Rubrik: Kunst

Die Entdeckung: ein alter Holzkoffer, gefüllt mit Bildern der Vergangenheit. Fotografiert hat sie Friedrich Wilhelm, alias „Fide“, Struck (1901–1985), der in einfachen Verhältnissen in Hamburg aufwuchs. Als junger Mensch hing er der Jugend- und Wandervogelbewegung an. 1926 wurde er Mitglied der Künstler- und Handwerkersiedlung Gildenhall/Neuruppin.

Später arbeitete Fide Struck als Buchhalter in Berlin, im Sommer 1932 wurde er erwerbslos und kaufte sich von seiner Abfindung eine neue Fotoausrüstung. Aufnahmen aus dem Alltag der Arbeiterinnen und Arbeiter in Altona, Hamburg und an der Westküste entstanden. Empathisch rückte er Werft- und Hafenarbeiter, Fisch- und Marktverkäuferinnen oder Krabbenfischer in den Blick.

Strucks Aufnahmen sind Zeugnisse der vielschichtigen Amateur- und Arbeiterfotografie der ausgehenden Weimarer Republik, die durch wirtschaftliche, gesellschaftliche und politische Zerrissenheit geprägt ist. Die Fotos stehen im Spannungsfeld von privatem Erleben, sozialer Reportage und politischem Kontext. Angelehnt an die Bildsprache der Neuen Sachlichkeit und des Neuen Sehens bestechen sie durch ungewöhnliche Blickpunkte.

Im Jahr 1941 verstaute Fide Struck rund 3.000 Glas- und Filmnegative in einem Holzkoffer. Erst 2015, nach 74 Jahren, wurde dieser Koffer wieder geöffnet − von seinem Sohn, dem Filmemacher Thomas Struck. Die Ausstellung am Museum Kunst der Westküste präsentiert rund 60 der eindrucksvollen Schwarz-Weiß-Fotografien. Zur Schau ist ein Katalog erschienen.

Die Ausstellung präsentiert die Neuausrichtung der Kunsthalle St. Annen als einen Ort des lebendigen Austauschs über die Kunst für die diversen Stimmen unserer Gesellschaft. Zentrales Thema der Ausstellung ist der Dialog: Präsentiert werden zeitgenössische künstlerische Positionen, die auf verschiedenen Ebenen mit der Sammlung und dem Publikum in einen Dialog treten. Durch die Gegenüberstellungen ergeben sich Verbindungen zwischen Geschichten, Objekten und Menschen, die neue Sichtweisen auf den eigenen Sammlungsbestand werfen und unterschiedliche Zugänge zur Kunst für ein breites Publikum schaffen.

“Hello Lübeck” gliedert sich in zwei Akte und schafft Möglichkeiten für das gemeinsame Lernen und Experimentieren. Über Methoden der Partizipation werden die diversen Akteur:innen der Stadtgesellschaft eingeladen, Teile der Ausstellung selbst zu kuratieren und ihre Ideen für die künftige Ausrichtung der Kunsthalle beizutragen. Hierfür entstehen in der Kunsthalle extra eingerichtete Dialogräume und partizipative Kunstwerke, wie beispielsweise das Kunstprojekt „Geknetete Stadt“, das der Aktions- und Konzeptkünstler Christian Jankowski gemeinsam mit Lübecker Schüler:innen entwickelte.

Außerdem eröffnet im Rahmen der Ausstellung erstmalig auch die Kinder-Kunsthalle, die schon die ganz jungen Menschen dazu einlädt, die Kunst über einen sinnlichen und spielerischen Zugang zu erfahren.

Mit einer Cessna erkundet der mehrfach ausgezeichnete Fotograf Peter Hamel die Westküste – von Borkum bis Sylt – und porträtiert eine von Wind, Wasser und Wellen geformte, traumhaft schöne Landschaft. Die Vogelperspektive ermöglicht es, die Grenzen der Wahrnehmung auf das großartige Naturwunder Wattenmeer neu auszuloten.

Priele spreizen sich wie Fänge von Greifvögeln und farbintensive Wasseradern mäandern durchs Watt. Die sich ständig verändernde Natur erschafft Atemberaubendes. Peter Hamel gerät gleichsam in einen Höhenrausch, wenn er in teilweise waghalsigen Steilkurven sensationelle Motive entdeckt und in größter Schnelligkeit die Objektive wechselt. Er fühlt sich dabei wie ein Flaneur, der dem Strom der Gezeiten folgt. Die sanften farbigen Übergänge, die der amphibische Raum bietet, und die beeindruckende Formenvielfalt der auf- und abtauchenden Sandbänke schärfen das Bewusstsein für die Verletzlichkeit dieses einzigartigen Ökosystems.

Das Lürzer’s Archive kürte Peter Hamel in den vergangenen 20 Jahren wiederholt zu einem der 200 besten Werbefotograf*innen der Welt. Seine Flugaufnahmen wurden mit Gold beim internationalen „Gregor Calendar Award“ ausgezeichnet und für den „Deutschen Designpreis“ nominiert.

Mit ihren ausdrucksstarken Farben, den geometrischen Formen und den großen Formaten erinnern sie an die abstrakten Gemälde der Moderne. Aber die kunstvoll gestalteten Exponate bestehen nicht aus Farbe und Leinwand, sondern aus Stoffen. Stoffen, die mit dem Blick für gelungene Kompositionen in mühevoller Arbeit und mit viel Liebe fürs Detail zusammengesetzt und gequiltet, also gesteppt, wurden. 41 dieser „Art-Quilts“ von 38 Künstler*innen zeigt das Museum Tuch Technik in Neumünster in der internationalen Ausstellung „Color Improvisations 3“ vom 16. März bis zum 22. September 2024. Die Quilts sind zum ersten Mal überhaupt öffentlich zu sehen.

Etwa zwei Mal zwei Meter groß sind die Arbeiten, die einen beeindruckenden Einblick in die zeitgenössische Quiltkunst in den USA, Kanada und Neuseeland geben. Zwar nutzen moderne Künstler*innen die alte Technik, mit der mehrere Stofflagen durch akzentuierende Steppnähte verbunden und fixiert werden. Bei der Wahl der Motive jedoch haben sie sich von traditionellen Regeln und Mustern befreit. Ihre Werke sind Improvisationen aus Formen und Farben, immer wieder neu und immer wieder faszinierend.

Kuratiert wurde die Ausstellung von Nancy Crow, die auch selbst eine ihrer neuesten Arbeiten in Neumünster ausstellt. Fast vier Jahre hat die amerikanische Quilt-Ikone aus Ohio in die Auswahl der Exponate investiert. „Für mich ist dieser Prozess so, als ob man ein Orchester dirigiert und die Töne und Klänge genau richtig hinbekommt. Ich habe versucht, eine bestmögliche Auswahl zu treffen, damit alle, die sie betrachten, sich von der sich kraftvoll und farbenfroh entfaltenden Darbietung mitreißen lassen können.“ Nancy Crow unterrichtet Quilten seit mehr als 25 Jahren, ist durch zahlreiche Ausstellungen in den USA und Europa, Workshops und Bücher bekannt und hat mit ihrem Stil viele Quilter*innen beeinflusst.

Die Ausstellung wird unter anderem gefördert vom McArthurGlen Designer Outlet Neumünster, dem Förderverein Museum Tuch Technik e.V. und dem Verein zur Förderung der Kunst in Neumünster e.V.

Weitere Informationen auf www.tuchundtechnik.de

Ausstellung
16. März bis 22. September 2024

Kuratorinnenführung mit Nancy Crow
Sonntag, 17. März 2024, 12 Uhr, 15 Euro

Weitere Sonderführungen durch die Ausstellung,
jeweils am dritten Sonntag im Monat, Kosten 12 Euro
21. April, 19. Mai, 16. Juni, 21. Juli, 18. August, 15. September 2024

Die Anmeldung ist bis jeweils am Donnerstag vor der Führung erforderlich unter 04321 – 558 58 0 oder buchung@tuch-und-technik.de.

Mit ihren ausdrucksstarken Farben, den geometrischen Formen und den großen Formaten erinnern sie an die abstrakten Gemälde der Moderne. Aber die kunstvoll gestalteten Exponate bestehen nicht aus Farbe und Leinwand, sondern aus Stoffen. Stoffen, die mit dem Blick für gelungene Kompositionen in mühevoller Arbeit und mit viel Liebe fürs Detail zusammengesetzt und gequiltet, also gesteppt, wurden. 41 dieser „Art-Quilts“ von 38 Künstler*innen zeigt das Museum Tuch + Technik in Neumünster in der internationalen Ausstellung „Color Improvisations 3“. Die Quilts sind zum ersten Mal überhaupt öffentlich zu sehen.

Etwa zwei Mal zwei Meter groß sind die Arbeiten, die einen beeindruckenden Einblick in die zeitgenössische Quiltkunst in den USA, Kanada und Neuseeland geben. Zwar nutzen moderne Künstler*innen die alte Technik, mit der mehrere Stofflagen durch akzentuierende Steppnähte verbunden und fixiert werden. Bei der Wahl der Motive jedoch haben sie sich von traditionellen Regeln und Mustern befreit. Ihre Werke sind Improvisationen aus Formen und Farben, immer wieder neu und immer wieder faszinierend.

Kuratiert wurde die Ausstellung von Nancy Crow www.nancycrow.com, die auch selbst eine ihrer neuesten Arbeiten in Neumünster ausstellt. Fast vier Jahre hat die amerikanische Quilt-Ikone aus Ohio in die Auswahl der Exponate investiert. „Für mich ist dieser Prozess so, als ob man ein Orchester dirigiert und die Töne und Klänge genau richtig hinbekommt. Ich habe versucht, eine bestmögliche Auswahl zu treffen, damit alle, die sie betrachten, sich von der sich kraftvoll und farbenfroh entfaltenden Darbietung mitreißen lassen können.“ Nancy Crow unterrichtet Quilten seit mehr als 30 Jahren, ist durch zahlreiche Ausstellungen in den USA und Europa, Workshops und Bücher bekannt und hat mit ihrem Stil viele Quilter*innen beeinflusst.

Vor 160 Jahren wurde Henri de Toulouse-Lautrec im südfranzösischen Albi geboren. Im Laufe seines kurzen Künstlerlebens entwickelte sich Toulouse-Lautrec im Paris der Belle Époque zu einer magnetischen Persönlichkeit und zum bevorzugten Dokumentaristen des Pariser Nachtlebens. Seine ikonischen Plakate und seine einfühlsamen Porträts erzählen auf unvergleichliche Weise von Stimmung, Glamour und Skandal der Pariser Bohème des späten 19. Jahrhunderts.

Henri de Toulouse-Lautrec interessiert sich aber nicht nur für die Dekadenz des zu Ende gehenden 19. Jahrhunderts. Vergnügung und ausgelassene Unterhaltung, Samt, Satin und Seide beschäftigen ihn nur am Rande. Sein Mitgefühl liegt auf den Personen, den Körpern und Gegenständen, die er im Licht seiner Bildräume ausbreitet.

Mit elegantem Strich lenkt er den Blick immer wieder auf die Opfer, auf den Verfall des Individuums, der Kultur und der Gesellschaft, unter deren Oberflächlichkeit und Schönheitskult eine extreme Lebensferne vorherrscht. Und genau hier liegt seine enorme Aktualität und seine enge Verbindung zur Gegenwart.

Die Ausstellung mit über 150 Werken aus der großen Hamburger Sammlung von Wolfgang Krohn vereint die berühmtesten Plakate, Einzelblätter und Folgen von Henri de Toulouse-Lautrec sowie zahlreiche Werke von Jules Chéret, Alfons Mucha, Théophile-Alexandre Steinlen und Pierre Bonnard. Sie zeigt Möbel der Belle Époque, Leuchten von Tiffany und Glasobjekte von Émile Gallé. Ergänzt durch historische Fotos, Videos und Collagen bietet die Ausstellung einen faszinierenden Einblick in die Vielfalt der künstlerischen und kunsthandwerklichen Ausdrucksformen der Belle Époque, einer Zeit der Umbrüche und radikalen Neuanfänge.

Armin Mueller-Stahl.- »Es genügt, ein Mensch zu sein«

24.3.-18.8.2024

(Eröffnung: So., 24.3.24, 11.30 Uhr, Amtmann-Wohnung u. Kuppelsaal)

Für die Teilnahme an der Eröffnung bitten wir um vorherige Anmeldung unter info@oh-museum.de.

Der Schauspieler, Musiker, Schriftsteller und Maler Armin Mueller-Stahl gilt seit langem als herausragendes Multitalent, das sich nicht nur als bedeutender Schauspieler in Deutschland und den USA etabliert, sondern sich in den vergangenen Jahrzehnten vornehmlich auch als bildender Künstler einen Namen gemacht hat.

Das Ostholstein-Museum widmet sich in diesem Jahr in seiner Dependance Kloster Cismar den Ölbildern und Arbeiten auf Papier Armin Mueller-Stahls, der seit vielen Jahren unter anderem an der ostholsteinischen Küste wohnt. Die rund achtzig Werke, die vornehmlich aus den letzten zwei Jahrzehnten stammen und sowohl die frühere als auch die aktuelle künstlerische Entwicklung des Malers zeigen, sind von Gegenständlichkeit geprägt, weisen aber auch verfremdende, abstrahierende Züge auf. Dennoch finden sich nicht nur die vertrauten Bildthemen, sondern auch die vertrauten gestalterischen Umsetzungen in der Motivwiedergabe.

Das Figürliche nimmt in vielen Bereichen nach wie vor einen hohen Stellenwert im Werk des Malers ein – und mit ihm die Figur selbst. Die Bilder eint auf eindrucksvolle Weise Armin Mueller-Stahls anhaltende Auseinandersetzung mit dem Thema „Mensch“, die in besonderem Maße von seinem persönlichen Empfinden, seinen Erfahrungen, seiner scharfen Beobachtungsgabe und seinem vielseitigen Interesse geprägt ist. Dabei lassen viele der Bilder zum einen deutliche Bezüge zur Biografie des Malers erkennen, zum anderen wecken sie Assoziationen zur aktuellen gesellschaftlichen und weltpolitischen Lage, wodurch manche Bilder eine besondere Brisanz und Aktualität bekommen.

Bitte beachten Sie, dass die Ausstellung nicht barrierefrei zu erreichen ist.

„Landschaft nah und fern“
In vielen Bildern von Landschaften, Gärten und Blumen wird der Wunsch nach einer Zukunft spürbar, die vielleicht auch so sein kann wie wir sie heute noch erleben dürfen. Die Sehnsucht nach „unberührter“ Natur, nach dem Einklang von Mensch und Natur scheint gerade in diesen Zeiten wieder groß zu sein.
Nehmen Sie die Themen unserer Bilder in ihrer Zeit wahr und freuen sich an der Ausdruckskraft unserer Künstler wie Karin Dreyer, Ute Martens, Prof. Gerd Uschkereit, Erich Duggen, Max Höppner, Erhard Schiel, Karin Bansen und weiteren der Kunstsammlung unserer Gemeinde.

Rechtzeitig zum Saisonbeginn und im Rahmen der 800 Jahr-Feier von Haselau wird die Galerie Cavissamba in der schönen Haseldorfer Marsch mit einem Ausstellungsangebot wieder dabei sein. Es werden Werke präsentiert die den “Kirchenblick aus dem Galeriegarten” wiedergeben sowie Landschaftsmotive aus dem Elbmarschen.
Die Haselauer Heilig- Dreikönigskirche ist etwas Einzigartiges. Sie ist bei weitem das älteste Gebäude und ihre Gründerzeit reicht ins beginnende 13. Jahrhundert zurück. Die Kirche liegt auf einer hohen alten Wurth, die sie vor Sturmfluten und Überschwemmungen schützt. Ein Friedhof umgibt das Kirchengebäude. Der hölzerne Kirchturm ist über 40 Meter hoch und in der flachen Marsch weithin sichtbar. Im Turm hängt die älteste Glocke des Kreises Pinneberg, eine gotische Zuckerhutglocke – so genannt nach ihrer schlanken Form. Wer die Kirche betritt, ist überrascht über die schöne und harmonische Inneneinrichtung mit einer Kanzel aus dem Jahr 1641, einem prächtigen Barockaltar und einem wunderschönen großflächigen Deckengemälde.
15 Künstler *innen aus dem Kreis Pinneburg sowie Sülldorf und Blankenese konnte ich für dieses einmalige Projekt gewinnen. Freischaffende Künstler*innen wie Julian Press, Heike Vajen, Claus Reichelt, Paul Georg Hille, Kerstin Hirsch, Heinz Eimert, Isabel Calderón, Heike Heidorn, Helmut Brundert, Antonio Martinez, Ute Farr, Peter Drescher, Ingeborg Körber, Heidi Jonke sowie Marianne Lünstedt fühlten sich gleich angesprochen und begaben sich in Ihre Ateliers um diesen einzigartigen Blick malerisch festzuhalten. Es sind Werke entstanden die unterschiedlicher nicht sein könnten, die Motive der Kirche wurden zu unterschiedlichen Tages -Jahreszeiten sowie Witterungen eingefangen und festgehalten. Jedes Werk trägt die ganz persönliche Handschrift und Sichtweise des Künstlers. Neben Malereien in Aquarell und Acryl werden auch Fotografien, Holzschnitte sowie eine Installation im Garten zu sehen sein, ein sogenannter Ruheraum, ein Platz der zum meditieren einlädt, natürlich auch hier mit Blick zur Kirche.
Künstler infos: Julian Press, neben seiner Tätigkeit als Illustrator und Autor mit zahlreichen Einzelpublikationen in Zeitschriften und Zeitungen, u.a. im NZZmagazin, widmet sich Julian Press der freien Malerei. In seiner Schaffensphase sind viele Bleistiftzeichnungen entstanden, vor allem aber Beobachtungen aus der Natur, vorwiegend aus dem norddeutschen Raum in Öl auf Leinwand. Kerstin Hirsch, seit vielen Jahren bestimmt die Malerei ihr Leben. Nach Hamburg, Frankfurt, Köln und Peking ist sie wieder im geliebten Norden angekommen und arbeitet als freie Künstlerin in der Nordheide Heike Vajen, lebt und arbeitet in Pinneberg und Hamburg. Sie ist studierte Musikerin und leidenschaftliche Malerin. Ihr besonderes Interesse gilt der Aquarellmalerei mit ihren leuchtenden Farben und Möglichkeiten der Gestaltung. Paul Georg Hille, 1941 in Bad Ems geboren und dort aufgewachsen nahm privaten Unterricht bei Wilhelm Philipp, mit dem er von 1978 bis zu seinem Umzug in den Norden im Jahre 1982 ein gemeinsames Atelier in Darmstadt unterhielt.Ausstellungen in Darmstadt, Pinneberg (dritte und vierte Regionalschau), Rellingen, Uetersen und Haselau. Heinz Eimert – Vom Geist der Gegensätze – auf eine fundierte Ausbildung und zahlreiche Ausstellungen im In- und Ausland kann Heinz Eimert zurückblicken. Der 1933 in Hamburg Altona geborene Künstler genoss eine Ausbildung als Typograph und Fotodesigner, Studien in Freier Malerei und Zeichnen bei den Professoren Max H. Mahlmann, Kurt Kranz und Siegfried Oelke. Helmut Brundert, die Farben der Natur – Vielfalt verschiedner Landschaften wie Sylt, Nordsee und Ostsee sowie der Haseldorfer Marsch sind die Herausforderungen des Malers. Sein unverwechselbarer Stil ist die Quelle seines Erfolges. Ingeborg Körber, mit Ihren Werken stellen Sie sich den Themen unserer Zeit. Der künstlerische Prozeß fordert ständige Entwicklung mit neuen Techniken, Formen und Farben. Ihre formen Sprache bezeichnen sie als kreativ und eigensinnig. Antonio Martinez, ist in Spanien aufgewachsen Ein Schwerpunkt seiner arbeiten sind die norddeutschen Landschaftsmotive aus Sicht eines Spaniers“ Ihm geht es in seiner Malerei um die Suche nach Motiven und der entsprechenden Umsetzung. Peter Drescher, die Natur mit ihren wechselhaften Offenbarungen und Stimmungen lässt mich immer wieder staunen. Malen ist für mich der Ausdruck einer Idee, eine veränderte Betrachtung und Sichtweise der Dinge in der Welt, Ruhe einkehren zu lassen, gleich einer Meditation. Claus Reichelt, freischaffender Künstler, anregungen aus dem Alltag verbinden sich mit Bildern, gesellschaftlichen Erfahrungen, Widersprüchen, Brüchen. Zusammenbringen verschiedenster Materialien, erzählt Geschichten. Heike Heidorn, seit 1960 in Hamburg, begann Ihr malerisches leben 1965 bei August Ohm. Danach verschiedene eigene Ateliers in Hamburg die Künstlerinitiative Hoheluft, dann Wechsel nach Uetersen ins Kloster, wo in der Klostergalerie viele ihrer, in Aquarelltechnik geschaffenen Marschlandschaften entstanden und gezeigt wurden. Ute Farr, in Flensburg geboren, lebt und arbeitet in der Haseldorfer Marsch.
Seit vielen Jahren bestimmt die Malerei ihr Leben. Sie liebt die Vielfalt und Veränderung. Dies zeigt sich auch in ihrem Kunststil, der mal impressionistisch plein air, mal naturalistisch bei Portraits oder auch mal surreal ist. Isabel Calderón wurde in Chile geboren, wo sie Architektur studierte und lebt seit 1972 in Uetersen. Einflüsse auf ihr heutiges Schaffen hatten die Privat-Akademie Leonardo, Hamburg und Malreisen nach Indien, Mexiko, Polen und Italien. Durch die gekonnte Aufteilung der Bildfläche und Überlagerung verschiedener Farbschichten läßt sie Räumlichkeit und Tiefe entstehen. Marianne Lünstedt aus Blankenese, lebt und arbeitet seit über 15 Jahren als freischaffende Malerin & Designerin. Studium an der Uni Hildesheim, Ihr Credo: Ein Stück dem Alltag entfliehen Urlaubsstimmungen wachrufen mit farbenfrohen und stimmungsvollen, Landschaftsmotiven sowie Blumenbildern in Aquarell. Zwei grosse Acryl Bilder hängen von Ihr am Hamburger Flughafen im Lufthansabereich Gate 17. Heidi Johnke, ihre  Holzschnitte und Malereien sind meist auf Reiseskizzen zurückzuführen und ergeben sich aus Erlebtem. Sie bevorzugt experimentelles Arbeiten mit unterschiedlichen Materialien und Malmitteln. Seit 2009 nimmt sie u.a. die Probleme der Meere in ihren Fokus.

Auf dem Gelände der historischen Eisengießerei findet bereits zum 25. Mal eine der größten jährlichen Ausstellungen zeitgenössischer Kunst in Europa statt. Mehr als 200 ausgewählte Künstlerinnen und Künstler aus aller Welt sind auf dem Weg, um aus den Erfahrungen der Vergangenheit Träume für die Zukunft zu bauen und verbinden sich erneut zu einem Gesamtkunstwerk. Im Zusammenspiel mit der imposanten Kulisse der Carlshütte entwickelt sich eine ganz eigene Atmosphäre und lädt auf eine Weltreise durch die Kunst ein. Neben den Gießereihallen mit ihren 22.000 Quadratmetern Fläche gehören dazu der 80.000 Quadratmeter große Skulpturenpark und die charmante ACO Wagenremise. Die NordArt 2024 stellt zu ihrem Geburtstag die Preisträger der vergangenen Jahre in den Mittelpunkt. Sonderprojekte aus China, der Mongolei und viele weiteren Highlights laden auf eine Entdeckungsreise ein.

Das Projekt „Der blaue Stuhl“ greift unten formulierte Idee und den Hintergrund als kreatives Spiel auf und versucht es als künstlerische Position öffentlich zu diskutieren. Der blaue Stuhl wird im Mai/Juni immer wieder an verschiedenen Orten auftauchen und auf Reaktion warten. Und da kann es natürlich passieren, dass plötzlich jemand auf dem blauen Stuhl sitzt, der zufällig vor einem Haus, einer Garage oder in einem Vorgarten steht. Und auch das kann ja schon Kunst sein, oder? Er könnte auch auf einem Feld zwischen Kühen stehen oder an einem Baum hängen. Mit kleinen Schwimmflügelchen könnte man ihn auch kurz in der Nordsee schwimmen lassen. Er sollte allerdings hinterher wieder gut abgetrocknet werden, obwohl der kreative Veränderungsprozess Teil des Konzeptes ist. Man kann ihn auch im Bus mitnehmen, um ihn in ein anderes Dorf zu bringen. Möglichkeiten, diese blauen Stuhl immer wieder neu in Szene zu setzen, gibt es sicherlich viele. Und die Teilnehmer, die liebevoll mit dem Stuhl umgehen und ihn immer wieder neu positionieren, sollten dabei nicht vergessen, ihn und seinen Standort aus verschiedenen Perspektiven immer wieder zu fotografieren und in den sozialen Medien wie FB, Instagram oder TiktTok etc. hochzuladen. #blauerstuhl Ich werde den blauen Stuhl auch nutzen, um ihn immer wieder neu zu positionieren. Dieses Spiel hat nämlich etwas mit Wahrnehmung, mit Ästhetik, mit Form und Funktion im privaten und öffentlichen Raum zu tun. Diese kreativen Arrangements werde ich dann aperiodisch hier auf der Homepage veröffentlichen. Und vielleicht – bei ein wenig Glück – taucht hier und da, auf der Insel Föhr wie auf dem Festland, ein neuer blauer Stuhl auf, der vor Ort die Idee aufgreift, weiterspielt und dabei immer wieder für Irritation und Heiterkeit sorgt. Ob dabei die Frage endgültig beantwortet werden kann, ob es sich hierbei um Kunst handelt, überlasse ich den kompetenten Fachleuten!

Mit einer umfangreichen Jahresausstellung präsentiert sich die Kunsthalle Witzwort in diesem Jahr.
Titel der Ausstellung ist WO DER WIND WEHT. Der Titel steht für einen Ort, nämlich die norddeutsche Landschaft. WO DER WIND WEHT beschäftigt sich mit den Gegebenheiten und der Verbundenheit zur Natur und der Landschaft. Die ausstellenden Künstlerinnen und Künstler interpretieren den Titel auf unterschiedlicher Weise. Zu sehen sind Fotografien, Cyanotypien, Malerei, Grafiken, Objekte, Skulpturen und Installationen.

Für die Ausstellung konnte der Künstler Achim Schmacks folgende Kolleginnen und Kollegen gewinnen: Anne Dingkuhn aus Hamburg, Johanna Clausen aus Drage, Jan Eustergerling aus Elmshorn, Torsten Richter aus Brunsbüttel und Ina Steinhusen aus Glücksburg.
Die Künstlerin Gisela Mott-Dreizler aus Witzwort präsentiert in einer Sonderausstellung Arbeiten aus der Werkreihe „Bilderfluten“.
Der Garten der Kunsthalle Witzwort ist zu den Öffnungszeiten für die Besucher geöffnet, auch dort werden Arbeiten der Künstlerinnen und Künstler zu sehen sein.

Eröffnung am 1. Juni um 18.00 Uhr
Einführung: Dr. Katrin Schäfer (Kunsthistorikerin)
Live Musik: Das Drager Du schräg gegenüber
Die Künstler*innen sind anwensend!

Momentaufnahmen am Strand, eine Festgesellschaft vor gedeckter Tafel oder eine Landschaft nach einem Sommerregen, ihre Motive findet die Berliner Künstlerin Ulrike Hansen in der Natur und in der Begegnung mit Menschen. Während zahlreicher Aufenthalte an der Norddeutschen Küste sammelt Ulrike Hanssen ihre Eindrücke und hält sie in Form von Aquarellen und Skizzen fest. Manchmal sind es auch Fotos oder Abbildungen in Zeitschriften und auf Postkarten, die den Impuls zu einer Bildidee geben.

Ihre lebensfrohen und farbprächtigen Gemälde entstehen auf Zingst oder in Berlin. An beiden Orten unterhält sie ein Atelier und arbeitet meist an mehreren Bildern parallel. Intuitiv arbeitet sie die Bildideen heraus. Es entstehen Werke, die die Empfindungen der Betrachter ansprechen und gefühlte oder echte Erinnerungen an schöne Urlaubstage hervorrufen.

Ulrike Hansen hat die Malerei mit selbst hergestellter Eitempera-Farbe zu ihrem Markenzeichen gemacht, eine Technik, die viel malerische Erfahrung erfordert. Eitempera basiert auf eine Ei-Wasser-Emulsion und trocknet während des Malprozesses schnell auf, die Farben werden kräftiger und pastellig, Farbverläufe sind kaum zu erzielen.

Ulrike Hansen hat ihre Malweise und ihr Malkonzept jedoch perfekt auf das Malen mit Eitempera abgestimmt. Ihre Arbeiten sind gegenständlich, bewegen sich aber im Grenzbereich zur Abstraktion. Ein strichiger Farbauftrag und die strahlende Farbigkeit der Motive fügen sich erst mit einiger Entfernung zum Bild zu einer atmosphärischen Darstellung mit starker Fernwirkung zusammen.

Dieses Spiel mit der Wahrnehmung, das den Betrachter selbst zum wichtigen Teil des Bildes macht, hat Ulrike Hansen als Meisterschülerin an der Hochschule der Künste in Berlin von ihrem Mentor Kuno Gonschior übernommen. In ihren lebensbejahenden Bildern hat sie diesen Stil perfektioniert und verschafft den Besuchern der Ausstellung für kurze Zeit eine Auszeit vom Alltäglichen.

Weitere Informationen zur Ausstellung erhalten Sie hier:
https://galerie-tobien.de/ausstellungen/ulrike-hansen-farben-des-sommers/

„Im Draußen atme ich die Natur ein, im Atelier male ich sie aus“

Einem nordischen Impressionismus folgend entstehen mit zügigem, manchmal ungeduldigen Strich die abstrahierten Landschaften. Das erlaubt Uta Masch, mittendrin im Motiv zu sein. Dabei vernachlässigt sie bewusst Details. Die atmosphärische Gesamtwirkung übernimmt die Vervollständigung des Bildes. Meist bewegt sie sich dabei in einer von erdigem Grau geprägten Farbpalette. Mit ihren Werken möchte sie den Betrachter an ihrer Wertschätzung zum Leben in und mit der Natur teilhaben lassen und ihn für seine unmittelbare Umgebung begeistern.

In den 1890er Jahren entstand im damaligen Ostpreußen die Künstlerkolonie Nidden auf der Kurischen Nehrung zwischen Ostsee und Kurischen Haff. Fernab der Großstädte suchten die Künstler das einfache und ursprüngliche Leben. Sie waren fasziniert von der Weite und dem Licht dieser eindringlichen Landschaft zwischen den Wassern. Ein Großteil der ausgestellten Werke stammt aus dem Ostpreußischen Landesmuseum in Lüneburg.

Wie ein frischer Wind – so wurde unter Künstler*innen die neue Stilrichtung des Impressionismus empfunden, die in den 1860er-Jahren von Frankreich ausging. Mit schnellem Pinselstrich und in strahlenden Farben wurden flüchtige Lichtstimmungen, neue Freizeitvergnügungen oder Reiseeindrücke direkt unter freiem Himmel auf die Leinwand gebannt. Die Prinzipien verbreiteten sich rasch und führten auch in Nordeuropa zu einem tiefgreifenden Wandel in der Malerei.

In der Wanderausstellung werden im Besonderen die Gemälde der niederländischen, deutschen und dänischen Impressionist*innen präsentiert. In Kooperation mit dem Museum Singer Laren und dem Niedersächsischen Landesmuseum Hannover wurden über 80 hochkarätige Gemälde und Ölstudien ausgewählt, darunter Positionen von Künstler*innen wie Anna Ancher, Lovis Corinth, Isaac Israels, Johan Barthold Jongkind, Jo Koster, Max Liebermann, Peder Severin Krøyer sowie Max Slevogt u. a. Ihre Motive liegen im wechselnden Licht der Tages- und Jahreszeiten – gemalt daheim oder auf Reisen, im Garten oder am Strand, auf dem Land oder in der Stadt. Es offenbaren sich die individuellen Spielarten, die unter dem Oberbegriff „Impressionismus im Norden“ zusammengefasst werden können. Die thematische Präsentation lädt ein, über alle Ländergrenzen hinweg Gemeinsamkeiten und Unterschiede der Impressionismus-Rezeption im Norden zu erkunden.

Die Ausstellung feiert zugleich das 15-jährige Bestehen des MKdW und steht unter der Schirmherrschaft von Karin Prien, Ministerin für Allgemeine und Berufliche Bildung, Wissenschaft, Forschung und Kultur des Landes Schleswig-Holstein.

Das MKdW dankt:

Fiede Springer Stiftung

ERCO

Zachariasen – Mingotti Stiftung

Kunststiftung Christa und Nikolaus Schües

Wyker Dampfschiff – Reederei Föhr – Amrum GmbH

Nord – Ostsee Sparkasse

Wie ein frischer Wind – so wurde unter Künstler*innen die neue Stilrichtung des Impressionismus empfunden, die in den 1860er-Jahren von Frankreich ausging.
In der großen Wanderausstellung zeigt das MKdW in Kooperation mit dem niederländischen Singer Laren Museum und dem Landesmuseum Hannover hochkarätige Gemälde und Ölstudien deutscher, dänischer und niederländischer Impressionist*innen. Künstler*innen wie Anna Ancher, Lovis Corinth, Johan Barthold Jongkind, Max Liebermann, Max Slevogt und Peder Severin Krøyer begeisterten sich für flüchtige Lichtstimmungen, für damals neue Freizeitvergnügungen oder Reiseimpressionen.

Öffentliche Führung durch die Ausstellung (nicht für Gruppen)
5 € ( zzgl. Eintritt), Anmeldung erforderlich: 04681 747400 / info@mkdw.de

Führungen Termine:

Fr 19.07.2024 11:15
Mi 24.07.2024 15:15
Fr 02.08.2024 11:30
Mi 07.08.2024 15:15
Fr 09.08.2024 11:15
Fr 16.08.2024 11:15
Fr 23.08.2024 11:15
Mi 28.08.2024 15:15
Fr 30.08.2024 11:15
Mi 04.09.2024 15:15
Fr 06.09.2024 11:15
Mi 11.09.2024 15:15
Mi 18.09.2024 15:15
Fr 20.09.2024 11:15
Mi 02.10.2024 15:15
Fr 04.10.2024 11:15
Mi 09.10.2024 15:15
Fr 11.10.2024 11:15
Mi 16.10.2024 15:15
Mi 23.10.2024 15:15
Fr 25.10.2024 11:15
Mi 30.10.2024 15:15
Fr 01.11.2024 11:15

Der 2003 zur Förderung junger italienischer Künstler*innen ins Leben gerufene Kunstpreis Premio Fondazione VAF wird alle zwei Jahre von der VAF-Stiftung (das Akronym VAF bezieht sich auf die Anfangsbuchstaben des Gründers Volker Feierabend und seiner italienischen Frau Aurora) ausgelobt. Ziel ist es, »innovative Positionen aktueller italienischer Kunst zu fördern und in Deutschland durch Verleihung eines Preises, durch Ausstellungen und Publikationen zu vermitteln«.

Gemäß der Satzung der VAF-Stiftung wird die Wettbewerbsausstellung in einer Kunstinstitution in Italien und Deutschland gezeigt. Für die zehnte Ausgabe wurden 13 Künstler*innen durch das Stiftungskuratorium zur Teilnahme eingeladen. Ausgehend von den Arbeiten, die von den Künstler*innen für die Präsentation ausgewählt wurden, werden der Hauptpreis und zwei Anerkennungspreise vergeben.

Seit der letzten Ausgabe des Preises vergibt die VAF-Stiftung neben dem Preis für junge Künstler*innen auch eine Art Ehrenpreis an eine*n Künstler*in, der*die in der umfangreichen italienischen Kunstsammlung der Stiftung dokumentiert ist. In diesem Jahr wird neben den jungen Wettbewerbsteilnehmer*innen der bekannte Künstler, Architekt und Designer Marcello Morandini, einer der wichtigsten Vertreter der Konkreten Kunst in Europa, in der Ausstellung vertreten sein.
Zu der Ausstellung ist ein dreisprachiger Katalog (dt. /it./eng.) zum Preis von 25 Euro (während der Ausstellung 20 Euro) erschienen.

Künstler*innen: Adriano Annino, Antonio Barbieri, Chiara Calore, Valentina Diena, Roberto Fanari, Debora Garritani, Teresa Giannico, Jacopo Ginanneschi, Monica Mazzone, Alessandro Nanni, Davide Quartucci, Michele Tajariol, Beatrice Taponecco und Marcello Morandini

Eine Ausstellung im Rahmen der diesjährigen Länderwochen ‘Taiwan’
organisiert von Galerie Atelier III:

Taiwankenner Detlev Langmann offenbart uns in persönlichen Moment-
aufnahmen “seine” bezaubernde Insel. Ein aufmerksamer fotografischer
Blick auf Menschen, Situationen und Geschichten seiner zweiten
Heimat erlauben uns ein Näherkommen – ein Sicheinlassen auf Taiwans
einzigartige Geschichten.
Freuen Sie sich auf wunderbare Fotos des besonderen Inselstaates Taiwan.

Die Jahresausstellung des Föhrer Künstlers nähert sich grafisch und fotografisch Watt, Strand und Flutsaum an. Luftaufnahmen zeigen vereinzelte kleine Menschen in weiten Wattlandschaften, Makrofotografie kleinste Strukturen am Flutsaum. Grafische Arbeiten zerlegen im digitalen Kunstsiebdruck die Lebensadern der Priele in Farbflächen und Strukturen. In meist großformatigen Arbeiten präsentiert der Künstler seine Positionen in der Galerie im Reedereigebäude am Wyker Hafen auf der Nordseeinsel Föhr. Fährverbindungen unter www.faehre.de

Mit KUNST AUF REISEN/ART IN MOTION – 2024 beginnt der Start einer der kreativen und spielerischen Kommunikationsaktion mit einer Institution, die für die Zusammenarbeit zwischen Künstler, Kunst und dem Betrachter eine herausragende Rolle und Symbiose spielen kann.

Die Seemannsmission in Hamburg Altona in der großen Elbstraße 132. Sie ist dabei nicht nur Hamburgern, sondern auch Seefahrern in aller Welt als Ort der Geborgenheit, der zeitlich begrenzten Heimat und des interkulturellen Austausches bekannt.
Kunst und Kultur konnte und kann gerade in gesellschaftspolitisch virulenten Zeiten hier bereits einen ergänzenden Beitrag leisten, Menschen unterschiedlichster Hautfarbe, Sozialisation, Herkunft und Religionszugehörigkeit zusammenzuführen, um dabei freien und friedlichen Austausch der Standpunkte zu ermöglichen. Ausstellungskonzepte haben in den letzten Jahren bereits erfolgreich Fuß gefasst.

Die Arbeiten im zentralen Raum der Seefahrermission können dabei weiterhin den Impuls des Gespräches und des kulturellen Austausches initiieren. Und sie können bei „Gefallen“ ihre Reise als begleitendes Geschenk zurück in die Heimat der weltweit tätigen Seefahrer/Innen und Festigung der Missionsidee in die Welt tragen.
Es kann dann am Zielort in neuer Umgebung und Erinnerung mit der jeweiligen Reise versehen werden. Am Ende bleibt in der Seemannsmission (der Zeitraum wird noch festgelegt) eine leere Wand übrig. Kunst auf Reisen ist dann zu Ende, ähnlich dem Arbeitsvertrag von Mitarbeiterinnen und Mitarbeitern auf Containerschiffen und Kreuzfahrtschiffen. Und Kunst auf Reisen/Art in Motion bleibt eine Reise der Erinnerungen, die durch eine Karte bei Google Maps wachgehalten wird. Sie zeigt mittels roter Pins/Markierungen die Orte an, wo die Bilder im Projektzeitraum gelandet sind. Das setzt voraus, dass die Teilnehmer/Innen von Art in Motion den letzten Standort des Bildes als Ende seiner unter aim@kunsteins.de mitteilen.

Das Kirchspiel Lütau wird erstmals 1230 im Zehntregister des Ratzeburger Bischofs erwähnt, ist aber viel älter. In dem Gebiet im südlichen Herzogtum, in dem Slawen und Sachsen gemeinsam und nicht immer friedlich siedelten, war sicherlich Bedarf für einen Ort, an dem die Bevölkerung bei Kämpfen Schutz suchen konnte.

Von der 1845 wegen Baufälligkeit abgebrochenen Kirche steht heute noch ein wuchtiger Turm aus dem 12. Jahrhundert, der beim Neubau der Kirche im 19. Jahrhundert mit dem Kirchenschiff verbunden wurde. Die dicken Feldsteinmauern mit schießschartenartigen Fenster im Turmaufgang deuten darauf hin, dass der Turm den Menschen auch als Wehrturm diente. An diesem beeindruckenden Ort findet Antje Ladiges-Specht mit ihrer Installation zum Frieden und zur Achtsamkeit, eine künstlerische Antwort auf die Atmosphäre dieses über 800 Jahre alten ehemaligen Schutz-Raums, der sich mit starken Mauern nach außen abgrenzt.

Geöffnet Jeweils Samstag und Sonntag

Informationen KulturSommer am Kanal

Die beiden Sommerausstellungen in Eutin widmen sich in diesem Jahr dem Thema „Tiere in der Bildenden Kunst“. Im Erdgeschoss wird ab Ende Juni eine facettenreiche Auswahl von Tierbildern der Düsseldorfer Malerschule gezeigt, die nicht allein einer bestimmten Gattung wie der reinen Tiermalerei, sondern auch der Landschafts-, Genre- und Militärmalerei zugeordnet werden können. Tierbilder – ob Pferde in Schlachtenbildern, Nutztiere in der Landwirtschaft, Wildtiere in der Natur oder Bilder von Haustieren in ihrer heimischen Umgebung – erfreuten sich von jeher großer Beliebtheit beim Publikum, insbesondere aber beim Bürgertum des 19. Jahrhunderts.

Die Ausstellung zeigt von bekannten Künstlern der Düsseldorfer Malerschule wie August Deusser, Julius Paul Junghanns, German Grobe und vielen mehr herausragende Werke, die allesamt aus der Sammlung der Dr. Axe-Stiftung Bonn stammen.

Die Dr. Axe-Stiftung mit Sitz in Bonn wurde im Jahr 1997 von Dr. Hans Günther Axe (1920-2008) gegründet, der nach dem Zweiten Weltkrieg ein erfolgreiches Versicherungsmaklerunternehmen aufbaute. Die Dr. Axe-Stiftung übernahm 2008 das Lebenswerk des Stifters und führt es seitdem in seinem Sinne weiter. Sie ist auf ein breites Spektrum gemeinnütziger, sozialer und mildtätiger Zwecke ausgerichtet. Mit dem 2011 eröffneten Hasenberghof in Kronenburg/Eifel verfügt die Stiftung über ein außergewöhnliches, von Dr. Axe ausgewähltes Domizil, das die Verbindung höchst unterschiedlicher Stiftungszwecke zulässt. In dem dort neu eingerichteten Kunstkabinett finden regelmäßig wechselnde Ausstellungen mit Gemälden aus der Sammlung der Dr. Axe-Stiftung statt, deren Schwerpunkt auf Werken der Düsseldorfer Malerschule liegt. Dr. Axe besaß selbst Werke von Künstlern wie Andreas und Oswald Achenbach, die den Grundstock der Sammlung der Dr. Axe-Stiftung bilden. Die bestehende Sammlung wird durch Neuankäufe ständig erweitert und auch an andere Museen und Institutionen ausgeliehen.

Strandkörbe gehören zu den deutschen Nordseeinseln, wie Sandburgen und Lenkdrachen. Sie prägen geradezu das Bild des Nord- und Ostseestrandes. Charakteristisch und schon fast symbolträchtig für das Urlaubsgefühl stehen sie an den Stränden und warten einladend auf die Besucher.
Der Korb-Kokon ermöglicht heute vielen Nutzern darüber hinaus zu lesen, vor sich hinzuträumen oder nur Richtung Halligen oder Amrum den Horizont mit seinen Licht- und Wasserspielen zu genießen. Selbst wenn nebenan eine Surf- oder Kite-Partie von jungen Nordseeurlaubern für Lautstärke sorgt, ist der Strandkorb immer wieder eine Bastion der Behaglichkeit, Wärme und Geborgenheit. Eingerahmt von Sand und Dünengras in Laufweite der Surfschule von Dirk Hückstädt. Mit seinen wackeligen Ausklapptischen, den sandigen Fußstützen und den klebrigen Kunststoffsitzen erinnert das ein wenig an die Küche von Oma in den 1960er Jahren. Und jetzt noch am Nieblumer Surfstrand in der Saison 2024 als Bühne für Kunst und Kultur.
Thematisch wird der Strandkorb von mit Interpretationen von Andy Warhol, Caspar David Friedrich, Edvard Munch und Yves Klein bespielt. Arbeiten der Künstler werden als Silhouette interpretiert auf den Strandkorb gesprüht, ergänzend mit Lackstiften und wetterfester Farbe bemalt. Im Inneren wird es eine mappe als kleine kunstgeschichtliche Bibliothek geben. Ein Gästebuch soll zum Eintragen oder Zeichnen/Malen inspirieren. Dazu steht eine kleine Box mit Schreib- und Zeichengeräten zur Verfügung. Weitergehende Aktionen und Themen, wie Lesungen und Unplugged Musik werden kurzfristig von mir mit folierter Info am Korb ausgehängt und über die Homepage veröffentlicht.
Termine, Themen und Fotos unter www.kunsteins.de/strandkorb
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Der Mensch in der Natur, die Natur des Menschen und die Natur ohne den Menschen beschäftigen die beiden Kunstschaffenden seit vielen Jahren. Im Zwischenraum der Linien wird dieses Thema aus weiblicher und männlicher Sicht, aber auch in gemeinsamen Arbeiten gezeigt. Linien überlagern sich, durchdringen sich, verbinden sich, entstehen wie das Ein- und Ausatmen.

Die Arbeiten der Niederländerin Saskia Boelsums überzeugen durch eine unverwechselbare Handschrift: überwältigend und malerisch, tiefgründig und mystisch. Sie zeigen die Schönheit der weiten niederländischen Landschaften, die blasse Reflexion des Mondlichts auf einem zugefrorenen See, das goldene Leuchten eines Getreidefeldes im Spätsommer, eine transparente, grüne Welle in grauer, stürmischer See.

Die beiden Sommerausstellungen in Eutin widmen sich in diesem Jahr dem Thema „Tiere in der Bildenden Kunst“.

In seinem Dachgeschoss stellt das Ostholstein-Museum den Bildhauer Hans Joachim Ihle (1919-1997) vor, der sich Zeit seines Lebens der Darstellung von Tieren vornehmlich in Bronze und Marmorstuck widmete.
Zahlreiche Arbeiten des Künstlers befinden sich heutzutage in privaten Sammlungen, aber auch im öffentlichen Raum ist der Bildhauer mit überaus eindrucksvollen Werken vertreten. Zu seinen bis heute wohl bekanntesten gehören das dreißig Meter lange, mit Fischen, Reptilien und Amphibien versehene Ziegelband am Neubau des Berliner Aquariums sowie die mit Reliefs gestaltete Frontwand und das Elefanten-Tor des Berliner Zoos, bei dessen Wiederaufbau Hans Joachim Ihle die künstlerische Leitung innehatte und das heute als ein Wahrzeichen Berlins gilt. Zudem hatte er maßgeblichen Anteil an den langjährigen Wiederaufbau- und Restaurierungsarbeiten des im Krieg größtenteils zerstörten Charlottenburger Schlosses.

Aber auch im Bereich der freistehenden Skulptur und der Kleinplastik schuf Hans Joachim Ihle ein umfassendes Werk. Seine Tierdarstellungen bewegen sich durch die Jahrzehnte hindurch zwischen naturgetreuer Wiedergabe und vereinfachend-abstrahierender Formgebung. Dabei widmete er sich heimischen Tieren ebenso wie Tieren aus fernen Ländern, die er auf seinen Reisen kennengelernt und eingehend studiert hatte. Auf Grundlage seiner genauen Beobachtungen gelang es ihm bei seinen Skulpturen stets, das Charakteristische eines Tieres – ob in Ruhe oder in Bewegung – herauszuarbeiten.

Die Ausstellung zeigt mit einer reichen Auswahl an Bronzen und Skulpturen in Marmorstuck die Bandbreite im bildhauerischen Werk Hans Joachim Ihles. So finden sich in Eutin Pferde und Elefanten, Kröten und Affen, Esel und Ameisenbären… ein museales Stelldichein der kleinen und großen Tierwelt!

Chiau Syuan Chai zeigt eine Serie von Terrazzo-Keramiken, die durch das Studieren von Giebelseiten der Häuser einer Stadt entstehen.
Elke Schweigarts Arbeiten zeigen landschaftliche Formationen, insbesondere Berge in Island und Norwegen. Mit präziser Genauigkeit erfasst sie den Aufbau eines Massivs oder die Oberflächenstruktur eines Berges in seiner momentanen Erscheinung.
Beiden Künstlerinnen ist eine grafisch reduzierte Bildsprache gemeinsam, die zu der jeweils anderen Position in einem interessanten Dialog steht. Zum Abschluss der Ausstellung findet am Sonntag, den 28.07.2024 um 11.30 Uhr ein artist talk mit den beiden Künstlerinnen statt. Herzliche Einladung!

CHIAU SYUAN CHAI,
geboren in Taipeh, Taiwan, lebt seit 2020 in Hamburg.
Sie studierte bei Professorin Jorinde Voigt an der HFBK und schloss im Jahr 2023 ihren Master erfolgreich ab. Chai widmet sich in ihren poetischen Kunstwerken der Frage nach dem Haus und dem Zuhause in der Stadt und den damit verbundenen Bildern in unseren Köpfen. Dabei untersucht sie die Wechselwirkung zwischen der Wahrnehmung der Bewohner und den städtischen Strukturen, indem sie eine zeitgenössische Landschaft, bestehend aus Holz- oder Keramikobjekten, einfängt. Sie reduziert die Elemente auf einfache Formen und verdichtet diese.

Elke Schweigarts jüngste Arbeiten zeigen landschaftliche Formationen, insbesondere Berge in Island und Norwegen. Mit präziser Genauigkeit erfasst sie den Aufbau eines Massivs oder die Oberflächenstruktur eines Berges in seiner momentanen Erscheinung.
Bewusst verzichtet Schweigart auf alle hellen Teile des Motivs, sodass der Weißraum als Teil des Bildgegenstands gelesen werden muss. Die Weißräume und der Verzicht auf Konturen öffnen die Landschaft zum Außenraum.

ELKE SCHWEIGART
findet ihre Motive in der Natur. Den „Formationen“ liegt ein Reisestipendium nach Nordschweden und Norwegen zugrunde, welches Schweigart zu Beginn des Jahres 2020 durchführte. Die Pinsel- und Federzeichnungen von 2024 sind während einer Residency in Skagaströnd auf Island im April dieses Jahres entstanden.

Am 19. Juli 2024 wiederholt sich wiederum etwas Unfassbares in der deutschen Kulturgeschichte. Mit der Ausstellung „Entartete Kunst“ sollte das gesamte Spektrum moderner Kunst in Deutschland aus dem sozialen und kulturellen Leben ausgeschlossen werden. 120 Künstlerinnen und Künstler mit über 700 Exponaten öffentlich verunglimpft. Die Ausstellungsstücke wurden von diffamierenden Inschriften begleitet, die unter dem NS-Schlagwort der “jüdisch-bolschewistischen Kunst“ antisemitische und antikommunistische Vorurteile schürten. Als “entartet” galten dem NS-Regime alle kulturellen Strömungen, deren Ästhetik ihnen als “undeutsch” erschien und nicht in das von ihnen propagierte Menschenbild passte. Das galt unter anderem für den Kubismus, den Expressionismus, die Neue Sachlichkeit und den Dadaismus.

DAS KOMMT MIR NICHT IN DIE TÜTE! – im umgangssprachlichen Bereich verwendetet Redewendung – geht auf das 19. Jahrhundert zurück und drückt eine klare, ja entrüstete Ablehnung aus. Er wird für alle Situationen genutzt, in denen jemand klarmachen will, dass etwas überhaupt nicht in Frage kommt – egal, was es ist. DAS KOMMT MIR NICHT IN DIE TÜTE! dient als Impuls und Blickfang zugleich und soll Menschen interaktiv und spielerisch auf den 19.07.2024 (19.07.1937) mittels link: www.kunsteins.de/ek hinweisen. Beim Anklicken der Tüte geht dann ein zweites Fenster auf und zeigt die Namen einiger der Künstlerinnen und Künstler, die auf der Liste des NS Staates standen und aus der Öffentlichkeit verschwanden. In dem Moment, wo Sie sich auf dieses Spiel einlassen, holen Sie die Namen wieder ans Licht der Öffentlichkeit.