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Vivaldi hat 1725 ein barockes Meisterwerk geschaffen. Fast 250 Jahre später griff der Argentinier Piazzolla die Idee auf, vier Jahreszeiten zu vertonen. Der eine ließ die Natur erklingen, der andere das städtische Leben. Mit der Gegenüberstellung der beiden Werke verspricht das Hamburg Stage Ensemble einen Konzertabend voller Hörgenuss. Er hat mehr als 50 Opern komponiert, aber seine bis heute anhaltende Popularität basiert auf vier Violinkonzerten, die mit den vier Jahreszeiten betitelt sind. Antonio Vivaldi hat 1725, also vor fast 300 Jahren, in einer zeitlosen Lautmalerei die Naturereignisse, Wetterphänomene und Stimmungen von Frühling, Sommer, Herbst und Winter vertont. Der argentinische Musiker Astor Piazzolla ging in den Jahren 1965 und 1969 daran, in „Vier Jahreszeiten von Buenos Aires“ („Cuatro Estaciones Porteñas“) das Leben der Menschen musikalisch zu verarbeiten. Vivaldi ist ein herausragender Vertreter des Barock. Piazzolla haftet das Klischee des Tango-Musikers an, tatsächlich geht sein musikalisches Wirken weit über die „Erfindung“ des „Tango Nuevo“ hinaus. Er steht weit vorn an der Spitze der südamerikanischen Komponisten. Piazzollas Musik besitzt große Intensität und wird von vielen Einflüssen geprägt, die von Neutönern des 20. Jahrhunderts bis zum zeitgenössischen Jazz reichen. Sowohl Vivaldis als auch Piazzollas Jahreszeiten reichen für sich schon für einen lohnenden Konzertabend, um so reichhaltiger wird eine Gegenüberstellung der beiden epochalen Werke. Zwischen ihnen liegen fast 250 Jahre, in denen sich musikalischer Geschmack und Hörgewohnheiten verändert haben. Gemeinsam ist beiden, dass sie von hohem musikalischen Wert und schlichtweg ein Hörgenuss sind. Und: Beide Kompositionen verlangen Interpreten mit virtuosen Fähigkeiten. Das unter der Leitung von Arsen Zorayan stehende Hamburg Stage Ensemble setzt sich aus jungen, hochqualifizierten Instrumentalisten zusammen, die gemeinsam die Vision verfolgen, Musik nicht nur zu spielen, sondern auch zu vermitteln. Dabei steht die Freude am gemeinsamen Spiel im Mittelpunkt. Durch die kleine Besetzung und den bewussten Verzicht auf einen Dirigenten soll das Publikum unmittelbar am Konzertgeschehen teilhaben können. Wie das Programm ist auch die Vielfältigkeit der Musiker groß. Sie kommen aus verschiedenen Ländern und haben in Deutschland studiert. So bringt jeder andere kulturelle Aspekte mit in das Spiel. Die Synthese aus Individualität und Anpassung führt zu einem unvergleichbaren Klangerlebnis. Der enorme Erfahrungswert im Orchester- und Kammermusikspiel jedes Einzelnen sowie die hervorragende Technik, die unter anderem bei internationalen Wettbewerben unter Beweis gestellt wurde, gewährleisten ein hohes Maß an Professionalität. Konzertreisen führten die Musiker in viele Länder in Europa, Asien und Südamerika. Zu den Aufführungsstätten des Hamburg Stage Ensembles zählen die Elbphilharmonie und die Laeiszhalle in Hamburg, der Französische Dom in Berlin, die Berliner Philharmonie, das Gewandhaus zu Leipzig und viele weiterer große Konzertsäle. Arsen Zorayan erklärt: Das Hamburg Stage Ensemble versteht sich als Botschafter für mehr Toleranz in der Gesellschaft und zwischen den Kulturen getreu dem Motto „Musik verbindet“. Mehr erfahren Sie unter www.hamburg-stage-ensemble.com

Das bewegende Andersen-Märchen „Die kleine Meerjungfrau“ hat der Lübecker Komponist Àkos Hoffmann in Musik übersetzt. Wie bei „Peter und der Wolf“ werden die Figuren durch Instrumente lebendig. Bei den Konzerten der Kammerphilharmonie Lübeck wird Àkos Hoffmann zum Erzähler: Es sind Konzerte für Menschen jeden alters ab vier Jahren. In dem Märchen „Die kleine Meerjungfrau“ beschreibt Hans Christian Andersen bedingungslose Hingabe und Liebe. Ákos Hoffmann, Komponist, Klarinettist und Arrangeur aus Lübeck, hat die anrührende Geschichte für Erzähler und Orchester vertont und dabei vor allem Kinder ab vier Jahren im Blick. Das Konzept, die Figuren durch bestimmte Instrumente lebendig zu machen, folgt dem Beispiel des berühmten Musikmärchens „Peter und der Wolf“ (1936) von Sergei Prokofjew. Die Meerjungfrau zum Beispiel wird durch eine zart tänzelnde Flöte dargestellt und eine düster grummelnde Bassklarinette ist die Stimme der Meerhexe. Impressionistische erinnernde Klänge lassen in die geheimnisvollen Tiefen des Meeres abtauchen und das Publikum in sphärischen Klangmalereien träumen. Durch die Vertonung einzelner Charaktere und der Gegensätze der Welten erfahren vor allem junge Zuhörer viel über verschiedene Klänge und Techniken der Instrumente und den Reichtum musikalischer Stile und Epochen. Außerdem wird das Publikum bei einigen Stellen in die Handlung mit einbezogen, darf zum Beispiel einen Zauberspruch in Begleitung des Orchesters mit aufsagen. Ákos Hoffmanns Stück zählt mit mehr als 60 Aufführungen in Deutschland und der Schweiz zu den erfolgreichsten Kinder-Orchesterkompositionen der letzten Jahre. Großen Zuspruch des Publikums ernteten jüngst auch die Familienkonzerte der Kammerphilharmonie (Kaphil!) im Januar im Kolosseum in Lübeck. Ákos Hoffmann (*1973) studierte Klarinette und Schulmusik an der Musikhochschule Lübeck und an der Hochschule für Musik und Theater Hamburg. Neben seiner internationalen Konzerttätigkeit ist er musikalischer Leiter, Arrangeur und Komponist, arbeitet als Musiklehrer an einem Musikgymnasium und hat einen Lehrauftrag für Klarinette an der Musikhochschule Lübeck. Mehr erfahren Sie unter www.kaphil.de

In dem Märchen „Die kleine Meerjungfrau“ beschreibt Hans Christian Andersen bedingungslose Hingabe und Liebe. Ákos Hoffmann, Komponist, Klarinettist und Arrangeur aus Lübeck, hat die anrührende Geschichte für Erzähler und Orchester vertont und dabei vor allem Kinder ab vier Jahren im Blick. Das Konzept, die Figuren durch bestimmte Instrumente lebendig zu machen, folgt dem Beispiel des berühmten Musikmärchens „Peter und der Wolf“ (1936) von Sergei Prokofjew. Die Meerjungfrau zum Beispiel wird durch eine zart tänzelnde Flöte dargestellt und eine düster grummelnde Bassklarinette ist die Stimme der Meerhexe. Impressionistische erinnernde Klänge lassen in die geheimnisvollen Tiefen des Meeres abtauchen und das Publikum in sphärischen Klangmalereien träumen. Durch die Vertonung einzelner Charaktere und der Gegensätze der Welten erfahren vor allem junge Zuhörer viel über verschiedene Klänge und Techniken der Instrumente und den Reichtum musikalischer Stile und Epochen. Außerdem wird das Publikum bei einigen Stellen in die Handlung mit einbezogen, darf zum Beispiel einen Zauberspruch in Begleitung des Orchesters mit aufsagen. Ákos Hoffmanns Stück zählt mit mehr als 60 Aufführungen in Deutschland und der Schweiz zu den erfolgreichsten Kinder-Orchesterkompositionen der letzten Jahre. Großen Zuspruch des Publikums ernteten jüngst auch die Familienkonzerte der Kammerphilharmonie (Kaphil!) im Januar im Kolosseum in Lübeck. Ákos Hoffmann (*1973) studierte Klarinette und Schulmusik an der Musikhochschule Lübeck und an der Hochschule für Musik und Theater Hamburg. Neben seiner internationalen Konzerttätigkeit ist er musikalischer Leiter, Arrangeur und Komponist, arbeitet als Musiklehrer an einem Musikgymnasium und hat einen Lehrauftrag für Klarinette an der Musikhochschule Lübeck. Mehr erfahren Sie unter www.kaphil.de

Die schönsten Arien und Duette aus beliebten Opern versprechen Jinny G. Bertschin (Sopran) und Timothy Richards (Tenor), begleitet von Chris Carter am Flügel. Das Programm bilden Lieder aus Werken großer Meister von Verdi bis von Weber. Timothy Richards eroberte 2022 als Pinkerton in der „Madama Butterfly“ die Herzen des Eutiner Publikums. Opern sind schön, aber fordern oft Ausdauer. Eine kurzweilige Reise durch die Opernwelt bietet unser Abend „Viva la Opera!“ mit Jinny G. Bertschin (Sopran) und Timothy Richards (Tenor), die in Begleitung von Chris Carter am Flügel die schönsten Arien und Duette aus beliebten Opern singen. Unter den erlesenen Werken sind Stücke aus der Weber-Oper „Der Freischütz“, aus den Puccini-Opern „Tosca“, „Madama Butterfly“ und „La Bohème“ und aus Verdis „Macht des Schicksals“. Timothy Richards dürfte den Opern-Besuchern der Eutiner Festspiele 2022 in Erinnerung sein: „Timothy Richards legt den rücksichts- und gedankenlosen Lebemann Pinkerton so dicht in Stimme und Gestik, dass man sich kneifen muss, um ihm am Ende den wohlverdienten Applaus zu spenden,“ beschrieb eine Rezensentin seine herausragende Interpretation bei „Madama Butterfly“ auf der Eutiner Seebühne. Der Waliser studierte am Royal Welsh und am Royal Northern College of Music, sein Debüt feierte er 1998 als Alfredo Germont („La Traviata“) an der Welsh National Opera, danach folgten Engagements in Basel, Innsbruck und Oslo. Als italienischer Tenor in „Der Rosenkavalier“ begann er seine Kariere in Deutschland an der Semperoper Dresden, weitere Stationen waren die komische Oper und die Staatsoper Berlin, bevor Engagements in vielen Opernhäusern in Europa folgten. Den Schwerpunkt seines insgesamt breit gefächerten Repertoires bilden französische und italienische Opern. Die koreanische Sopranistin Jinny Bertschin, Jahrgang 1993, absolvierte ihr Gesangsstudium als Jahrgangsbeste an der Sang Myung Universität in Seoul. Neben unzähligen Auftritten und Wettbewerbserfolgen brillierte sie in Hauptrollen großer Opernklassiker von Mozart über Donizetti bis Puccini. Nach einem Masterabschluss mit Bestnoten an der Zürcher Hochschule der Künste studiert sie seit einigen Monaten intensiv privat bei Ivan Konsulov, Gesangspädagoge in Zürich. Seit September 2022 ist sie in der der Oper Zürich in verschiedenen Opern zu hören, daneben ist sie bei Konzerten eine gefragte Sängerin. Der britische Pianist Chris Cartner hat in London und in Amsterdam studiert. Von 2008 bis 2016 war er in Australien einer der gefragtesten Solopianisten und Begleiter, er hat in Sydney mit Dirigenten wie Vladimir Ashkenazy, Charles Dutoit und David Robertson gearbeitet. Seit 2017 lebt Chris Cartner in Berlin, wirkt als Solopianist und Korrepetitor und arbeitet an verschiedenen Projekten. Er war Gastpianist an diversen Opernhäusern in Europa. Seit 2022 dirigiert er in Berlin den Madrigalchor Kreuzberg.

Verbrechen an Frauen sind schlimm genug. Noch schlimmer wird es, wenn Schweigen das erlittene Leid vergrößert. Das Zwei-Personen-Stück „Wölfinnen“ mit Irene Kleinschmidt und Franziska Mencz, das Publikum und Kritik sehr beeindruckt hat, präsentieren die Eutiner Festspiele in Zusammenarbeit mit dem Kulturbund Eutin.
Der Autor und Regisseur Hans König hat mit „Wölfinnen“ ein viel gelobtes Werk geschaffen. Es geht um Verbrechen, die Frauen erlitten haben und totgeschwiegen werden. Und es geht um die Folgen, die mit der Verweigerung einer Auseinandersetzung für die betroffenen Frauen und auch ihre Nachfahren verbunden sind.

Die Handlung: Susanne pflegt in Quedlinburg ihre sterbende Mutter Waltraut. Kurz vor dem absehbaren Tod Waltrauts erscheint die jüngere Schwester Inga, die schon lange im Westen lebt und ihre Mutter ein letztes Mal sehen möchte.

Die beiden Schwestern haben sehr verschiedene Lebensläufe, Ansichten und Werte. Susanne, die die Mutter jahrelang pflegte, sieht sich als Opfer der Wende und des politischen Systems. Die jüngere Schwester ist als erfolgreiche Akademikerin im Westen „angekommen“.

In einem schmerzhaften Annäherungsprozess entdecken sie, wie sehr die von der Kriegs- und Nachkriegszeit geprägten Verhaltensmuster ihrer Großmutter und Mutter sie geprägt haben. Darüber finden sie langsam wieder einen Zugang zueinander.

Das Stück thematisiert dabei besonders die Übertragungen erlittener Traumata zwischen den Generationen an die Oberfläche. Was Susanne und Inga nicht wissen, zieht sich gleichsam wie ein roter Faden durch das personenreiche und kulissenarme Stück.

Waltraut ist das Kind einer Vergewaltigung ihrer Mutter durch einen Soldaten. Begleitet von einer lebenslangen, mehr oder weniger offenen Ablehnung durch den Mann der vergewaltigten Mutter, der erst Jahre später aus russischer Kriegsgefangenschaft zurückkehrte, wurde Waltrauts Geschichte in der Familie aktiv „beschwiegen“. Das hat Folgen für die betroffenen Frauen und ihre Nachfahren.

Bei dem Kammerspiel „Wölfinnen“ führt der Autor Hans König auch Regie. In verschiedenen Rollen agieren die Bremer Schauspielerinnen Irene Kleinschmidt und Franziska Mencz.

Irene Kleinschmidt wurde 1962 in Mecklenburg geboren, nach ersten Theaterengagements in Neustrelitz, Schwerin und Erfurt kam sie 1994 an das Theater Bremen. Dort erhielt sie 1997 den Publikumspreis Silberner Roland und 2007 den Kurt-Hübner-Preis der Bremer Theaterfreunde.

Franziska Mencz war sieben Jahre am Tiroler Landestheater Innsbruck und am Deutschen Theater in Göttingen, bevor sie sich 2004 entschied, freischaffend als Theaterschauspielerin und Rezitatorin in Bremen zu arbeiten.

Hans König war Liedermacher und Kabarettist, bevor er sich dem Theater verschrieb: 1984 war er Mitgründer der Aktionstheatergruppe theatre du pain, als freischaffender Regisseur spezialisierte er sich seit den frühen 1990er Jahren auf Theaterprojekte.

Drei Meister, drei Epochen und drei Kulturkreise vereinen Markus Menke (Violine) und Tobias Göbel (Klavier) als „duo saitenweise“ in einem klassischen Konzert. Ihr Reise führt von Hamburg über Moskau nach Buenos Aires, zeitlich reicht der Reigen von der Mitte des 19. Jahrhunderts bis fast zum Ende des 20. Jahrhunderts.
Stücke für Violine und Klavier bilden eine umfangreiche Notenbibliothek. Aus dem großen Fundus haben Markus Menke (Violine), Konzertmeister der Lüneburger Symphoniker, und Tobias Göbel (Klavier), freischaffender Künstler und Musiklehrer in Wunstorf, drei Werke aus drei Epochen und drei Kulturkreisen ausgesucht. Den Auftakt des Programmes macht die Sonate für Violine und Klavier G-Dur op. 78 des Hamburgers Johannes Brahms (1833 – 1897). Er schrieb das „Denkmal von schönster Innigkeit“, wie es im Kammermusikführer heißt, im Mai 1878 unter dem unmittelbaren Eindruck einer Italienreise.

Weiter geht es im Programm mit L´Histoire du Tango von Astor Piazzolla (1921 – 1992). Der geniale argentinische Komponist, dessen Schaffen weit mehr umfasst als Tango, schrieb im Jahr 1985 eine hörbare, lohnende Geschichtslektion über die Entwicklung des Tangos. Ursprünglich waren die vier Stücke für Flöte und Gitarre komponiert, beide Stimmen lassen sich gut mit Violine und Klavier interpretieren.

Von Südamerika geht es nach Russland: Sergej Prokofiev (1891 – 1953) komponierte die Sonate für Violine und Klavier op.94 a in der Sowjetunion im Jahr 1943, also mitten im Krieg. Diesen Umstand verrät das ursprünglich für Flöte und Klavier geschriebene Werk allerdings nicht. Auf Drängen des bekannten Geigers David Oistrach hatte Prokofiev die Sonate für Violine und Klavier arrangiert.

Markus Menke, Geiger des „duos saitenweise“, wurde im Alter von sieben Jahren als Jungstudent in die Klasse von Prof. Werner Neuhaus an der Kölner Musikhochschule aufgenommen. Nach dem Abitur setzte er sein Studium in der Klasse von Prof. Neuhaus fort und schloss dieses 1992 mit der künstlerischen Reifeprüfung ab.

Von 1992 bis 1994 absolvierte er ein Aufbaustudium in Klagenfurt, direkt im Anschluss folgte sein erstes Engagement am Hessischen Staatstheater Wiesbaden. Weitere Stationen waren das Staatstheater am Gärtnerplatz in München, das Netherland Symphonie Orchestra und das Philharmonische Orchester Bad Reichenhall. Seit 2001 ist Markus Menke Konzertmeister der Lüneburger Symphoniker.

Tobias Göbel erhielt seine pianistische Ausbildung vor dem Studium unter anderem bei Prof. Karl-Heinz Kämmerling in Hannover. Er schloss sein Studium an der Hochschule für Musik und Theater Hannover mit dem Diplom als Klavierpädagoge und der Künstlerischen Reifeprüfung ab.

Tobias Göbel setzte seine Studien in Paris bei Prof. Jacques Rouvier und an der Hochschule für Musik Franz Liszt in Weimar fort, wo er im Jahr 1999 die Ausbildung mit dem Konzertexamen abschloss. Tobias Göbel konzertiert als Solist bei Klavierabenden und Orchesterkonzerten sowie als Kammermusikpartner, seit 1989 unterrichtet er an der Musikschule Wunstorf.

Wie kein anderes Genre außer der Mode schafft es die Oper, Geschlechtsrollen kunstvoll als Rollen und nicht als Natur scheinen zu lassen, sagt Barbara Vinken, Literatur-Professorin in München. Sie kommt mit ihrem neuen Buch „Diva. Eine etwas andere Opernverführerin“ nach Eutin und erklärt, warum die Oper hochpolitisch und subversiv ist.

Raffiniert und originell sprengt die Oper jedes Genderkorsett, sagt Barbara Vinken. Wie keinem anderen Genre außer der Mode ist es der Oper gegeben, Geschlechtsrollen zu entnaturalisieren, kunstvoll als Rollen und nicht als Natur aufscheinen zu lassen. Ebenso pansexuell wie nicht binär, ist in der Oper alles im Fluss. Sie ist ein hochpolitisches, subversives Genre, das die angeblich „natürlichste“ aller Oppositionen zersetzt: die von Männern und Frauen.

In einer Zeit, in der „Gender-fluidity“, „Pansexualität“ und „non-binary“ ständig präsent sind, ist die Oper angesagt wie lange nicht. Der Kult, der in der Oper gefeiert wird, ist nach Vinkens Überzeugung sicher nicht der Triumph einer patriarchalen Gesellschaft im Frauenopfer. Beherrscht wird die Bühne von souveränen Frauen, die große Liebende sind. Mit dieser Liebeskraft, der stärksten aller Kräfte, stellen sie alles in den Schatten.

Durch die Stimme der Diva, in der die Liebe triumphiert, wird der patriarchale Männerbund übertönt. Weder mit dem Triumph des Männlichen, noch dem des Patriarchalischen sieht es auf der Opernbühne wirklich gut aus; fast kann man sagen, dass Männlichkeit in der Oper ein Schimpfwort ist. Travestie und Transvestie hebeln männliche Herrschaftsansprüche im Zeichen des Weiblichen und geschlechtlich Unbestimmten aus. Eine überraschend aktuelle, andere Geschichte der Moderne.

Barbara Vinken, 1960 in Hannover geboren, ist seit 2004 Professorin für Allgemeine und Französische Literaturwissenschaft an der Ludwig-Maximilians-Universität München. Sie unterrichtete zuvor an zahlreichen Universitäten, darunter in New York, Paris, Chicago, Konstanz, Yale, Hamburg und Zürich. Sie schreibt für verschiedene Zeitungen und Zeitschriften und ist regelmäßig im Fernsehen präsent, darunter als Kritikerin im Quartett der ZDF-Literatursendung „Buchzeit“.

Ihr Buch „Angezogen“ wurde 2013 für den Preis der Leipziger Buchmesse nominiert. Einem breiten Publikum wurde Barbara Vinken mit ihrem Buch „Die deutsche Mutter. Der lange Schatten eines Mythos“ bekannt, das 2001 erschien.

Mehr erfahren Sie unter www.barbaravinken.de

Florian Hacke kann viel. Er ist Schauspieler. Und preisgekrönter Poetry-Slamer. Und Comedian mit Tiefgang. „Nichts darf man mehr!!“ heißt sein neues Programm. Untertitel: „Ein Atemkurs für Wutbürger*innen (sic!) und alle, die es nie werden wollen.“ Ohne erhobenen Zeigefinger, aber mit düsterem Humor bohrt er in den Wunden des Kleinbürgertums.
Ob bei Facebook oder im echten Leben, im Fernsehen oder bei Familienfesten: Tagtäglich wird es laut beklagt oder sich verschwörerisch zugeraunt: „Nichts darf man mehr!!“
Ist das wirklich so? Darf man jetzt gar nichts mehr? Florian Hacke sagt: Doch. Wenn du nicht gerade hetzt, verleumdest oder den Holocaust leugnest, darfst du per Gesetz fast alles. Geh auf die Straße und verbrenne die neue Fassung von Pippi Langstrumpf, denn „Der heißt nicht Südseekönig“. Bade in den letzten Beständen Z-Soße, du darfst es.
Aber muss man es auch machen, nur weil man es darf? Die simple Antwort: „Nein.“

Nicht nur Florian Hacke hält das schlicht für eine Frage der Empathie. Das darf Satire nämlich auch. Ohne erhobenen Zeigefinger, aber mit viel düsterem Humor bohrt er in den Wunden des Kleinbürgertums, entlarvt rechte Empörung genauso wie linke Beißreflexe und tritt den Zukunftsverweigerern verbal und mit Anlauf ins Gesicht.

Florian Hacke: Nach seinem Schauspieldiplom an der Hochschule für Musik und Theater Rostock 2004 arbeitete er acht Jahre als Schauspieler am Theater Lübeck, wo er in mehr als 40 Produktionen zu sehen war. Daneben steht er für Kino, TV und Werbung vor der Kamera, schreibt, inszeniert und unterrichtet. 2016 und 2018 war er jeweils langfristig in Elternzeit für seine beiden Kinder und schrieb seinen ersten Stand-Up-Comedy-Abend: „Hasenkind du stinkst“. 2018 und 2019 wurde er Landesmeister Schleswig Holstein im Poetry Slam, stand im gleichen Jahr bei den deutschsprachigen Meisterschaften in Zürich im Halbfinale und gewann beim Hamburger Comedy Pokal 2019 den 3. Platz. Im September 2019 gewann er den Jurypreis der St. Ingberter Pfanne.

Mehr erfahren Sie unter www.florianhacke.de

Alfred Hitchcock? Ein Fall für Jens Wawrczeck! Seine große Leidenschaft gilt dem Meisterregisseur und der Literatur hinter dessen Filmen. Über ein Dutzend Buchvorlagen zu Hitchcock-Klassikern hat der Hamburger Schauspieler bereits als Hörbuch eingelesen. In Eutin präsentiert er nun den Roman „Die 39 Stufen“ von John Buchan – mit Livemusik.
Bereits im vergangenen Jahr hatte Jens Wawrczeck das Publikum vor ausverkauftem Haus in der Eutiner Opernscheune mit seiner Erzählkunst begeistert. Nun kehrt er mit einer neuen szenischen Lesung zurück: Diesmal knöpft er sich den Roman „Die 39 Stufen“ von John Buchan vor, den Alfred Hitchcock 1935 mit riesigem Erfolg verfilmt hat. Heute gilt der Streifen als Klassiker des britischen Kinos.

Im Mittelpunkt – wie könnte es bei Hitchcock anders sein – steht ein unschuldig Verfolgter. Franklin P. Scudder liegt tot in Richard Hannays Wohnung und plötzlich sind alle hinter ihm her: Scudders Mörder, ein Verschwörer-Ring, der beim anstehenden Staatsbesuch in London den griechischen Premierminister beseitigen will, und die Polizei, die wiederum Hannay für Scudders Mörder hält. Da hilft nur die Flucht. Für Hannay beginnt eine atemberaubende Verfolgungsjagd durch die schottische Landschaft. Bei sich trägt er Scudders Notizbuch – aber gelingt es Hannay, die dort aufgeführten Informationen zu entschlüsseln und die Verschwörer rechtzeitig zu stoppen?

„Jens Wawrczeck liest sensationell … Unglaublich intensiv“, urteilt NDR Kultur über das Können des Hamburger Schauspielers, Sängers und Sprechers, der vor allem als Stimme von Peter Shaw in der Kult-Hörspielserie „Die drei ???“ bekannt ist. Musikalisch begleitet wird die szenische Lesung von Natalie Böttcher (Akkordeon) und Guido Jäger (Kontrabass).

Die Veranstaltung findet im Rahmen der Eutiner Hitchcock-Days statt. Mehr erfahren Sie unter https://www.jenswawrczeck.de/intro/ und https://www.hitchcock-days.de/