Günter Grass war nicht nur ein großartiger Wort- und Bildkünstler, sondern auch ein leidenschaftlicher Tänzer. Ab 28. März 2024 widmet sich daher die neue Ausstellung „GRASS TANZBAR“ im Lübecker Günter Grass-Haus dem Thema Tanz. Wie und wann Günter Grass das Tanzen gelernt hat, welchen Einfluss das Ballett auf sein Werk hatte und was der Autor über die Loveparade in Berlin geschrieben hat – darüber informiert diese ungewöhnliche Schau, in der die Exponate und die Besucher:Innen selbst in Bewegung geraten. Sie ist bis 5. Januar 2025 in Lübeck zu sehen.

Die Ausstellung zeigt zahlreiche Manuskripte sowie Grafiken, Lithografien und Plastiken des Grafikers, Malers, Bildhauers und Schriftstellers zum Thema Tanz. Ein Highlight im Raum ist eine Drehbühne mit einer Bar. Hier können die Besucher:innen Platz nehmen, Getränke der Firma VOELKEL zu sich nehmen, miteinander ins Gespräch kommen und sich von einer Themenecke zur nächsten drehen lassen. Die Ausstellung wurde von dem renommierten Berliner Designer Matthias Kaminsky gestaltet. Die Kurator:innen sind Katrin Wellnitz, Julia Wittmer und Dr. Jörg-Philipp Thomsa.

Die Schau ist in drei Themenblöcke gegliedert: „Eine tanzwütige Zeit“, „Der Mensch als Tanzmaschine“ und „Letzte Tänze“, analog zu den Lebensstationen von Günter Grass, die mit Tanz zu tun haben. Zunächst geht es um seine ersten Tanzversuche als Jugendlicher, geführt von „vereinsamten Soldatenbräuten“. Es folgen die „tanzwütigen“ Nachkriegsjahre, in denen Grass die Wochenenden durchtanzte, sowie seine ersten Begegnungen mit dem Ballett durch seine erste Frau Anna, die bei Mary Wigman in Berlin Ausdruckstanz studierte. Sie inspirierte ihn dazu, sich mit dem Tanz und speziell dem Ballett sowohl künstlerisch als auch theoretisch zu beschäftigen. Grass schrieb Ballettstücke, zeichnete oder modellierte tanzende Figuren und schrieb einen seiner ersten Essays: „Die Ballerina“ (1956). Im Roman „Hundejahre“ (1963) beschreibt er die Entstehung von immer komplexeren mechanischen Vogelscheuchen, die einerseits in Perfektion tanzen, andererseits zum Abbild des nationalsozialistischen Menschen werden. 2003 schließlich veröffentlichte Günter Grass den Text-Bild-Band „Letzte Tänze“. Dafür töpferte er Tanzpaare aus Ton, fertigte Kohlezeichnungen und Lithografien an und dichtete dazu – eine Hommage an die Liebe und den Tanz.

Mit verschiedenen medialen Präsentationsformen wie Videoinstallationen und Soundduschen beleuchtet das Günter Grass-Haus auf kurzweilige Art zahlreiche Facetten des Tanzens. Auf zwei Monitoren ist Günter Grass selbst beim Tanzen zu sehen. Selbstverständlich stehen neben fröhlichen Motiven auch politische Aspekte des Tanzens im Fokus. Im Roman „Die Blechtrommel“ lässt der Autor den kleinen Oskar Matzerath mit seiner Trommel eine nationalsozialistische Versammlung sprengen, indem er die Nationalsozialisten im wahrsten Sinne des Wortes aus dem Takt bringt und sie Charleston und Walzer tanzen lässt. Diese berühmte Tribünen-Szene zeigt ein von der Illustratorin und Figurenbauerin Sara-Christin Richter entworfenes Diorama.

Eine Filmcollage des Hamburger Künstlers Mikhele Apitzsch greift die gesellschaftliche Dimension des Tanzens in unterschiedlichen Ländern auf. Wie politisch Tanz- und Musikveranstaltungen werden können, ist gerade durch Angriffe auf Vergnügen in der jüngsten Geschichte in Paris 2015, Israel 2023 und Moskau 2024 schmerzhaft zu beobachten gewesen.

Die ganz jungen Gäste werden mithilfe eines eigenen Ausstellungshefts kindgerecht durch die märchenhaften Gefilde der Tanzwelt von Günter Grass geführt.

Mit KUNST AUF REISEN/ART IN MOTION – 2024 beginnt der Start einer der kreativen und spielerischen Kommunikationsaktion mit einer Institution, die für die Zusammenarbeit zwischen Künstler, Kunst und dem Betrachter eine herausragende Rolle und Symbiose spielen kann.

Die Seemannsmission in Hamburg Altona in der großen Elbstraße 132. Sie ist dabei nicht nur Hamburgern, sondern auch Seefahrern in aller Welt als Ort der Geborgenheit, der zeitlich begrenzten Heimat und des interkulturellen Austausches bekannt.
Kunst und Kultur konnte und kann gerade in gesellschaftspolitisch virulenten Zeiten hier bereits einen ergänzenden Beitrag leisten, Menschen unterschiedlichster Hautfarbe, Sozialisation, Herkunft und Religionszugehörigkeit zusammenzuführen, um dabei freien und friedlichen Austausch der Standpunkte zu ermöglichen. Ausstellungskonzepte haben in den letzten Jahren bereits erfolgreich Fuß gefasst.

Die Arbeiten im zentralen Raum der Seefahrermission können dabei weiterhin den Impuls des Gespräches und des kulturellen Austausches initiieren. Und sie können bei „Gefallen“ ihre Reise als begleitendes Geschenk zurück in die Heimat der weltweit tätigen Seefahrer/Innen und Festigung der Missionsidee in die Welt tragen.
Es kann dann am Zielort in neuer Umgebung und Erinnerung mit der jeweiligen Reise versehen werden. Am Ende bleibt in der Seemannsmission (der Zeitraum wird noch festgelegt) eine leere Wand übrig. Kunst auf Reisen ist dann zu Ende, ähnlich dem Arbeitsvertrag von Mitarbeiterinnen und Mitarbeitern auf Containerschiffen und Kreuzfahrtschiffen. Und Kunst auf Reisen/Art in Motion bleibt eine Reise der Erinnerungen, die durch eine Karte bei Google Maps wachgehalten wird. Sie zeigt mittels roter Pins/Markierungen die Orte an, wo die Bilder im Projektzeitraum gelandet sind. Das setzt voraus, dass die Teilnehmer/Innen von Art in Motion den letzten Standort des Bildes als Ende seiner unter aim@kunsteins.de mitteilen.

Auch wenn die Fotografien von Nicole Ahland, Corina Gertz und Kris Scholz die Gegenwart zeigen, fühlen sich die Betrachtenden an Vergangenes erinnert. Die im Rahmen ihres Artist-in-Residence-Aufenthalts auf Föhr geschaffenen Werke zwingen zum Innehalten und zur Selbstbefragung im Hinblick auf unseren Umgang mit Erbe, Traditionen und Werten.

So erkundet Nicole Ahland, die bereits mehrfach auf Föhr zu Gast war, leer stehende Innenräume und Gebäude, in deren Mauern und in zurückgelassenen Objekten Geschichten eingeschrieben zu sein scheinen. „Räume spiegeln unsere Gesellschaft“ – so sagt sie treffend.

Die Fotografin Corina Gertz widmet sich in ihrer Serie Das abgewandte Porträt den Tracht tragenden Föhrerinnen. Ohne von Mimik, Gestik oder dem Umraum abgelenkt zu werden, richtet sich der Fokus auf die Rückansichten: aufwendige Frisuren, detaillierte Stickereien der Kopf- und Schultertücher und die Stofflichkeit der Röcke. Durch diese Konzentration entfalten Gertz’ Aufnahmen eine große Ruhe und erzählen von Herkunft, Tradition und vom sich wandelnden Handwerk.

Kris Scholz, bis 2021 als Professor für künstlerische Fotografie an der Hochschule Darmstadt tätig, arbeitet gezielt mit dem historischen Papiernegativverfahren. Dadurch vermitteln seine großformatigen Landschaftsaufnahmen in Schwarz-Weiß den Eindruck, als würden wir an Orte der Vergangenheit geführt.

Janus la Cour (1837–1909), an der dänischen Westküste geboren, gilt es wiederzuentdecken – vor allem in seiner Modernität. Bekannt als großer Einsiedler, hatte er bei seiner ersten Italienreise 1867 den Traum von einem perfekten Bild: ein leerer Strand, wild und öde. In den Schweizer Bergen, im warmen Italien, aber besonders bei seinen Wanderungen an den heimischen Stränden bei Århus suchte er seitdem karge, einsame Orte auf und verherrlichte sie in seiner fast meditativen Kunst. Bis heute faszinieren diese oft seriell angelegten menschenleeren Monumente der Stille. Nicht zuletzt hält er eine gefährdete Natur fest, die in der fortschreitenden Industrialisierung Europas zu verschwinden droht, und betont damit zugleich seine Ablehnung des impressionistischen Paris, das er wie alle Großstädte abscheulich fand. Er animiert uns, innezuhalten.

Die Ausstellung − entstanden in Kooperation des MKdW und der Nivaagaards Malerisamling in Nivå, Dänemark − basiert auf Meisterwerken aus der Berliner Janus-la-Cour, Sammlung von Christoph Müller, und wird um Leihgaben aus Privatsammlungen sowie wichtigen dänischen Museen ergänzt. Erweitert wird sie um zeitgenössische Perspektiven: Die Maler Per Kirkeby und Sven Drühl, die selbst La-Cour-Sammler waren beziehungsweise sind, setzen sich in ihren Werken direkt oder indirekt mit La Cours Kunst auseinander.

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Vergängliche Augenblicke – von Heiko Westphalen

Der Flensburger Fotokünstler Heiko Westphalen lädt mit seiner neuen Ausstellung „Vergängliche Augenblicke“ zu einer faszinierenden Entdeckungsreise durch die Straßen des Alltags ein. Seine Werke widmen sich den unscheinbaren, oft übersehenen Details des urbanen Lebens – jenen kleinen Momenten und Szenen, die eine stille, aber eindringliche Geschichte erzählen.

Westphalen, bekannt für seine besondere Sicht auf die Welt, lenkt den Blick auf das, was jenseits des Offensichtlichen liegt: die abgeblätterte Farbe einer Hauswand, das Spiel von Licht und Schatten auf einer Bank, vergängliche Kunst im urbanen Raum. Ohne dabei plakativ zu wirken, fängt er die Poesie der scheinbaren Nebensächlichkeiten ein und zeigt, wie vergänglich und zugleich bedeutungsvoll die Spuren des Alltags sind.

Seine Streetfotografie verzichtet auf spektakuläre Szenen oder offensichtliche Motive. Stattdessen lädt sie dazu ein, innezuhalten, genauer hinzusehen und die Schönheit im Unscheinbaren zu entdecken. Es sind Bilder, die zum Nachdenken anregen und die Frage aufwerfen, wie viel wir im Alltag an uns vorbeiziehen lassen, ohne es wirklich wahrzunehmen.

„Vergängliche Augenblicke“ ist eine Hommage an das Alltägliche – voller Melancholie, aber auch voller leiser Freude. Die Ausstellung wird ab 11. Februar – 3. Mai 2025 im Haus der Fotografie in Husum, Am Außenhafen 28 gezeigt. Lassen Sie sich von Heiko Westphalens einzigartigem Blick auf die Welt inspirieren! Die Öffnungszeiten sind von Di bis Samstag 10 – 17 Uhr, So 11 -15 Uhr.

Die Overbeck-Gesellschaft eröffnet mit der Ausstellung Half Frame der zyprischen Künstlerin Maria Toumazou Programm unter der Leitung der neuen Direktorin Paula Kommoss.

In ihrer ersten institutionellen Einzelausstellung in Deutschland nutzt Toumazou Techniken der fotografischen Bilderzeugung, um bereits bestehende Werke (neu) zu interpretieren und weiterzuentwickeln. Der Titel der Ausstellung bezieht sich auf das Modell der Halbformatkamera, die in den frühen 1960er-Jahren populär wurde und die Fotografie revolutionierte. Durch die Halbierung der Bildgröße auf einem Standard-35-mm-Film verdoppelte sich die Anzahl der Belichtungen bei gleichen Kosten. Diese Verdopplung verweist
zum einen auf die Intensivierung einer fotografischen Erfahrung. Zum anderen kann sie als Vorbote eines kontinuierlichen technischen Fortschritts der Bilderfassung verstanden werden, der unsere Gegenwart als vielschichtiges, dezentrales und hyperreferenzielles Phänomen prägt.

Toumazou greift in ihrer Ausstellung frühe Formen der fotografischen Bildproduktion auf und präsentiert in der Overbeck-Gesellschaft eine ortsspezifische Installation, die eine ephemere und flüchtige optische Erfahrung schafft. Indem sie unser Verlangen nach einem vollständigen Bild bewusst unerfüllt lässt, hinterfragt Toumazou die Fragmentierung unserer Wahrnehmung. Diese Formen des Sehens stehen für die Künstlerin im Zusammenhang mit der Sichtbarmachung marginalisierter Wissensformen.

Half Frame erstreckt sich über die Räume der Kulturkirche St. Petri auf einen zweiten Ort. Hier eignet sich Toumazou in ihren Skulpturen bereits existierende Objekte an und interpretiert diese neu. So findet eine Glockenkrone aus einer Kirche in Nikosia, Zypern, Eingang in die Ausstellung.

Ihre tentakelhafte Form verleiht der Skulptur dabei eine beinahe organische Anmutung. Auch andere Objekte werden von Toumazou mit subtilen Eingriffen verändert: Ventilatoren der Marken Emily, Midea und Serpa, die, ihrer Klingen beraubt, an Überwachungsapparate erinnern; daneben die Überreste eines nicht mehr erhältlichen Essteller-Sets mit dem Bild einer abstrahierten Großstadtlandschaft, das aus einem Geschäft in der Altstadt von Nikosia stammt. Wie Mythen die Kulturen durchwandern, so zirkulieren Markenartikel in der globale Wirtschaft – ein tiefgreifender Antagonismus, der die Geschichte und Gegenwart Zyperns prägt.

In ihren Arbeiten untersucht Toumazou die verborgenen Geschichten gefundener Objekte und bereits existierender künstlerischer Konzepte. Dabei zeichnet sie die Geschichte ihrer Wiederverwendung nach und beschäftigt sich mit deren erzählerischem Potenzial. Durch das Zusammenspiel von Ort, Objekt und Bild stellt sie tradierte Vorstellungen von Identität, Authentizität und Zusammenarbeit in Frage. Mit Half Frame eröffnet Toumazou uns eine neue Perspektive, von der aus die Relikte eines technologischen und kulturellen Optimismus, in einer Abfolge von Halbbildern betrachtet werden können.

Aus dem Artist-in-Residence-Programm des MKdW wurden zwei Künstler ausgewählt, die mit sehr unterschiedlichen Techniken arbeiten, aber eine große Begeisterung teilen: die intensive Auseinandersetzung mit der Natur.

Der deutsche, in Hamburg lebende Maler Jochen Hein (* 1960) sowie der argentinische, in Berlin tätige Installationskünstler Miguel Rothschild (* 1963) loten in ihren Werken das Verhältnis von Mensch und Natur neu aus. Die Landschaft wird zur bestimmenden Größe. Oftmals lässt sich nicht sagen, ob es eine Natur vor oder nach den Menschen ist – jegliche zivilisatorische Zeugnisse fehlen in ihr und erschweren damit, die reale Größe der Landschaft zu ermessen.

Die Künstler begeistern sich für alle Witterungsphänomene – Stürme überziehen das Land, Nebel steigen auf, Wolken regnen sich ab, Sonnenstrahlen dringen durch Laubwerk. Immer wieder werden neue atmosphärische Stimmungen in den oftmals monumentalen Bildformaten eingefangen. Gerade die schnellen Wetterwechsel, denen die Natur auf Föhr ausgesetzt ist, bilden einen Motivkreis. Oft scheint es, als würden die Bildräume über ihre realen Begrenzungen ausgreifen. Jochen Hein arbeitet zudem in Serien, um die tageszeitlichen Veränderungen zu visualisieren, die dem Land, dem Meer und dem Himmel immer wieder eine andere Ausdruckskraft verleihen. Demgegenüber bricht Rothschild die Bildoberflächen auf, durchlöchert sie sogar oder fügt ihnen Brandstellen hinzu. Die Betrachtenden werden gefordert, sich ihrer Beziehung zur Urkraft der Natur im Wissen um die sich dramatisch verändernden klimatischen Bedingungen zu stellen.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.

Die in Mecklenburg lebenden Künstlerinnen Monika Lawrenz und Anke Bastrop widmen sich in den Gattungen Fotografie und Lyrik der Natur und stellen die ihr innewohnende Schönheit sowie ihre Verletzlichkeit und Gefährdung in den Vordergrund.

Monika Lawrenz fotografiert still beobachtend Augenblicke, die sie in Deutschland, in der Schweiz, auf Island und in Norwegen vorfindet. Ihre Fotografien erzählen noch im Flüchtigen von den unendlich scheinenden Kreisläufen des Lebens. Indem sie die Farbe in ihren Fotografien reduziert oder die Linien in Dunst und Atmosphäre auflöst, vermitteln die Arbeiten eine besondere Nähe zur künstlerischen Grafik.

Anke Bastrop greift die Motive der Fotografien in ihren Texten auf und führt sie schreibend fort. Seien es die Kraniche in der Winterlandschaft oder auch das Torfabbaugebiet als Wunde – Bilder und Texte der Ausstellung berühren in ihrem Zusammenspiel und zeigen ein Spannungsfeld zwischen dem Verlorenen und dem Unverlierbaren auf.

Die Künstlerin Jutta Gottschalt hat sich zum Ziel gesetzt, durch die Beteiligung der Öffentlichkeit, den „Ein-Farb-Raum Schwarz“ zu gestalten. Hierfür wurden die Menschen aufgerufen, schwarze, ausgediente Kabel zu sammeln und für das Kunstwerk zur Verfügung zu stellen. Entstanden sind mehrere kleine Objekte und eine spinnwebartige Raum-Installation.

Die Künstlerin nennt ihre Raumgestaltung „Stromausfall“. Ein Stromausfall bewirkt, dass die elektrische Versorgung eines bestimmten Gebiets oder einer bestimmten Region unterbrochen ist. Dies kann dazu führen, dass Haushalte, Unternehmen und öffentliche Einrichtungen ohne Strom sind.

Dadurch können diverse Geräte, wie elektronische Geräte, Computer, Kühlschränke, Heizungen, Beleuchtung und Sicherheitssysteme nicht mehr funktionieren. In einigen Fällen kann ein längerer Stromausfall auch zu Beeinträchtigung von Hilfeleistung und der öffentlichen Sicherheit führen.

Die Idee hinter diesem Kunst-Projekt ist es, Menschen zum Nachdenken anzuregen und deutlich zu machen, wie wichtig der Strom in der heutigen Zeit ist und wie stark unser alltägliches Leben vom Strom abhängt.

Das Exlibris als besondere Form der Kleingrafik hat eine lange, bis ins Mittelalter reichende Tradition, diente es doch als künstlerisch gestaltete Besitzanzeige in Büchern zur Kennzeichnung des Eigentümers. Die Verwendung und Umsetzung von Exlibris hatte durch die Jahrhunderte Bestand und erlebte schließlich Ende des 19. Jahrhunderts einen neuen Aufschwung, an dem Künstler wie Max Klinger wesentlichen Anteil hatten. Es entstanden Exlibris mit vielfältigen Themen und Motiven sowie in unterschiedlichen Ausführungen. Insbesondere im Jugendstil und im Expressionismus erfreute sich die Gattung des Exlibris bei Künstlern und Publikum großer Beliebtheit, woraus sich in der Folge Untergattungen entwickelten und Exlibris zum Gegenstand eigener Sammlungen von Kunstkennern wurden.

Sämtliche Exponate in der Ausstellung stammen aus Privatbesitz.

Ausdrucksstark und stimmungsvoll sind die Werke der Laboer Malerin, die fast ausschließlich Landschaften zeigen. Das Betrachten und Erleben der Natur führt sie zu ihren Bildmotiven, die sie in der näheren Umgebung ihrer Heimatgemeinde Laboe oder an weiter entfernten Orten aufsucht. Gleich drei Museen präsentieren die Werke der Malerin mit unterschiedlicher Akzentuierung: das Museum des Kreises Plön, das Probstei Museum Schönberg und das Künstlermuseum Heikendorf.

𝐑𝐞𝐢𝐬𝐞𝐥𝐮𝐬𝐭 𝐒𝐤𝐚𝐧𝐝𝐢𝐧𝐚𝐯𝐢𝐞𝐧 bei uns im Künstlermuseum
Eröffnung: Samstag, 8. März, 17 Uhr
Unkostenbeitrag Vernissage: 1 Euro/Person
Ausstellungsdauer: 8. März bis 8. Juni 2025

𝐀𝐮𝐬𝐟𝐥𝐮𝐠𝐬𝐳𝐢𝐞𝐥 𝐖𝐞𝐬𝐭𝐤ü𝐬𝐭𝐞 im Museum des Kreises Plön
Eröffnung: Freitag, 7. März, 19:30 Uhr
Ausstellungsdauer: 8. März bis 14. September 2025

𝐀𝐧𝐤𝐞𝐫𝐩𝐥𝐚𝐭𝐳 𝐋𝐚𝐛𝐨𝐞 im Probstei Museum Schönberg
Eröffnung: Sonntag, 9. März, 11:15 Uhr
Ausstellungsdauer: 9. März bis 13. Juli 2025

Der kulturelle Hotspot auf dem Lande:
Die Galerie für Aktuelle Kunst in Achterwehr feiert ihr 10-jähriges Bestehen

Gisella Reime, Galeristin und Malerin, holt für ihre Jubiläumsausstellung namhafte Künstlerinnen und Künstler zusammen, die in den vergangenen 10 Jahren dort ausgestellt hatten. Die Schau zeigt eine kontrastreiche Bandbreite an aktuellen künstlerischen Positionen in Skulptur und Malerei. Das Spektrum geht von konkreter Kunst und koreanischer Papiermalerei mit Pigmenten über zebra-realistische, fantastische, informelle, experimentelle bis cobra-wilde Malerei und verfremdete Fotografie bis zu Gemälden an den bildnerischen Grenzlinien von Gegenstand und Abstraktion. Skulpturen aus Granit, Mooreiche, Betonguss oder Keramik, abstrakt bis gegenständlich, sowie ein Objet trouvé von der portugiesischen Atlantikküste und ein Leucht-Objekt.

Die Sammlung der Stadtgalerie Kiel umfasst Kunstwerke, die durch
die Landeshauptstadt Kiel angekauft, in Auftrag gegeben oder ihr
geschenkt wurden. Nach demokratischem Verständnis sind die Werke
öffentliches Eigentum und somit im Besitz der Kieler Bürger*innen.
An diesen Gedanken knüpft das Motto »Unsere Kunst – Eure Kunst«
an, unter dem die Stadtgalerie Kiel in regelmäßigen Abständen einen
öffentlichen Einblick in die Kunstsammlung gewährt.

Die Sammlung der Stadtgalerie Kiel ist in ihren älteren Beständen
aus dem Kunstbesitz der Landeshauptstadt Kiel hervorgegangen.
Mit dem Beginn der Ausstellungstätigkeit der Stadtgalerie Kiel vor
37 Jahren konnte ein Erwerbungskonzept nach musealen Gesichtspunkten
entwickelt werden. Heute repräsentiert die Sammlung
den Facettenreichtum der Kunst vom Beginn des 20. Jahrhunderts
bis hin zu aktuellen Tendenzen.

Nach dem Umzug aus den Räumen im Sophienhof, wo sie 1988 eröffnet
wurde, hat die Stadtgalerie Kiel im März 2000 ihre Ausstellungstätigkeit
an der Andreas-Gayk-Straße aufgenommen. Grund genug den Fokus
der diesjährigen Sammlungspräsentation auf die Erwerbungen der vergangenen
25 Jahre zu legen. Jüngste Ankäufe umfassen Arbeiten von
überwiegend in Norddeutschland tätigen Künstler*innen, von Preisträger*
innen des Gottfried-Brockmann-Preises und Teilnehmer*innen
an den Wechselausstellungen in der Stadtgalerie Kiel. Entsprechend
lassen sich anhand der Sammlung der Stadtgalerie Kiel auch wichtige
Stationen der jüngeren Kieler und schleswig-holsteinischen Kunstgeschichte
ablesen. Regionale Positionen finden sich um Schlaglichter
überregionaler und internationaler Kunst ergänzt.

Otto Beckmann bezeichnet sich selbst als „Spülsaum- und Meerjunkie“. Nach seiner Ausstellung Briefe an das Meer (2003) ist er nun erneut im Flensburger Schifffahrtsmuseum zu Gast und führt mit Leinwand und Skalpell einen künstlerischen Dialog mit der See.

Die Ausstellung „Frauen – Bibliothek – Geschichte“ ist zehn Frauen, ihrem Leben, Werk und ihrem Bezug zu Bibliotheken sowie auch zur Eutiner Landesbibliothek gewidmet.
Es sind spannende Frauen wie Jane Austen, Maria Sibylla Merian, Conradine Stinde oder Marie von Bunsen, die schrieben und reisten, die erste Meilensteine für Frauenrechte setzen und Spuren hinterließen.

Kuratiert von Dr. Betty Brux-Pinkwart und Esther Dörrhöfer.

Zum 10. Mal werden in Zusammenarbeit mit dem Gymnasium Marne Europaschule und der Reimer-Bull-Schule herausragende Bilder und Objekte zu sehen sein, die im letzten Jahr im Kunstunterricht entstanden sind. Die Arbeiten der Schüler wurden für diese Ausstellung von den zuständigen Lehrern ausgewählt. Dabei geht es darum, verschiedene Jahrgangsstufen zu beteiligen und möglichst unterschiedliche Techniken und Themen zu präsentieren. Zum Ende der Ausstellung werden drei Publikumspreise vergeben. Alle Besucher der Ausstellung können per Stimmzettel gemeinsam entscheiden, welche Arbeiten prämiert werden.

Die Ausstellung wird am Donnerstag, den 20. März um 18:00 Uhr mit einem von Schülern gestalteten Rahmenprogramm eröffnet.

Frühjahrsausstellung Natur Glaube Hoffnung
Mölln – In der Frühjahrsausstellung der Stiftung Herzogtum Lauenburg werden Arbeiten norddeutscher Künstlerinnen und Künstler gezeigt, die sich mit unserer Umwelt auseinandersetzen. Dabei wird den negativen Auswirkungen des Klimawandels ein positiver Umgang mit der Natur und ihren Erscheinungen entgegengesetzt. Die von Antje Ladiges-Specht kuratierte Ausstellung läuft bis einschließlich 27. April. Der Eintritt ist frei.

Zu den beteiligten Künstlerinnen und Künstlern:
Die Hamburger Malerin Barbara Koch versteht sich darauf, mit ihren Kunstwerken die Welt mit all ihren Schönheiten festzuhalten, den Betrachter hinzuführen und mitzunehmen auf eine Reise in Natur und Leben.

Der Bildhauer Alexis Haeselich aus Müssen arbeitet mit der Kettensäge. Die Skulpturen werden oftmals noch geschliffen, geölt oder manchmal auch gebrannt. Das Holz stammt dabei meist aus dem direkten Umland.

Seit Jahren kuratiert die Künstlerin Antje Ladiges-Specht aus Klein Zecher die Frühjahrs- und Herbstausstellungen der Stiftung Herzogtum Lauenburg. Erstmalig wird sie nun selbst den Gästen einige ihrer im Geiste des Zen geschaffenen Werke sowie eine Installation zeigen und an ihrer Kunst teilhaben lassen.

Die Fotografien von Marie-Claire Goile (Ratzeburg) fangen die Natur in Momenten ein, die oft unbemerkt bleiben: wenn die Nacht erwacht, die Dämmerung sanft die Welt umhüllt oder das erste und letzte Licht des Tages die Landschaft in einzigartige Farben taucht.

Gezeigt werden außerdem informative Roll-ups über die Umweltarbeit der Stiftung Herzogtum Lauenburg im Kreisgebiet.

Wer einen Blick in die Ausstellung werfen möchte, ist eingeladen, diese noch bis zum 27. April samstags und sonntags von 13 bis 17 Uhr bei freiem Eintritt zu besuchen. (Ostersamstag und -sonntag geöffnet, Karfreitag und Ostermontag geschlossen). An folgenden Tagen bieten die Künstler zudem selbst eine Führung durch die Ausstellung: Claire Goile am 12. April von 13 bis 17 Uhr und Antje Ladiges-Specht am 19., 20, 26. und 27. April von 13 bis 17 Uhr.

Die Ausstellung zeigt informelle Kunst im Spannungsfeld von konstruktiv-abstrakter Kunst der Gegenwart.

Präsentiert wird Malerei, Grafik, Enkaustik, dreidimensionale Papierobjekte und Objekte aus Epoxidharz. In der Ausstellung sind Ralf Bohnenkamp, Osmund Hansen, Manfred Jung, Jan Kolata, Malene Landgreen, Gabriele Mierzwa, Klaus Ulfert Rieger und Krista Rosenkilde vertreten.

In den 1950er Jahren traten Künstler*innen an, um mit intuitiv gemalter abstrakter Kunst den Kunstbegriff zu revolutionieren. Ihr Ziel war die radikale Befreiung der Kunst von allen Regeln, Stilrichtungen und formalen Bedingungen. Der Kunsthistoriker Michel Tapié fasste ihre Bewegung unter dem Begriff Art Informel zusammen.

Informelle Kunst ist weniger eine Stilrichtung als eine künstlerische Haltung. Sie steht für Unmittelbarkeit und Spontanität, sie lehnt gegenständliche Motive, klassische Kompositionsprinzipien und alles Planerische ab. Stattdessen nutzt sie experimentelle Techniken und spontane Gesten des Zufalls.

Der freie Geist des Informell reicht bis in die heutige Zeit hinein und durchströmt die ausgestellten Werke. In den Lithografien von Manfred Jung löst sich im spontanen Schaffensprozess die Farbe von der Form und die Linie vom Motiv, an ihrer Stelle rückt eine Bewegungskraft, die dem Zufall freien Raum lässt.
Jan Kolata experimentiert in seiner limitierte Siebdruckedition von 2019 mit unterschiedlich grob bespannten Drucksieben und erzeugt mit übereinander geschichteten Flächen, Scheiben und Farben spannende visuelle Effekte.
Auch die Enkaustik, die Wachsmalerei, bietet sich für instinktive schöpferischen Malprozesse an. Klaus Ulfert Rieger ist in dieser Ausstellung mit zwei impulsiv-abstrakten Wachsbildern vertreten.

Im Gegensatz zur formlosen Kunst des Informel folgen die ausgestellten Arbeiten mit abstrakten geometrischen Formen konzeptuell, planerischen Prinzipien.
Osmund Hansen zählt zu den bedeutendsten Vertretern des Konstruktivismus des skandinavischen Raums. In seinen Lithografien strukturiert und komponiert er Farben und Formen und unterwirft sie seiner eigenen Ordnung.
Gabriele Mierzwa ordnet kleine Papierstücke nach Farben und sortiert sie in Strudel- oder Kreisform. Ihre Papierobjekten erzielen eine meditative Wirkung. Sie steht aber in ihrer systematischen Anordnung der Objekte im Gegensatz zum dynamischen Arbeitsprozess des Informel.
Malene Landgreen ist mit Lithografien von geometrischen Vierecken und Dreiecken vertreten. Ihre Arbeiten besitzen einen Bezug zur konzeptuellen Konkreten Kunst, die sich in abstrakten Kompositionen und visuellen Harmonien übt.

Abstrakte Kunst sucht die direkte Kommunikation mit uns. Sie benötigt keine gegenständliche Darstellung und kein Thema, um uns zu erreichen. Sie benötigt Offenheit gegenüber ihrer konsequenten Haltung. Lassen wir uns auf die Wildheit des dynamischen Informel oder der ordnenden Harmonie der Konkreten Kunst ein, dann beschenkt sie uns reichlich.

Ab dem 27. März zeigt die Stadt Schwentinental in den Räumen des Rathauses Werke des Künstlerpaares Renate Knauer und Mathias Wolf.
Renate Knauer, Schmuck- und bildende Künstlerin zeigt Malerei und Zeichnung, Mathias Wolf Malerei und Objekte. Die Arbeiten des Paares sind vielseitig, eigenwillig und überraschen oft mit ungewohnten Perspektiven.
Renate Knauer – Kunst mit Augenzwinkern
Renate Knauer, gebürtige Augsburgerin, renommierte und von der Akademie der Bildenden Künste München anerkannte Schmuckkünstlerin, ist in ihrem künstlerischen Schaffen immer auf der Suche nach Neuem und Ungewöhnlichem. Ihrer Phantasie scheinen dabei keine Grenzen gesetzt zu sein, in Material wie auch in Form. R. Knauers virtuoses Schaffen in allen Bereichen gleicht einer sinfonischen Dichtung, voller Poesie und Schönheit. Ihre Experimentierfreude spiegelt sich in ihren Schmuckobjekten genauso wieder wie in ihrem bildnerischen Werk, das Malerei, Zeichnung und Skulptur umfasst. Viele ihrer Zeichnungen gleichen Karikaturen, voller Witz und Ironie. Die Künstlerin thematisiert grundlegende gesellschaftliche Themen oder aktuelle Ereignisse, und bringt sie mit wenigen Strichen aufs Papier. Sparsam ausgearbeitet und pointiert.
Die zeichnerische Leichtigkeit offenbart sich auch im Pinselstrich ihrer Malerei. Hier arbeitet die Künstlerin oft spontan „en pleine air“. Die Bewegung im Pinselstrich, im temperamentvollen Umkreisen und Ausdruck der Form wird nachvollziehbar. Strudel und Wirbel, schnelle, gezielte Pinselstriche… – jene (inneren) Landschaften geraten in Aufruhr, und das leuchtende, kraftvolle Farbspiel unterstützt die expressive Dynamik in der Gestaltung. Ihre Bilder wechseln zwischen impressionistischen Landschaften und abstrakten Formen, die sich dem Betrachter mal offenbaren, mal wieder entziehen – geheimnisvoll und vielschichtig.

Mathias Wolf – Spiel mit Material und Wahrnehmung
 
Mathias Wolfs künstlerische Bandbreite ist so groß, dass es oft scheint, als wären es Werke von verschiedenen Künstlern. Wolf, bekannt durch seine großen Faden- und Netzinstallationen im Innen- und Außenbereich, die er sowohl in Deutschland als auch in den USA realisierte, arbeitet ebenso in den Bereichen Malerei, Objekt, Skulptur und Zeichnung, hier vorrangig Kugelschreiberzeichnungen, die in ihrer Ausarbeitung wohl als einzigartig bezeichnet werden können. Bei M.W.s Arbeiten lohnt es sich, genau und auch einmal länger hinzuschauen. Sein virtuoser Umgang mit Materialien und Techniken eröffnet überall interessante Details und Bezüge. Diese Fähigkeit macht es unter anderem auch möglich, scheinbar Unmögliches, ja geradezu Gegensätzliches zu verbinden. In seiner Malerei entstehen durch die Überlagerung mehrerer Techniken, Schichten, Ebenen und oder inhaltlicher Bezüge Räume. “Räume“ erschafft Wolf auch in seinen Fadenobjekten, angelehnt an seine Rauminstallationen. Es zeigen sich ruhige, verharrende, kontemplative Momente, aber auch komplex und verdichtet Dynamisches. Auf jeden Fall ist es ein Spiel mit dem Raum, in dem der Künstler mit der Trägheit des Auges spielt. Anders in den weiteren Objekten von Mathias Wolf. Hier greift der Künstler auch aktuelle Themen auf und interpretiert sie auf eine teils humorvolle Weise oder erforscht die “Seele“ des Materials und bringt sie in Bezug zum Bildgrund.

Es sind farbintensive poetische Bildwelten, die sich dem Betrachtenden zum Innenblick anbieten. Titel wie Meeting Fjälla oder From North to South, Tulikettus Dreams of Gozo entführen in die freien Räume verschütteter Anknüpfungen an Erzählungen und Erinnerungen unserer nordischen Ahnen.
Wilde Tiere begegnen sich in sparsam definierter Landschaft, oft mit kontrastreicher Kontur gemalt. Die Szenen scheinen entrückt und nicht von dieser Welt.
Seit 2025 widmet sich Mona Claudine ausschließlich ihrer Kunst und präsentiert ihre Werke nun in ihrer ersten Einzelausstellung in der Galerie 11.

Die Eröffnung findet statt am Sonnabend, 22. März 2025, um 17 Uhr mit einem Interview der Künstlerin, das dann als neue Episode bei Kultur und Wort, dem Kunstpodcast ausm Norden erscheint.
Dazu erscheint auch ein Katalog.

Zur Finissage am Sonnabend, 10. Mai, um 13 Uhr kommt Mona Claudine noch einmal in die Galerie.

„Tankstellen in Georgien“ – Fotografien von Klaus Andrews
Fotoausstellung und Ausstellungskatalog Photographia Borealis, Band 19

Aufgewachsen in Elmshorn und heute in Eckernförde lebend hat der ehemalige stern-, GEO-, SPIEGEL- und YACHT-Fotograf Klaus Andrews die halbe Welt mit seiner Kamera
bereist. Mit dem Auto und in Begleitung einer Dolmetscherin erkundete er 2023 Georgien und dessen Vielfalt an alten, älteren wie auch jüngeren und jüngsten Tankstellen.
So erfährt man über diese aussagekräftigen Bildmotive mit Aufnahmen von 160 Tankstellen viel über Land und Leute dieser ehemaligen Sowjetrepublik.

Über diese Reise mit über 2.600km Wegstrecke berichten Ausstellung und das Heft
„Tankstellen in Georgien“ (Reihe: PHOTOGRAPHIA BOREALIS“, Nr. 19). Die Tankstellen sind ein Spiegel der gesellschaftlichen Verhältnisse in diesem geographisch wie politisch zerrissenen Land: die Autobesessenheit und der internationale Transitverkehr machen die noch in Betrieb befindlichen Tankstellen zu einem lebendigen Mittelpunkt in Stadt und Land. Der sukzessive Verfall vieler, insbesondere kleinerer Objekte demonstriert den nachlassenden Ölförderboom im Land und die zunehmende internationale Verflechtung von Marktteilnehmern der Ölbranche.

Dennoch haben sich, vor allem im ländlichen und dem schwerer zugänglichen gebirgigen Raum, viele familiengeführte kleine Betriebe erhalten, die einen guten Einblick in dieses touristisch reizvolle wie gastfreundliche Land bieten.

Namhafte Autoren wie Professor Applis (Uni Erlangen), Rainer Kaufmann (Bruchsal; ehemaliger TV-Journalist und seit 35 Jahren in Georgien mit ERKA-Reisen engagiert), Professor Andreas Müller (Kirchenhistoriker an der CAU zu Kiel), Dr. Mikheil Sarjveladze (Referent für Außenpolitik im Deutschen Bundestag) oder Professor Alexander Trunk (Direktor des Instituts für Osteuropäisches Recht an der CAU zu Kiel) referieren über das Land Georgien, seine Kultur, sein Rechts- und Kirchensystem, seine Politikverfassung und Geschichte. Die Kuratorin Angeline Schube-Focke (Osterby) gibt eine Einführung.

Von 1980 bis 1986 studierte der ehemalige Chemielaborant Klaus Andrews Visuelle Kommunikation an der Hochschule für Bildende Künste in Hamburg, bevor er für viele Magazine als Fotograf tätig wurde. Von 1999-2019 hatte der gelernte Forschungstaucher an der Universität Kiel einen Lehrauftrag in „Unterwasserfotografie für Forschungstaucher“.

Ort: Sparkassen- und Giroverband für Schleswig-Holstein, Faluner Weg 6, 24109 Kiel
Dauer: ab 1. April bis 27. Juni 2025
Öffnungszeiten: mo-do 9-16, fr 9-14 Uhr – Eintritt frei.
Parkplätze am Haus; Buslinien bis Haltestellen „Forsthaus“ oder „Göteborgring“ (KVG)
Das Katalogheft ist frei in der Ausstellung erhältlich.

Weitere Aufnahmen dieser Serie zeigt das Stadtmuseum Schleswig bis 14.09.2025
www.stadtmuseum-schleswig.de (S-FotoForum, Schleswig)