Rubrik: Kunst

In der Ausstellung, die am 10. September eröffnet wird, wird neue Forschung über Arne Jacobsen vorgestellt. Auf drei Gleisen werden Perspektiven und Einblicke in Leben und Wirken des dänischen Architekten sowie sein Einfluss auf Dänemark als Sozialstaat und Designnation präsentiert. In der Ausstellung geht es darum, warum Arne Jacobsen den Status als einer der wichtigsten Designer Dänemarks erlangt hat, und welche Inspirationen wir heute aus seinem Lebenswerk mitnehmen können.

Durch das Vertiefen in die vollendeten Gesamtdesigns, die Arne Jacobsen u. a. am Rathaus von Aarhus und dem Schulgebäude „Munkegårdsskolen“ bei Kopenhagen umgesetzt hat, erhalten wir einen Einblick darin, wie er dazu
beigetragen hat, dem dänischen Sozialstaat Form und Ästhetik zu verleihen. Darüber hinaus wird in der Ausstellung anhand von Interviews, Jacobsens persönliche Filmaufnahmen, Aquarellen und Naturstudien illustriert, wie Kunst, künstlerische Prozesse und die Natur bei seiner kreativen Arbeit eine wichtige Rolle spielten. Neben den bekannten Designklassikern werden zahlreiche weniger bekannte Modelle, Typen und Formate vorgestellt, unter anderem Aquarelle, Skizzen und Textilmuster.

Zudem stellt die Ausstellung die Frage, warum wir heute Arne Jacobsen als ein besonders prominentes Beispiel für dänisches Design ansehen, während er zu seinen Lebzeiten als Modernist und Internationalist angesehen wurde.

Die Ästhetik des dänischen Sozialstaats

Die Ausstellung legt die Entwicklung des dänischen Sozialstaats dar, die im Zuge der sozialdemokratischen Politik in den Jahrzehnten nach dem 2. Weltkrieg eng mit neuen Strömungen und Phänomenen in den Bereichen Architektur und Design verbunden war. Arne Jacobsen sowie weitere dänische Architekten und Designer haben ihren Beitrag zur Entwicklung des ästhetischen Ausdrucks des dänischen Sozialstaats durch neue öffentliche Gebäude und Möbel für den öffentlichen Raum geleistet. Sie erschufen eine Ästhetik und Funktionalität, die noch heute die Einrichtung in öffentlichen Büchereien, Rathäusern, Schulen, Büros und Krankenhäusern beeinflusst.

Die Museumsleiterin Karen Grøn sagt: „Das Ergebnis ist als ein ästhetischer Gesamtausdruck für den dänischen Sozialstaat zu betrachten. Dies kann dazu beitragen, dass in Dänemark, im Gegensatz zu vielen europäischen Nachbarländern, ein Konsens dahingehend herrscht, dass Ästhetik, Form und Materialien wichtig für das Wohlbefinden der Menschen ist – im öffentlichen und privaten Raum.“

Kreativer Entstehungsprozess

Diese Schilderung von Arne Jacobsen ist auch eine Schilderung von Kreativität, Innovation und einem lebenslangen Interesse an der Kunst und der Natur. Die Ausstellung bricht mit der klassischen Darstellung des jungen Arne Jacobsen als modernistischer Revoluzzer und schildert ihn stattdessen als einen kreativen Erneuerer. In Jacobsens Architekturbüro wurden Modelle und Skizzen zum Austausch von Wissen und Gedanken sowie als Grundlage für gemeinsame Experimente verwendet. Gemeinsam bilden sie einen einzigartigen Einblick in einen besonders kreativen Schaffensprozess, von dem wir heute vielleicht etwas lernen können. Sein Zugang zum Fach und zum kreativen Prozess macht ihn relevant, und vielleicht leben deshalb so viele seiner Werke auch heute noch?

Ist es eigentlich typisch dänisches Design?

Arne Jacobsen brachte internationale Strömungen nach Dänemark. Dies führte gelegentlich zu aufgebrachten Diskussionen. Heute sind viele Dänen der Meinung, seine Werke seien eindeutige Beispiele für dänisches Design. Die Ausstellung erörtert das Interessante daran, wie das, was einst als fremd angesehen wurde, ein Teil des kollektiven dänischen elbstverständnisses wird. Museumsleiterin Karen Grøn erklärt: „Die Schilderung von Arne Jacobsens Design als etwas besonders Dänisches zeigt somit, wie sich eine Kombination aus Gegenständen, Ereignissen und Kontexten mit der Zeit lokal ansiedeln kann. Somit stellt sich die Frage, ob es etwas gibt, das authentisch dänisch ist, oder ob das Dänischsein in Wirklichkeit ein sich konstant verändernder und entwickelnder Prozess ist?“

Arne Jacobsen – Dänemarks Designer wurde von der Museumsleiterin Katrine Stenum in Zusammenarbeit mit der unsthistorikerin und Registrarin bei der Arne Jacobsen Design I/S, Annika Skaarup Larsen, kuratiert. Die Forschung für die Ausstellung fand gemeinsam mit dem Dozenten am Institut für Kommunikation an der Universität Kopenhagen, Nan Dahlkild, statt.

Die Jahresschau der Gemeinschaft Lübecker Künstler e.V. ist seit vielen Jahren fester Bestandteil des Kulturlebens der Hansestadt. Sie bietet die Möglichkeit, sich ein umfangreiches Bild vom vielfältigen bildnerischen Schaffen in der Stadt zu machen und bringt Künstler:innen und Publikum miteinander ins Gespräch. Im zweijährigen Rhythmus findet die alljährliche Präsentation in der Kunsthalle St. Annen statt. 

Für die diesjährige Jahresschau bewarben sich 98 Künstler:innen und reichten insgesamt 370 Werken ein. Ein fünfköpfiges Kuratorium, das sich aus Kunsthistorikerinnen und Künstler:innen zusammensetzt, traf eine Auswahl an 86 Arbeiten von 41 Kunstschaffenden aller Altersgruppen sowie Bekanntheitsgrade, die den Ideen- und Formenreichtum künstlerischen Schaffens umreißen. Das Spektrum der Werke reicht von Installation über Medienkunst, Bildhauerei, Malerei, Zeichnung und Grafik bis zur Fotografie. 

Die Preisträgerin der diesjährigen Jahresschau ist Ulrike Heil. Sie wird mit einer Einzelausstellung 2021 in der Galerie Artler honoriert.

Erstmalig ist in Hamburg mit Magische Wirklichkeit eine Ausstellung zu dem italienischen Künstler Giorgio de Chirico (1888–1978) zu sehen, der als Begründer der Pittura Metafisica zu einem der wichtigsten Vorläufer des Surrealismus und der Neuen Sachlichkeit wurde.

Im Zentrum der groß angelegten Schau steht mit der metaphysischen Malerei die bedeutendste Werkgruppe, die de Chirico schuf. Die zwischen 1909 und 1919 geschaffenen, ikonischen Bilder von sonnendurchfluteten, leeren Plätzen, in denen die Zeit still zu stehen und das scheinbar Alltägliche mit einer neuen Bedeutung aufgeladen scheint, wirken heute besonders eindringlich und aktuell. Die Hamburger Kunsthalle präsentiert mit allein 35 seiner metaphysischen Bilder eine bislang ungesehene Qualität und Dichte dieser teils zuvor kaum gereisten Meisterwerke: Darunter sind namhafte amerikanische und europäische Institutionen wie das Museum of Modern Art und die Pierre and Tana Matisse Foundation in New York, das Art Institute of Chicago, das Chrysler Museum of Art in Norfolk, Virginia, die Menil Collection Houston oder das Philadelphia Museum of Art, die Peggy Guggenheim Collection in Venedig, die Tate London und das Moderna Museet in Stockholm sowie verborgene Privatsammlungen unter anderem aus Italien und der Schweiz. Die Leihgaben kommen erstmals in die Kunsthalle und treffen auf ausgewählte Sammlungsbestände. Insgesamt sind über 80 Meisterwerke aus über 50 Sammlungen weltweit von de Chirico, Carlo Carrà, Giorgio Morandi, Alberto Magnelli, Alexander Archipenko, Pablo Picasso sowie von Arnold Böcklin und Max Klinger zu entdecken. Dies ist trotz der derzeit durch die Pandemie vorherrschenden Einschränkungen und nur durch eine jahrelange Recherche und kollegiale Zusammenarbeit auch in Krisenzeiten möglich geworden.

In der Ausstellung werden die magisch wirkenden Bilder de Chiricos – und in seiner Folge Carlo Carràs und Giorgio Morandis – präsentiert, die eine Realität jenseits des Scheins sichtbar machen wollten und damit die Grundlagen für eine »andere Moderne« legten. Zugleich werden die Quellen dieser neuen Haltung und die Bedeutung der verschiedenen kulturellen Einflüsse Europas auf den in Griechenland geborenen und vielgereisten italienischen Künstler nachvollziehbar: die griechischen Mythen, mit denen er aufwuchs; die Auseinandersetzung mit der deutschen Philosophie – unter anderem von Friedrich Nietzsche – und mit Hauptwerken der deutschen Spätromantik während seiner Studienzeit in München; die Licht und Raumerfahrungen auf italienischen Plätzen; die Begegnungen mit der französischen Avantgarde in Paris und schließlich sein Militärdienst in Ferrara. Vor dem Hintergrund ihres herausragenden Bestands an Werken deutscher Spätromantik kann die Hamburger Kunsthalle spezifisch die frappierenden Einflüsse von Arnold Böcklin und von Max Klinger auf de Chirico darlegen.

In dieser einzigartigen Verbindung verschiedenster europäischer Einflüsse und im Angesicht des Ersten Weltkriegs wie der Pandemie der Spanischen Grippe sucht de Chirico mit seinen geheimnisvollen, realistisch-präzise präsentierten Möglichkeitswelten Unsichtbares sichtbar zu machen. Er lässt eine andere Welt jenseits des Scheins erahnen. Ihre intensive Stimmung wird erschaffen durch überscharf gezeichnete, kulissenartige Objekte und Menschen, die wie Puppen in perspektivisch übersteigerten, traumhaft mediterran wirkenden, nur mit Sonnenschein und bodenlosen Schatten gefüllten Räumen agieren. Brunnen oder große Uhren verweisen auf die ewige Wiederkehr des Gleichen und hinterfragen das Konzept der Zeit wie des Raumes. De Chiricos Bildsprache entlarvt die Doppeldeutigkeit der Zeichen. Sie zeigt das Scheinbare unserer Realität auf. Diese Vieldeutigkeit, die Virtuosität und die vorweggenommene Virtualität beeindrucken heute besonders, zumal sich die Raum-, Zeit- und Bilderfahrungen von menschenleeren, unheimlich wirkenden Plätzen 2020 durch die weltweiten Ausgangs- und Kontaktbeschränkungen aktualisiert haben. So können die 100-jährigen Meisterwerke heutigen BetrachterInnen auch als Spiegel dienen, um die Erfahrungen mit der eigenen aktuellen – äußeren wie inneren – Wirklichkeit zu reflektieren.

Zur Ausstellung ist ein reich illustrierter Katalog erschienen, der zahlreiche Essays von international renommierten ExpertInnen beinhaltet. Er legt neueste Forschungsergebnisse zu de Chiricos Lebensumständen vor – die zur Entwicklung der Metaphysischen Malerei führten – und zu Einflüssen der deutschen Spätromantik und Philosophie. Die Publikation (Hirmer Verlag GmbH, München) kann online über www.freunde-der-kunsthalle.de bestellt werden.

Begleitend zur Ausstellung sind zudem zahlreiche digitale Angebote über die Website der Hamburger Kunsthalle abrufbar: Die live gestreamte Ausstellungseröffnung (siehe oben), eine „Ohrenschau“ der Ausstellung, die fotografische Dokumentation der Räume, eine Bildergalerie zu ausgewählten Werken und ausführliche Texte, in denen die verschiedenen Ausstellungskapitel vorgestellt werden.

Im Rahmen des (Online-)Veranstaltungsprogramms mit Vorträgen, Gesprächen, Konzerten und Seminaren geben u. a. de Chirico-Spezialisten und renommierte Autoren unterschiedliche Perspektiven auf die Ausstellung der Kunsthalle.

Bild: Giorgio de Chirico (1888–1978)Der beängstigende Vormittag (La Matinée angoissante), Herbst 1912. Öl auf Leinwand, 81 × 65 cm Mart, Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto/Collezione VAF-Stiftung © VG Bild-Kunst, Bonn 2021 Foto: © Mart, Archivico fotografico e Mediateca

In diesem Frühjahr lohnt, wenn möglich, eine Reise nach Frankfurt. Dies gilt besonders für Kenner und Liebhaber skandinavischer Landschaftsmalerei um 1900.

In der Schirn sind mehr als 80 Gemälde und viele Zeichnungen von Künstlerinnen und Künstlern aus dem Umkreis der legendären kanadischen Künstlervereinigung „Group of Seven“ zu sehen, eine Deutschland-Premiere.

Dichte Wälder in leuchtenden Herbstfarben werden gezeigt, reißende Flüsse, weite Seen, flirrende Nordlichter und atemberaubende Ansichten der Arktis. All dies ist pastos, dicht und mit breitem Pinselstrich aufgetragen.

Die Künstler der offiziell seit März 1920 bestehenden Vereinigung um Lawren Harris, James E. MacDonald, Arthur Lismer, Frederick H.Varley, Frank Carmichel, Frank Johnston und Alexander Y. Jackson wollten mit ihrer Malerei die Schönheit und Einzigartigkeit Kanadas auf ganz eigene Weise feiern – und zugleich pädagogisch wirksam sein.

Sie kannten einander schon länger. Einige der zumeist aus England stammenden und oft noch in Europa ausgebildeten Männer hatten in Toronto gemeinsam als Werbegrafiker gearbeitet. An den Wochenenden war man zum Skizzieren in die Wälder und an die Seen Northern Ontarios aufgebrochen, wo man theosophisch angehaucht im Geiste Ralph Waldo Emersons oder Henry David Thoreaus in der Natur zeltete, fischte und malte. Häufig mit von der Partie war der bereits 1917 unter mysteriösen Umständen ertrunkene Ranger und Künstler Tom Thomson, der gern als der Spiritus Rector der Gruppe bezeichnet wird.

Auf der Suche nach künstlerischer Unabhängigkeit von Europa, nach Ausdrucksmöglichkeiten für eine eigenständige kanadische Malerei jenseits akademischer Traditionen war den Malern noch vor Beginn des 1. Weltkriegs eine Ausstellung zeitgenössischer skandinavischer Kunst zum Schlüsselerlebnis geworden.

In Buffalo, New York, hatten Lawren Harris und James E. MacDonald 1913 Gemälde von Otto Hesselbom, Gustaf Fjaestad, Harald Sohlberg oder Jens F. Willumsen gesehen. Die symbolische Strahlkraft der oft mystisch aufgeladenen Landschaften und die leuchtenden Farben der Bilder hatten sie tief beeindruckt: Hier waren sie auf Maler gestoßen, die sich nicht nur mit ähnlichen topographischen und klimatischen Gegebenheiten auseinanderzusetzen hatten, sondern zugleich aus ähnlich nationalromantischem Geist heraus arbeiteten. Viele Jahre später sagte MacDonald: „We felt: This is what we want to do with Canada“.

Und so erscheinen, wie bei den nordeuropäischen Zeitgenossen, auch in den stilistisch sehr unterschiedlichen Gemälden der „Group of Seven“ Seen, Felsen oder Eisberge nicht nur als Abbild der Realität, sondern – getragen von einem gemeinsamen Ideal – beinahe plakativ als Symbole für die Schönheit und Größe Kanadas (Peter Mellon, 1970).

Tatsächlich sollten die Gemälde der „Group of Seven“ die kulturelle Identität der noch jungen kanadischen Nation entscheidend prägen, nicht zuletzt dank baldiger Unterstützung durch die National Gallery of Canada. Eine rege, auch internationale Ausstellungstätigkeit setzte ein, brachte Bekanntheit und Anerkennung. Bis weit in die 1950er Jahre hinein dominierten Gemälde-Reproduktionen die Klassenzimmer des riesigen Landes, Postkartensätze waren im Umlauf. Künstlerinnen und Künstler wie die später sehr bedeutende Emily Carr, die sich in die „Wildnis“ zurückzog um Relikte indigener Kulturen an der Westküste Kanadas zu dokumentieren, wurden durch die „Group of Seven“ inspiriert, deren Mitglieder sich auch als Lehrer, Schreiber und Speaker hervortaten.

Nachfolgende Künstlergenerationen versuchten, den Blick auf Land und Leute zu weiten. In Frankfurt stellen Fotos, Dokumente und Dokumentarfilme die in Kanada omnipräsenten Ikonen in einen angemessenen Kontext, der die in den Bildern konstruierte Darstellung Kanadas hinterfragt und auch Positionen indigener Kritik integriert.

„Magnetic North. Mythos Kanada in der Malerei 1910-1940“, Schirn Kunsthalle, Frankfurt. Die Ausstellung soll bis zum 16. Mai zu sehen sein. Es ist ein umfangreiches (Online-) Begleitprogramm geplant. Der Katalog zur Ausstellung erscheint im Prestel Verlag (49 Euro). In Kanada finden sich bemerkenswerte Bestände in der National Gallery of Canada (Ottawa), der Art Gallery of Ontario (Toronto) und der McMicheal Canadian Art Collection (Kleinburg). Nur eine Handvoll Gemälde befindet sich heute noch in Privatbesitz. Zum 100jährigen Bestehen der „Group of Seven“ wurden im vergangenen Jahr eine Vielzahl touristischer Angebote initiiert (siehe z.B. northernontario.travel).

Anette Froesch

Die neuen Mitglieder des Bundesverbandes bildender Künstlerinnen und Künstler Schleswig-Holstein stellen sich traditionell am Anfang des Jahres mit einer Ausstellung vor. Dank der großen Schauflächen des Brunswiker Pavillons können wir eine nach außen hin wirksame Ausstellung realisieren. Besuchen Sie den Pavillon und verschaffen Sie sich einen Eindruck von außen. Unser Dank gilt unseren neuen Kolleg*innen, auch unter diesen Bedingungen ihre Werke zu zeigen. Coronabedingt wird es keine Eröffnung geben.

Anja Badners – Malerei
Felisha Bahadur – Malerei
Lutz Bleidorn – Malerei/Grafik
Gerd G.M. Brockmann – Installation/Fotografie/Grafik
Rainhard Gaida – Fotografie/Grafik
Berthold Grzywatz – Bildhauerei
Susan Kasten-Jerke – Malerei
Sönke Knickrehm – Skulptur/Objekt/Installation
Uta Masch – Malerei
Wolfgang Meyer-Hesemann – Foto/Collage/Zeichnung
Karla Reckmann – Malerei/Grafik
Katharina Reinshagen – Malerei/Grafik
Christina Schwalbach-Hoffmann – Malerei
Maren Theel – Malerei/Fotografie/Installation

Das Museum Kunst der Westküste konnte seine Sammlung in den vergangenen fünf Jahren um mehr als 200 bedeutende neue Werke, darunter Erwerbungen ebenso wie Dauerleihgaben und Zustiftungen, erweitern. Mit der Konzentration auf Malerei und Grafik, die unter dem Generalthema „Meer & Küste“ in den vier Ländern Norwegen, Dänemark, Deutschland und in den Niederlanden zwischen 1830 und 1930 geschaffen wurden, versammelt die weltweit singuläre und sehr homogene Kollektion damit aktuell über 900 Arbeiten. Auch internationale zeitgenössische Kunst, die demselben Themenspektrum verpflichtet ist, spielt eine wichtige Rolle.

In der Ausstellung tritt eine Auswahl der „neuen Schätze“ in Verbindung mit Werken, die bereits länger zum Sammlungsbestand gehören. Die Zusammenstellung vermittelt, wie bedeutende Sammlungsschwerpunkte weiter ausgebaut werden konnten. Großen Raum nehmen Gemälde und Ölskizzen des deutschen Impressionisten Max Liebermann ein. Farbintensive Nordsee- und Hafendarstellungen von Erich Heckel bringen expressionistische Kompositionen ein. Neben den Skagen-Malern Michael Ancher und Christian Krohg sind Künstler aus Nordfriesland wie Hans Peter Feddersen und Emil Nolde mit eindrucksvollen Landschaftsdarstellungen vertreten.

Monumentale Gemälde von Jochen Hein zeigen im Bereich der Gegenwartskunst die unerschöpflichen Möglichkeiten, die die Gattung Malerei rund um das Thema Meer bereithält. Fotoarbeiten der Artists in Residence Mila Teshaieva und Anja Jensen befragen die insulare „Heimat“ neu.

Seit 2010 lädt das Museum Kunst der Westküste aktiv Künstlerinnen und Künstler als Artists in Residence nach Alkersum ein. Die Schau zeigt erstmals in einer Gruppenausstellung eine Auswahl von Arbeiten, die während oder im Prozess der Vor- oder Nachbereitung solcher Aufenthalte entstanden sind und überwiegend zum ersten Mal öffentlich präsentiert werden. Internationale Kunstschaffende, deren bisheriges Werk eine Verbindung zum Museumsprofil aufweist, erhalten auf Einladung die Möglichkeit zu einem Inspirations- und Arbeitsaufenthalt auf der Insel Föhr. Bislang konnten 24 internationale Artists in Residence begrüßt werden.

Die Ausstellung, die unter dem Titel „Made on Föhr“ den Auftakt einer neuen Reihe bildet, konzentriert sich in diesem Jahr auf künstlerische Positionen, die sich seit Jahrzehnten mit dem Medium Fotografie beschäftigen und auf Föhr den Fokus auf das Thema Landschaft gelegt haben. In der Herangehensweise, der inhaltlichen Konzeption und Wahrnehmung der Nordseeinsel erweisen sich die drei Positionen als vollkommen eigenständig und zugleich stringent in ihrem jeweiligen eigenen bisherigen Schaffen.

Mit Nicole Ahland, geb. 1970, und Thomas Wrede, geb. 1963, stehen zwei in Deutschland lebende Künstler, der finnischen, in Paris und Helsinki lebenden Elina Brotherus, geb. 1972, gegenüber

Bild oben: Thomas Wrede: Früher Morgen bei den Korallenmoosinseln, 2016, Museum Kunst der Westküste, Alkersum/Föhr © Courtesy of the artist / VG Bild-Kunst, Bonn 2021

Wie kann Wind sichtbar gemacht werden? Lässt sich das Element Luft darstellen? Wie kann fotografisch eingefangen werden, was sich vom menschlichen Auge für gewöhnlich nicht erfassen lässt?

Der in Amsterdam lebende Künstler Sjoerd Knibbeler (* 1981) beschäftigt sich mit komplexen Naturphänomenen. Ausgangspunkt ist sein Interesse an der Entdeckung der Welt durch menschliche Fantasie, an Erfindungen und Technologien. Jeder seiner Werkkomplexe setzt akribische Naturbeobachtungen, Experimente und den Austausch mit Wissenschaftler*innen voraus. Auf dieser Grundlage entstehen verschiedenartige Modelle, durch die flüchtige Momente – sei es ein Windstoß oder ein Sonnenstrahl – erfahrbar werden. Im Medium Fotografie lässt Sjoerd Knibbeler die gleichsam unsichtbaren Naturprozesse schließlich in ästhetisch ausgefeilten Bildern sichtbar werden und lädt zur inhaltlichen Auseinandersetzung ein.

Die Ausstellung umfasst schwerpunktmäßig Werke der Serien Current Studies, Exploded Views und In Elements. Bereits im Jahr 2017 war der Künstler als Artist in Residence des MKdW ausgewählt worden. Der Aufenthalt auf der Insel Föhr bildete den Auftakt zur jüngsten Serie Exploded Views, die jetzt erstmals umfangreich gezeigt wird. Im Sommer 2020 suchte Knibbeler die Insel erneut auf, um sich thematisch dem Klimawandel zuzuwenden und mögliche menschliche Interventionen künstlerisch zu durchdenken. Die daraus hervorgegangenen Werke In Elements werden ebenfalls in dieser Einzelausstellung, die seine erste museale Schau in Deutschland ist, gezeigt.

Bild oben: Sjoerd Knibbeler. Current Study #2, 2013. UltraChrome print, framed without glass, 120 x 96 cm. © Courtesy of the artist

In der Ausstellung, die am 10. September eröffnet wird, wird neue Forschung über Arne Jacobsen vorgestellt. Auf drei Gleisen werden Perspektiven und Einblicke in Leben und Wirken des dänischen Architekten sowie sein Einfluss auf Dänemark als Sozialstaat und Designnation präsentiert. In der Ausstellung geht es darum, warum Arne Jacobsen den Status als einer der wichtigsten Designer Dänemarks erlangt hat, und welche Inspirationen wir heute aus seinem Lebenswerk mitnehmen können.

Durch das Vertiefen in die vollendeten Gesamtdesigns, die Arne Jacobsen u. a. am Rathaus von Aarhus und dem Schulgebäude „Munkegårdsskolen“ bei Kopenhagen umgesetzt hat, erhalten wir einen Einblick darin, wie er dazu
beigetragen hat, dem dänischen Sozialstaat Form und Ästhetik zu verleihen. Darüber hinaus wird in der Ausstellung anhand von Interviews, Jacobsens persönliche Filmaufnahmen, Aquarellen und Naturstudien illustriert, wie Kunst, künstlerische Prozesse und die Natur bei seiner kreativen Arbeit eine wichtige Rolle spielten. Neben den bekannten Designklassikern werden zahlreiche weniger bekannte Modelle, Typen und Formate vorgestellt, unter anderem Aquarelle, Skizzen und Textilmuster.

Zudem stellt die Ausstellung die Frage, warum wir heute Arne Jacobsen als ein besonders prominentes Beispiel für dänisches Design ansehen, während er zu seinen Lebzeiten als Modernist und Internationalist angesehen wurde.

Die Ästhetik des dänischen Sozialstaats

Die Ausstellung legt die Entwicklung des dänischen Sozialstaats dar, die im Zuge der sozialdemokratischen Politik in den Jahrzehnten nach dem 2. Weltkrieg eng mit neuen Strömungen und Phänomenen in den Bereichen Architektur und Design verbunden war. Arne Jacobsen sowie weitere dänische Architekten und Designer haben ihren Beitrag zur Entwicklung des ästhetischen Ausdrucks des dänischen Sozialstaats durch neue öffentliche Gebäude und Möbel für den öffentlichen Raum geleistet. Sie erschufen eine Ästhetik und Funktionalität, die noch heute die Einrichtung in öffentlichen Büchereien, Rathäusern, Schulen, Büros und Krankenhäusern beeinflusst.

Die Museumsleiterin Karen Grøn sagt: „Das Ergebnis ist als ein ästhetischer Gesamtausdruck für den dänischen Sozialstaat zu betrachten. Dies kann dazu beitragen, dass in Dänemark, im Gegensatz zu vielen europäischen Nachbarländern, ein Konsens dahingehend herrscht, dass Ästhetik, Form und Materialien wichtig für das Wohlbefinden der Menschen ist – im öffentlichen und privaten Raum.“

Kreativer Entstehungsprozess

Diese Schilderung von Arne Jacobsen ist auch eine Schilderung von Kreativität, Innovation und einem lebenslangen Interesse an der Kunst und der Natur. Die Ausstellung bricht mit der klassischen Darstellung des jungen Arne Jacobsen als modernistischer Revoluzzer und schildert ihn stattdessen als einen kreativen Erneuerer. In Jacobsens Architekturbüro wurden Modelle und Skizzen zum Austausch von Wissen und Gedanken sowie als Grundlage für gemeinsame Experimente verwendet. Gemeinsam bilden sie einen einzigartigen Einblick in einen besonders kreativen Schaffensprozess, von dem wir heute vielleicht etwas lernen können. Sein Zugang zum Fach und zum kreativen Prozess macht ihn relevant, und vielleicht leben deshalb so viele seiner Werke auch heute noch?

Ist es eigentlich typisch dänisches Design?

Arne Jacobsen brachte internationale Strömungen nach Dänemark. Dies führte gelegentlich zu aufgebrachten Diskussionen. Heute sind viele Dänen der Meinung, seine Werke seien eindeutige Beispiele für dänisches Design. Die Ausstellung erörtert das Interessante daran, wie das, was einst als fremd angesehen wurde, ein Teil des kollektiven dänischen elbstverständnisses wird. Museumsleiterin Karen Grøn erklärt: „Die Schilderung von Arne Jacobsens Design als etwas besonders Dänisches zeigt somit, wie sich eine Kombination aus Gegenständen, Ereignissen und Kontexten mit der Zeit lokal ansiedeln kann. Somit stellt sich die Frage, ob es etwas gibt, das authentisch dänisch ist, oder ob das Dänischsein in Wirklichkeit ein sich konstant verändernder und entwickelnder Prozess ist?“

Arne Jacobsen – Dänemarks Designer wurde von der Museumsleiterin Katrine Stenum in Zusammenarbeit mit der unsthistorikerin und Registrarin bei der Arne Jacobsen Design I/S, Annika Skaarup Larsen, kuratiert. Die Forschung für die Ausstellung fand gemeinsam mit dem Dozenten am Institut für Kommunikation an der Universität Kopenhagen, Nan Dahlkild, statt.

Die Jahresschau der Gemeinschaft Lübecker Künstler e.V. ist seit vielen Jahren fester Bestandteil des Kulturlebens der Hansestadt. Sie bietet die Möglichkeit, sich ein umfangreiches Bild vom vielfältigen bildnerischen Schaffen in der Stadt zu machen und bringt Künstler:innen und Publikum miteinander ins Gespräch. Im zweijährigen Rhythmus findet die alljährliche Präsentation in der Kunsthalle St. Annen statt. 

Für die diesjährige Jahresschau bewarben sich 98 Künstler:innen und reichten insgesamt 370 Werken ein. Ein fünfköpfiges Kuratorium, das sich aus Kunsthistorikerinnen und Künstler:innen zusammensetzt, traf eine Auswahl an 86 Arbeiten von 41 Kunstschaffenden aller Altersgruppen sowie Bekanntheitsgrade, die den Ideen- und Formenreichtum künstlerischen Schaffens umreißen. Das Spektrum der Werke reicht von Installation über Medienkunst, Bildhauerei, Malerei, Zeichnung und Grafik bis zur Fotografie. 

Die Preisträgerin der diesjährigen Jahresschau ist Ulrike Heil. Sie wird mit einer Einzelausstellung 2021 in der Galerie Artler honoriert.

Erstmalig ist in Hamburg mit Magische Wirklichkeit eine Ausstellung zu dem italienischen Künstler Giorgio de Chirico (1888–1978) zu sehen, der als Begründer der Pittura Metafisica zu einem der wichtigsten Vorläufer des Surrealismus und der Neuen Sachlichkeit wurde.

Im Zentrum der groß angelegten Schau steht mit der metaphysischen Malerei die bedeutendste Werkgruppe, die de Chirico schuf. Die zwischen 1909 und 1919 geschaffenen, ikonischen Bilder von sonnendurchfluteten, leeren Plätzen, in denen die Zeit still zu stehen und das scheinbar Alltägliche mit einer neuen Bedeutung aufgeladen scheint, wirken heute besonders eindringlich und aktuell. Die Hamburger Kunsthalle präsentiert mit allein 35 seiner metaphysischen Bilder eine bislang ungesehene Qualität und Dichte dieser teils zuvor kaum gereisten Meisterwerke: Darunter sind namhafte amerikanische und europäische Institutionen wie das Museum of Modern Art und die Pierre and Tana Matisse Foundation in New York, das Art Institute of Chicago, das Chrysler Museum of Art in Norfolk, Virginia, die Menil Collection Houston oder das Philadelphia Museum of Art, die Peggy Guggenheim Collection in Venedig, die Tate London und das Moderna Museet in Stockholm sowie verborgene Privatsammlungen unter anderem aus Italien und der Schweiz. Die Leihgaben kommen erstmals in die Kunsthalle und treffen auf ausgewählte Sammlungsbestände. Insgesamt sind über 80 Meisterwerke aus über 50 Sammlungen weltweit von de Chirico, Carlo Carrà, Giorgio Morandi, Alberto Magnelli, Alexander Archipenko, Pablo Picasso sowie von Arnold Böcklin und Max Klinger zu entdecken. Dies ist trotz der derzeit durch die Pandemie vorherrschenden Einschränkungen und nur durch eine jahrelange Recherche und kollegiale Zusammenarbeit auch in Krisenzeiten möglich geworden.

In der Ausstellung werden die magisch wirkenden Bilder de Chiricos – und in seiner Folge Carlo Carràs und Giorgio Morandis – präsentiert, die eine Realität jenseits des Scheins sichtbar machen wollten und damit die Grundlagen für eine »andere Moderne« legten. Zugleich werden die Quellen dieser neuen Haltung und die Bedeutung der verschiedenen kulturellen Einflüsse Europas auf den in Griechenland geborenen und vielgereisten italienischen Künstler nachvollziehbar: die griechischen Mythen, mit denen er aufwuchs; die Auseinandersetzung mit der deutschen Philosophie – unter anderem von Friedrich Nietzsche – und mit Hauptwerken der deutschen Spätromantik während seiner Studienzeit in München; die Licht und Raumerfahrungen auf italienischen Plätzen; die Begegnungen mit der französischen Avantgarde in Paris und schließlich sein Militärdienst in Ferrara. Vor dem Hintergrund ihres herausragenden Bestands an Werken deutscher Spätromantik kann die Hamburger Kunsthalle spezifisch die frappierenden Einflüsse von Arnold Böcklin und von Max Klinger auf de Chirico darlegen.

In dieser einzigartigen Verbindung verschiedenster europäischer Einflüsse und im Angesicht des Ersten Weltkriegs wie der Pandemie der Spanischen Grippe sucht de Chirico mit seinen geheimnisvollen, realistisch-präzise präsentierten Möglichkeitswelten Unsichtbares sichtbar zu machen. Er lässt eine andere Welt jenseits des Scheins erahnen. Ihre intensive Stimmung wird erschaffen durch überscharf gezeichnete, kulissenartige Objekte und Menschen, die wie Puppen in perspektivisch übersteigerten, traumhaft mediterran wirkenden, nur mit Sonnenschein und bodenlosen Schatten gefüllten Räumen agieren. Brunnen oder große Uhren verweisen auf die ewige Wiederkehr des Gleichen und hinterfragen das Konzept der Zeit wie des Raumes. De Chiricos Bildsprache entlarvt die Doppeldeutigkeit der Zeichen. Sie zeigt das Scheinbare unserer Realität auf. Diese Vieldeutigkeit, die Virtuosität und die vorweggenommene Virtualität beeindrucken heute besonders, zumal sich die Raum-, Zeit- und Bilderfahrungen von menschenleeren, unheimlich wirkenden Plätzen 2020 durch die weltweiten Ausgangs- und Kontaktbeschränkungen aktualisiert haben. So können die 100-jährigen Meisterwerke heutigen BetrachterInnen auch als Spiegel dienen, um die Erfahrungen mit der eigenen aktuellen – äußeren wie inneren – Wirklichkeit zu reflektieren.

Zur Ausstellung ist ein reich illustrierter Katalog erschienen, der zahlreiche Essays von international renommierten ExpertInnen beinhaltet. Er legt neueste Forschungsergebnisse zu de Chiricos Lebensumständen vor – die zur Entwicklung der Metaphysischen Malerei führten – und zu Einflüssen der deutschen Spätromantik und Philosophie. Die Publikation (Hirmer Verlag GmbH, München) kann online über www.freunde-der-kunsthalle.de bestellt werden.

Begleitend zur Ausstellung sind zudem zahlreiche digitale Angebote über die Website der Hamburger Kunsthalle abrufbar: Die live gestreamte Ausstellungseröffnung (siehe oben), eine „Ohrenschau“ der Ausstellung, die fotografische Dokumentation der Räume, eine Bildergalerie zu ausgewählten Werken und ausführliche Texte, in denen die verschiedenen Ausstellungskapitel vorgestellt werden.

Im Rahmen des (Online-)Veranstaltungsprogramms mit Vorträgen, Gesprächen, Konzerten und Seminaren geben u. a. de Chirico-Spezialisten und renommierte Autoren unterschiedliche Perspektiven auf die Ausstellung der Kunsthalle.

Bild: Giorgio de Chirico (1888–1978)Der beängstigende Vormittag (La Matinée angoissante), Herbst 1912. Öl auf Leinwand, 81 × 65 cm Mart, Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto/Collezione VAF-Stiftung © VG Bild-Kunst, Bonn 2021 Foto: © Mart, Archivico fotografico e Mediateca

In diesem Frühjahr lohnt, wenn möglich, eine Reise nach Frankfurt. Dies gilt besonders für Kenner und Liebhaber skandinavischer Landschaftsmalerei um 1900.

In der Schirn sind mehr als 80 Gemälde und viele Zeichnungen von Künstlerinnen und Künstlern aus dem Umkreis der legendären kanadischen Künstlervereinigung „Group of Seven“ zu sehen, eine Deutschland-Premiere.

Dichte Wälder in leuchtenden Herbstfarben werden gezeigt, reißende Flüsse, weite Seen, flirrende Nordlichter und atemberaubende Ansichten der Arktis. All dies ist pastos, dicht und mit breitem Pinselstrich aufgetragen.

Die Künstler der offiziell seit März 1920 bestehenden Vereinigung um Lawren Harris, James E. MacDonald, Arthur Lismer, Frederick H.Varley, Frank Carmichel, Frank Johnston und Alexander Y. Jackson wollten mit ihrer Malerei die Schönheit und Einzigartigkeit Kanadas auf ganz eigene Weise feiern – und zugleich pädagogisch wirksam sein.

Sie kannten einander schon länger. Einige der zumeist aus England stammenden und oft noch in Europa ausgebildeten Männer hatten in Toronto gemeinsam als Werbegrafiker gearbeitet. An den Wochenenden war man zum Skizzieren in die Wälder und an die Seen Northern Ontarios aufgebrochen, wo man theosophisch angehaucht im Geiste Ralph Waldo Emersons oder Henry David Thoreaus in der Natur zeltete, fischte und malte. Häufig mit von der Partie war der bereits 1917 unter mysteriösen Umständen ertrunkene Ranger und Künstler Tom Thomson, der gern als der Spiritus Rector der Gruppe bezeichnet wird.

Auf der Suche nach künstlerischer Unabhängigkeit von Europa, nach Ausdrucksmöglichkeiten für eine eigenständige kanadische Malerei jenseits akademischer Traditionen war den Malern noch vor Beginn des 1. Weltkriegs eine Ausstellung zeitgenössischer skandinavischer Kunst zum Schlüsselerlebnis geworden.

In Buffalo, New York, hatten Lawren Harris und James E. MacDonald 1913 Gemälde von Otto Hesselbom, Gustaf Fjaestad, Harald Sohlberg oder Jens F. Willumsen gesehen. Die symbolische Strahlkraft der oft mystisch aufgeladenen Landschaften und die leuchtenden Farben der Bilder hatten sie tief beeindruckt: Hier waren sie auf Maler gestoßen, die sich nicht nur mit ähnlichen topographischen und klimatischen Gegebenheiten auseinanderzusetzen hatten, sondern zugleich aus ähnlich nationalromantischem Geist heraus arbeiteten. Viele Jahre später sagte MacDonald: „We felt: This is what we want to do with Canada“.

Und so erscheinen, wie bei den nordeuropäischen Zeitgenossen, auch in den stilistisch sehr unterschiedlichen Gemälden der „Group of Seven“ Seen, Felsen oder Eisberge nicht nur als Abbild der Realität, sondern – getragen von einem gemeinsamen Ideal – beinahe plakativ als Symbole für die Schönheit und Größe Kanadas (Peter Mellon, 1970).

Tatsächlich sollten die Gemälde der „Group of Seven“ die kulturelle Identität der noch jungen kanadischen Nation entscheidend prägen, nicht zuletzt dank baldiger Unterstützung durch die National Gallery of Canada. Eine rege, auch internationale Ausstellungstätigkeit setzte ein, brachte Bekanntheit und Anerkennung. Bis weit in die 1950er Jahre hinein dominierten Gemälde-Reproduktionen die Klassenzimmer des riesigen Landes, Postkartensätze waren im Umlauf. Künstlerinnen und Künstler wie die später sehr bedeutende Emily Carr, die sich in die „Wildnis“ zurückzog um Relikte indigener Kulturen an der Westküste Kanadas zu dokumentieren, wurden durch die „Group of Seven“ inspiriert, deren Mitglieder sich auch als Lehrer, Schreiber und Speaker hervortaten.

Nachfolgende Künstlergenerationen versuchten, den Blick auf Land und Leute zu weiten. In Frankfurt stellen Fotos, Dokumente und Dokumentarfilme die in Kanada omnipräsenten Ikonen in einen angemessenen Kontext, der die in den Bildern konstruierte Darstellung Kanadas hinterfragt und auch Positionen indigener Kritik integriert.

„Magnetic North. Mythos Kanada in der Malerei 1910-1940“, Schirn Kunsthalle, Frankfurt. Die Ausstellung soll bis zum 16. Mai zu sehen sein. Es ist ein umfangreiches (Online-) Begleitprogramm geplant. Der Katalog zur Ausstellung erscheint im Prestel Verlag (49 Euro). In Kanada finden sich bemerkenswerte Bestände in der National Gallery of Canada (Ottawa), der Art Gallery of Ontario (Toronto) und der McMicheal Canadian Art Collection (Kleinburg). Nur eine Handvoll Gemälde befindet sich heute noch in Privatbesitz. Zum 100jährigen Bestehen der „Group of Seven“ wurden im vergangenen Jahr eine Vielzahl touristischer Angebote initiiert (siehe z.B. northernontario.travel).

Anette Froesch

Die neuen Mitglieder des Bundesverbandes bildender Künstlerinnen und Künstler Schleswig-Holstein stellen sich traditionell am Anfang des Jahres mit einer Ausstellung vor. Dank der großen Schauflächen des Brunswiker Pavillons können wir eine nach außen hin wirksame Ausstellung realisieren. Besuchen Sie den Pavillon und verschaffen Sie sich einen Eindruck von außen. Unser Dank gilt unseren neuen Kolleg*innen, auch unter diesen Bedingungen ihre Werke zu zeigen. Coronabedingt wird es keine Eröffnung geben.

Anja Badners – Malerei
Felisha Bahadur – Malerei
Lutz Bleidorn – Malerei/Grafik
Gerd G.M. Brockmann – Installation/Fotografie/Grafik
Rainhard Gaida – Fotografie/Grafik
Berthold Grzywatz – Bildhauerei
Susan Kasten-Jerke – Malerei
Sönke Knickrehm – Skulptur/Objekt/Installation
Uta Masch – Malerei
Wolfgang Meyer-Hesemann – Foto/Collage/Zeichnung
Karla Reckmann – Malerei/Grafik
Katharina Reinshagen – Malerei/Grafik
Christina Schwalbach-Hoffmann – Malerei
Maren Theel – Malerei/Fotografie/Installation

Das Museum Kunst der Westküste konnte seine Sammlung in den vergangenen fünf Jahren um mehr als 200 bedeutende neue Werke, darunter Erwerbungen ebenso wie Dauerleihgaben und Zustiftungen, erweitern. Mit der Konzentration auf Malerei und Grafik, die unter dem Generalthema „Meer & Küste“ in den vier Ländern Norwegen, Dänemark, Deutschland und in den Niederlanden zwischen 1830 und 1930 geschaffen wurden, versammelt die weltweit singuläre und sehr homogene Kollektion damit aktuell über 900 Arbeiten. Auch internationale zeitgenössische Kunst, die demselben Themenspektrum verpflichtet ist, spielt eine wichtige Rolle.

In der Ausstellung tritt eine Auswahl der „neuen Schätze“ in Verbindung mit Werken, die bereits länger zum Sammlungsbestand gehören. Die Zusammenstellung vermittelt, wie bedeutende Sammlungsschwerpunkte weiter ausgebaut werden konnten. Großen Raum nehmen Gemälde und Ölskizzen des deutschen Impressionisten Max Liebermann ein. Farbintensive Nordsee- und Hafendarstellungen von Erich Heckel bringen expressionistische Kompositionen ein. Neben den Skagen-Malern Michael Ancher und Christian Krohg sind Künstler aus Nordfriesland wie Hans Peter Feddersen und Emil Nolde mit eindrucksvollen Landschaftsdarstellungen vertreten.

Monumentale Gemälde von Jochen Hein zeigen im Bereich der Gegenwartskunst die unerschöpflichen Möglichkeiten, die die Gattung Malerei rund um das Thema Meer bereithält. Fotoarbeiten der Artists in Residence Mila Teshaieva und Anja Jensen befragen die insulare „Heimat“ neu.

Seit 2010 lädt das Museum Kunst der Westküste aktiv Künstlerinnen und Künstler als Artists in Residence nach Alkersum ein. Die Schau zeigt erstmals in einer Gruppenausstellung eine Auswahl von Arbeiten, die während oder im Prozess der Vor- oder Nachbereitung solcher Aufenthalte entstanden sind und überwiegend zum ersten Mal öffentlich präsentiert werden. Internationale Kunstschaffende, deren bisheriges Werk eine Verbindung zum Museumsprofil aufweist, erhalten auf Einladung die Möglichkeit zu einem Inspirations- und Arbeitsaufenthalt auf der Insel Föhr. Bislang konnten 24 internationale Artists in Residence begrüßt werden.

Die Ausstellung, die unter dem Titel „Made on Föhr“ den Auftakt einer neuen Reihe bildet, konzentriert sich in diesem Jahr auf künstlerische Positionen, die sich seit Jahrzehnten mit dem Medium Fotografie beschäftigen und auf Föhr den Fokus auf das Thema Landschaft gelegt haben. In der Herangehensweise, der inhaltlichen Konzeption und Wahrnehmung der Nordseeinsel erweisen sich die drei Positionen als vollkommen eigenständig und zugleich stringent in ihrem jeweiligen eigenen bisherigen Schaffen.

Mit Nicole Ahland, geb. 1970, und Thomas Wrede, geb. 1963, stehen zwei in Deutschland lebende Künstler, der finnischen, in Paris und Helsinki lebenden Elina Brotherus, geb. 1972, gegenüber

Bild oben: Thomas Wrede: Früher Morgen bei den Korallenmoosinseln, 2016, Museum Kunst der Westküste, Alkersum/Föhr © Courtesy of the artist / VG Bild-Kunst, Bonn 2021

Wie kann Wind sichtbar gemacht werden? Lässt sich das Element Luft darstellen? Wie kann fotografisch eingefangen werden, was sich vom menschlichen Auge für gewöhnlich nicht erfassen lässt?

Der in Amsterdam lebende Künstler Sjoerd Knibbeler (* 1981) beschäftigt sich mit komplexen Naturphänomenen. Ausgangspunkt ist sein Interesse an der Entdeckung der Welt durch menschliche Fantasie, an Erfindungen und Technologien. Jeder seiner Werkkomplexe setzt akribische Naturbeobachtungen, Experimente und den Austausch mit Wissenschaftler*innen voraus. Auf dieser Grundlage entstehen verschiedenartige Modelle, durch die flüchtige Momente – sei es ein Windstoß oder ein Sonnenstrahl – erfahrbar werden. Im Medium Fotografie lässt Sjoerd Knibbeler die gleichsam unsichtbaren Naturprozesse schließlich in ästhetisch ausgefeilten Bildern sichtbar werden und lädt zur inhaltlichen Auseinandersetzung ein.

Die Ausstellung umfasst schwerpunktmäßig Werke der Serien Current Studies, Exploded Views und In Elements. Bereits im Jahr 2017 war der Künstler als Artist in Residence des MKdW ausgewählt worden. Der Aufenthalt auf der Insel Föhr bildete den Auftakt zur jüngsten Serie Exploded Views, die jetzt erstmals umfangreich gezeigt wird. Im Sommer 2020 suchte Knibbeler die Insel erneut auf, um sich thematisch dem Klimawandel zuzuwenden und mögliche menschliche Interventionen künstlerisch zu durchdenken. Die daraus hervorgegangenen Werke In Elements werden ebenfalls in dieser Einzelausstellung, die seine erste museale Schau in Deutschland ist, gezeigt.

Bild oben: Sjoerd Knibbeler. Current Study #2, 2013. UltraChrome print, framed without glass, 120 x 96 cm. © Courtesy of the artist

Der international erfolgreiche Maler und Grafiker Ken Denning lädt uns ein, ihm in sein persönliches Album zu folgen. Für diese Ausstellung neu entstanden sind Gemälde, Holzschnitte und Grafiken, in denen er Motive und Erinnerungen von Reisen nach Island, auf die Färöer und entlang des Gendarmstiens in seiner Heimat Nordschleswig verarbeitet. Eigens geschaffene Kompositionen des Klangkünstlers Robert Cole Rizzi schaffen dazu eine fast magische Atmosphäre. Die Ausstellung wird parallel im Museet Holmen in Løgumkloster und auf dem Museumsberg Flensburg gezeigt.

In der Ausstellung, die am 10. September eröffnet wird, wird neue Forschung über Arne Jacobsen vorgestellt. Auf drei Gleisen werden Perspektiven und Einblicke in Leben und Wirken des dänischen Architekten sowie sein Einfluss auf Dänemark als Sozialstaat und Designnation präsentiert. In der Ausstellung geht es darum, warum Arne Jacobsen den Status als einer der wichtigsten Designer Dänemarks erlangt hat, und welche Inspirationen wir heute aus seinem Lebenswerk mitnehmen können.

Durch das Vertiefen in die vollendeten Gesamtdesigns, die Arne Jacobsen u. a. am Rathaus von Aarhus und dem Schulgebäude „Munkegårdsskolen“ bei Kopenhagen umgesetzt hat, erhalten wir einen Einblick darin, wie er dazu
beigetragen hat, dem dänischen Sozialstaat Form und Ästhetik zu verleihen. Darüber hinaus wird in der Ausstellung anhand von Interviews, Jacobsens persönliche Filmaufnahmen, Aquarellen und Naturstudien illustriert, wie Kunst, künstlerische Prozesse und die Natur bei seiner kreativen Arbeit eine wichtige Rolle spielten. Neben den bekannten Designklassikern werden zahlreiche weniger bekannte Modelle, Typen und Formate vorgestellt, unter anderem Aquarelle, Skizzen und Textilmuster.

Zudem stellt die Ausstellung die Frage, warum wir heute Arne Jacobsen als ein besonders prominentes Beispiel für dänisches Design ansehen, während er zu seinen Lebzeiten als Modernist und Internationalist angesehen wurde.

Die Ästhetik des dänischen Sozialstaats

Die Ausstellung legt die Entwicklung des dänischen Sozialstaats dar, die im Zuge der sozialdemokratischen Politik in den Jahrzehnten nach dem 2. Weltkrieg eng mit neuen Strömungen und Phänomenen in den Bereichen Architektur und Design verbunden war. Arne Jacobsen sowie weitere dänische Architekten und Designer haben ihren Beitrag zur Entwicklung des ästhetischen Ausdrucks des dänischen Sozialstaats durch neue öffentliche Gebäude und Möbel für den öffentlichen Raum geleistet. Sie erschufen eine Ästhetik und Funktionalität, die noch heute die Einrichtung in öffentlichen Büchereien, Rathäusern, Schulen, Büros und Krankenhäusern beeinflusst.

Die Museumsleiterin Karen Grøn sagt: „Das Ergebnis ist als ein ästhetischer Gesamtausdruck für den dänischen Sozialstaat zu betrachten. Dies kann dazu beitragen, dass in Dänemark, im Gegensatz zu vielen europäischen Nachbarländern, ein Konsens dahingehend herrscht, dass Ästhetik, Form und Materialien wichtig für das Wohlbefinden der Menschen ist – im öffentlichen und privaten Raum.“

Kreativer Entstehungsprozess

Diese Schilderung von Arne Jacobsen ist auch eine Schilderung von Kreativität, Innovation und einem lebenslangen Interesse an der Kunst und der Natur. Die Ausstellung bricht mit der klassischen Darstellung des jungen Arne Jacobsen als modernistischer Revoluzzer und schildert ihn stattdessen als einen kreativen Erneuerer. In Jacobsens Architekturbüro wurden Modelle und Skizzen zum Austausch von Wissen und Gedanken sowie als Grundlage für gemeinsame Experimente verwendet. Gemeinsam bilden sie einen einzigartigen Einblick in einen besonders kreativen Schaffensprozess, von dem wir heute vielleicht etwas lernen können. Sein Zugang zum Fach und zum kreativen Prozess macht ihn relevant, und vielleicht leben deshalb so viele seiner Werke auch heute noch?

Ist es eigentlich typisch dänisches Design?

Arne Jacobsen brachte internationale Strömungen nach Dänemark. Dies führte gelegentlich zu aufgebrachten Diskussionen. Heute sind viele Dänen der Meinung, seine Werke seien eindeutige Beispiele für dänisches Design. Die Ausstellung erörtert das Interessante daran, wie das, was einst als fremd angesehen wurde, ein Teil des kollektiven dänischen elbstverständnisses wird. Museumsleiterin Karen Grøn erklärt: „Die Schilderung von Arne Jacobsens Design als etwas besonders Dänisches zeigt somit, wie sich eine Kombination aus Gegenständen, Ereignissen und Kontexten mit der Zeit lokal ansiedeln kann. Somit stellt sich die Frage, ob es etwas gibt, das authentisch dänisch ist, oder ob das Dänischsein in Wirklichkeit ein sich konstant verändernder und entwickelnder Prozess ist?“

Arne Jacobsen – Dänemarks Designer wurde von der Museumsleiterin Katrine Stenum in Zusammenarbeit mit der unsthistorikerin und Registrarin bei der Arne Jacobsen Design I/S, Annika Skaarup Larsen, kuratiert. Die Forschung für die Ausstellung fand gemeinsam mit dem Dozenten am Institut für Kommunikation an der Universität Kopenhagen, Nan Dahlkild, statt.

Die Jahresschau der Gemeinschaft Lübecker Künstler e.V. ist seit vielen Jahren fester Bestandteil des Kulturlebens der Hansestadt. Sie bietet die Möglichkeit, sich ein umfangreiches Bild vom vielfältigen bildnerischen Schaffen in der Stadt zu machen und bringt Künstler:innen und Publikum miteinander ins Gespräch. Im zweijährigen Rhythmus findet die alljährliche Präsentation in der Kunsthalle St. Annen statt. 

Für die diesjährige Jahresschau bewarben sich 98 Künstler:innen und reichten insgesamt 370 Werken ein. Ein fünfköpfiges Kuratorium, das sich aus Kunsthistorikerinnen und Künstler:innen zusammensetzt, traf eine Auswahl an 86 Arbeiten von 41 Kunstschaffenden aller Altersgruppen sowie Bekanntheitsgrade, die den Ideen- und Formenreichtum künstlerischen Schaffens umreißen. Das Spektrum der Werke reicht von Installation über Medienkunst, Bildhauerei, Malerei, Zeichnung und Grafik bis zur Fotografie. 

Die Preisträgerin der diesjährigen Jahresschau ist Ulrike Heil. Sie wird mit einer Einzelausstellung 2021 in der Galerie Artler honoriert.

Erstmalig ist in Hamburg mit Magische Wirklichkeit eine Ausstellung zu dem italienischen Künstler Giorgio de Chirico (1888–1978) zu sehen, der als Begründer der Pittura Metafisica zu einem der wichtigsten Vorläufer des Surrealismus und der Neuen Sachlichkeit wurde.

Im Zentrum der groß angelegten Schau steht mit der metaphysischen Malerei die bedeutendste Werkgruppe, die de Chirico schuf. Die zwischen 1909 und 1919 geschaffenen, ikonischen Bilder von sonnendurchfluteten, leeren Plätzen, in denen die Zeit still zu stehen und das scheinbar Alltägliche mit einer neuen Bedeutung aufgeladen scheint, wirken heute besonders eindringlich und aktuell. Die Hamburger Kunsthalle präsentiert mit allein 35 seiner metaphysischen Bilder eine bislang ungesehene Qualität und Dichte dieser teils zuvor kaum gereisten Meisterwerke: Darunter sind namhafte amerikanische und europäische Institutionen wie das Museum of Modern Art und die Pierre and Tana Matisse Foundation in New York, das Art Institute of Chicago, das Chrysler Museum of Art in Norfolk, Virginia, die Menil Collection Houston oder das Philadelphia Museum of Art, die Peggy Guggenheim Collection in Venedig, die Tate London und das Moderna Museet in Stockholm sowie verborgene Privatsammlungen unter anderem aus Italien und der Schweiz. Die Leihgaben kommen erstmals in die Kunsthalle und treffen auf ausgewählte Sammlungsbestände. Insgesamt sind über 80 Meisterwerke aus über 50 Sammlungen weltweit von de Chirico, Carlo Carrà, Giorgio Morandi, Alberto Magnelli, Alexander Archipenko, Pablo Picasso sowie von Arnold Böcklin und Max Klinger zu entdecken. Dies ist trotz der derzeit durch die Pandemie vorherrschenden Einschränkungen und nur durch eine jahrelange Recherche und kollegiale Zusammenarbeit auch in Krisenzeiten möglich geworden.

In der Ausstellung werden die magisch wirkenden Bilder de Chiricos – und in seiner Folge Carlo Carràs und Giorgio Morandis – präsentiert, die eine Realität jenseits des Scheins sichtbar machen wollten und damit die Grundlagen für eine »andere Moderne« legten. Zugleich werden die Quellen dieser neuen Haltung und die Bedeutung der verschiedenen kulturellen Einflüsse Europas auf den in Griechenland geborenen und vielgereisten italienischen Künstler nachvollziehbar: die griechischen Mythen, mit denen er aufwuchs; die Auseinandersetzung mit der deutschen Philosophie – unter anderem von Friedrich Nietzsche – und mit Hauptwerken der deutschen Spätromantik während seiner Studienzeit in München; die Licht und Raumerfahrungen auf italienischen Plätzen; die Begegnungen mit der französischen Avantgarde in Paris und schließlich sein Militärdienst in Ferrara. Vor dem Hintergrund ihres herausragenden Bestands an Werken deutscher Spätromantik kann die Hamburger Kunsthalle spezifisch die frappierenden Einflüsse von Arnold Böcklin und von Max Klinger auf de Chirico darlegen.

In dieser einzigartigen Verbindung verschiedenster europäischer Einflüsse und im Angesicht des Ersten Weltkriegs wie der Pandemie der Spanischen Grippe sucht de Chirico mit seinen geheimnisvollen, realistisch-präzise präsentierten Möglichkeitswelten Unsichtbares sichtbar zu machen. Er lässt eine andere Welt jenseits des Scheins erahnen. Ihre intensive Stimmung wird erschaffen durch überscharf gezeichnete, kulissenartige Objekte und Menschen, die wie Puppen in perspektivisch übersteigerten, traumhaft mediterran wirkenden, nur mit Sonnenschein und bodenlosen Schatten gefüllten Räumen agieren. Brunnen oder große Uhren verweisen auf die ewige Wiederkehr des Gleichen und hinterfragen das Konzept der Zeit wie des Raumes. De Chiricos Bildsprache entlarvt die Doppeldeutigkeit der Zeichen. Sie zeigt das Scheinbare unserer Realität auf. Diese Vieldeutigkeit, die Virtuosität und die vorweggenommene Virtualität beeindrucken heute besonders, zumal sich die Raum-, Zeit- und Bilderfahrungen von menschenleeren, unheimlich wirkenden Plätzen 2020 durch die weltweiten Ausgangs- und Kontaktbeschränkungen aktualisiert haben. So können die 100-jährigen Meisterwerke heutigen BetrachterInnen auch als Spiegel dienen, um die Erfahrungen mit der eigenen aktuellen – äußeren wie inneren – Wirklichkeit zu reflektieren.

Zur Ausstellung ist ein reich illustrierter Katalog erschienen, der zahlreiche Essays von international renommierten ExpertInnen beinhaltet. Er legt neueste Forschungsergebnisse zu de Chiricos Lebensumständen vor – die zur Entwicklung der Metaphysischen Malerei führten – und zu Einflüssen der deutschen Spätromantik und Philosophie. Die Publikation (Hirmer Verlag GmbH, München) kann online über www.freunde-der-kunsthalle.de bestellt werden.

Begleitend zur Ausstellung sind zudem zahlreiche digitale Angebote über die Website der Hamburger Kunsthalle abrufbar: Die live gestreamte Ausstellungseröffnung (siehe oben), eine „Ohrenschau“ der Ausstellung, die fotografische Dokumentation der Räume, eine Bildergalerie zu ausgewählten Werken und ausführliche Texte, in denen die verschiedenen Ausstellungskapitel vorgestellt werden.

Im Rahmen des (Online-)Veranstaltungsprogramms mit Vorträgen, Gesprächen, Konzerten und Seminaren geben u. a. de Chirico-Spezialisten und renommierte Autoren unterschiedliche Perspektiven auf die Ausstellung der Kunsthalle.

Bild: Giorgio de Chirico (1888–1978)Der beängstigende Vormittag (La Matinée angoissante), Herbst 1912. Öl auf Leinwand, 81 × 65 cm Mart, Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto/Collezione VAF-Stiftung © VG Bild-Kunst, Bonn 2021 Foto: © Mart, Archivico fotografico e Mediateca

In diesem Frühjahr lohnt, wenn möglich, eine Reise nach Frankfurt. Dies gilt besonders für Kenner und Liebhaber skandinavischer Landschaftsmalerei um 1900.

In der Schirn sind mehr als 80 Gemälde und viele Zeichnungen von Künstlerinnen und Künstlern aus dem Umkreis der legendären kanadischen Künstlervereinigung „Group of Seven“ zu sehen, eine Deutschland-Premiere.

Dichte Wälder in leuchtenden Herbstfarben werden gezeigt, reißende Flüsse, weite Seen, flirrende Nordlichter und atemberaubende Ansichten der Arktis. All dies ist pastos, dicht und mit breitem Pinselstrich aufgetragen.

Die Künstler der offiziell seit März 1920 bestehenden Vereinigung um Lawren Harris, James E. MacDonald, Arthur Lismer, Frederick H.Varley, Frank Carmichel, Frank Johnston und Alexander Y. Jackson wollten mit ihrer Malerei die Schönheit und Einzigartigkeit Kanadas auf ganz eigene Weise feiern – und zugleich pädagogisch wirksam sein.

Sie kannten einander schon länger. Einige der zumeist aus England stammenden und oft noch in Europa ausgebildeten Männer hatten in Toronto gemeinsam als Werbegrafiker gearbeitet. An den Wochenenden war man zum Skizzieren in die Wälder und an die Seen Northern Ontarios aufgebrochen, wo man theosophisch angehaucht im Geiste Ralph Waldo Emersons oder Henry David Thoreaus in der Natur zeltete, fischte und malte. Häufig mit von der Partie war der bereits 1917 unter mysteriösen Umständen ertrunkene Ranger und Künstler Tom Thomson, der gern als der Spiritus Rector der Gruppe bezeichnet wird.

Auf der Suche nach künstlerischer Unabhängigkeit von Europa, nach Ausdrucksmöglichkeiten für eine eigenständige kanadische Malerei jenseits akademischer Traditionen war den Malern noch vor Beginn des 1. Weltkriegs eine Ausstellung zeitgenössischer skandinavischer Kunst zum Schlüsselerlebnis geworden.

In Buffalo, New York, hatten Lawren Harris und James E. MacDonald 1913 Gemälde von Otto Hesselbom, Gustaf Fjaestad, Harald Sohlberg oder Jens F. Willumsen gesehen. Die symbolische Strahlkraft der oft mystisch aufgeladenen Landschaften und die leuchtenden Farben der Bilder hatten sie tief beeindruckt: Hier waren sie auf Maler gestoßen, die sich nicht nur mit ähnlichen topographischen und klimatischen Gegebenheiten auseinanderzusetzen hatten, sondern zugleich aus ähnlich nationalromantischem Geist heraus arbeiteten. Viele Jahre später sagte MacDonald: „We felt: This is what we want to do with Canada“.

Und so erscheinen, wie bei den nordeuropäischen Zeitgenossen, auch in den stilistisch sehr unterschiedlichen Gemälden der „Group of Seven“ Seen, Felsen oder Eisberge nicht nur als Abbild der Realität, sondern – getragen von einem gemeinsamen Ideal – beinahe plakativ als Symbole für die Schönheit und Größe Kanadas (Peter Mellon, 1970).

Tatsächlich sollten die Gemälde der „Group of Seven“ die kulturelle Identität der noch jungen kanadischen Nation entscheidend prägen, nicht zuletzt dank baldiger Unterstützung durch die National Gallery of Canada. Eine rege, auch internationale Ausstellungstätigkeit setzte ein, brachte Bekanntheit und Anerkennung. Bis weit in die 1950er Jahre hinein dominierten Gemälde-Reproduktionen die Klassenzimmer des riesigen Landes, Postkartensätze waren im Umlauf. Künstlerinnen und Künstler wie die später sehr bedeutende Emily Carr, die sich in die „Wildnis“ zurückzog um Relikte indigener Kulturen an der Westküste Kanadas zu dokumentieren, wurden durch die „Group of Seven“ inspiriert, deren Mitglieder sich auch als Lehrer, Schreiber und Speaker hervortaten.

Nachfolgende Künstlergenerationen versuchten, den Blick auf Land und Leute zu weiten. In Frankfurt stellen Fotos, Dokumente und Dokumentarfilme die in Kanada omnipräsenten Ikonen in einen angemessenen Kontext, der die in den Bildern konstruierte Darstellung Kanadas hinterfragt und auch Positionen indigener Kritik integriert.

„Magnetic North. Mythos Kanada in der Malerei 1910-1940“, Schirn Kunsthalle, Frankfurt. Die Ausstellung soll bis zum 16. Mai zu sehen sein. Es ist ein umfangreiches (Online-) Begleitprogramm geplant. Der Katalog zur Ausstellung erscheint im Prestel Verlag (49 Euro). In Kanada finden sich bemerkenswerte Bestände in der National Gallery of Canada (Ottawa), der Art Gallery of Ontario (Toronto) und der McMicheal Canadian Art Collection (Kleinburg). Nur eine Handvoll Gemälde befindet sich heute noch in Privatbesitz. Zum 100jährigen Bestehen der „Group of Seven“ wurden im vergangenen Jahr eine Vielzahl touristischer Angebote initiiert (siehe z.B. northernontario.travel).

Anette Froesch

Das Museum Kunst der Westküste konnte seine Sammlung in den vergangenen fünf Jahren um mehr als 200 bedeutende neue Werke, darunter Erwerbungen ebenso wie Dauerleihgaben und Zustiftungen, erweitern. Mit der Konzentration auf Malerei und Grafik, die unter dem Generalthema „Meer & Küste“ in den vier Ländern Norwegen, Dänemark, Deutschland und in den Niederlanden zwischen 1830 und 1930 geschaffen wurden, versammelt die weltweit singuläre und sehr homogene Kollektion damit aktuell über 900 Arbeiten. Auch internationale zeitgenössische Kunst, die demselben Themenspektrum verpflichtet ist, spielt eine wichtige Rolle.

In der Ausstellung tritt eine Auswahl der „neuen Schätze“ in Verbindung mit Werken, die bereits länger zum Sammlungsbestand gehören. Die Zusammenstellung vermittelt, wie bedeutende Sammlungsschwerpunkte weiter ausgebaut werden konnten. Großen Raum nehmen Gemälde und Ölskizzen des deutschen Impressionisten Max Liebermann ein. Farbintensive Nordsee- und Hafendarstellungen von Erich Heckel bringen expressionistische Kompositionen ein. Neben den Skagen-Malern Michael Ancher und Christian Krohg sind Künstler aus Nordfriesland wie Hans Peter Feddersen und Emil Nolde mit eindrucksvollen Landschaftsdarstellungen vertreten.

Monumentale Gemälde von Jochen Hein zeigen im Bereich der Gegenwartskunst die unerschöpflichen Möglichkeiten, die die Gattung Malerei rund um das Thema Meer bereithält. Fotoarbeiten der Artists in Residence Mila Teshaieva und Anja Jensen befragen die insulare „Heimat“ neu.

Seit 2010 lädt das Museum Kunst der Westküste aktiv Künstlerinnen und Künstler als Artists in Residence nach Alkersum ein. Die Schau zeigt erstmals in einer Gruppenausstellung eine Auswahl von Arbeiten, die während oder im Prozess der Vor- oder Nachbereitung solcher Aufenthalte entstanden sind und überwiegend zum ersten Mal öffentlich präsentiert werden. Internationale Kunstschaffende, deren bisheriges Werk eine Verbindung zum Museumsprofil aufweist, erhalten auf Einladung die Möglichkeit zu einem Inspirations- und Arbeitsaufenthalt auf der Insel Föhr. Bislang konnten 24 internationale Artists in Residence begrüßt werden.

Die Ausstellung, die unter dem Titel „Made on Föhr“ den Auftakt einer neuen Reihe bildet, konzentriert sich in diesem Jahr auf künstlerische Positionen, die sich seit Jahrzehnten mit dem Medium Fotografie beschäftigen und auf Föhr den Fokus auf das Thema Landschaft gelegt haben. In der Herangehensweise, der inhaltlichen Konzeption und Wahrnehmung der Nordseeinsel erweisen sich die drei Positionen als vollkommen eigenständig und zugleich stringent in ihrem jeweiligen eigenen bisherigen Schaffen.

Mit Nicole Ahland, geb. 1970, und Thomas Wrede, geb. 1963, stehen zwei in Deutschland lebende Künstler, der finnischen, in Paris und Helsinki lebenden Elina Brotherus, geb. 1972, gegenüber

Bild oben: Thomas Wrede: Früher Morgen bei den Korallenmoosinseln, 2016, Museum Kunst der Westküste, Alkersum/Föhr © Courtesy of the artist / VG Bild-Kunst, Bonn 2021

Wie kann Wind sichtbar gemacht werden? Lässt sich das Element Luft darstellen? Wie kann fotografisch eingefangen werden, was sich vom menschlichen Auge für gewöhnlich nicht erfassen lässt?

Der in Amsterdam lebende Künstler Sjoerd Knibbeler (* 1981) beschäftigt sich mit komplexen Naturphänomenen. Ausgangspunkt ist sein Interesse an der Entdeckung der Welt durch menschliche Fantasie, an Erfindungen und Technologien. Jeder seiner Werkkomplexe setzt akribische Naturbeobachtungen, Experimente und den Austausch mit Wissenschaftler*innen voraus. Auf dieser Grundlage entstehen verschiedenartige Modelle, durch die flüchtige Momente – sei es ein Windstoß oder ein Sonnenstrahl – erfahrbar werden. Im Medium Fotografie lässt Sjoerd Knibbeler die gleichsam unsichtbaren Naturprozesse schließlich in ästhetisch ausgefeilten Bildern sichtbar werden und lädt zur inhaltlichen Auseinandersetzung ein.

Die Ausstellung umfasst schwerpunktmäßig Werke der Serien Current Studies, Exploded Views und In Elements. Bereits im Jahr 2017 war der Künstler als Artist in Residence des MKdW ausgewählt worden. Der Aufenthalt auf der Insel Föhr bildete den Auftakt zur jüngsten Serie Exploded Views, die jetzt erstmals umfangreich gezeigt wird. Im Sommer 2020 suchte Knibbeler die Insel erneut auf, um sich thematisch dem Klimawandel zuzuwenden und mögliche menschliche Interventionen künstlerisch zu durchdenken. Die daraus hervorgegangenen Werke In Elements werden ebenfalls in dieser Einzelausstellung, die seine erste museale Schau in Deutschland ist, gezeigt.

Bild oben: Sjoerd Knibbeler. Current Study #2, 2013. UltraChrome print, framed without glass, 120 x 96 cm. © Courtesy of the artist

Der international erfolgreiche Maler und Grafiker Ken Denning lädt uns ein, ihm in sein persönliches Album zu folgen. Für diese Ausstellung neu entstanden sind Gemälde, Holzschnitte und Grafiken, in denen er Motive und Erinnerungen von Reisen nach Island, auf die Färöer und entlang des Gendarmstiens in seiner Heimat Nordschleswig verarbeitet. Eigens geschaffene Kompositionen des Klangkünstlers Robert Cole Rizzi schaffen dazu eine fast magische Atmosphäre. Die Ausstellung wird parallel im Museet Holmen in Løgumkloster und auf dem Museumsberg Flensburg gezeigt.

Ob „Gelbes Feld“, „Grüne Tonne“, „Blauer Raum“ oder „Einfach Rot“: Manche Bilder verraten schon im Titel, worum es geht: Farbe in der Kunst, Literatur und Musik ist das Thema der Sommerausstellung des Museumsberg Flensburg. Kunstwerke aus vier Jahrhunderten, streng nach Farben sortiert, erzählen von der Bedeutung, der Wirkung und der Kraft von Farbe. Ein vielfältiges Rahmenprogramm mit Lesungen und Konzerten macht Farbe sogar hörbar.

In der Ausstellung, die am 10. September eröffnet wird, wird neue Forschung über Arne Jacobsen vorgestellt. Auf drei Gleisen werden Perspektiven und Einblicke in Leben und Wirken des dänischen Architekten sowie sein Einfluss auf Dänemark als Sozialstaat und Designnation präsentiert. In der Ausstellung geht es darum, warum Arne Jacobsen den Status als einer der wichtigsten Designer Dänemarks erlangt hat, und welche Inspirationen wir heute aus seinem Lebenswerk mitnehmen können.

Durch das Vertiefen in die vollendeten Gesamtdesigns, die Arne Jacobsen u. a. am Rathaus von Aarhus und dem Schulgebäude „Munkegårdsskolen“ bei Kopenhagen umgesetzt hat, erhalten wir einen Einblick darin, wie er dazu
beigetragen hat, dem dänischen Sozialstaat Form und Ästhetik zu verleihen. Darüber hinaus wird in der Ausstellung anhand von Interviews, Jacobsens persönliche Filmaufnahmen, Aquarellen und Naturstudien illustriert, wie Kunst, künstlerische Prozesse und die Natur bei seiner kreativen Arbeit eine wichtige Rolle spielten. Neben den bekannten Designklassikern werden zahlreiche weniger bekannte Modelle, Typen und Formate vorgestellt, unter anderem Aquarelle, Skizzen und Textilmuster.

Zudem stellt die Ausstellung die Frage, warum wir heute Arne Jacobsen als ein besonders prominentes Beispiel für dänisches Design ansehen, während er zu seinen Lebzeiten als Modernist und Internationalist angesehen wurde.

Die Ästhetik des dänischen Sozialstaats

Die Ausstellung legt die Entwicklung des dänischen Sozialstaats dar, die im Zuge der sozialdemokratischen Politik in den Jahrzehnten nach dem 2. Weltkrieg eng mit neuen Strömungen und Phänomenen in den Bereichen Architektur und Design verbunden war. Arne Jacobsen sowie weitere dänische Architekten und Designer haben ihren Beitrag zur Entwicklung des ästhetischen Ausdrucks des dänischen Sozialstaats durch neue öffentliche Gebäude und Möbel für den öffentlichen Raum geleistet. Sie erschufen eine Ästhetik und Funktionalität, die noch heute die Einrichtung in öffentlichen Büchereien, Rathäusern, Schulen, Büros und Krankenhäusern beeinflusst.

Die Museumsleiterin Karen Grøn sagt: „Das Ergebnis ist als ein ästhetischer Gesamtausdruck für den dänischen Sozialstaat zu betrachten. Dies kann dazu beitragen, dass in Dänemark, im Gegensatz zu vielen europäischen Nachbarländern, ein Konsens dahingehend herrscht, dass Ästhetik, Form und Materialien wichtig für das Wohlbefinden der Menschen ist – im öffentlichen und privaten Raum.“

Kreativer Entstehungsprozess

Diese Schilderung von Arne Jacobsen ist auch eine Schilderung von Kreativität, Innovation und einem lebenslangen Interesse an der Kunst und der Natur. Die Ausstellung bricht mit der klassischen Darstellung des jungen Arne Jacobsen als modernistischer Revoluzzer und schildert ihn stattdessen als einen kreativen Erneuerer. In Jacobsens Architekturbüro wurden Modelle und Skizzen zum Austausch von Wissen und Gedanken sowie als Grundlage für gemeinsame Experimente verwendet. Gemeinsam bilden sie einen einzigartigen Einblick in einen besonders kreativen Schaffensprozess, von dem wir heute vielleicht etwas lernen können. Sein Zugang zum Fach und zum kreativen Prozess macht ihn relevant, und vielleicht leben deshalb so viele seiner Werke auch heute noch?

Ist es eigentlich typisch dänisches Design?

Arne Jacobsen brachte internationale Strömungen nach Dänemark. Dies führte gelegentlich zu aufgebrachten Diskussionen. Heute sind viele Dänen der Meinung, seine Werke seien eindeutige Beispiele für dänisches Design. Die Ausstellung erörtert das Interessante daran, wie das, was einst als fremd angesehen wurde, ein Teil des kollektiven dänischen elbstverständnisses wird. Museumsleiterin Karen Grøn erklärt: „Die Schilderung von Arne Jacobsens Design als etwas besonders Dänisches zeigt somit, wie sich eine Kombination aus Gegenständen, Ereignissen und Kontexten mit der Zeit lokal ansiedeln kann. Somit stellt sich die Frage, ob es etwas gibt, das authentisch dänisch ist, oder ob das Dänischsein in Wirklichkeit ein sich konstant verändernder und entwickelnder Prozess ist?“

Arne Jacobsen – Dänemarks Designer wurde von der Museumsleiterin Katrine Stenum in Zusammenarbeit mit der unsthistorikerin und Registrarin bei der Arne Jacobsen Design I/S, Annika Skaarup Larsen, kuratiert. Die Forschung für die Ausstellung fand gemeinsam mit dem Dozenten am Institut für Kommunikation an der Universität Kopenhagen, Nan Dahlkild, statt.

In diesem Frühjahr lohnt, wenn möglich, eine Reise nach Frankfurt. Dies gilt besonders für Kenner und Liebhaber skandinavischer Landschaftsmalerei um 1900.

In der Schirn sind mehr als 80 Gemälde und viele Zeichnungen von Künstlerinnen und Künstlern aus dem Umkreis der legendären kanadischen Künstlervereinigung „Group of Seven“ zu sehen, eine Deutschland-Premiere.

Dichte Wälder in leuchtenden Herbstfarben werden gezeigt, reißende Flüsse, weite Seen, flirrende Nordlichter und atemberaubende Ansichten der Arktis. All dies ist pastos, dicht und mit breitem Pinselstrich aufgetragen.

Die Künstler der offiziell seit März 1920 bestehenden Vereinigung um Lawren Harris, James E. MacDonald, Arthur Lismer, Frederick H.Varley, Frank Carmichel, Frank Johnston und Alexander Y. Jackson wollten mit ihrer Malerei die Schönheit und Einzigartigkeit Kanadas auf ganz eigene Weise feiern – und zugleich pädagogisch wirksam sein.

Sie kannten einander schon länger. Einige der zumeist aus England stammenden und oft noch in Europa ausgebildeten Männer hatten in Toronto gemeinsam als Werbegrafiker gearbeitet. An den Wochenenden war man zum Skizzieren in die Wälder und an die Seen Northern Ontarios aufgebrochen, wo man theosophisch angehaucht im Geiste Ralph Waldo Emersons oder Henry David Thoreaus in der Natur zeltete, fischte und malte. Häufig mit von der Partie war der bereits 1917 unter mysteriösen Umständen ertrunkene Ranger und Künstler Tom Thomson, der gern als der Spiritus Rector der Gruppe bezeichnet wird.

Auf der Suche nach künstlerischer Unabhängigkeit von Europa, nach Ausdrucksmöglichkeiten für eine eigenständige kanadische Malerei jenseits akademischer Traditionen war den Malern noch vor Beginn des 1. Weltkriegs eine Ausstellung zeitgenössischer skandinavischer Kunst zum Schlüsselerlebnis geworden.

In Buffalo, New York, hatten Lawren Harris und James E. MacDonald 1913 Gemälde von Otto Hesselbom, Gustaf Fjaestad, Harald Sohlberg oder Jens F. Willumsen gesehen. Die symbolische Strahlkraft der oft mystisch aufgeladenen Landschaften und die leuchtenden Farben der Bilder hatten sie tief beeindruckt: Hier waren sie auf Maler gestoßen, die sich nicht nur mit ähnlichen topographischen und klimatischen Gegebenheiten auseinanderzusetzen hatten, sondern zugleich aus ähnlich nationalromantischem Geist heraus arbeiteten. Viele Jahre später sagte MacDonald: „We felt: This is what we want to do with Canada“.

Und so erscheinen, wie bei den nordeuropäischen Zeitgenossen, auch in den stilistisch sehr unterschiedlichen Gemälden der „Group of Seven“ Seen, Felsen oder Eisberge nicht nur als Abbild der Realität, sondern – getragen von einem gemeinsamen Ideal – beinahe plakativ als Symbole für die Schönheit und Größe Kanadas (Peter Mellon, 1970).

Tatsächlich sollten die Gemälde der „Group of Seven“ die kulturelle Identität der noch jungen kanadischen Nation entscheidend prägen, nicht zuletzt dank baldiger Unterstützung durch die National Gallery of Canada. Eine rege, auch internationale Ausstellungstätigkeit setzte ein, brachte Bekanntheit und Anerkennung. Bis weit in die 1950er Jahre hinein dominierten Gemälde-Reproduktionen die Klassenzimmer des riesigen Landes, Postkartensätze waren im Umlauf. Künstlerinnen und Künstler wie die später sehr bedeutende Emily Carr, die sich in die „Wildnis“ zurückzog um Relikte indigener Kulturen an der Westküste Kanadas zu dokumentieren, wurden durch die „Group of Seven“ inspiriert, deren Mitglieder sich auch als Lehrer, Schreiber und Speaker hervortaten.

Nachfolgende Künstlergenerationen versuchten, den Blick auf Land und Leute zu weiten. In Frankfurt stellen Fotos, Dokumente und Dokumentarfilme die in Kanada omnipräsenten Ikonen in einen angemessenen Kontext, der die in den Bildern konstruierte Darstellung Kanadas hinterfragt und auch Positionen indigener Kritik integriert.

„Magnetic North. Mythos Kanada in der Malerei 1910-1940“, Schirn Kunsthalle, Frankfurt. Die Ausstellung soll bis zum 16. Mai zu sehen sein. Es ist ein umfangreiches (Online-) Begleitprogramm geplant. Der Katalog zur Ausstellung erscheint im Prestel Verlag (49 Euro). In Kanada finden sich bemerkenswerte Bestände in der National Gallery of Canada (Ottawa), der Art Gallery of Ontario (Toronto) und der McMicheal Canadian Art Collection (Kleinburg). Nur eine Handvoll Gemälde befindet sich heute noch in Privatbesitz. Zum 100jährigen Bestehen der „Group of Seven“ wurden im vergangenen Jahr eine Vielzahl touristischer Angebote initiiert (siehe z.B. northernontario.travel).

Anette Froesch

Das Museum Kunst der Westküste konnte seine Sammlung in den vergangenen fünf Jahren um mehr als 200 bedeutende neue Werke, darunter Erwerbungen ebenso wie Dauerleihgaben und Zustiftungen, erweitern. Mit der Konzentration auf Malerei und Grafik, die unter dem Generalthema „Meer & Küste“ in den vier Ländern Norwegen, Dänemark, Deutschland und in den Niederlanden zwischen 1830 und 1930 geschaffen wurden, versammelt die weltweit singuläre und sehr homogene Kollektion damit aktuell über 900 Arbeiten. Auch internationale zeitgenössische Kunst, die demselben Themenspektrum verpflichtet ist, spielt eine wichtige Rolle.

In der Ausstellung tritt eine Auswahl der „neuen Schätze“ in Verbindung mit Werken, die bereits länger zum Sammlungsbestand gehören. Die Zusammenstellung vermittelt, wie bedeutende Sammlungsschwerpunkte weiter ausgebaut werden konnten. Großen Raum nehmen Gemälde und Ölskizzen des deutschen Impressionisten Max Liebermann ein. Farbintensive Nordsee- und Hafendarstellungen von Erich Heckel bringen expressionistische Kompositionen ein. Neben den Skagen-Malern Michael Ancher und Christian Krohg sind Künstler aus Nordfriesland wie Hans Peter Feddersen und Emil Nolde mit eindrucksvollen Landschaftsdarstellungen vertreten.

Monumentale Gemälde von Jochen Hein zeigen im Bereich der Gegenwartskunst die unerschöpflichen Möglichkeiten, die die Gattung Malerei rund um das Thema Meer bereithält. Fotoarbeiten der Artists in Residence Mila Teshaieva und Anja Jensen befragen die insulare „Heimat“ neu.

Seit 2010 lädt das Museum Kunst der Westküste aktiv Künstlerinnen und Künstler als Artists in Residence nach Alkersum ein. Die Schau zeigt erstmals in einer Gruppenausstellung eine Auswahl von Arbeiten, die während oder im Prozess der Vor- oder Nachbereitung solcher Aufenthalte entstanden sind und überwiegend zum ersten Mal öffentlich präsentiert werden. Internationale Kunstschaffende, deren bisheriges Werk eine Verbindung zum Museumsprofil aufweist, erhalten auf Einladung die Möglichkeit zu einem Inspirations- und Arbeitsaufenthalt auf der Insel Föhr. Bislang konnten 24 internationale Artists in Residence begrüßt werden.

Die Ausstellung, die unter dem Titel „Made on Föhr“ den Auftakt einer neuen Reihe bildet, konzentriert sich in diesem Jahr auf künstlerische Positionen, die sich seit Jahrzehnten mit dem Medium Fotografie beschäftigen und auf Föhr den Fokus auf das Thema Landschaft gelegt haben. In der Herangehensweise, der inhaltlichen Konzeption und Wahrnehmung der Nordseeinsel erweisen sich die drei Positionen als vollkommen eigenständig und zugleich stringent in ihrem jeweiligen eigenen bisherigen Schaffen.

Mit Nicole Ahland, geb. 1970, und Thomas Wrede, geb. 1963, stehen zwei in Deutschland lebende Künstler, der finnischen, in Paris und Helsinki lebenden Elina Brotherus, geb. 1972, gegenüber

Bild oben: Thomas Wrede: Früher Morgen bei den Korallenmoosinseln, 2016, Museum Kunst der Westküste, Alkersum/Föhr © Courtesy of the artist / VG Bild-Kunst, Bonn 2021

Wie kann Wind sichtbar gemacht werden? Lässt sich das Element Luft darstellen? Wie kann fotografisch eingefangen werden, was sich vom menschlichen Auge für gewöhnlich nicht erfassen lässt?

Der in Amsterdam lebende Künstler Sjoerd Knibbeler (* 1981) beschäftigt sich mit komplexen Naturphänomenen. Ausgangspunkt ist sein Interesse an der Entdeckung der Welt durch menschliche Fantasie, an Erfindungen und Technologien. Jeder seiner Werkkomplexe setzt akribische Naturbeobachtungen, Experimente und den Austausch mit Wissenschaftler*innen voraus. Auf dieser Grundlage entstehen verschiedenartige Modelle, durch die flüchtige Momente – sei es ein Windstoß oder ein Sonnenstrahl – erfahrbar werden. Im Medium Fotografie lässt Sjoerd Knibbeler die gleichsam unsichtbaren Naturprozesse schließlich in ästhetisch ausgefeilten Bildern sichtbar werden und lädt zur inhaltlichen Auseinandersetzung ein.

Die Ausstellung umfasst schwerpunktmäßig Werke der Serien Current Studies, Exploded Views und In Elements. Bereits im Jahr 2017 war der Künstler als Artist in Residence des MKdW ausgewählt worden. Der Aufenthalt auf der Insel Föhr bildete den Auftakt zur jüngsten Serie Exploded Views, die jetzt erstmals umfangreich gezeigt wird. Im Sommer 2020 suchte Knibbeler die Insel erneut auf, um sich thematisch dem Klimawandel zuzuwenden und mögliche menschliche Interventionen künstlerisch zu durchdenken. Die daraus hervorgegangenen Werke In Elements werden ebenfalls in dieser Einzelausstellung, die seine erste museale Schau in Deutschland ist, gezeigt.

Bild oben: Sjoerd Knibbeler. Current Study #2, 2013. UltraChrome print, framed without glass, 120 x 96 cm. © Courtesy of the artist

Der international erfolgreiche Maler und Grafiker Ken Denning lädt uns ein, ihm in sein persönliches Album zu folgen. Für diese Ausstellung neu entstanden sind Gemälde, Holzschnitte und Grafiken, in denen er Motive und Erinnerungen von Reisen nach Island, auf die Färöer und entlang des Gendarmstiens in seiner Heimat Nordschleswig verarbeitet. Eigens geschaffene Kompositionen des Klangkünstlers Robert Cole Rizzi schaffen dazu eine fast magische Atmosphäre. Die Ausstellung wird parallel im Museet Holmen in Løgumkloster und auf dem Museumsberg Flensburg gezeigt.

Ob „Gelbes Feld“, „Grüne Tonne“, „Blauer Raum“ oder „Einfach Rot“: Manche Bilder verraten schon im Titel, worum es geht: Farbe in der Kunst, Literatur und Musik ist das Thema der Sommerausstellung des Museumsberg Flensburg. Kunstwerke aus vier Jahrhunderten, streng nach Farben sortiert, erzählen von der Bedeutung, der Wirkung und der Kraft von Farbe. Ein vielfältiges Rahmenprogramm mit Lesungen und Konzerten macht Farbe sogar hörbar.

Das Museum Kunst der Westküste konnte seine Sammlung in den vergangenen fünf Jahren um mehr als 200 bedeutende neue Werke, darunter Erwerbungen ebenso wie Dauerleihgaben und Zustiftungen, erweitern. Mit der Konzentration auf Malerei und Grafik, die unter dem Generalthema „Meer & Küste“ in den vier Ländern Norwegen, Dänemark, Deutschland und in den Niederlanden zwischen 1830 und 1930 geschaffen wurden, versammelt die weltweit singuläre und sehr homogene Kollektion damit aktuell über 900 Arbeiten. Auch internationale zeitgenössische Kunst, die demselben Themenspektrum verpflichtet ist, spielt eine wichtige Rolle.

In der Ausstellung tritt eine Auswahl der „neuen Schätze“ in Verbindung mit Werken, die bereits länger zum Sammlungsbestand gehören. Die Zusammenstellung vermittelt, wie bedeutende Sammlungsschwerpunkte weiter ausgebaut werden konnten. Großen Raum nehmen Gemälde und Ölskizzen des deutschen Impressionisten Max Liebermann ein. Farbintensive Nordsee- und Hafendarstellungen von Erich Heckel bringen expressionistische Kompositionen ein. Neben den Skagen-Malern Michael Ancher und Christian Krohg sind Künstler aus Nordfriesland wie Hans Peter Feddersen und Emil Nolde mit eindrucksvollen Landschaftsdarstellungen vertreten.

Monumentale Gemälde von Jochen Hein zeigen im Bereich der Gegenwartskunst die unerschöpflichen Möglichkeiten, die die Gattung Malerei rund um das Thema Meer bereithält. Fotoarbeiten der Artists in Residence Mila Teshaieva und Anja Jensen befragen die insulare „Heimat“ neu.

Seit 2010 lädt das Museum Kunst der Westküste aktiv Künstlerinnen und Künstler als Artists in Residence nach Alkersum ein. Die Schau zeigt erstmals in einer Gruppenausstellung eine Auswahl von Arbeiten, die während oder im Prozess der Vor- oder Nachbereitung solcher Aufenthalte entstanden sind und überwiegend zum ersten Mal öffentlich präsentiert werden. Internationale Kunstschaffende, deren bisheriges Werk eine Verbindung zum Museumsprofil aufweist, erhalten auf Einladung die Möglichkeit zu einem Inspirations- und Arbeitsaufenthalt auf der Insel Föhr. Bislang konnten 24 internationale Artists in Residence begrüßt werden.

Die Ausstellung, die unter dem Titel „Made on Föhr“ den Auftakt einer neuen Reihe bildet, konzentriert sich in diesem Jahr auf künstlerische Positionen, die sich seit Jahrzehnten mit dem Medium Fotografie beschäftigen und auf Föhr den Fokus auf das Thema Landschaft gelegt haben. In der Herangehensweise, der inhaltlichen Konzeption und Wahrnehmung der Nordseeinsel erweisen sich die drei Positionen als vollkommen eigenständig und zugleich stringent in ihrem jeweiligen eigenen bisherigen Schaffen.

Mit Nicole Ahland, geb. 1970, und Thomas Wrede, geb. 1963, stehen zwei in Deutschland lebende Künstler, der finnischen, in Paris und Helsinki lebenden Elina Brotherus, geb. 1972, gegenüber

Bild oben: Thomas Wrede: Früher Morgen bei den Korallenmoosinseln, 2016, Museum Kunst der Westküste, Alkersum/Föhr © Courtesy of the artist / VG Bild-Kunst, Bonn 2021

Wie kann Wind sichtbar gemacht werden? Lässt sich das Element Luft darstellen? Wie kann fotografisch eingefangen werden, was sich vom menschlichen Auge für gewöhnlich nicht erfassen lässt?

Der in Amsterdam lebende Künstler Sjoerd Knibbeler (* 1981) beschäftigt sich mit komplexen Naturphänomenen. Ausgangspunkt ist sein Interesse an der Entdeckung der Welt durch menschliche Fantasie, an Erfindungen und Technologien. Jeder seiner Werkkomplexe setzt akribische Naturbeobachtungen, Experimente und den Austausch mit Wissenschaftler*innen voraus. Auf dieser Grundlage entstehen verschiedenartige Modelle, durch die flüchtige Momente – sei es ein Windstoß oder ein Sonnenstrahl – erfahrbar werden. Im Medium Fotografie lässt Sjoerd Knibbeler die gleichsam unsichtbaren Naturprozesse schließlich in ästhetisch ausgefeilten Bildern sichtbar werden und lädt zur inhaltlichen Auseinandersetzung ein.

Die Ausstellung umfasst schwerpunktmäßig Werke der Serien Current Studies, Exploded Views und In Elements. Bereits im Jahr 2017 war der Künstler als Artist in Residence des MKdW ausgewählt worden. Der Aufenthalt auf der Insel Föhr bildete den Auftakt zur jüngsten Serie Exploded Views, die jetzt erstmals umfangreich gezeigt wird. Im Sommer 2020 suchte Knibbeler die Insel erneut auf, um sich thematisch dem Klimawandel zuzuwenden und mögliche menschliche Interventionen künstlerisch zu durchdenken. Die daraus hervorgegangenen Werke In Elements werden ebenfalls in dieser Einzelausstellung, die seine erste museale Schau in Deutschland ist, gezeigt.

Bild oben: Sjoerd Knibbeler. Current Study #2, 2013. UltraChrome print, framed without glass, 120 x 96 cm. © Courtesy of the artist

Der international erfolgreiche Maler und Grafiker Ken Denning lädt uns ein, ihm in sein persönliches Album zu folgen. Für diese Ausstellung neu entstanden sind Gemälde, Holzschnitte und Grafiken, in denen er Motive und Erinnerungen von Reisen nach Island, auf die Färöer und entlang des Gendarmstiens in seiner Heimat Nordschleswig verarbeitet. Eigens geschaffene Kompositionen des Klangkünstlers Robert Cole Rizzi schaffen dazu eine fast magische Atmosphäre. Die Ausstellung wird parallel im Museet Holmen in Løgumkloster und auf dem Museumsberg Flensburg gezeigt.

Ob „Gelbes Feld“, „Grüne Tonne“, „Blauer Raum“ oder „Einfach Rot“: Manche Bilder verraten schon im Titel, worum es geht: Farbe in der Kunst, Literatur und Musik ist das Thema der Sommerausstellung des Museumsberg Flensburg. Kunstwerke aus vier Jahrhunderten, streng nach Farben sortiert, erzählen von der Bedeutung, der Wirkung und der Kraft von Farbe. Ein vielfältiges Rahmenprogramm mit Lesungen und Konzerten macht Farbe sogar hörbar.