Galerie RIECK zeigt auf der Carlshöhe in Eckernförde die Kunst des Nordens der letzten 100 Jahre – angefangen bei den Bornholm-Künstler:innen, über die dänischen Modernist:innen bis zu bekannten Vertreter:innen der nordischen Moderne. Im Fokus stehen ausgewählte Arbeiten renommierter Künstler:innen wie Olaf Rude, Kehnet Nielsen, Elke Hergert, Peter Skovgaard oder Menno Fahl. Ergänzt wird das Spektrum durch Neuentdeckungen mit neuen Ideen und Ausdrucksformen. So sind in der Galerie auf der Carlshöhe dauerhaft Gemälde, Skulpturen, Assemblagen, Textilobjekte und vieles mehr zu sehen. Wechselnde Themenausstellungen stellen darüber hinaus einzelne Arbeiten und Epochen in den Mittelpunkt.

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Info:Keine Gruppenveranstaltung
Termine immer gern zu unseren Öffnungszeiten

Kontakt:
Gitronik Handpans&More Hamburg
Fuhlsbüttlerstraße 681 Hamburg-Ohlsdorf
040-5000990 Mail: info(at)gitronik.de

tierisch nordisch …
… so der Titel der Ausstellung, welche gut 50 Werke von Uta Masch und Heino Karschewski im Oberlandesgericht Schleswig präsentiert.
Einem nordischen Impressionismus folgend entstehen mit zügigem, manchmal ungeduldigen Strich die abstrahierten Landschaften von Uta Masch in ihrem  Atelier auf der Carlshöhe in Eckernförde.
»Im Draußen atme ich die Natur ein – im Atelier male ich sie aus« so die Künstlerin.
Das erlaubt ihr, mittendrin im Motiv zu sein. Dabei vernachlässigt sie bewusst Details.
Die atmosphärische Gesamtwirkung übernimmt die Vervollständigung des Bildes.
Meist bewegt sie sich dabei in der von einer erdigen, Grau geprägten Farbpalette.
Mit ihren Werken möchte sie den Betrachter an ihrer Wertschätzung zum Leben in und mit der Natur teilhaben lassen und ihn für seine unmittelbare Umgebung begeistern.
Diese Einstellung teilt Uta Masch mit ihrem Künstlerkollegen Heino Karschewski.
„Ich höre hin was die Natur mir erzählt – und ich versuche allem Negativen etwas Positives entgegenzustellen“ so der Künstler.
Positive Ausstrahlung gepaart mit Tiefgründigkeit und norddeutscher Gelassenheit waren ihm in seinen Werken ein wichtiges Anliegen und so ließ er – mal streng realistisch, mal fast surreal anmutend – mit Pinsel und Farbe auf der Leinwand beinahe greifbares Leben entstehen. Heino Karschewski selber sprach von norddeutscher Gelassenheit in seiner Malerei. Seine starke Affinität zum Lebensraum Meer spiegelt sich dabei in vielen seiner Werke: Wellen und Wind, Möwen und Schiffe, Menschen und Eisbären, all das sind Motive, die der Kunstmaler in seinen Ölgemälden einfing.
Beide Künstler sind keine Freunde der lauten Farben oder turbulenten Szenerien in ihren Bildern. Eher ruhige Geister, die das strukturierte, bedachte Medium der Ölmalerei für sich gewählt haben.
Es sind stille, ruhige Szenen von hohem ästhetischem Reiz und positiver Strahlkraft. Gemeinsam ist ihnen, dass immer ein irgendwie erwartungsfrohes Schweigen in ihren Bildern liegt. Sowohl Uta Masch wie auch Heino Karschewski können auf eine lange Reihe von Ausstellungen im In- und Ausland zurückblicken.

tierisch nordisch …
… so der Titel der Ausstellung, welche gut 50 Werke von Uta Masch und Heino Karschewski im Oberlandesgericht Schleswig präsentiert.
Einem nordischen Impressionismus folgend entstehen mit zügigem, manchmal ungeduldigen Strich die abstrahierten Landschaften von Uta Masch in ihrem  Atelier auf der Carlshöhe in Eckernförde.
»Im Draußen atme ich die Natur ein – im Atelier male ich sie aus« so die Künstlerin.
Das erlaubt ihr, mittendrin im Motiv zu sein. Dabei vernachlässigt sie bewusst Details.
Die atmosphärische Gesamtwirkung übernimmt die Vervollständigung des Bildes.
Meist bewegt sie sich dabei in der von einer erdigen, Grau geprägten Farbpalette.
Mit ihren Werken möchte sie den Betrachter an ihrer Wertschätzung zum Leben in und mit der Natur teilhaben lassen und ihn für seine unmittelbare Umgebung begeistern.
Diese Einstellung teilt Uta Masch mit ihrem Künstlerkollegen Heino Karschewski.
„Ich höre hin was die Natur mir erzählt – und ich versuche allem Negativen etwas Positives entgegenzustellen“ so der Künstler.
Positive Ausstrahlung gepaart mit Tiefgründigkeit und norddeutscher Gelassenheit waren ihm in seinen Werken ein wichtiges Anliegen und so ließ er – mal streng realistisch, mal fast surreal anmutend – mit Pinsel und Farbe auf der Leinwand beinahe greifbares Leben entstehen. Heino Karschewski selber sprach von norddeutscher Gelassenheit in seiner Malerei. Seine starke Affinität zum Lebensraum Meer spiegelt sich dabei in vielen seiner Werke: Wellen und Wind, Möwen und Schiffe, Menschen und Eisbären, all das sind Motive, die der Kunstmaler in seinen Ölgemälden einfing.
Beide Künstler sind keine Freunde der lauten Farben oder turbulenten Szenerien in ihren Bildern. Eher ruhige Geister, die das strukturierte, bedachte Medium der Ölmalerei für sich gewählt haben.
Es sind stille, ruhige Szenen von hohem ästhetischem Reiz und positiver Strahlkraft.
Gemeinsam ist ihnen, dass immer ein irgendwie erwartungsfrohes Schweigen in ihren Bildern liegt.
Sowohl Uta Masch wie auch Heino Karschewski können auf eine lange Reihe von Ausstellungen im In- und Ausland zurückblicken.

tierisch nordisch

… so der Titel der Ausstellung, welche gut 50 Werke von Uta Masch und Heino Karschewski im Oberlandesgericht Schleswig präsentiert.

Einem nordischen Impressionismus folgend entstehen mit zügigem, manchmal ungeduldigen Strich die abstrahierten Landschaften von
Uta Masch in ihrem Atelier auf der Carlshöhe in Eckernförde.
»Im Draußen atme ich die Natur ein – im Atelier male ich sie aus« so die Künstlerin.
Das erlaubt ihr, mittendrin im Motiv zu sein. Dabei vernachlässigt sie bewusst Details.
Die atmosphärische Gesamtwirkung übernimmt die Vervollständigung des Bildes.
Meist bewegt sie sich dabei in der von einer erdigen, Grau geprägten Farbpalette.
Mit ihren Werken möchte sie den Betrachter an ihrer Wertschätzung zum Leben in und mit der Natur teilhaben lassen und ihn für seine unmittelbare Umgebung begeistern.

Diese Einstellung teilt Uta Masch mit ihrem Künstlerkollegen Heino Karschewski.

„Ich höre hin was die Natur mir erzählt – und ich versuche allem Negativen etwas Positives entgegenzustellen“ so der Künstler.
Positive Ausstrahlung gepaart mit Tiefgründigkeit und norddeutscher Gelassenheit waren ihm in seinen Werken ein wichtiges Anliegen
und so ließ er – mal streng realistisch, mal fast surreal anmutend – mit Pinsel und Farbe auf der Leinwand beinahe greifbares Leben entstehen.
Heino Karschewski selber sprach von norddeutscher Gelassenheit in seiner Malerei. Seine starke Affinität zum Lebensraum Meer
spiegelt sich dabei in vielen seiner Werke: Wellen und Wind, Möwen und Schiffe, Menschen und Eisbären, all das sind Motive, die der Kunstmaler in seinen Ölgemälden einfing.

Beide Künstler sind keine Freunde der lauten Farben oder turbulenten Szenerien in ihren Bildern.
Eher ruhige Geister, die das strukturierte, bedachte Medium der Ölmalerei für sich gewählt haben.
Es sind stille, ruhige Szenen von hohem ästhetischem Reiz und positiver Strahlkraft.

Gemeinsam ist ihnen, dass immer ein irgendwie erwartungsfrohes Schweigen in ihren Bildern liegt.
Sowohl Uta Masch wie auch Heino Karschewski können auf eine lange Reihe von Ausstellungen im In- und Ausland zurückblicken.

Uta Masch & Heino Karschewski
Ausstellung tierisch nordisch
19. Februar – 18. August 2026
Mo-Do 8-15 Uhr , Fr 8-13 Uhr

tierisch nordisch

… so der Titel der Ausstellung, welche gut 50 Werke von Uta Masch und Heino Karschewski im Oberlandesgericht Schleswig präsentiert.

Einem nordischen Impressionismus folgend entstehen mit zügigem, manchmal ungeduldigen Strich die abstrahierten Landschaften von
Uta Masch in ihrem Atelier auf der Carlshöhe in Eckernförde.
»Im Draußen atme ich die Natur ein – im Atelier male ich sie aus« so die Künstlerin.
Das erlaubt ihr, mittendrin im Motiv zu sein. Dabei vernachlässigt sie bewusst Details.
Die atmosphärische Gesamtwirkung übernimmt die Vervollständigung des Bildes.
Meist bewegt sie sich dabei in der von einer erdigen, Grau geprägten Farbpalette.
Mit ihren Werken möchte sie den Betrachter an ihrer Wertschätzung zum Leben in und mit der Natur teilhaben lassen und ihn für seine unmittelbare Umgebung begeistern.

Diese Einstellung teilt Uta Masch mit ihrem Künstlerkollegen Heino Karschewski.

„Ich höre hin was die Natur mir erzählt – und ich versuche allem Negativen etwas Positives entgegenzustellen“ so der Künstler.
Positive Ausstrahlung gepaart mit Tiefgründigkeit und norddeutscher Gelassenheit waren ihm in seinen Werken ein wichtiges Anliegen
und so ließ er – mal streng realistisch, mal fast surreal anmutend – mit Pinsel und Farbe auf der Leinwand beinahe greifbares Leben entstehen.
Heino Karschewski selber sprach von norddeutscher Gelassenheit in seiner Malerei. Seine starke Affinität zum Lebensraum Meer
spiegelt sich dabei in vielen seiner Werke: Wellen und Wind, Möwen und Schiffe, Menschen und Eisbären, all das sind Motive, die der Kunstmaler in seinen Ölgemälden einfing.

Beide Künstler sind keine Freunde der lauten Farben oder turbulenten Szenerien in ihren Bildern.
Eher ruhige Geister, die das strukturierte, bedachte Medium der Ölmalerei für sich gewählt haben.
Es sind stille, ruhige Szenen von hohem ästhetischem Reiz und positiver Strahlkraft.

Gemeinsam ist ihnen, dass immer ein irgendwie erwartungsfrohes Schweigen in ihren Bildern liegt.
Sowohl Uta Masch wie auch Heino Karschewski können auf eine lange Reihe von Ausstellungen im In- und Ausland zurückblicken.

Uta Masch & Heino Karschewski
Ausstellung tierisch nordisch
19. Februar – 18. August 2026
Mo-Do 8-15 Uhr , Fr 8-13 Uhr

Gärten und Bücher sind von jeher die ideale Kombination – beide sind wie nichts anderes dazu geeignet, darin einzutauchen, die Seele baumeln, sich inspirieren zu lassen. Und das klappt in beide Richtungen: Lesende (und natürlich auch Schreibende) lassen sich von Gärten und Gärtnernde sich von Büchern inspirieren.
Die Geschichte der Gartenbücher und Büchergärten erzählt diese Ausstellung, die vom 25. Februar bis 20. Juni besichtigt werden kann, anhand von Büchern aus dem Bestand der Eutiner Landesbibliothek.

Von der Kapitulation Nazi-Deutschlands bis zu seinem Unfalltod 1984 hielt Harald Duwe mit figurativer Malerei knapp 40 Jahre lang der bundesrepublikanischen Wirklichkeit einen kritischen Zerrspiegel vor. Dabei nahm er als realistischer Maler seinerzeit in der BRD die Rolle eines Außenseiters ein und wurde nur zögerlich und vereinzelt überregional wahrgenommen. Gleichzeitig ermöglicht Duwe seine gegenständliche Ausdrucksweise die für ihn wesentlichen gesellschaftlichen Probleme und Widersprüche anschaulich und bis heute unmissverständlich zu formulieren.

Harald Duwe wohnte seit 1951 in Großensee, war von 1975 bis zu seinem Tod Dozent für Freie Kunst/Malerei an der Kieler Fachhochschule für Gestaltung und erhielt 1981 den Kulturpreis der Landeshauptstadt Kiel. Die Verbindung des Künstlers mit Schleswig-Holstein und der Bezug zu Kiel sind nicht nur biografisch, Duwe macht sie insbesondere in den 1970er und 1980er Jahren auch explizit zum Bildgegenstand. 2026 wäre der Maler und Grafiker 100 Jahre alt geworden, die letzte Ausstellung in Kiel, die sich seinem Werk widmete, liegt fast genau 40 Jahre zurück – ein Bündel an Gründen, die Erinnerung an das Werk Harald Duwes wachzurufen und dem Publikum der Stadtgalerie Kiel eine herausragende Position der jüngeren schleswig-holsteinischen und Kieler Kunstgeschichte vorzustellen.

Die Ausstellung verfolgt das Ziel, Inhalte, Bildsprache, Darstellungsform und -technik Harald Duwes durch den Vergleich mit Werken aus der Sammlung der Stadtgalerie Kiel im kunsthistorischen Kontext klar zu konturieren. Die Beiträge der drei Gäste Oska Gutheil, Sven Johne und SUSI POP, allesamt zeitaktuelle Positionen junger Kunst, bieten einen Ausgangspunkt, um von Duwes Perspektive auf Phänomene seiner Zeit, auch an gegenwärtige politische und gesellschaftliche Diskurse anzuknüpfen, rücken aber vor allem künstlerische Strategien und Verfahren in den Fokus.

Begleitend zur Ausstellung wird ein Katalog in deutscher und englischer Sprache erstellt.

Inhaltlich wird die Ausstellung unterstützt durch Leihgaben von Werken Harald Duwes aus der Sammlung der Kunsthalle zu Kiel, des Kieler Stadt- und Schifffahrtsmuseums, des Thor-Heyerdahl Gymnasiums der Landeshauptstadt Kiel und aus dem Privatbesitz der Erben Harald Duwes.

Künstler*innen:
Ilse Ament, Joerne Diedrichsen, Harald Duwe, Heinrich Ehmsen, Richard Grune, Oska Gutheil, Sven Johne, Peter Nagel, SUSI POP, Erasmus Schröter, Joachim Thode

Die Stadtgalerie Kiel bedankt sich für die freundliche Unterstützung des Ministeriums für Allgemeine und Berufliche Bildung, Wissenschaft, Forschung und Kultur des Landes Schleswig-Holstein.

Fasziniert von der Unendlichkeit sowohl an Formen, Techniken, Strukturen und Farben als auch von der Leuchtkraft und den besonderen Effekten bei Material- und Farbüberlagerungen, testet der Glasmacher immer wieder mit großer Neugier, wo seine Grenzen und die des Materials liegen.

Bereits seit über 20 Jahren arbeitet Torsten Rötzsch mit heißem Glas in seinem Glasstudio in Coswig/Sachsen.

Die Ausstellung in Lübeck präsentiert vor allem die Kraft der Farben. Innerhalb der großen Bandbreite seiner Arbeiten, konzentriert sich Rötzsch in dieser Auswahl bewusst vorranging auf Gefäße in unterschiedlichsten Formen und Herstellungstechniken. Leuchtende Farben und die Benutzbarkeit eines Objekts stehen dieses Mal im Vordergrund.

In der Gegenwart bewegt sich das Verhältnis von Natur und Mensch in einem Verhältnis der Gefährdung. Das Streben nach Beherrschung wendet sich gegen den Menschen. Die Reflexion des Geschehens spiegelt sich im Begriff des Anthropozäns wider, d. h. durch die Eingriffe des Menschen in das Ökosystem der Erde ist diese zu einem „Humansystem“ mit eingebundenen Enklaven der Natur geworden. Meine Arbeiten verstehen sich nicht als Warnung vor den ökologi-schen Folgen menschlichen Agierens, sondern sie möchten In Material und Bild die Autonomie der Natur verdeutlichen. Nicht um eine ökologische Naturästhe-tik zu entwickeln, sondern um ihre Formenvielfalt und Wirklichkeit aufleben zu lassen. Gleichzeitig möchte ich verdeutlichen, dass die Natur kein Widerpart des Menschen ist. Im Ausdruck ihrer Komplexität zeigen sich Nähe und Distanz – Begegnungen auf Wanderungen in den Dolomiten.

Anlass der Ausstellung ist der bundesweite Tag der Druckkunst, der die traditionellen Drucktechniken würdigt. Am 15. März 2018 wurden sie von der Deutschen UNESCO-Kommission in das Bundesweite Verzeichnis als immaterielles Kulturerbe aufgenommen.

Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen außergewöhnliche Werke aus der Druckwerkstatt von Ulrich Grimm, entstanden in enger Zusammenarbeit mit Künstlerinnen und Künstlern aus dem In- und Ausland. Der Magdeburger Drucker gründete 1986 eine eigene Siebdruckwerkstatt, zu einer Zeit, in der künstlerisches Arbeiten in der DDR stark von staatlichen Strukturen bestimmt war.
Es gelang Ulrich Grimm sich als versierter Drucker zu etablieren und seine Werkstatt entwickelte sich zu einem gefragten Partner für zahlreiche Kunstschaffende.

Der Drucker, Verleger und später auch Galerist fertigte Originalgrafiken, Grafikmappen, Künstlerbücher und Kalender im Siebdruckverfahren an. Mit dem politischen Umbruch erweiterte sich das künstlerische Netzwerk. Künstlerinnen und Künstler aus Westdeutschland, dem europäischen Ausland und den USA arbeiteten fortan mit der Magdeburger Werkstatt zusammen. Über Jahrzehnte hinweg entstand so eine bedeutende Sammlung, die eindrucksvoll die Entwicklung zeitgenössischer Druckgrafik dokumentiert.

In der Ausstellung sind Arbeiten von Marc Alsterlind, Falko Behrendt, Joachim Böttcher, Feliks Büttner, Yves Charney, Chu Teh-Chun, Tim Davis, Huong Dodinh, Andreas Dress, Jens Elgner, Max Grimm, Michael Heindorff, Veit Hofmann, Stefan Plenkers, Ren Rong, Arno C. Schmetjen, Frank Schult und Rainer Zille zu sehen.

Ulrich Grimm ist zur Eröffnung anwesend und wird im Rahmen eines Interviews mit Marid Taubert von seinen Erfahrungen berichten.

Laufzeit: 15. März 2026 bis 23. Mai 2026

„Signs of Control“ arbeitet mit einem Motivtyp, der im Alltag kaum auffällt: Schilder, die Verhalten regeln. „Kein Eingang“, „Ballspielen nicht erlaubt“, „Düne betreten verboten“, „Überflutungsgefahr“, „Notausgang freihalten“ – kurze, imperative Sätze, ergänzt um Piktogramme, Pfeile und Ortsangaben wie Wyk oder Sylt. Es sind Texte, die nicht gelesen, sondern befolgt werden sollen.

Die Serie greift diese Schilder fotografisch auf und unterzieht sie einem klar strukturierten Transformationsprozess. In der Chromalayer-Technik werden die Vorlagen in Farbebenen zerlegt, farblich neu interpretiert und als Schichtstruktur aufgebaut. Der industrielle Träger – gebürstetes Aluminium – bleibt sichtbar und wird Teil der Bildlogik: Die metallische Oberfläche schimmert durch die Farbschichten, trägt Reflexe, unterläuft jede Illusion von Tiefe. Die Motive bleiben plan; es gibt keine „Landschaft“ hinter dem Schild, sondern Oberfläche, Raster, Material.

Wichtig ist, dass das Schild nach der Bearbeitung wieder als Schild erscheint. Rahmung, Schraublöcher, Kanten, Typografie – all das bleibt erkennbar. Aber die Umgebung ist in ihrer Farbigkeit überzeichnet und grafisch verdichtet. Die Hinweise wirken vertraut und zugleich aus dem Zusammenhang gelöst. Sie stehen nicht mehr konkret an einer Tür, am Deich oder auf einem Hof, sondern in einem Bildraum, der genau diese Funktionalität aussetzt. Die Autorität des Textes bleibt, sein Anlass verschwindet.

Damit bewegt sich die Arbeit in einer Traditionslinie von Kunst, die mit Sprache im Bild arbeitet: von der Konzeptkunst und Textkunst der 1960er/70er Jahre – etwa bei Jenny Holzer oder Barbara Kruger – bis hin zu fotografischen Serien, die Infrastruktur und Beschilderung als Bestandteil gesellschaftlicher Ordnung untersuchen. Ein Einfluss aus einer frühen künstlerischen Förderung durch Gerhard Winner zeigt sich in der konstruktiven, seriellen Behandlung der Zeichen. Zugleich gibt es eine Nähe zur dokumentarischen Fotografie von Schildern und Schriftzügen, die hier jedoch nicht im dokumentarischen, sondern im konstruktiven Sinn weitergeführt wird: Nicht das Auffinden, sondern das Neuaufbauen der Zeichen steht im Zentrum.

Die Serie zeigt eine Grammatik der Steuerung: Verbote, Warnungen, Instruktionen. Fast alle Tafeln sprechen im Imperativ, vermeiden ich- oder wir-Formen und verwenden eine sachliche, funktionale Typografie. Begriffe wie „Schutzdeich“, „Hafengebiet“ oder Formulierungen wie „Benutzung auf eigene Gefahr“ markieren konkrete Situationen. Die Bilder legen frei, dass diese Sprache nicht neutral ist, sondern wirksam: Sie definiert, wer sich wie wo bewegen darf.

Viele der Schilder stammen aus einem konkreten regionalen Umfeld und tragen Spuren davon – durch Ortsangaben wie Wyk oder Sylt sowie einzelne Hinweise auf lokale Nutzungssituationen. Dieser Aspekt öffnet eine zweite Leseschicht: Für Betrachterinnen und Betrachter, die den Ort kennen, entstehen Momente des Wiedererkennens oder Vermutens.

„Signs of Control“ untersucht Beschilderung als Schnittstelle zwischen Text, Raum und Verhalten. Die Arbeiten dokumentieren nicht einfach vorhandene Schilder, sondern verhandeln ihre Funktionsweise im Bild. Der Druck auf gebürstetes Aluminium, die Verdichtung der Farben, das Festhalten an der Form des Schildes – all das macht sichtbar, wie ästhetisch präzise diese funktionalen Gegenstände gestaltet sind. Was im Alltag als nüchterne Information erscheint, zeigt sich hier als gestaltete Oberfläche, die Verhalten steuert.

Erstmals stellen beide Bildhauer zusammen aus: Volker Tiemann und Peter F. Piening. Ihre Werke erkennt man sofort, denn beide haben eine beeindruckende, ganz besondere künstlerische Handschrift entwickelt! Beider Künstler Werkstoff ist Holz. Es fasziniert, wie Peter F. Piening (Jg. 1942) und Volker Tiemann (Jg. 1963) das Material ästhetisch in Form und Inhalt ausreizen, wie beide spielerisch Material, Form und Inhalt gedanklich immer neu verbinden.
Peter F. Piening und Volker Tiemann regen uns mit ihren hintersinnig- humorvollen Arbeiten zum Nachdenken und zum Schmunzeln über uns selbst und die Welt um uns herum an.
Gehen Sie auf eine Entdeckungsreise von der kleinen Wandarbeit über Skulpturen auf Sockeln bis zum begehbaren Großobjekt mit seiner facettenreichen Inneneinrichtung!

Narrentief und Schachtelkopf

Menno Fahl, Elmar Jacob, Imme Feldmann
Plastiken, Grafiken, Gemälde und Holzschnitte, die die Schrägheit des Daseins ausloten.
*
Vernissage am 29.3.26 um 11:30 Uhr
Es sprechen für den Kunstverein Professor Valentin Rothmaler, für den Kreis Landrat Björn Demmin und zur Ausstellung Kunsthistorikerin Dr. Maren Welsch.
Musikalischer Beitrag Marianne Aulke-Galda und Helga Klee.
Die Künstler werden anwesend sein.
*
Mit der Ausstellung Narrentief und Schachtelkopf zeigt der Kunstverein Schwimmhalle
Schloss Plön vom 29.3. bis zum 26.4.2026 Werke dreier Künstler, deren Wurzeln in
Schleswig-Holstein liegen, und die auch durch ihre Zeit an der Muthesius Kunsthochschule
Kiel geprägt worden sind.
Kunst bringt Menschen zusammen, stiftet Räume der Freiheit, ermuntert uns zum Nachdenken
und ermöglicht die Erfahrung von Schönheit. Kunst hat auch das Potential, die herrschenden
Verhältnisse zu kritisieren und unsere Sinne für neue Möglichkeiten zu öffnen.

Menno Fahl (*1967) studierte an der Muthesius-Hochschule in Kiel, arbeitet jedoch in Berlin.
In unserer Ausstellung konzentrieren wir uns auf seine Bildhauerarbeiten mit Dada-mäßigen
Strukturen aus Fundstücken, entstanden in einem Prozess, einem Spiel mit Form und Farbe.
Für ihn ist eine Arbeit dann besonders geglückt, wenn etwas von diesem Spiel im
abgeschlossenen Werk erkennbar bleibt, sodass der Betrachter den Eindruck hat, er wäre
mitten im Prozess dabei. Ein Kunstwerk, das nicht lebendig ist, hat seiner Meinung nach
etwas Wesentliches verfehlt. Auf diese Weise entstehen Bilder im Kopf des Betrachters, die
schon einen poetischen Effekt haben können. Das Thema `Kopf´ ist vielfach im Schaffen Menno Fahls zu finden, ob als Skulptur, Malerei oder grafische Komposition.

Imme Feldmann (*1964) lebt und arbeitet in Schleswig, ihre Holzschnitte sind „neben aller
Pop-Art-Anmutung und Plakativität in ihrer Verknappung auch stille Arbeiten und geradezu
wortvermeidend. Wie das Piktogramm dem Suchenden ohne Worte die Richtung weisen
kann, so vermittelt uns die Künstlerin – man möchte fast sagen mit spröder Geste –
gleicherweise Allgemeingültiges und Abgründiges.“ (Anders Petersen, 2015) Imme Feldmann zeigt vorwiegend Holzschnitte; sie lässt sich gern von alltäglichen Situationen inspirieren und spiegelt Absurditäten oder schräge Situationen wider.

Elmar Jacob (*1963) teilt seine Zeit zwischen Berlin und Kiel. Sein Werk „ist eine Art
persönliches Notizbuch. Alles, was ihn emotional und intellektuell beschäftigt, wird
übereinander, nebeneinander, miteinander auf Papier und Leinwand gebracht. … Das
seltsam verwobene Miteinander von ornamentalen und figürlichen Bildelementen auf einem
Malgrund entführt den Betrachter in eine märchenhafte Welt der Tagträume, Visionen und
Ahnungen. … Es bleibt die Freiheit und Aufgabe des Betrachters, die Anspielungen selbst zu
deuten, Assoziationsfelder sind genug eröffnet.“ (Jens Martin Neumann, 2012) Elmar Jacob lotet die Untiefen des Daseins aus, existentielle Grenzsituationen, Tagträume
regen ihn zu seinen malerischen Bildfindungen durch spielerischen Umgang mit dem
„Malmaterial“ an.
Diese drei künstlerischen Positionen, die so noch nicht zusammen ausgestellt wurden,
kommen in der Ausstellung Narrentief und Schachtelkopf zur Geltung.
Auf diese Weise entsteht eine – auch in formaler Hinsicht – spannende Kooperation, die in
dieser Kombination als Medium für Protest, sozialen Wandel und kritische Reflexion
gesellschaftlicher Zustände dienen kann und zum Nachdenken ermuntert.
Kunst gibt nicht das Sichtbare wieder, sondern Kunst macht sichtbar. (Paul Klee)
*
Sonntag, 29. März 2026 um 11:30 Uhr Vernissage der Frühjahrsausstellung
26. April 2026 um 16:30 Uhr Finissage mit Führung
*
Öffnungszeiten: Di-Sa 14:30 – 18:00 Uhr, So 11:30 – 18:00 Uhr

Mit Irene Heller-Janton und Isabel Lange stellt die Galerie 11 zwei Künstlerinnen vor, die seit Jahrzehnten Teil der Kreativszene des Landes sind. Beide starteten mit einer handwerklichen Ausbildung und haben inzwischen ihren eignen, unverkennbaren künstlerischen Ausdruck gefunden.

Irene Heller-Janton studierte Gestaltung in Hamburg bei Gisela Bührmann und ist seit 50 Jahren als diplomierte Textildesignerin tätig. Vor über 30 Jahren rückte in ihrem Atelier die freie Malerei in den Mittelpunkt. Ihre Bilder sind farblich reich und durchdacht komponiert – mal mit erkennbaren Motiven wie Figuren, gerne Gesichtern und Ausschnitten oder Blumen, ganzen Gärten oder Landschaften – mal von der Wirklichkeit entrückt und sphärisch klingend oder von mystischen Strukturen durchsetzt.

Isabel Lange hat in Schleswig-Holstein eine große Werkstatt für Metall und arbeitet am liebsten mit Eisen. Dabei entstehen klassische Formen von Vögeln oder Figurinen. Wiedererkennbar sind ihre Stelen: Frauendarstellungen, bei denen das Kleid, das große Tuch oder auch die Haare in Metall geschnitten oder zusammengesetzt sind aus einzelnen verschweißten Mosaikteilen, die dann mit den vielen Zwischenräumen wie ein Scherenschnitt in Schwarz-Weiß erscheinen. Einige solcher Damen im Wind stehen an öffentlichen Plätzen.

Beide Künstlerinnen stellten schon mehrfach zusammen aus und freuen sich darauf, ab 21. März 17 Uhr ihre Arbeiten in einer gemeinsamen Schau in der Galerie 11 zu zeigen. Der Titel der Ausstellung „AugenBlicke“ bezieht sich dabei auf die Spontaneität, sich für ein Motiv zu entscheiden, sowie auf die Vergänglichkeit schöner Momente.

Mehr über Kunst und Künstlerinnen erfahren Sie auf der Ausstellungseröffnung am Sonnabend, 21. März, um 17 Uhr. Die Galeristin Bettina Winkler-Marxen wird die Künstlerinnen in einem Interview vorstellen, das anschließend bei Kultur und Wort, dem Kunstpodcast ausm Norden, erscheint.

Danach ist die Ausstellung bis 9. Mai zu sehen.
Am 3. 4. April sowie am 1. 2. Mai bleibt die Galerie 11 geschlossen.
Öffnungszeiten: Do 11-14 Uhr, Fr 15-18 Uhr, Sa 11-14 Uhr

Die Betrachtung und Einordnung des Schweines in der bildenden Kunst sind historische Positionierungen und Verflechtungen notwendig, da das Schwein in vielfältiger Form symbolisch eingeordnet und verknüpft ist. Entweder im bäuerlichen Alltag oder als allesfressende, mythologische Bestie. Eine fast unübersichtliche Zuordnung zwischen Zivilisation und Wildnis. Zwischen Massentierhaltung und freilaufenden Kleingruppensozialisation. Zwischen Religion und Tierschutz. Oder der Positionierung in der Niederträchtigkeit oder der Zuweisung als Opfergabe in der sakralen Welt. Ein schwieriges Unterfangen, auch in der Kunst noch kreative Zuordnung und Blickrichtungen zu ermöglichen, wo z.B. das „antike“ Schwein als Ellexis des Mutes oder des Zornes verklärt wurde. Es ist ein äußerst ambivalentes und differenziertes Bild, was das Schwein im Allgemeinen abgibt. In der Kunst scheint es noch komplizierter.
Die „documenta X“ in Kassel ermöglichte 1997 Rosemarie Trockel und Carsten Höller dem „Bunten Bentheimer“ die künstlerische Weihe.
Mit einer gewissen Süffisanz schrieb damals Jürgen Hohmeyer vom Magazin „Der Spiegel“ zur documenta von 1997 folgende schöne Zeilen: „Wer in den Stall sah und sich an den glücklichen Tieren erfreute, dachte unweigerlich über Massentierhaltung, Ausbeutung und Gewinnmaximierung nach. Gedankenvoll entspannt sollen documenta-Besucher schließlich am Ende ihres Parcours, glücklichen Schweinen ins Auge blicken. Eine Trennscheibe trennte Schweine-Idylle und Zuschauer oder Kunstbetrachter. Eine Besucherin kommentierte mit kritischem Blick: „Irgendwie pervers, sich da so gegenseitig durch die Scheibe anzuschauen.“
Die Fensterscheiben der Wunderkammer 5m² dienen hier allerdings nicht der Präsentation von Idylle, die es vielleicht im Biermeier gab und durch industrielle Mast abgelöst wurde, sondern der Idee den eigenen Blick zu schulen, der von Lichteinfällen, Reflexionen oder Spiegelungen begleitet wird. Der Blick auf die goldenen „schweinischen“ Hinterteile des Berliner Künstlers Peter Harder, sind der kreative Auslöser und Impuls, das Schwein und das menschliche Sehen zu subsummieren. Die wahre Entdeckungsreise innerhalb der Kunst besteht darin, die Perspektive und den Blickwinkel zu ändern. Auch wenn das mit dem Erblicken von Schweinehintern möglich wird. „Durch das Sehen bestimmen wir unseren Platz in der Umwelt, die sich mit Worten wohl beschreiben, nicht aber in ihrer räumlichen Existenz und Vielfallt erfassen lässt“ (John Berger-Sehen)
Der frühere britische Premierminister Winston Churchill soll einmal gesagt haben: „Hunde blicken zu uns auf, Katzen schauen auf uns herab, ein Schwein jedoch sieht uns als Gleichgestellten an.” Ein wagemutiger Vergleich!
Mensch und Schwein, zwei Wesen, die sich auf Augenhöhe begegnen. Wenn es denn so einfach wäre. Wir Menschen haben nämlich schon ein merkwürdiges Verhältnis zum Borstenvieh. Laut FAO (Welternährungsorganisation der UNO) wird die weltweite Schweinefleischproduktion 2025 mit 126,3 Millionen Tonnen angegeben. In der EU scheint die Zunahme nur gering zu sein, da restriktive Herausforderungen im Bereich Tiergesundheit, sowie Umwelt- und Tierschutzstandards nur eine geringe wirtschaftliche Steigerung sinnvoll machen. Und das gut so!
In Europa gibt es noch ca. 30 Rassen, von einstmals weit mehr als hundert. Nicht nur das deutsche Weideschwein starb aus. Heute machen in den Großställen der Tiermäster einige wenige Hochleistungsrassen nahezu 98 Prozent des Gesamtbestandes aus.
Vielleicht symbolisieren die goldenen Hinterteile von Peter Harder das Angler Sattelschwein, das Mangalitza Wollschwein, von dem ich so gerne das Schmalz mag, oder das Rot bunte Husumer Protestschwein. Das Turopolje Schwein oder das Schwäbisch Hällische , das Duroc, oder das Hamshire.
Das Husumer Protestschwein steht also im persönlichen Fokus, weil es bei Hinrichsen auf Föhr kultiviert wird.

Mit Irene Heller-Janton und Isabel Lange stellt die Galerie 11 zwei Künstlerinnen vor, die seit Jahrzehnten Teil der Kreativszene des Landes sind. Beide starteten mit einer handwerklichen Ausbildung und haben inzwischen ihren eignen, unverkennbaren künstlerischen Ausdruck gefunden.

Irene Heller-Janton studierte Gestaltung in Hamburg bei Gisela Bührmann und ist seit 50 Jahren als diplomierte Textildesignerin tätig. Vor über 30 Jahren rückte in ihrem Atelier die freie Malerei in den Mittelpunkt. Ihre Bilder sind farblich reich und durchdacht komponiert – mal mit erkennbaren Motiven wie Figuren, gerne Gesichtern und Ausschnitten oder Blumen, ganzen Gärten oder Landschaften – mal von der Wirklichkeit entrückt und sphärisch klingend oder von mystischen Strukturen durchsetzt.

Isabel Lange hat in Schleswig-Holstein eine große Werkstatt für Metall und arbeitet am liebsten mit Eisen. Dabei entstehen klassische Formen von Vögeln oder Figurinen. Wiedererkennbar sind ihre Stelen: Frauendarstellungen, bei denen das Kleid, das große Tuch oder auch die Haare in Metall geschnitten oder zusammengesetzt sind aus einzelnen verschweißten Mosaikteilen, die dann mit den vielen Zwischenräumen wie ein Scherenschnitt in Schwarz-Weiß erscheinen. Einige solcher Damen im Wind stehen an öffentlichen Plätzen.

Beide Künstlerinnen stellten schon mehrfach zusammen aus und freuen sich darauf, ab 21. März 17 Uhr ihre Arbeiten in einer gemeinsamen Schau in der Galerie 11 zu zeigen. Der Titel der Ausstellung „AugenBlicke“ bezieht sich dabei auf die Spontaneität, sich für ein Motiv zu entscheiden, sowie auf die Vergänglichkeit schöner Momente.

Mehr über Kunst und Künstlerinnen erfahren Sie auf der Ausstellungseröffnung am Sonnabend, 21. März, um 17 Uhr. Die Galeristin Bettina Winkler-Marxen wird die Künstlerinnen in einem Interview vorstellen, das anschließend bei Kultur und Wort, dem Kunstpodcast ausm Norden, erscheint.

Danach ist die Ausstellung bis 9. Mai zu sehen.
Am 3. 4. April sowie am 1. 2. Mai bleibt die Galerie 11 geschlossen.
Öffnungszeiten: Do 11-14 Uhr, Fr 15-18 Uhr, Sa 11-14 Uhr

Merete de Kruyfs Arbeiten bewegen sich in Zwischenwelten – technisch gesehen zwischen Malerei und Fotografie, inhaltlich zwischen Realität und Imagination. Die Künstlerin nutzt historische Fotografien nicht in ihrer ursprünglichen Form, sondern als Abdruck, der in abstrakte Hintergründe integriert wird. Da diese fotografischen Anteile immer ihren nicht auszulöschenden Kontext mitbringen, entstehen Bilder mit einer besonderen Rätselhaftigkeit und Tiefe in deren visueller Spannung sich Vergangenheit und Gegenwart, Sachlichkeit und Geheimnis verweben.

Am 18. April 2026 eröffnet die Galerie RIECK in Eckernförde die neue Ausstellung mit der dänischen Künstlerin Liza Krügermeier. Bekannt im Norden wurde sie durch ihre Teilnahme an der NordArt 2025. Ihre Werke zeichnen sich durch eine intensive Auseinandersetzung mit Farbe, Licht und Schatten aus, die sie mit persönlichen Erinnerungen und Momenten verbindet.

Krügermeiers künstlerische Sprache vereint skandinavische Klarheit mit Einflüssen des Mittelmeers – geprägt durch ihre mehrjährigen Aufenthalte auf der griechischen Insel Leros, deren leuchtende Farben und starken Lichtkontraste ihre heutige Bildwelt entscheidend formten. Zu sehen sein werden besondere, neue Arbeiten der Künstlerin, die täglich in ihrem Atelier auf der Insel Møn arbeitet und international ausstellt.

Die Ausstellung steht im Mittelpunkt der Galerie. Ergänzend präsentiert die Galerie RIECK eine Auswahl skandinavischer Kunst der letzten Jahrzehnte – von Positionen der Klassischen Moderne bis zu zeitgenössischen Sichtweisen. So treten Krügermeiers farbintensive Kompositionen in einen lebendigen Dialog mit unterschiedlichen künstlerischen Strömungen und Epochen. Zusätzlich werden Assemblagen des dänischen Künstlers Jens Christian Jensen gezeigt, der mit seinen kreativen und fröhlichen Farb- und Materialkompositionen eine wunderbare Ergänzung zur Malerei von Liza Krügermeier ist. Alle Werke stehen zum Verkauf.

Die selbstständige Künstlerin Elena Franck präsentiert auch in diesem Jahr wieder ihre Werke in den Räumen der Dunkerschen Kate in Bosau.
Es erwartet Sie eine bunte Ausstellung an Acrylbildern aller Stilrichtungen sowie japanische Strick- und Häkelkunst.

Die dritte Ausstellung des Jahres vom Kunstverein Elmshorn steht in den Startlöchern: Vom 25. April bis 05. Juni 2026 stellt die Hamburger Künstlerin Katharina Duwe ihre Arbeiten im Rahmen der Ausstellung „ZERBRECHLICHE WELT“ im Torhaus Elmshorn aus.

In ihren großformatigen Werken entwirft die bekannte Hamburger Künstlerin Katharina Duwe fiktive Stadtlandschaften: Ein komplexes, fast kaleidoskopartiges Zusammenspiel aus zivilisatorischen Versatzstücken und wuchernder Natur. Es ist ein visuelles Ringen um die Frage: Erobert der urbane Raum das letzte Grün oder schlägt die Vegetation unaufhaltsam zurück? Während in der Serie »Urbanität« die Architektur dominiert, taucht in den »Stadtmenschen« das Individuum nur noch als schattenhafte Figur auf – gefangen im künstlichen Licht einer durchstrukturierten Welt. Einen intimen Gegenpol bildet die kleinformatige Serie »Lichtreflexe«, in denen das nächtliche Leuchten der Großstadt in Malerei umgesetzt wird.

Katharina Duwe gehört zu den prägenden Positionen der zeitgenössischen Malerei in Hamburg. Aus einer bedeutenden Künstlerfamilie hervorgegangen – als Tochter von Harald Duwe und Heilwig Duwe-Ploog – hat sie eine unverwechselbare künstlerische Handschrift entwickelt, die weit über die Region hinaus Beachtung findet. Internationale Arbeitsaufenthalte von New York bis Marrakesch prägen ihr Werk ebenso wie ihre langjährigen Lehrtätigkeiten. Zahlreiche Auszeichnungen und die Präsenz ihrer Arbeiten in renommierten öffentlichen wie privaten Sammlungen unterstreichen ihre künstlerische Bedeutung.

Ihr Werk ist weit mehr ist als reine Bildproduktion – es ist eine intensive, jahrzehntelange Auseinandersetzung mit der Frage, wie wir als Menschen in einer sich rasant verändernden Welt leben. Ihre eindringlichen, atmosphärisch dichten Bildwelten bewegen sich souverän zwischen Realität und Imagination und ziehen den Betrachter unmittelbar in ihren Bann. Ihre Malerei fordert den Blick heraus. Sie zeigt keine fertigen Antworten, sondern öffnet Räume, die man selbst entdecken muss. Genau darin liegt ihre Kraft: Wer sich auf Duwes Werke einlässt, wird nicht nur Zuschauer, sondern Teil des Bildgeschehens. Besonders die Dynamik der Großstadt wird bei ihr zu einem Sinnbild unserer Gegenwart: zwischen Schönheit, Überforderung und der Suche nach Orientierung.

Die Ausstellung endet mit einer Finissage und einem Künstlergespräch am letzten Ausstellungstag, am Freitag, den 5. Juni 2025 von 16.00 bis 18.00 Uhr. Frau Katharina Duwe wird persönlich anwesend sein und für Fragen und Gespräche zur Verfügung stehen.

Ein besonderes Highlight: Im Zuge dieser Ausstellung bietet der Kunstverein Elmshorn einen Workshop für Jugendliche am 28.05.2026 von 16.30 – 19.00 h an, der von Susanne Berger und Amelie Sommer geleitet wird. Dieser Workshop bietet Jugendlichen zwischen 10 und 16 Jahren die Möglichkeit, sich intensiv mit Kunst im Rahmen der Ausstellung von Katharina Duwe auseinanderzusetzen – sowohl in Theorie als auch in Praxis. Mit diesem Workshop soll die Freude an der Kunstbetrachtung entfacht und die eigene Kreativität geweckt werden. Die Teilnahme-/Materialgebühr beträgt 10 Euro. Anmeldungen bis zum 21.05.2026 bitte an info@kunstverein-elmshorn.de.

Die Ausstellung ist zu den regulären Öffnungszeiten des Kunstvereins Elmshorn im Torhaus geöffnet. Der Eintritt ist frei.

Öffnungszeiten:
Mittwoch – Freitag: 10–12 Uhr und 16–18 Uhr
Samstag & Sonntag: 11–13 Uhr

Ein Haus am Meer. Drei Generationen von Frauen. Und eine Geschichte, die bis heute nachwirkt.

Im Freya-Frahm-Haus in Laboe ist vom 25.April bis zum 10. Mai die Ausstellung „Am Rande der Wellen – Ein Dialog der Generationen“ zu sehen. Ausgangspunkt ist das Freya-Frahm-Haus selbst: ein Ort, der über drei Generationen hinweg von Frauen geprägt wurde. Nach frühen Verlusten lag die Verantwortung für das Haus bei den Zurückgebliebenen, die es über Jahrzehnte hinweg als Lebensraum, Rückzugsort und Ort der Begegnung bewahrten. Diese gelebte Geschichte bildet den Hintergrund der Ausstellung und wird zum Ausgangspunkt eines Dialogs zwischen Vergangenheit und Gegenwart.

Im Zentrum steht die Beziehung zwischen Mutter und Kind als grundlegende Form von Nähe, Erfahrung und Weitergabe. Dieses Motiv wird in unterschiedlichen künstlerischen Ausdrucksformen aufgegriffen und weitergeführt. Malerei, Lyrik und Musik treten dabei nicht als getrennte Disziplinen auf, sondern als miteinander verbundene Zugänge zu einer gemeinsamen Erfahrung.
Ein besonderer Fokus liegt auf dem Spannungsfeld zwischen traditionellem künstlerischem Arbeiten und zeitgenössischer Technologie. Während in der Malerei Künstliche Intelligenz als Impulsgeberin für Bildideen dient, entstehen Lyrik und Musik bewusst aus einem rein menschlichen, intuitiven Prozess heraus. So entsteht ein vielschichtiger Dialog zwischen Hand und Algorithmus, zwischen Erfahrung und Berechnung. Ergänzt wird die Ausstellung durch Plein-Air-Malerei, die direkt am Meer entstanden ist. Diese Arbeiten erweitern die Perspektive und rücken grundlegende Aspekte wie Zeit, Veränderung und Kontinuität in den Vordergrund. Das Meer wird dabei zum Gegenüber – als Sinnbild für Bewegung, Wiederkehr und Dauer.
Die Ausstellung verbindet regionale Geschichte mit aktuellen künstlerischen Fragestellungen und macht das Freya-Frahm-Haus selbst zum Teil der Erzählung.

Eine Ausstellung über Erinnerung und Gegenwart 
– und über das, was bleibt.

Zum Kriegsende vor 80 Jahren lagern in Deutschland noch unvorstellbare Mengen an Munition und Kampfstoffen. Die Alliierten beschließen, diese in festgelegten Arealen in Nord- und Ost-see zu entsorgen. Die Lübecker Bucht wird für die Beseitigung herkömmlicher Waffen und Munition aus der britischen Besatzungszone ausgewählt. Die Versenkung wird in Lübeck von den britischen Besatzungstruppen organisiert.
Seitdem liegen etwa 300.000 Tonnen versenkter Waffen auf dem Boden der Ostsee, insgesamt sind es schätzungsweise 1,6 Millionen Tonnen in deutschen Gewässern. Diese Altlasten sind eine tickende Zeitbombe, denn die eisernen Behälter rosten und geben nach und nach ihre giftigen Inhaltsstoffe frei. Für die Umwelt und die Menschen werden die alten Kriegswaffen zu einer unberechenbaren Gefahr.
Das Regionalmuseum thematisiert mit der Sonderausstellung die aktuelle Bergung der Munitionsaltlasten, dazu gehören die Methoden, mit denen die Munition aufgespürt und kartiert wird, die Bergungskonzepte, die Gefahren, die von den rostenden Waffen für Mensch und Tier ausgehen und die Geschichte der Munitionsverklappungen.
#sonderausstellung
#munitionimmeer
#museenentdecken

Unter dem Titel „Resonanzen“ entsteht über das ganze Jahr 2026 eine fortlaufende Ausstellung, in der sich Künstler:innen mit unterschiedlichen Themen unserer Zeit auseinandersetzen. Krisen und Veränderungen erzeugen Unsicherheit und Ängste. Aber kann man Unsicherheit nicht auch als etwas Produktives verstehen, aus dem neue positive Narrative für die Zukunft entstehen? Und in wieweit können künstlerische Arbeiten dazu beitragen?
Als fließender Prozess, der Denkanstösse zum Handeln vermitteln will, werden sich die gezeigten Arbeiten immer wieder verändern, in einen Dialog miteinander treten und so neue Impulse setzen. Besucher:innen sind eingeladen, die Stadtgalerie ständig neu zu entdecken. Monatliche begleitende Veranstaltungen laden zum gemeinsamen Nachdenken über die Themen ein.
Unter dem Motto „Fließende Begegnungen und akustische Zwischenräume“ werden zunächst Klangarbeiten gezeigt, die sich mit dem Raum und der Außenwelt verbinden. Kuratiert wurde die Ausstellung von Marita Landgraf und dem ehemaligen Stipendiaten des Künstler:innenhaus Heiko Wommelsdorf. Sein Schwerpunkt sind raumbezogene Klanginstallationen.
In das Konzept integrieren sich auch die Lichtarbeiten des Künstlers Via Lewandowsky in der Reihe POSITION #03. Sie strahlen täglich von 12.00 bis 22.00 Uhr nicht nur in die Stadtgalerie, sondern erhellen auch die Altstadt und wecken Neugier auf das, was sich im Haus entwickelt.

wieder eine neue Ausstellung im Kulturbahnhof in Eutin „SCHEIN UND SEIN“. Der Arzt und Künstler Herbert Wiedergut stellt seine Werke aus. Die Vernissage zur Ausstellung findet am Samstag, 25. April, 15 Uhr statt.

Volker Linhardt spielt Werke von Josef Rheinberger, Calille Saint Saens, Clément Loret u.a.
Eintritt frei – Spenden erbeten

Wie baute man früher Schiffe? Welche Hilfsmittel hatten die Seeleute, um sich bei Wind und Wetter auf dem Ozean zurechtzufinden? Und wie kommt eigentlich ein „Seehund“ ins Museum? Auf diese und viele andere kuriose Fragen rund um das Thema „Seefahrt“ erhalten Kinder ab fünf Jahren auf einem spannenden Rundgang durch die geschichtsträchtige Fischhalle Antworten. Am Ende des Rundgangs bestaunen die kleinen Entdecker*innen die „Wunderkammer“ des Museums, in der sich viele geheimnisvolle Dinge befinden.
Dauer: 60 Minuten
Schifffahrtsmuseum Fischhalle, Wall 65
Anmeldungen unter 0431 901 3428, Max. 10 Teilnehmer*innen
Die Kinder müssen von einem Erwachsenen begleitet werden.
Eintritt frei

Vor dem Gießen steht die Form. Nur wenn sie fachgerecht aus Formsand hergestellt wurde, kann ein einwandfreies Gussstück entstehen. Bei der Gussvorführung erleben Sie die wesentlichen
Arbeitsschritte dieses Prozesses. Dabei erfahren Sie auch einiges über die Arbeitsbedingungen in der Metallgießerei, die von 1884 bis 1980 in Betrieb war.
Industriemuseum Howaldtsche Metallgießerei, Grenzstraße 1
Eintritt frei

Zum Kriegsende vor 80 Jahren lagern in Deutschland noch unvorstellbare Mengen an Munition und Kampfstoffen. Die Alliierten beschließen, diese in festgelegten Arealen in Nord- und Ost-see zu entsorgen. Die Lübecker Bucht wird für die Beseitigung herkömmlicher Waffen und Munition aus der britischen Besatzungszone ausgewählt. Die Versenkung wird in Lübeck von den britischen Besatzungstruppen organisiert.
Seitdem liegen etwa 300.000 Tonnen versenkter Waffen auf dem Boden der Ostsee, insgesamt sind es schätzungsweise 1,6 Millionen Tonnen in deutschen Gewässern. Diese Altlasten sind eine tickende Zeitbombe, denn die eisernen Behälter rosten und geben nach und nach ihre giftigen Inhaltsstoffe frei. Für die Umwelt und die Menschen werden die alten Kriegswaffen zu einer unberechenbaren Gefahr.
Das Regionalmuseum thematisiert mit der Sonderausstellung die aktuelle Bergung der Munitionsaltlasten, dazu gehören die Methoden, mit denen die Munition aufgespürt und kartiert wird, die Bergungskonzepte, die Gefahren, die von den rostenden Waffen für Mensch und Tier ausgehen und die Geschichte der Munitionsverklappungen.
#sonderausstellung
#munitionimmeer
#museenentdecken

Unter dem Titel „Resonanzen“ entsteht über das ganze Jahr 2026 eine fortlaufende Ausstellung, in der sich Künstler:innen mit unterschiedlichen Themen unserer Zeit auseinandersetzen. Krisen und Veränderungen erzeugen Unsicherheit und Ängste. Aber kann man Unsicherheit nicht auch als etwas Produktives verstehen, aus dem neue positive Narrative für die Zukunft entstehen? Und in wieweit können künstlerische Arbeiten dazu beitragen?
Als fließender Prozess, der Denkanstösse zum Handeln vermitteln will, werden sich die gezeigten Arbeiten immer wieder verändern, in einen Dialog miteinander treten und so neue Impulse setzen. Besucher:innen sind eingeladen, die Stadtgalerie ständig neu zu entdecken. Monatliche begleitende Veranstaltungen laden zum gemeinsamen Nachdenken über die Themen ein.
Unter dem Motto „Fließende Begegnungen und akustische Zwischenräume“ werden zunächst Klangarbeiten gezeigt, die sich mit dem Raum und der Außenwelt verbinden. Kuratiert wurde die Ausstellung von Marita Landgraf und dem ehemaligen Stipendiaten des Künstler:innenhaus Heiko Wommelsdorf. Sein Schwerpunkt sind raumbezogene Klanginstallationen.
In das Konzept integrieren sich auch die Lichtarbeiten des Künstlers Via Lewandowsky in der Reihe POSITION #03. Sie strahlen täglich von 12.00 bis 22.00 Uhr nicht nur in die Stadtgalerie, sondern erhellen auch die Altstadt und wecken Neugier auf das, was sich im Haus entwickelt.

Zum Kriegsende vor 80 Jahren lagern in Deutschland noch unvorstellbare Mengen an Munition und Kampfstoffen. Die Alliierten beschließen, diese in festgelegten Arealen in Nord- und Ost-see zu entsorgen. Die Lübecker Bucht wird für die Beseitigung herkömmlicher Waffen und Munition aus der britischen Besatzungszone ausgewählt. Die Versenkung wird in Lübeck von den britischen Besatzungstruppen organisiert.
Seitdem liegen etwa 300.000 Tonnen versenkter Waffen auf dem Boden der Ostsee, insgesamt sind es schätzungsweise 1,6 Millionen Tonnen in deutschen Gewässern. Diese Altlasten sind eine tickende Zeitbombe, denn die eisernen Behälter rosten und geben nach und nach ihre giftigen Inhaltsstoffe frei. Für die Umwelt und die Menschen werden die alten Kriegswaffen zu einer unberechenbaren Gefahr.
Das Regionalmuseum thematisiert mit der Sonderausstellung die aktuelle Bergung der Munitionsaltlasten, dazu gehören die Methoden, mit denen die Munition aufgespürt und kartiert wird, die Bergungskonzepte, die Gefahren, die von den rostenden Waffen für Mensch und Tier ausgehen und die Geschichte der Munitionsverklappungen.
#sonderausstellung
#munitionimmeer
#museenentdecken

Unter dem Titel „Resonanzen“ entsteht über das ganze Jahr 2026 eine fortlaufende Ausstellung, in der sich Künstler:innen mit unterschiedlichen Themen unserer Zeit auseinandersetzen. Krisen und Veränderungen erzeugen Unsicherheit und Ängste. Aber kann man Unsicherheit nicht auch als etwas Produktives verstehen, aus dem neue positive Narrative für die Zukunft entstehen? Und in wieweit können künstlerische Arbeiten dazu beitragen?
Als fließender Prozess, der Denkanstösse zum Handeln vermitteln will, werden sich die gezeigten Arbeiten immer wieder verändern, in einen Dialog miteinander treten und so neue Impulse setzen. Besucher:innen sind eingeladen, die Stadtgalerie ständig neu zu entdecken. Monatliche begleitende Veranstaltungen laden zum gemeinsamen Nachdenken über die Themen ein.
Unter dem Motto „Fließende Begegnungen und akustische Zwischenräume“ werden zunächst Klangarbeiten gezeigt, die sich mit dem Raum und der Außenwelt verbinden. Kuratiert wurde die Ausstellung von Marita Landgraf und dem ehemaligen Stipendiaten des Künstler:innenhaus Heiko Wommelsdorf. Sein Schwerpunkt sind raumbezogene Klanginstallationen.
In das Konzept integrieren sich auch die Lichtarbeiten des Künstlers Via Lewandowsky in der Reihe POSITION #03. Sie strahlen täglich von 12.00 bis 22.00 Uhr nicht nur in die Stadtgalerie, sondern erhellen auch die Altstadt und wecken Neugier auf das, was sich im Haus entwickelt.