Elementen, die ihre Malerei prägen. Ihre Bilder in ÖL und Acryl wirken lebendig und dynamisch, fasst so, als könnte man die Bewegung der Wellen und das Ziehen der Wolken direkt spüren. Menschen erscheinen oft nur als feine Linien in der Weite der Landschaft, während Tiere, Kitesurfer und sich auftürmende Wolkenberge die besondere Atmosphäre des Nordens einfangen.
„Sommer, Sonne, Meer“ ist eine Einladung einzutauchen in Erinnerungen an warme Tage am Strand, in das Spiel von Licht und Farbe und in zwei ganz persönliche Blickwinkel auf den Norden.

Ulrike Hansen ist zur Eröffnung anwesend.

Unter dem Titel „Resonanzen“ entsteht über das ganze Jahr 2026 eine fortlaufende Ausstellung, in der sich Künstler:innen mit unterschiedlichen Themen unserer Zeit auseinandersetzen. Krisen und Veränderungen erzeugen Unsicherheit und Ängste. Aber kann man Unsicherheit nicht auch als etwas Produktives verstehen, aus dem neue positive Narrative für die Zukunft entstehen? Und in wieweit können künstlerische Arbeiten dazu beitragen?
Als fließender Prozess, der Denkanstösse zum Handeln vermitteln will, werden sich die gezeigten Arbeiten immer wieder verändern, in einen Dialog miteinander treten und so neue Impulse setzen. Besucher:innen sind eingeladen, die Stadtgalerie ständig neu zu entdecken. Monatliche begleitende Veranstaltungen laden zum gemeinsamen Nachdenken über die Themen ein.
Unter dem Motto „Fließende Begegnungen und akustische Zwischenräume“ werden zunächst Klangarbeiten gezeigt, die sich mit dem Raum und der Außenwelt verbinden. Kuratiert wurde die Ausstellung von Marita Landgraf und dem ehemaligen Stipendiaten des Künstler:innenhaus Heiko Wommelsdorf. Sein Schwerpunkt sind raumbezogene Klanginstallationen.
In das Konzept integrieren sich auch die Lichtarbeiten des Künstlers Via Lewandowsky in der Reihe POSITION #03. Sie strahlen täglich von 12.00 bis 22.00 Uhr nicht nur in die Stadtgalerie, sondern erhellen auch die Altstadt und wecken Neugier auf das, was sich im Haus entwickelt.

In unseren Ausstellungsräumen in Kronshagen, am Rathausplatz 1, zeigen wir in einer ständig wechselnden Ausstellung Künstlerinnen und Künstler der Galerie. Die Ausstellung ist auch nach telefonischer Vereinbarung zu anderen Zeiten für Sie / Euch geöffnet.

Wer zum Stricken ein geselliges Plätzchen sucht, darf gerne im Strick-Club vorbeischauen. Dieser richtet sich an Strickinteressierte, die lieber in der Gruppe kreative Ideen für kleinere und größere Strick-Projekte angehen. Der Strick-Club ist auch für Strickanfänger*innen geeignet, Grundkenntnisse sind jedoch wünschenswert. Natürlich sind andere Handarbeiten wie Häkeln oder Sticken ebenfalls willkommen. Getränke können im Museumscafé erworben werden. Eine Anmeldung ist nicht erforderlich. Die Teilnahme am Strick-Club ist kostenfrei.

Die Ausstellung lädt dazu ein, in die Welt der Blumen einzutauchen – von den blühenden Rosen im Garten bis hin zu den kunstvoll gemalten Blüten im Glashaus, die den Zauber der Natur widerspiegeln.
Präsentiert werden stimmungsvolle, florale Kunstwerke, die den Blick für die Schönheit der Natur schärfen und dazu anregen, ihre positive Wirkung auf unser Wohlbefinden neu zu entdecken. In einer Zeit, in der der Alltag zunehmend von Technik geprägt ist, gewinnt das bewusste Erleben der Natur immer mehr an Bedeutung. Genau hier setzt die künstlerische Arbeit von Martina Junker an.
„Mit meiner Kunst möchte ich den Zauber der Natur einfangen“, sagt die Künstlerin. Ihre Werke spiegeln Optimismus, Leichtigkeit und Lebensfreude wider – Eigenschaften, die sich in der Anmut und Lebendigkeit von Blüten auf besondere Weise zeigen.
Besucherinnen und Besucher haben zudem die Gelegenheit, die Künstlerin persönlich kennenzulernen. In Gesprächen gewährt Martina Junker Einblicke in ihre Arbeitsweise und erzählt die Geschichten hinter ausgewählten Werken.

Unter dem Titel „Resonanzen“ entsteht über das ganze Jahr 2026 eine fortlaufende Ausstellung, in der sich Künstler:innen mit unterschiedlichen Themen unserer Zeit auseinandersetzen. Krisen und Veränderungen erzeugen Unsicherheit und Ängste. Aber kann man Unsicherheit nicht auch als etwas Produktives verstehen, aus dem neue positive Narrative für die Zukunft entstehen? Und in wieweit können künstlerische Arbeiten dazu beitragen?
Als fließender Prozess, der Denkanstösse zum Handeln vermitteln will, werden sich die gezeigten Arbeiten immer wieder verändern, in einen Dialog miteinander treten und so neue Impulse setzen. Besucher:innen sind eingeladen, die Stadtgalerie ständig neu zu entdecken. Monatliche begleitende Veranstaltungen laden zum gemeinsamen Nachdenken über die Themen ein.
Unter dem Motto „Fließende Begegnungen und akustische Zwischenräume“ werden zunächst Klangarbeiten gezeigt, die sich mit dem Raum und der Außenwelt verbinden. Kuratiert wurde die Ausstellung von Marita Landgraf und dem ehemaligen Stipendiaten des Künstler:innenhaus Heiko Wommelsdorf. Sein Schwerpunkt sind raumbezogene Klanginstallationen.
In das Konzept integrieren sich auch die Lichtarbeiten des Künstlers Via Lewandowsky in der Reihe POSITION #03. Sie strahlen täglich von 12.00 bis 22.00 Uhr nicht nur in die Stadtgalerie, sondern erhellen auch die Altstadt und wecken Neugier auf das, was sich im Haus entwickelt.

Seien Sie gespannt auf auf die Ausstellung von Kerstin Mempel mit farbenfrohen Aquarelle und Collagen aus aller Welt.
Kerstin Mempel bildet Wirklichkeit nicht nach, sie greift ihre Fragmente auf und setzt sie in neue Zusammenhänge. Viele ihrer Bilder wachsen über den Rand hinaus, kennen keinen eindeutigen Anfang oder Ende. Sie sind ein offenes Gefüge, in dem das Auge wandert und die Imagination weiterzeichnet.
So entsteht eine Malerei oder Collage, die Bewegung zulässt – wie eine Reise, auf der Wahrnehmung, Erinnerung und Entdeckung ineinander greifen.

30. Mai bis 27. Juni
Öffnungszeiten: Freitags 15-18 Uhr, Samstags 13-17 Uhr, Sonntags 12-16 Uhr
Die Künstlerin ist am 2. und 3. Sonntag anwesend.
Finnisage: Samstag 27. Juni 15 Uhr / Gespräch mit der Künstlerin auf Reisen