Rubrik: Kunst

Das Museum Kunst der Westküste konnte seine Sammlung in den vergangenen fünf Jahren um mehr als 200 bedeutende neue Werke, darunter Erwerbungen ebenso wie Dauerleihgaben und Zustiftungen, erweitern. Mit der Konzentration auf Malerei und Grafik, die unter dem Generalthema „Meer & Küste“ in den vier Ländern Norwegen, Dänemark, Deutschland und in den Niederlanden zwischen 1830 und 1930 geschaffen wurden, versammelt die weltweit singuläre und sehr homogene Kollektion damit aktuell über 900 Arbeiten. Auch internationale zeitgenössische Kunst, die demselben Themenspektrum verpflichtet ist, spielt eine wichtige Rolle.

In der Ausstellung tritt eine Auswahl der „neuen Schätze“ in Verbindung mit Werken, die bereits länger zum Sammlungsbestand gehören. Die Zusammenstellung vermittelt, wie bedeutende Sammlungsschwerpunkte weiter ausgebaut werden konnten. Großen Raum nehmen Gemälde und Ölskizzen des deutschen Impressionisten Max Liebermann ein. Farbintensive Nordsee- und Hafendarstellungen von Erich Heckel bringen expressionistische Kompositionen ein. Neben den Skagen-Malern Michael Ancher und Christian Krohg sind Künstler aus Nordfriesland wie Hans Peter Feddersen und Emil Nolde mit eindrucksvollen Landschaftsdarstellungen vertreten.

Monumentale Gemälde von Jochen Hein zeigen im Bereich der Gegenwartskunst die unerschöpflichen Möglichkeiten, die die Gattung Malerei rund um das Thema Meer bereithält. Fotoarbeiten der Artists in Residence Mila Teshaieva und Anja Jensen befragen die insulare „Heimat“ neu.

Seit 2010 lädt das Museum Kunst der Westküste aktiv Künstlerinnen und Künstler als Artists in Residence nach Alkersum ein. Die Schau zeigt erstmals in einer Gruppenausstellung eine Auswahl von Arbeiten, die während oder im Prozess der Vor- oder Nachbereitung solcher Aufenthalte entstanden sind und überwiegend zum ersten Mal öffentlich präsentiert werden. Internationale Kunstschaffende, deren bisheriges Werk eine Verbindung zum Museumsprofil aufweist, erhalten auf Einladung die Möglichkeit zu einem Inspirations- und Arbeitsaufenthalt auf der Insel Föhr. Bislang konnten 24 internationale Artists in Residence begrüßt werden.

Die Ausstellung, die unter dem Titel „Made on Föhr“ den Auftakt einer neuen Reihe bildet, konzentriert sich in diesem Jahr auf künstlerische Positionen, die sich seit Jahrzehnten mit dem Medium Fotografie beschäftigen und auf Föhr den Fokus auf das Thema Landschaft gelegt haben. In der Herangehensweise, der inhaltlichen Konzeption und Wahrnehmung der Nordseeinsel erweisen sich die drei Positionen als vollkommen eigenständig und zugleich stringent in ihrem jeweiligen eigenen bisherigen Schaffen.

Mit Nicole Ahland, geb. 1970, und Thomas Wrede, geb. 1963, stehen zwei in Deutschland lebende Künstler, der finnischen, in Paris und Helsinki lebenden Elina Brotherus, geb. 1972, gegenüber.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog, den Sie hier bestellen können.

Bild oben: Thomas Wrede: Früher Morgen bei den Korallenmoosinseln, 2016, Museum Kunst der Westküste, Alkersum/Föhr © Courtesy of the artist / VG Bild-Kunst, Bonn 2021

Wie kann Wind sichtbar gemacht werden? Lässt sich das Element Luft darstellen? Wie kann fotografisch eingefangen werden, was sich vom menschlichen Auge für gewöhnlich nicht erfassen lässt?

Der in Amsterdam lebende Künstler Sjoerd Knibbeler (* 1981) beschäftigt sich mit komplexen Naturphänomenen. Ausgangspunkt ist sein Interesse an der Entdeckung der Welt durch menschliche Fantasie, an Erfindungen und Technologien. Jeder seiner Werkkomplexe setzt akribische Naturbeobachtungen, Experimente und den Austausch mit Wissenschaftler*innen voraus. Auf dieser Grundlage entstehen verschiedenartige Modelle, durch die flüchtige Momente – sei es ein Windstoß oder ein Sonnenstrahl – erfahrbar werden. Im Medium Fotografie lässt Sjoerd Knibbeler die gleichsam unsichtbaren Naturprozesse schließlich in ästhetisch ausgefeilten Bildern sichtbar werden und lädt zur inhaltlichen Auseinandersetzung ein.

Die Ausstellung umfasst schwerpunktmäßig Werke der Serien Current Studies, Exploded Views und In Elements. Bereits im Jahr 2017 war der Künstler als Artist in Residence des MKdW ausgewählt worden. Der Aufenthalt auf der Insel Föhr bildete den Auftakt zur jüngsten Serie Exploded Views, die jetzt erstmals umfangreich gezeigt wird. Im Sommer 2020 suchte Knibbeler die Insel erneut auf, um sich thematisch dem Klimawandel zuzuwenden und mögliche menschliche Interventionen künstlerisch zu durchdenken. Die daraus hervorgegangenen Werke In Elements werden ebenfalls in dieser Einzelausstellung, die seine erste museale Schau in Deutschland ist, gezeigt.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog, den Sie hier bestellen können.

Bild oben: Sjoerd Knibbeler. Current Study #2, 2013. UltraChrome print, framed without glass, 120 x 96 cm. © Courtesy of the artist

Anlässlich des 100. Geburtstags von Joseph Beuys zeigt die Kunsthalle zu Kiel vom 8. Mai bis 24. Oktober 2021 in einer Kabinett-Ausstellung Werke des Künstlers aus ihrem Bestand.

Beuys gilt als einer der bedeutendsten, aber auch umstrittensten Künstler des 20. Jahrhunderts. Die sogenannten Aktionen stehen im Mittelpunkt seiner Arbeit. Dennoch nehmen die vielzähligen Multiples eine besondere Stellung in seinem Gesamtwerk ein. Es handelt sich dabei um kleine, in hohen Auflagen hergestellte und preiswerte Kunstobjekte. Bis zu seinem Tod stellt er über 550 Serien von Multiples her. Ganz im Sinne einer Demokratisierung der Kunst sieht er in solchen Auflagenwerken eine geeignete Möglichkeit, ein größeres Publikum erreichen und diesem seine Anschauungen näherbringen zu können. Im Bestand der Kunsthalle befinden sich zahlreiche Multiples und Druckgrafiken sowie mehrere Foto-Editionen von Joseph Beuys.

In der Ausstellung werden rund 35 Arbeiten präsentiert, unter anderem wichtige Multiples wie die Rose für direkte Demokratie (1973), Kunst = Kapital (1980) und Rhein Water Polluted (1981). Auch grafische Blätter wie die Serie Spur I (1974) sind zu sehen. Die Fotografien Output (1978) von Werner Krüger zeigen Beuys in Aktion und erzählen zugleich von der Selbstinszenierung des Künstlers in Filzhut und Anglerweste.

Am 12. Mai 1921 als Sohn eines Kaufmanns in Krefeld geboren, wächst Joseph Beuys zunächst im dörflichen Kleve auf. Schon während seiner Schulzeit ist er beeindruckt von den Werken Edvard Munchs, Auguste Rodins und William Turners. Mit 20 Jahren meldet sich Beuys freiwillig zur Luftwaffe der Wehrmacht und wird als Bordfunker ausgebildet.

Während dieser Zeit wächst in ihm bereits der Wunsch, Künstler zu werden, und er fertigt erste Skizzen und Zeichnungen an. Sein Flugzeugabsturz 1944 über der Krim und seine Erzählung über die Rettung durch die Tataren, die ihn mit Filz und tierischem Fett gesund pflegen, werden zum Mythos. Auf Fett und Filz greift er in seinem Schaffen später immer wieder zurück. 1947 beginnt er das Studium der Monumentalbildhauerei bei Joseph Enseling und Ewald Mataré an der Staatlichen Kunstakademie Düsseldorf. Als Meisterschüler von Mataré entwickelt Beuys 1951 schließlich seine eigenen Techniken und Ausdrucksformen. Nur zehn Jahre später wird Beuys zum Professor für Monumentale Bildhauerei an der Düsseldorfer Kunstakademie ernannt.

Entgegen seiner eigenen Aussage „Ich habe nichts mit Politik zu tun – ich kenne nur Kunst“ werden seine Arbeiten und sein Handeln zunehmend politisch. Er wird Mitbegründer der Grünen, strebt eine Überwindung der „Parteiendiktatur“ an und gründet die „Organisation für direkte Demokratie durch Volksabstimmung“. Mit seinem vielfältigen Engagement schafft er sich damit Möglichkeiten zur Vermittlung seines erweiterten Kunstbegriffs und nutzt seine Ausstellungen, Aktionen und Vorträge zur Propagierung seiner radikal demokratischen Vorstellungen. Ab 1964 nimmt Beuys regelmäßig an der documenta in Kassel teil und richtet hier 1972 ein Informationsbüro anstelle der Präsentation eines Kunstwerks ein, um mit den Besucher*innen in einen gesellschaftspolitischen Diskurs über direkte Demokratie zu treten. 1976 stellt Beuys zum ersten Mal auf der Biennale in Venedig aus und erhält 1979 als erster deutscher Künstler eine Retrospektive im Solomon R. Guggenheim Museum in New York. Es folgen weitere umfassende Einzelausstellungen u.a. in der Nationalgalerie von Australien, 1982 und im Seibu Museum of Art in Tokio, 1984. Joseph Beuys erliegt am 23. Januar 1986 einer Lungenerkrankung in Düsseldorf.

Mit dem Satz „Jeder Mensch ist ein Künstler“ (1968) wollte Beuys alle Menschen in der Gesellschaft ansprechen und verdeutlichen, dass jede Person in der Lage ist, die Gesellschaft mitzugestalten. Er war ein Künstler, der mit der Kunst das Leben zu verändern versuchte und den Kunstbegriff neu formen wollte. Dieser „erweiterte Kunstbegriff“ führte Beuys zur Theorie der „Sozialen Plastik“: Die Kunst bezeichnet nicht mehr nur das materielle Objekt an sich, sondern umfasst auch den Prozess des kreativen Denkens und Handelns des Menschen. Beuys´ Überzeugung war, dass der Mensch dazu befähigt ist, durch eigene Schaffensprozesse zum Wohl der Gemeinschaft beizutragen und die Gesellschaft positiv zu verändern.

Bild: Joseph Beuys, Kunst = Kapital, 1980, Siebdruck auf Schiefertafel in Holzrahmen, 32 x 44 x 0,9 cm, © VG Bild-Kunst, Bonn 2021 / Kunsthalle zu Kiel, Foto: Martin Frommhagen.

Mit mehr als 200 Exponaten, spektakulären Neuerwerbungen, Schenkungen und Leihgaben präsentiert sich der Sammlungsbestand der 38 im Park vertretenden Künstlerinnen und Künstler der Stiftung in allen Ausstellungsbereichen.

Startend mit den Caféräumen und dem bekannten Ausstellungsbereich im Obergeschoss der Villa Wachholtz über die Remise, den roten Bungalow, die Galerie, das Pfauenhaus bis in die privaten Bereiche mit Souterrain und Wohnhaus geben weitere ergänzende Bilder, Kleinskulpturen, Installationen, Zeichnungen und Fotos vertiefende Einblicke in das Schaffen der Künstlergemeinschaft des Gerisch-Parks.

Bereits in der Diele der Villa Wachholtz empfangen uns die neue Bronzearbeit „Osiel“ der Künstlerin Magdalena Abakanowicz und drei schillernd farbig gefasste Ballons des Künstlers Jeppe Hein. In den Caféräumen spiegelt ein Querschnitt die Ausstellung „Trasher Island“ von Thorsten Brinkmann.

Mit den Künstlern der ersten Stunde Menashe Kadishman, Magdalena Abakanowicz, Abraham David Christian, Pit Kroke, Norbert Prangenberg und dem Künstlerduo Anne und Patrick Poirier sowie Horst Antes und Via Lewandowsky werden die Ausstellungsräume im Obergeschoß der Villa eindrucksvoll bespielt.

Katsuhito Nishikawa, der japanische Künstler unseres Kleeblattes, richtet seine Werkgruppe in der Remise ein und vis á vis präsentiert sich Tjorg Douglas Beer mit seinen Arbeiten im Roten Bungalow.

Die weiteren Werke der 20 Künstler und Künstlerinnen, von denen es mitunter nur wenige ergänzende Arbeiten gibt, teilen sich die Galerieräume. Dazu gehören Chiara Dynys, Bernd Kastner, Brigitte Kowanz, Stefan Sous, Mischa Kuball, Thorsten Goldberg, Birgit Ramsauer, Heinz Breloh, Bogomir Ecker, Carsten Höller, Olaf Nicolai, Morio Nishimura, Ulrich Behl, Tina Schwichtenberg, Jörg Plickat, Manfred Sihle-Wissel, Mimmo Paladino, Thomas Judisch, Ian Hamilton Finlay und Markus Lüpertz.

Im Privaten zeigen sich Manolo Valdés, Jan Koblasa, Philine Fahl und die Sammlung Hans Martin Ruwoldt.
Im Souterrain und der Außenterrasse präsentiert sich die Schenkung Thomas Stimm und das frisch restaurierte Pfauenhaus ist der Arbeit der japanischen Künstlerin Leiko Ikemura gewidmet.

Und ganz aufregend ist die neue Außeninstallation „Skulpturenbrüter“ von der Performance-Künstlerin Birgit Ramsauer, die zusammen mit der Porzellan Manufaktur Nymphenburg 31 Vogelnistkästen im Farbkreis nach Johannes Itten gestaltet hat.

Der Kulturverein Seeweg Gut Wittmoldt e. V. zeigt in diesem Sommer über 50 Fotografien von Annabelle Fürstenau und janKB. Beide sind Absolventen der Muthesius Kunsthochschule in Kiel und als freischaffende Fotografen tätig. Seit vielen Jahren zieht es beide unabhängig voneinander ans Meer und in die ruhige Weite von nordischen Inseln.

Annabelle Fürstenau (*1981) lebte und arbeitete von 2013 bis 2018 auf der Hallig Gröde und fotografierte dort unter anderem den Wandel von Lichtstimmungen und Jahreszeiten in ihrer Umgebung. janKB (*1964) zeigt Arbeiten, die auf Föhr, den Färöer-Inseln und in Schottland entstanden sind. Neben der Landschaft selbst, entdecken beide auf den ersten Blick eher unscheinbar wirkende Details, wie Pflanzen, Nester, Plastikteile und mehr, die sie in einzigartige serielle Stillleben verwandeln. Ihre intensiven Landschaftsaufnahmen und die in der Natur gefundenen Stillleben treffen in der Ausstellung SICHTEN zum ersten Mal aufeinander.

Die Motive für ihre konzeptuellen Serien findet Annabelle Fürstenau vor allem in der Natur in ihrem Lebensumfeld. Sie arbeitet oft über mehrere Jahre an einem Thema, wobei ihr die stille Beobachtung und das Tun selbst mindestens ebenso wichtig sind wie das Ergebnis. Annabelle Fürstenau lebt und arbeitet in Westensee.

Unter dem Künstlernamen janKB arbeitet Jan Klose-Brüdern an seinen freien Serien. Seine Landschafts- und Architekturaufnahmen, sowie Stills und Collagen ordnet er häufig als Tableaus oder Reihen an. Die metaphorische oder assoziative Wirkung der Einzelmotive wird durch die serielle Verdichtung verstärkt. Er lebt und arbeitet in Groß Wittensee.

Führungen durch die Ausstellung:
03.07. von 15–16 Uhr Dialogführung mit janKB und Angeline Schube-Focke
01.08. von 15–16 Uhr Dialogführung mit Annabelle Fürstenau und Angeline Schube-Focke
22.08. von 15–16 Uhr Kuratorenführung mit Angeline Schube-Focke
29.08. von 15–16 Uhr Künstlerführung mit Annabelle Fürstenau und janKB
30.09. von 18–19 Uhr Kuratorenführung mit Angeline Schube-Focke
31.10. von 15–16 Uhr Finissage Annabelle Fürstenau und janKB im Gespräch mit Angeline Schube-Focke

Alternative Termine nur nach telefonischer Absprache mit Gut Wittmoldt unter 0151-46564999

Als Maler, Grafiker, Kunsthandwerker, Innenarchitekt, Visionär und Vertreter des Gesamtkunstwerks hat der Itzehoer Künstler Wenzel Hablik (1881–1934) ein beeindruckend vielseitiges und umfangreiches Werk hinterlassen.

Ein außergewöhnliches Zeugnis der Experimentierfreude und übersprühenden Fantasie des Universalkünstlers liefert eine Reihe von Tuschezeichnungen, die größtenteils in den Jahren 1908–1912 entstanden sind. Die Tuschen zeigen zumeist exotische Landschaften mit überwucherten Bäumen, großen Felsformationen und Palmen, die von Affen, Löwen, Panthern, Flamingos und
Pelikanen bevölkert werden.

Das Wenzel-Hablik-Museum widmet dieser bisher wenig bekannten Werkgruppe und damit einem weiteren künstlerischen Ausdrucksmittel Wenzel Habliks erstmalig eine eigene Sonderausstellung. Der Künstler lässt durch den Einsatz der Nass-in-Nass-Technik bewusst den Zufall seine Werke mitgestalten. Beim Auftrag von schwarzer, unverdünnter Tusche auf zuvor angefeuchtetes Papier entstehen durch den nur bedingt kontrollierbaren Farbverlauf fantastische Formen und Erscheinungen, die Hablik zu Landschaften und Tierdarstellungen ausformuliert. Für den Künstler immer wieder ein »grosses Vergnügen. Ich ruhe dabei aus – spiele mit dem Zufall und das Resultat ist eine sehr interessante Märchenphantastik«. Habliks Bildfindungen verwischen die Grenzen zwischen dem Realen und Imaginären und wirken sowohl ansprechend dekorativ als auch phantastisch-surreal.
Neben Anregungen in der Natur, findet Hablik Inspiration in der japanischen Grafik. Darüber hinaus stand der Künstler unter dem Einfluss des Wiener Jugendstils, wo die Technik des Tunkpapiers Anwendung fand. Der schöpferische Umgang mit der
Nass-in-Nass-Technik lässt den ehemaligen Studenten der Wiener Kunstgewerbeschule jedoch neue Wege gehen. Seine teils großformatigen Tuschemalereien schwelgen in Detailreichtum und erzählerischen Darstellungen. Die Schau zeigt selten gezeigte Werke aus dem eigenen Sammlungsbestand, darunter auch Blätter die erstmals öffentlich präsentiert werden. Ergänzend werden Leihgaben aus Privatbesitz ausgestellt.

Anlässlich der Eröffnung ist der Museumseintritt am Sonntag dem 4. Juli frei.

Eine Eröffnungsfeier findet aufgrund der aktuellen Umstände nicht statt.
Eintritt: 5 EURO, erm. 2,50 EURO, Schulklassen und Kinder bis 14 Jahre frei

Bild: Wenzel Hablik, Fische, 1911, © Wenzel-Hablik-Stiftung, Itzehoe

Die Politik scheint sich noch immer nicht wirklich für die Klimakatastrophe und ihre Folgen zu interessieren. Kunst kann angesichts dieser realpolitischen Unfähigkeit zu einer effektiven Klimapolitik die Rolle einer kritischen und kreativen Gegenöffentlichkeit spielen, die zugleich aufklärt, polarisiert und Dinge in Frage stellt. Sie ist nicht in der Lage, die Probleme der Welt zu lösen, aber mittels ihrer Darstellungsform kann sie verwirren, provozieren, irritieren und natürlich auch erfreuen. Sie kann Impulse setzen, inspirieren und Umweltprobleme ästhetisch erfahrbar und sichtbar machen! Nicht mehr und nicht weniger!
Die Sea Side Galerie, mitten im Weltnaturerbe Wattenmeer, ist ein virtueller Versuch.

www.seasidegalerie.de

Spiegelbilder – Harald Bickel

Open-Air-Fotoausstellung am Wyker Binnenhafen
10. August bis 10. Oktober 2021, verlängert bis 2022, 0-24 Uhr, Eintritt frei
Infos unter www.haraldbickel.com

Die Jahresausstellung von Harald Bickel findet dieses Jahr als Freiluftausstellung auf einer Länge von 150 m im Bereich des Wyker Binnenhafens statt. Über 58 Motive sind entlang der Geländer am Fischmarkt-Kai bis zur Alten Mole ausgestellt.

Der allgegenwärtige Horizont. Der Fotograf hatte die Idee, diese gerade Linie als Spiegelachse zu verwenden. Nicht die meist unvollkommene Spiegelung der Pfütze, mit der Kamera Zentimeter über dem Boden, die seltenen Momente am Meer, wenn die See wie ein Spiegel erscheint. Sondern die absolute Spiegelung, die dem Bild eine neue Realität schenkt. Hauptsächlich am Meer, manchmal irgendwo im Wald, aber auch in Hamburg oder Berlin.

Neben vertikalen Spiegelungen, die stille Wasserflächen vortäuschen, erscheinen horizontale Spiegelungen, die dem Bild Zentrum, Ruhe und Harmonie verleihen und aus bekannten Ansichten unbekannte Orte schaffen. Und die Kombination aus beidem, Zentrierungen, Vervielfältigungen. Zum flachen Blick kommt der Blick von oben, Drohnenaufnahmen. Der geneigte Blick in die Landschaft lässt die Insel zu einem kleinen Flecken im Meer schrumpfen. Der Blick ganz nach unten, Aufsichten, die Muster bilden.

Online lassen sich über QR-Codes zusätzlich Filme mit Spiegelungen in Bewegung betrachten.

Es gibt viel zu entdecken, der Zugang ist frei möglich, ohne Zugangsbeschränkungen. Achten Sie bitte auf ausreichend Abstand vor den Bildern und berühren Sie die Planen möglichst nicht. Ausstellungskatalog im Buchhandel auf Föhr.

Am Sonntag, dem 22. August hat der FKE im Atrium des Alten Rathauses seine neue Ausstellung eröffnet: Unter dem Motto „Heitzmann und Simson – zwei Generationen im Dialog“ zeigen Ewald Heitzmann und Tanja Simson im Atrium des Alten Rathauses Garding eine Auswahl ihrer Werke.  

Ewald Heitzmann hat als Gründungsmitglied und Künstler den Förderverein für Kunst und Kultur Eiderstedt wesentlich mitgeprägt. Ursprünglich aus der Graphik kommend, wandte er sich Ende der 80er Jahre der abstrakten Malerei zu. Seine überwiegend monochromen Arbeiten zeigen ein differenziertes Farbgefühl, das jeweils eine individuelle Tonlage anschlägt. Dem Prinzip der Collage kommt dabei eine herausragende Bedeutung zu: Aus einem fremden Sinngefüge alter Arbeiten (u.a. Schnittreste von Pappe, Papier, Holz, Stein, Stoff) wird ein neues Bild zusammengefügt. Es entstehen Seelenlandschaften –  sichtbare Spuren von gelebter Zeit und bereits benutzter Materie.  

Tanja Simson, eine Generation jünger, überarbeitet dagegen häufig alte Bilder. Dadurch entstehen neue Arbeiten, in denen ehemalige Strukturen (Papier, Sand, Stoff) durchscheinen und einen anderen Charakter und Sinnzusammenhang bekommen. Vergangenheit und Gegenwart im Malprozess sind daher bei der Künstlerin ein immer wieder auftauchendes Thema: Ein Schritt nach vorn durch den Blick zurück. So gibt es gemeinsame thematische Schnittstellen der beiden Künstler, aber auch Unterschiede in der Herangehensweise, Form und Farbe. Die Ausstellung ist bis zum 31. Oktober 2021 zu sehen und geöffnet Do bis So, 15 bis 18 Uhr, sowie am Markttag Di, 10 bis 13 Uhr. Ab dem 31. August ist dienstags vormittags von 11–13 Uhr immer einer der Künstler in der Ausstellung anwesend. Im Alten Rathaus gelten die jeweils aktuellen Corona-Regelungen.

Mit der aktuellen Ausstellung widmet sich das Ostholstein-Museum zwei facettenreichen, außergewöhnlichen norddeutschen Privatsammlungen, deren Spektrum von der Kunst des 16. Jahrhunderts bis heute reicht.
Die Schwerpunkte der Sammlungen umfassen neben Schleswig-Holsteinischer Kunst der Renaissance bis in die Gegenwart mit Werken von Melchior Lorck, Hans Peter Feddersen, Otto Heinrich Engel, Klaus Fußmann und weiteren zeitgenössischen Künstlern auch dänische Maler aus Skagen oder Kopenhagen wie Carl Locher und Christoffer Wilhelm Eckersberg sowie internationale Künstler der Pop Art aus der Mitte des 20. Jahrhunderts wie Andy Warhol und David Hockney.

Eine Ausstellung im Ostholstein-Museum, die Kunst- und Autofans gleichermaßen anspricht und begeistert. Präsentiert wird eine spannende Auswahl von rund sechzig Auto-Werbeplakaten aus der Plakatsammlung des Kieler Stadt- und Schifffahrtsmuseums.

Die Autoindustrie der Nachkriegszeit kreierte schon früh für jede Zielgruppe die passenden Autos, deren Bewerbung durch ausgefeilte Image- und Marketingkampagnen begleitet wurde. Dazu gehörten auch Werbe-Plakate, die dem heutigen Betrachter einen eindrucksvollen Einblick in das sich stetig verändernde Grafikdesign, die facettenreiche Umsetzung von Auto-Werbung und die Schnelllebigkeit des Marketings in diesem Bereich geben.

Die Politik scheint sich noch immer nicht wirklich für die Klimakatastrophe und ihre Folgen zu interessieren. Kunst kann angesichts dieser realpolitischen Unfähigkeit zu einer effektiven Klimapolitik die Rolle einer kritischen und kreativen Gegenöffentlichkeit spielen, die zugleich aufklärt, polarisiert und Dinge in Frage stellt. Sie ist nicht in der Lage, die Probleme der Welt zu lösen, aber mittels ihrer Darstellungsform kann sie verwirren, provozieren, irritieren und natürlich auch erfreuen. Sie kann Impulse setzen, inspirieren und Umweltprobleme ästhetisch erfahrbar und sichtbar machen! Nicht mehr und nicht weniger!
Die Sea Side Galerie, mitten im Weltnaturerbe Wattenmeer, ist ein virtueller Versuch.

www.seasidegalerie.de

Im Erscheinungsbild weithin unkontrollierbar und doch in dessen Ausführung betont kontrolliert. Dieter Joachim Jessels Bilder und grafische Blätter besetzen Gegenpole. Zwischen diesen tun sich schemati-sierend vereinfachte Figuren und mitunter beinahe gänzlich leer wirkende, surreale Landschaften nach und nach auf, wohingegen nahsichtig wiedergegebene Köpfe den Eindruck des Zerfalls der menschlichen Figur, will heißen: von Tod und Verwesung, thematisieren. Und das letztendlich nicht im Sinne naturalistischer Beschreibung, sondern vielmehr aus der Interpretation einer vermittels der Grattage-Technik erzeugten malerischen bzw. grafischen Ausgangssituation. Mit Blick auf die Surrealisten erzeugt Jessel eine neue Bildstruktur, indem er Gegenstände in die zuvor geschichteten nassen Farbschichten drückt und diese aufbricht. Im Anschluss werden Konstellationen verstärkt, einander zugeordnet und vor allem bildnerisch interpretiert. Und das auf überraschende Weise. Form und Farbe treten in ein selbstbestimmtes Verhältnis zueinander. Die im bildnerischen Akt angelegte Metamorphose implodiert, und sie erhebt den Anspruch unverstellt erfahrbarer Existenz.
Dieter Joachim Jessel wurde 1932 im schleswig-holsteinischen Tremsbüttel geboren und wuchs in Warnemünde/Rostock auf. Von 1953 bis 1957 studierte er an der Staatlichen Hochschule der bildenden Künste in Hamburg. Bis 1992 arbeitete er im Schuldienst. Seitdem ist er freischaffend tätig. Der Maler lebt in Nordfriesland.

Sommerausstellung 2021 des Ernst Ludwig Kirchner Vereins Fehmarn e.V. 2021: “Jo Kley – Ein Kosmos – Stein”, Skulpturen. mit zwei Stationen:Senator Thomsen Haus und St. Nikolai.

Die aktuelle Sonderausstellung im Schloss vor Husum zeigt Werke von K.R.H. Sonderborg. Der Maler K.R.H. Sonderborg (1923-2008), einer der international bekannten deutschen in-formellen Künstler, schuf ein ebenso umfangreiches wie differenziertes Spätwerk, das Gert Krogmann in Hamburg zu einem Schwerpunkt seiner Sammlung erkor. Trat Sonderborg zu-nächst mit ebenso gestisch wie dynamisch angelegten, in der Farbgebung auf Schwarz und Rot beschränkten Bildern hervor, wobei er in einer Art Schnellmalerei auf mechanischem Wege Spuren erzeugte, so schuf er in seinen letzten Lebensjahren nicht nur farblich ausla-dende Kompositionen, sondern fand zu einer meditativ begründeten Durchdringung der bild-nerischen Wirklichkeit. Form und Farbe treten auf diese Weise in eine veränderte Konstellation, in der, jenseits des Abbildlichen, die Momente des Welthaltigen ihren Widerpart in der eigenen psychisch bestimmenden Verfasstheit finden.

K.R.H. Sonderborg wurde als Kurt Rudolf Hoffmann 1923 in Sonderborg/DK geboren. Er studierte nach dem Zweiten Weltkrieg u. a. an der Landeskunstschule in Hamburg. Von 1965 -1990 lehrte er an der Kunstakademie Stuttgart. Sonderborg erhielt zahlreiche renommierte Preise und Auszeichnungen. Er starb 2008 in Hamburg.

Harald Popp beschäftigt sich in seiner künstlerischen Praxis mit dem Verhältnis zwischen Realität und Abbild im digitalen Zeitalter, sowie der Diskrepanz zwischen Abbildung und manipulierter Darstellung, Wahrnehmung und Wirklichkeiten.

In seiner Ausstellung Fundus in der Galerie im Marstall Ahrensburg inszeniert Harald Popp seine vielschichtigen, großformatigen Fotoarbeiten. Im Vorfeld ist der in Hamburg lebende Künstler in Ahrensburg auf Entdeckungstour gegangen. Fassaden und Gebäudeteile bilden die optischen Rahmen für die Einbettung seiner im Studio entstandenen Fotografien.

Aus einem Fundus an Dingen arrangiert Popp einzelne Gegenstände und Objektassemblagen. Seine fotografierten Arrangements lassen digital erzeugte Kompositionen vermuten. Allerdings handelt es sich um Inszenierungen realer Gegenstände, die vom Künstler klassisch analog in einem Aufbau arrangiert und fotografisch erfasst werden. Flächigkeit ist dabei ein signifikantes Merkmal, Wiederholung, wie auch die Darstellung immer gleicher Motive in verschiedenen Farb- und Formwerten.

Mit der Verbindung seiner Werke mit gesammelten Ahrensburger Ansichten, lädt Popp die Besucher:innen zum Dialog mit ihrer Umgebung ein.

Harald Popp (*1974 in Illertissen) studierte bis 2005 an der Hochschule für angewandte Wissenschaften, Hamburg.

Bitte melden Sie sich für den Ausstellungsbesuch im Buchungskalender der Galerie an:

Galerie im Marstall Ahrensburg (office365.com)

Aus Anlass seines 75. Geburtstags zeigt die Drostei über 200 Arbeiten des Malers, Grafikers und Illustrators Erhard Göttlicher. Die Werkschau umfasst seine bedeutendsten Werkkomplexe. Ob Akte, Landschaften, Industriestandorte, Stadtansichten von Venedig oder gesellschaftskritische Illustrationen, immer schaut Erhard Göttlicher mit offenem, kritischem Blick auf sein jeweiliges Motiv. Er beschönigt nichts, er beschreibt, was er sieht. Das kann berührend sein, amüsant, provokant, aber immer ist es sein respektvoller Blick auf Mensch und Natur, der in seinen Arbeiten durchscheint.

Erhard Göttlicher, in Graz geboren, lebt und arbeitet seit Jahrzehnten in Uetersen und seit einigen Monaten in einem zweiten Atelier auf der Carlshöhe in Eckernförde. Als Maler und Zeichner hat er sich früh einen Namen gemacht, zahlreiche Preise und Auszeichnungen schon in den frühen 70er Jahren zeugen davon. So gewann er 1977/78 das Villa Massimo Stipendium der Deutschen Akademie Rom und nachfolgend viele weitere Preise. Als Auszeichnung ist wohl auch anzusehen, dass er bereits 1975, im Alter von 29 Jahren, als Dozent für Akt- und figürliches Zeichnen an die FH Hamburg und 1980 zum Professor für
Kunst und Illustration an die Hochschule für Angewandte Wissenschaften (HAW) berufen wurde, an der er bis 2012 lehrte.

„Die Kunst ist und war meine Art, Kritik zu üben“, sagt Erhard Göttlicher und wurde so auch von verschiedenen Zeitungsverlagen mit Illustrationsaufträgen betraut, z.B. dem ZeitMagazin oder dem Stern, für den er u.a. eine Bilder-Serie zu „Schindlers Liste“ malte. Erhard Göttlicher ist seit 1991 Mitglied der Künstlergruppe „Norddeutsche Realisten“, mit denen gemeinsam er im Jahr 2013 den Kunstpreis der Schleswig-Holsteinischen Wirtschaft gewann. Seine Arbeiten finden sich in unzähligen privaten Sammlungen und über 40 nationalen und internationalen Museen.

Aus Anlass dieser Ausstellung haben wir Erhard Göttlicher eine Folge unseres Podcasts „Auf dem Land-Nicht hinterm Mond“ gewidmet. Das Gespräch ist über unsere Website www.drostei.de zu hören und über alle gängigen Podcast-Plattformen.

Vernissage

Sonntag, 12. September, 11 Uhr
Coronabedingt ist die Teilnehmerzahl begrenzt, wir bitten um Anmeldung unter
info@drostei.de oder telefonisch unter 04101/21030.

Bei großer Nachfrage wird es zwei weitere Zeitfenster geben um 12.30 und um 14 Uhr, in
denen der Künstler und auch Augustin Noffke zur Verfügung stehen.
Der Eintritt zur Vernissage ist frei.

Walfahrt ist ein Soziales Kunstprojekt, das die Künstlerin Eike Eschholz seit 2016 als Gast
bei den Mitgliedern des Council of the European Grandmothers durch Europa geführt hat.
Die Ergebnisse all ihrer Begegnungen, gemachten Erfahrungen und Erkenntnissen hat sie künstlerisch umgesetzt und transportiert so die Botschaften dieser beeindruckenden Frauen in symbolischer Darstellung.
Der Präsentation haben sich die Künstlerinnen Marlies Biermann, Guna Scheffler und Jana Zouari
mit ihren Werken in Ton, Stein und Fotografie angeschlossen und nehmen die Besucher:innen mit
auf eine Reise der besonderen Art.

Die kunst- und kulturhistorische Tradition der natürlichen Landschaftsdarstellung und ihre Motive (unter anderen das Erhabene oder die Idylle) sind unlängst der Lebenswirklichkeit und Alltagserfahrung einer durch die Ausweitung urbaner Räume stark limitierten Natur gewichen. Gleichzeitig war „Landschaft“ noch nie einfach ein Stück Natur, auch nicht in der Kunstgeschichte. Das künstlerische Abbild von Natur ist ebenso weit von der Wahrheit entfernt wie von der Natur an sich. Motivauswahl, Komposition und Arrangement von Naturelementen machten Landschaftsgemälde immer schon zu Collagen, nur dass man keine geklebten Versatzstücke oder Schnitte sieht.

Landschaft ist jenseits geografischer oder topografischer Zuschreibungen heute immer Kulturlandschaft, das betrifft insbesondere deren Rezeption und Darstellung. Sie ist längst zur „Stadt-(land)-schaft“ geworden und abhängig von der gesellschaftlichen Herrschaft der Städte über das Land. Durch moderne Logistik- und Kommunikationsnetzwerke, Urbanisierung und Industrialisierung landschaftlicher Flächen sowie Metropolisierung und Kosmopolitisierung urbaner Räume, hat sich das Aussehen von „Landschaft“ in unserem Kulturkreis vollkommen verändert.

Die von Prof. Claus Friede (Hamburg) kuratierte Gruppenausstellung präsentiert Videowerke von elf internationalen Künstler*innen und zeigt aus individuellen und sehr unterschiedlichen Blickwinkeln wie differenziert heute mit Landschaft und deren Urbanisierung kulturell umgegangen wird. Subjektive Landschaftserfahrungen treffen auf ideale und kulturelle Vorstellungen von Landschaft sowie Strategien und Potenziale deren Inszenierung.

Künstler*innen: Ross Constable (US), Ólafur Sveinn Gíslason (IS), Jonna Kina (FI) Gor Margaryan (AR/DE), Katrīna Neiburga (LV), Till Nowak DE/US), Lois Patiño (SP), Wibke Rahn (DE), Melanie Smith (UK/MEX), Clemens Wittkowski (DE), Gabriele Worgitzki (DE)

Am bekanntesten ist der Künstler Ben Siebenrock durch seine monumentalen Steinskulpturen geworden.
Viele seiner Arbeiten sind auch im öffentlichen Raum anzutreffen.

Sein künstlerisches Werk ist tatsächlich weitaus umfangreicher. Zu sehen sind neben Modellen und kleineren Skulpturen Malerei, Grafik, Collagen, Keramik, Readymades, Künstlerbücher, Texte und Lyrik.

Erstmals stellt die Galerie 11 Corinna Weiner aus Berlin in einer Einzelschau umfassend vor.
1977 in Berlin geboren und aufgewachsen, malt Corinna Weiner von frühster Kindheit an und studiert noch während der Schule bereits an der Universität der Künste Berlin u.a. bei Georg Baselitz. 1999 geht sie mit einem Erasmus-Stipendium an die Ecole des Beaux-Arts de Marseille, Frankreich. 2002 folgt ein Jahr im New York Studio School for Drawing and Painting, New York, USA.
Sie wurde mehrfach ausgezeichnet, zuletzt 2019 mit dem Rembrandt Award beim Malysymposium in Nordwijk ant Zee, Niederlande.
Corinna Weiner gehört zur Nachfolgegeneration der Malergruppe der Norddeutschen Realisten. In dieser Formation, die sich regelmäßig einzelnen Orten widmet, nahm sie auch bereits mehrfach malend teil.
Sie erforscht in ihrer realistischen Malerei die Darstellungsweisen verschiedener Befindlichkeiten. Körper, einzelne Hautpartien, aber auch Alltagsszenen gehören zu ihrem Motivkreis. Ihre Bilder erscheinen wie Spiegel der eigenen Fragestellung, versuchen Antworten zu geben auf die normalen Themen im Leben – neben Rollenkonventionen auch Sinnlichkeit, Vergänglichkeit und Sehnsucht.
Hauptfigur ihrer Malerei ist sie selbst. Verschiedene Variationen zeigen aber lediglich eine junge Frau – ohne Gesicht bleibt die Darstellung anonym und provoziert umso mehr ein Hinterfragen durch den Betrachter.
Die Ausstellung stellt die Berliner Malerin erstmals in der Galerie 11 vor. Die Eröffnung findet statt am Sonnabend, 14. August, 2021, um 17 Uhr mit einem Interview – unter Berücksichtigung der aktuellen Vorschriften.
Danach ist die Ausstellung noch bis zum 18. September 2021 in der Galerie 11 zu den regelmäßigen Öffnungszeiten zu sehen: Do Sa 11-14 Uhr und Fr 15-18 Uhr.

Man mag der These folgen, in Restaurants nicht immer unter den Tisch schauen zu wollen. Weit gefehlt! Zumindest in Nieblum auf Föhr im SAIMONS – Föhrs kleinem Restaurant, lohnt sich der Blick nach unten im Besonderen. Hier entsteht gerade eine fiktive und abstrakte Unterwasserwelt des Föhrer Künstlers PAN mit popartigen Fischkörpern, die im Wechselspiel der einfarbigen Pflanzenwelt ihre Position im Laufe der kommenden Monate immer wieder – auch mit Ergänzung neuer Pflanzenformen – wechseln und für die Augen des Gastes neu ausrichten. Und so entsteht ein Bild im Kopf des Betrachters, das dem Fischbild einer im Ganzen gebratenen Seezunge oder eines Wolfbarsches auf dem Teller in nichts nachsteht.
Zum optischen gesellt sich hier der gustatorische Genuss hinzu.
www.saimons.de www.kunsteins.de

Erstmals in diesem Umfang nimmt die Ausstellung die vielfältigen Ausdrucksformen einer Generation von Frauen aus Europa und Nordamerika auf, die selbstbewusst und ausdrucksstark die weniger bekannte Seite der Pop-Art formen. Amazons of Pop! zeigt entschlossene Kämpferinnen für die eigene Emanzipation und aktive Verfechterinnen politischer und sozialer Fragen. Sie überschreiten Grenzen in der männlich geprägten Kunst der Zeit und erproben den Umgang mit neuen und ungewöhnlichen Materialien wie beispielsweise Plastik. Das Spiel mit Persönlichkeiten, fiktiven Charakteren und Leinwand-Heldinnen durchzieht die Arbeit dieser Künstlerinnen, die mit großer Experimentierfreude, Fantasie, Unerschrockenheit und strategischem Gespür auftreten und dabei sehr bewusst die spannungsvollen geopolitischen und gesellschaftlichen Umstände ihrer Zeit wahrnehmen. Amazons of Pop! lädt mit rund 100 Werken aus Malerei, Installation, Performance, Skulptur und Film ein, in die Welt des Pop und in eine Zeit des Aufbruchs der 1960er und beginnenden 1970er Jahre einzutauchen.

Eine Ausstellung des MAMAC Nizza in Zusammenarbeit mit der Kunsthalle zu Kiel und dem Kunsthaus Graz sowie der Unterstützung von Manifesto Expo.

Mit: Evelyne Axell, Barbarella, Brigitte Bardot, Marion Baruch, Pauline Boty, Martine Canneel, Lourdes Castro, Judy Chicago, Chryssa, France Cristini, Christa Dichgans, Jane Fonda, Ruth Francken, Ángela García, Jann Haworth, Dorothy Iannone, Jodelle, Sister Corita Kent, Kiki Kogelnik, Kay Kurt, Nicola L., Ketty La Rocca, Milvia Maglione, Lucia Marcucci, Marie Menken, Marilyn Monroe, Isabel Oliver Cuevas, Yoko Ono, Ulrike Ottinger, Emma Peel, Pravda La Survireuse, Martha Rosler, Niki De Saint Phalle, Carolee Schneemann, Marjorie Strider, Sturtevant, Walentina Tereschkowa, May Wilson.

Zu seinem 90. Geburtstag widmet das Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) dem international bekannten Illustrator, Autor und Lebenskünstler Janosch eine große Ausstellung. Im Mittelpunkt steht seine Lebenskunst, sie ist Teil der Inszenierung seiner Biografie. Janoschs Kunst, dem Leben zu begegnen, zieht sich auch in vielen Facetten durch sein Schaffen und spiegelt sich in seinen Figuren. Er zeigt keine heile Welt – seine Welt ist roh und zärtlich zugleich, voll Schönheit, Wünschen und Freundschaft, aber auch voll Grausamkeit, Lüge und Gefressenwerden.

Der kleine Bär, der kleine Tiger, der Mäusesheriff, Onkel Popoff, Wondrak oder Luise: Janoschs Protagonist*innen sind immer auf der Suche nach ihrem persönlichen Panama. Absichtsvoll oder unbemerkt verlassen sie Wirklichkeit und Wahrheit, erleben das Bekannte neu und wieder, lernen und lehren, das Normale als besonders und das Besondere als normal zu sehen. Die Ausstellung zeigt rund 150 originale Zeichnungen und Grafiken aus vielen Epochen von Janoschs Schaffen – Bekanntes, das im Original betrachtet neu ist, und Unbekanntes, das durchs Betrachten vertraut wird.

Janoschs Geschichten haben Großen und Kleinen, Menschen mit und ohne Herausforderungen etwas mitzuteilen. Sie geben Botschaften weiter, ohne sich aufzudrängen. Die Ausstellung nimmt diesen Faden auf und vereint mehrere Perspektiven und Zugänge, parallel in denselben Räumen zu denselben Themen auf mehreren wörtlichen und übertragenen Augenhöhen.

In der Ausstellung Unreal Habitat im Gallery Cubeplus präsentieren Hannah Bohnen, Paul Rutrecht und Alex Williamson eine Zeitung, die ergänzend zu der Arbeit liquid lines erscheint.

Die Künstlerin Hannah Bohnen übersetzt in der Arbeit liquid lines, die vor dem Hörnbad in Kiel entsteht, unterschiedliche Schwimmbewegungen in einen dynamischen Linienverlauf.

Die Zeitung zeigt den Entstehungsprozess und ergänzt die Arbeit um weitere künstlerische Ebenen.

Der Akt der Erfassung des Vergänglichen – making it absolute – ist eine Methode, um den Lauf der Zeit durch die künstlerische Praxis aufzudecken. Die künstlerische Intervention dient als Erinnerung an Flüchtigkeit und verleiht dem, was sonst vergänglich ist, Beständigkeit.

Die Zeit geht nicht nur an der Linie vorbei, sondern auch durch sie hindurch.

Einweihung der Arbeit liquid lines am 9.10. um 15 Uhr vor dem Hörnbad in Kiel

Eine Ausstellung der St. Petri-Kirche zu Lübeck und der Overbeck-Gesellschaft in Kooperation mit der Tichy Ocean Foundation anlässlich des 10. Todestages von Miroslav Tichý (1926-2011).

mit:
Shahin Afrassiabi (IRN), Christian Boltanski (F), Sophie Calle (F), Nick Cave (AUS), Björn Dahlem (D), Gelitin (AT), Katharina Grosse (D), Eva Kot‘átková (CZ), Goshka Macuga (POL), Michael Nyman (UK), Marc Quinn (UK), Andrei Roiter (RUS), Miroslav Tichý (CZ) und Georg Winter (D)

Seemann, deine Heimat ist das Meer
Art prêt-à-porter – Kunst von der Stange im Musikpavillon in Wyk auf Föhr

Eine ganz besondere Symbiose erscheint da Ende Oktober am Horizont der Insel Föhr im Weltnaturerbe Wattenmeer. Eine Ausstellung mit Arbeiten von mir zum Thema Seemann/Matrosen/Walfänger parallel zur Veranstaltungsreihe TATORTE KUNST in Wiesbadens Galerie- und Atelierszene.
Geplant ist eine zeitgleiche Teilnahme mit Liveschalte und kommunikativer Berichterstattung über FB/WhattsApp und Webcam als „Kreativer Außenposten“ von Föhr aus.
Arbeitstitel Art prêt-à-porter – Kunst von der Stange. Während der Abschlussveranstaltung können die Arbeiten über den Seemann/Matrosen/Walfänger, der die Ausstellung prägt und neben der Präsentation in den Scheiben auch auf Kleiderbügeln hängen, direkt mitgenommen werden.
Es gibt aktuell nur wenig Berufe, die so von Mythos, Fiktion und „Seemannsgarn“ geprägt sind, wie die der Seefahrer. Das Bild ist über Jahrzehnte in Literatur, Film, Comic und Musik als Klischee verfestigt worden, das einen ständig angetrunkenen, tätowierten und nach Freiheit und Ungebundenheit schauenden Raufbold beschreibt. Und gerade der Film hat in den letzten Jahrzehnten einen cineastischen Eindruck des Seemanns hinterlassen. Piraten und Offiziere, Wale und Eisberge: Wer zur See fährt, muss mit allem rechnen. Am 10.04.2013 begann für mich von Singapur aus eine Reise ins künstlerische Ungewisse. Mein Arbeits- und Kommunikationsplatz war die COSCO GERMANY, eines der größten Containerschiffe Deutschlands, das zu diesem Zeitpunkt im Liniendient zwischen Asien und Europa fährt. Ein schwimmendes Atelier, das 330m lang, 42m breit und etwa 60m hoch war. Auf Einladung der Reederei E.R.Schiffahrt Hamburg konnte ich dreierlei Aspekte künstlerischer Arbeit erproben. Wasser, Zeit und Raum. Die Reise endete schließlich von einer Piratenattacke im Golf von Aden vor Durchfahrt des Suezkanals am 25.05. in Barcelona. Im Oktober 2015 war dann die Ostsee mit einem Feederschiff Ziel meiner Begierde. Der erneute Höhepunkt war im Frühjahr 2017 allerdings die Reise auf der Fort St. George der französischen Reederei CMA CGM von Hamburg, über Le Havre, Puerto Rico, Guatemala nach Costa Rica. Im Frühjahr 2018 ging es dann von Antwerpen Richtung Karibik und zurück. 2020/21 war eine Reise mit einem Autotransporter über Hamburg – Antwerpen – Liverpool – Halifax – New York und zurück geplant. Corona hat die Pläne durchkreuzt. Dennoch haben alle Reisen Erfahrungen mit einem anderen Berufsbild ermöglicht, das ein anderes ist, als das oben beschriebene Bild geprägt ist und für mich deutlicher in meinem Gedächtnis verankert ist. Dennoch wird die Kinoleinwand weiterhin mit anderen Bildern arbeiten.
Hier einige Beispiele.
Hier nur einige Beispiele: Panzerkreuzer Potemkin (1925), Der Herr der sieben Meere (1940), Der Seewolf (1941), Große Freiheit Nr. 7 (1944), Mobby Dick (1956), Der alte Mann und das Meer (1958), Meuterei auf der Bounty (1962), Die Schatzinsel (1966), Das Boot (1981), Master & Commander (2003), Fluch der Karibik (2003), Life of Pi: Schiffbruch mit Tiger (2012) und Captain Phillips (2013) usw., die ja zum Teil alle auch literarische Vorlagen haben. Ich verweise hierbei auf Melville, Jack London, Robert Louis Stevenson, Jules Verne oder Stefan Zweigs Magellan, das ich gerade lese.
Die Arbeit Seemann/Matrose/Walfänger ist eine Adaption und Interpretation eines alten Holzstiches, den ich in einer englischen Zeitung aus dem 19.Jhrdt. entlehnt und unter dem kunsttheoretischen Arbeitstitel „Maritime Popart“ veröffentlicht habe. Es handelt sich bei der Darstellung wahrscheinlich um die Mannschaft eine Rettungsbootes, die noch deutlicher den Bedingungen des Meeres gegenüberstehen. Als künstlerisches Transformationsepoche habe ich dabei gezielt die Pop-Art gewählt. Sie steht für popular art (engl. popular = beliebt, volkstümlich). Der englische Kunstkritiker Lawrence Alloway, der seit den 1960er Jahren in den Vereinigten Staaten lebte, prägte den Begriff, um zu zeigen, dass die Kunst ihren Ursprung in der zeitgenössischen Populärkultur hat. Außerdem lässt sich auch ein Bezug zum englischsprachigen Wort „pop“ (Knall) herstellen. Bei der Pop-Art werden die Formen, wie in Comic-Heften, mit schwarzen Linien umrandet (Outlines). Die Gegenstände sind häufig ohne Tiefe, also flächig gestaltet. Es werden meist nur unbunte und Primärfarben verwendet. In den Gemälden, Collagen, Skulpturen, Fotomontagen und Happenings der Pop-Art-Künstler tauchen dabei verstärkt Materialien des öffentlichen Lebens auf.
Als eine der wichtigsten Kunstbewegungen der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts wirkte die Pop-Art auch auf Werbung, Unterhaltungsmusik, Graphik-Design und Mode. Indem sie sich das Motto des amerikanischen Komponisten John Cage zu Eigen machten, die Kluft zwischen Leben und Kunst zu schließen, ließen sich die Pop-Art-Künstler auf die Wirklichkeit des Alltags ein. Sie verwendeten Bilder, die die Penetranz der Massenkultur spiegeln sollten, um eine unmittelbare Wahrnehmung der Realität zu erreichen, wie sie in der realistischen Malerei der Vergangenheit nie gelingen konnte. Ziel war es dem Betrachter einen direkten Kontakt zum Kunstwerk zu ermöglichen und weniger auf Absicht und Persönlichkeit des Künstlers zu verweisen. Aber auch satirische und kritische Momente sind in der Pop-Art festzustellen. Und gerade diese Form der Kunst dient mir als Grundlage der Vermittlung des Themas Seemann/Matrosen/Walfänger. Der Seemann am Ruder seines Bootes ist der Ausgangspunkt für eine vielfältige künstlerische Transformation. Dabei werden die Silhouetten positiv und negativ ausgeschnitten und mit anderen Arbeiten von mir übermalt und gegebenenfalls mehrfach überdruckt. Dabei spielt das Papier, der Ausdruck und die Verwendung von Filtern eine immer größere Rolle, um der vielfältigen Gestaltungsmöglichkeit dieser einzigen Figur gerecht zu werden. Diese Vielfalt soll gleichzeitig der Vielfalt von Berufen und den Nationalitäten als Spiegelbild der Arbeitswelt an Bord eines Arbeitsschiffes aufzeigen. Ein kreativer Versuch!

Start-up 4 ist die vierte Ausstellung einer neuen Ausstellungsreihe des BBK-SH in Zusammenarbeit mit dem Ministerium für Bildung, Wissenschaft und Kultur des Landes Schleswig-Holstein.

Ausstellende Künstlerinnen und Künstler:

Deborah Di Meglio

Atif Gülücü

Hanako C. Hahne

Elmar Jacob

janKB

Monika Rathlev

Roswitha Steinkopf

Besucherinnen und Besucher werden gebeten, sich an der Pforte auszuweisen.