Und hier entsteht im wahrsten Sinne des Wortes von Ernst W.Gombrich ein Brutkasten/ein Quadrat mit insektenfreundlichen Pflanzen. Im Laufe der Zeit wird sich dieses quadratische Bild vielfarbig entwickeln und von oben betrachtet vielleicht an niederländische Blumen-Stillleben erinnern. Ein Angebot zum Staunen, Lachen, Erfreuen und natürlich auch zum Ärgern.
Ich arbeite nahe an der Natur des „Weltnaturerbe Wattenmeer“, gleichsam aus ihr heraus. Meine Arbeiten sind keine Gegenentwürfe zur Stadt und zu „UrbanArt“, sondern tendieren dazu, einzig in der Natur aufzugehen. Dabei erscheint häufig die dunkle, ocker- oder sepiahafte sandige und schlickhafte Fläche am Strand und im Watt oder die grüne Seite der Landschaft der Insel Föhr in meinem Fokus. Ich sehe die Vorgänge als Sinnbilder dessen, was uns im Leben zustößt; es ist keine Kunst der künstlerischen Idylle. Die Materialien sind strikt natürlich.

Diese Kunstrichtung geht zurück auf Werke von Walter de Maria, Robert Smithson und Robert Morris. Mit ihren „Earthworks“ wollten diese Künstler, angesichts der gewaltigen Umweltprobleme, einen Appell an die Menschheit richten. Ihre Kunstwerke sollten die Menschen motivieren, ihr Verhältnis zur Natur zu überdenken, und wenn möglich wieder in ein Gleichgewicht bringen. „Land-Art“ und „Nature-Art“ wurden dabei zur wichtigsten Richtung in der Avantgarde.

Die Aktionskunst, ihrer Natur nach vergänglich, kann allerdings nur in den Kommunikationsprozess eintreten, wenn sie fotografisch dokumentiert werden. Konzept und Arbeitsprozess werden parallel genau so wichtig, als die „Ästhetik des Objekts“ das daraus resultiert.

Viele dieser Projekte zeichnen sich durch ihre Vergänglichkeit aus, weshalb sie durch S&W- und Farbfotografien, Videos und kleinen Texten dokumentiert werden. Die Absicht des Künstlers ist es nicht, seine Spuren in der Landschaft zu hinterlassen, sondern intuitiv in ihr zu arbeiten, sodass seine Werke, wie z.B. das Quadrat, so flüchtig sie auch immer sein mögen, eine einfühlende Beziehung zur Natur manifestieren. Es ist der Blick zurück hin zur Entdeckung des „ästhetischen Augenblicks“.

Die Freiheit der Kunst im öffentlichen Raum ist nicht selten eine Zumutung. Sich trotzdem zu positionieren und das auszuhalten, macht eine funktionierende Demokratie in ihrem Kern aus. Für den Künstler, wie für den Betrachter!

HOSENTASCHENMUSEUM NORDFRIESLAND (HMN)
Museum für kleine Kunst, skurrile Ideen, gelegentliche Begegnungen und Fragen über Fragen, auf die es oft keine Antworten gibt. Ein Brutkasten für fragwürdige Dinge.

Direktor und Kurator: Andreas Petzold

Das Hosentaschenmuseum (HMN) ist ein mobiles Museum. Es besitzt kein Gebäude, keine Kasse, keine Audio-Guides, keine Aufsicht und Sicherheitssysteme. Es hat keine festen Öffnungszeiten. Die Sammlung befindet sich in der Hosentasche des Museumsgründers. Öffnungszeiten: unregelmäßig, gelegentlich 24 Stunden oder bei zufälligem Zusammentreffen. Wenn Sie den Direktor des Hosentaschenmuseums sehen und ihn auf Kunst ansprechen, besteht die Möglichkeit einer sofortigen Führung. Die Sammlung umfasst in der Regel kleine Kunstwerke, Fundstücke, Aufkleber, Editionen, Multiples und andere Dinge, die aus unterschiedlichen Gründen museumsreif geworden sind. Die Präsentation erfolgt unmittelbar aus der Hosentasche.
Und bitte nicht drängeln. Die Sammlung ist sehr klein.

Das HMN versteht sich als Beitrag zur fortgesetzten Auflösung der Grenze zwischen Kunstwerk, Ausstellung, Museum und Alltag und folgt damit der These von Joseph Beuys: KUNST=LEBEN=KUNST. Dabei wird die Frage „groß gegen klein“ in die Debatte mit einbezogen. Es greift die unterschiedlichen Aspekte und Ideen auf und versucht ergänzende Impulse auf Fragen der Wahrnehmung zu setzen! Und das führt u.U. zum Wundern und Staunen, statt immer alles erklärt zu bekommen! Die Frage steckt oftmals in der Hosentasche. Die Erklärung manchmal auch. Und das ist gut so! Und das Hosentaschenmuseum Nordfriesland (HMN) kann seine Tore öffnen, um Kunst sichtbar zu machen und Fragen zu beantworten. So einfach ist das mit der Kunst im Museum!

Das HMN ist kreativer Partner der WUNDERKAMMER 5m² in Wyk auf Föhr. www.kunsteins.de/5m und www.kunsteins.de/hmn

Die Kunstwerke, die in einem Wohnzimmer von Kunstsammlern ausgestellt werden, sind in der Regel nicht für die Öffentlichkeit bestimmt. Zwei Kunstsammler haben nun leere Wände. Die beiden Privatsammlungen vereinen Werke vom 19. Jahrhundert bis zur Gegenwart und erlauben spannende Einblicke in die persönliche Sammelleidenschaft.
Im spannenden Dialog entstehen unerwartete Verbindungen zwischen regionaler Landschaftsmalerei und den farbintensiven Bildwelten der Nachkriegsmoderne. Werke aus unterschiedlichen Zeiten und künstlerischen Zusammenhängen treten miteinander in Beziehung und eröffnen neue Perspektiven auf die jeweiligen Sammlungen.
Sammeln gehört zu den ältesten kulturellen Tätigkeiten der Menschheit. Es bewahrt Erinnerungen, schafft Orientierung und motiviert zugleich, weitere Objekte zur Sammlung hinzuzufügen. Diese Ausstellung lädt dazu ein, zwei ganz eigene Sammlerpersönlichkeiten kennenzulernen und zugleich die Freude am Sehen, Entdecken und Sammeln zu teilen

Öffentliche Vernissage: Samstag, 12 September, 17 Uhr ( 1 Euro pro Person Unkostenbeitrag)

Programm

Franz Schubert
Drei Klavierstücke, D 946
Nr. 1 es-Moll, Nr. 2 Es-Dur, Nr. 3 C-Dur

Johann Sebastian Bach / Ferruccio Busoni
Chaconne aus der Partita Nr. 2 d-Moll BWV 1004,
Bearbeitungen für Klavier solo

Robert Schumann: Symphonische Etüden, op. 13
Thema. Andante
Etüde I. Un poco più vivo
Etüde II. Espressivo (Marcato il canto)
Etüde III. Vivace
Etüde IV.
Etüde V. Scherzando
Etüde VI. Agitato (con gran bravura)
Etüde VII. Allegro molto (sempre brillante)
Etüde VIII. Sempre marcatissimo
Etüde IX. Presto possibile
Etüde X. Sempre con energia
Etüde XI. Con espressione
Etüde XII. Allegro brillante. Finale

»Eleganz, Intelligenz und pianistische Schönheit«
Die südkoreanische Pianistin Seonghyeon Leem gab ihr europäisches Debüt im Mozarthaus Konzertsaal in Wien und trat seither an renommierten Spielstätten auf, darunter bei den Salzburger Festspielen, im Salle Cortot in Paris, im Arsenal in Metz, im Palais des Beaux-Arts in Brüssel sowie im MDR-Fernsehen in Leipzig. Ihre jüngsten Engagements umfassen Soloabende und Konzerte mit Orchestern in Deutschland, Frankreich, Österreich, Belgien, Großbritannien, Polen, Ungarn, der Türkei, China, Südkorea und darüber hinaus.
Leem ist Erste Preisträgerin des International Piano Competition Istanbul Orchestra’Sion 2022 und Empfängerin des International Pro Musicis Award 2023. Sie ist außerdem Preisträgerin des ZF Musikpreises 2024, des 66. Internationalen Gian Battista Viotti Musikwettbewerbs, des Moscow International Piano Open Competition 2017, des International Piano Competition Clamo Music 2021 und des International Rosario Marciano Piano Competition 2015. Sie trat als Solistin mit Orchestern wie der Südwestdeutschen Philharmonie, dem Symphonieorchester der Universität Mozarteum, den Bad Reichenhaller Philharmonikern, dem Orchester der Musikalischen Komödie Leipzig, der Philharmonie Zabrze, dem Orchestra’Sion Istanbul, dem Orchestra Giocoso Aix-en-Provence sowie dem Gunpo Prime Philharmonic Orchestra auf und arbeitete mit Dirigenten wie Ion Marin, Hankyeol Yoon, Matthias Foremny, Mariusz Smolij, Orçun Orçunsel, Alexander Drčar, ZławomirChrzanowski, Jakyung Year u. a. zusammen.
Leem absolvierte ihr Bachelorstudium mit Auszeichnung an der Seoul National University, wo sie bei Prof. AviramReichert studierte. Ihren Master- und Postgraduiertenabschluss erhielt sie bei Prof. Jacques Rouvieran der Universität Mozarteum Salzburg und schloss ihr Meisterklassenexamen an der Hochschule für Musik und Theater Leipzig bei Prof. Christian A. Pohl ab, wo sie auch als seine Lehrassistentin tätig war. Wichtige Mentoren für Seonghyeon Leem sind Paul Guldaund Eunju Heo. Sie erhielt künstlerische Impulse in Meisterkursen bei renommierten Musikerpersönlichkeiten wie Paul Badura-Skoda, Menahem Pressler, Arie Vardi, Elisabeth Leonskaja und Maxim Vengerov.
Als engagierte Pädagogin gab Seonghyeon Leem Meisterkurse in Toulouse und Hamburg und war Jurymitglied beim ZF Musikpreis-Wettbewerb und MaiFestival-Wettbewerb. Sie war 2022 und 2023 Fakultätsmitglied beim Musica Mundi Festival. Leem ist Stipendiatin der Elfrun Gabriel Stiftung 2023/24 und Mitglied der New Leipzig Chopin Society.
Seit Oktober 2025 unterrichtet sie Klavier an der Hochschule für Musik und Theater »Felix Mendelssohn Bartholdy« Leipzig.

Vogelfedern zählen zu den komplexesten und zugleich ästhetischsten Erfindungen der Evolution. Menschen unterliegen ihrer Anziehungskraft, weit über die Naturwissenschaften hinaus. Das Fotografenpaar Heidi und Hans-Jürgen Koch widmet sich mit außergewöhnlichen Fotografien den unterschiedlichsten Federtypen und Gefiedern von Vogelarten aus allen Ecken unseres Planeten. Die Fotografien zelebrieren Federn als sinnliches Erlebnis. Sie sind eine Begegnung mit dem unwiderstehlich Schönen in der Natur.

Heidi und Hans-Jürgen Koch, die seit einigen Jahren bei Eckernförde leben, starteten vor über 30 Jahren ihre gemeinsame Expedition in die Welt der Fotografie. Was die studierte Sozialarbeiterin und den Verhaltensforscher umtreibt, bezeichnen sie als Lebensformfotografie. Ihre Arbeiten werden weltweit in führenden Medien publiziert. Heidi und Hans-Jürgen Koch haben mehrere Bücher veröffentlicht, ihre Ausstellungen werden international präsentiert. Für die ihnen eigene Sichtweise sowie die Spannbreite des fotografischen Schaffens wurden sie vielfach ausgezeichnet.

Es ist schon spät in der Tierpension von Gundula Sammer, als ein später Gast eintrifft, der etwas verwirrt scheint. „Ich heiße Sven. Alle nennen mich nur Opa Sven. Und ich suche meinen Kater. Den besten Kater der Welt.“ Gundula kommt diese Geschichte bekannt vor. „Wissen sie, der alte Pettersson suchte auch mal seinen kleinen Kater. Und wenn Sie Zeit haben, erzähle ich Ihnen die Geschichte, wie Findus zu Pettersson kam.“ – Ob Gundulas Geschichte Opa Sven helfen wird, seinen Kater wiederzufinden? Gastspiel des Theaters con Cuore. Ab 4 Jahren.

Öffentliche Führung durch das A. Paul Weber-Museum mit Doris Schütt. Treffpunkt an der Info-Theke des Museums. Die Führung ist kostenlos, es wird der normale Eintritt fällig.

Greta Boos und Ilse Heberlein stellen im KuBah aus. Sie haben ihre Ausstellung der Natur gewidmet. WILD LIFE ist daher der Titel. Die Ausstellung öffnet mit einer Vernissage am 25.10.26, 11 Uhr und endet mit einer Finissage am 06.11.26, 17 Uhr.
Zu sehen sind Holzschnitte, Collagen und Fotos.

Es ist schon spät in der Tierpension von Gundula Sammer, als ein später Gast eintrifft, der etwas verwirrt scheint. „Ich heiße Sven. Alle nennen mich nur Opa Sven. Und ich suche meinen Kater. Den besten Kater der Welt.“ Gundula kommt diese Geschichte bekannt vor. „Wissen sie, der alte Pettersson suchte auch mal seinen kleinen Kater. Und wenn Sie Zeit haben, erzähle ich Ihnen die Geschichte, wie Findus zu Pettersson kam.“ – Ob Gundulas Geschichte Opa Sven helfen wird, seinen Kater wiederzufinden? Gastspiel des Theaters con Cuore. Ab 4 Jahren.

Kunst sieht im Tageslicht oder perfekt ausgeleuchtet natürlich immer toll aus – aber wie wirken ein altes Gemälde oder eine moderne Skulptur im Schein einer Taschenlampe?

Und wie sieht es im Museum aus, wenn abends alle Lichter gelöscht sind und keiner mehr da ist? Wir machen uns mit Taschenlampen auf den

Weg durchs Haus und entdecken Kunstwerke und Ausstellungsstücke in ganz neuem Licht! Für Kinder ab acht Jahren!

Eine Anmeldung ist für jedes Angebot erforderlich – gerne per E-Mail an info@oh-museum.de oder telefonisch unter 04521 / 788 520.

Im Rahmen der Föhrer Lichterwoche 2026 wird in der Wunderkammer 5m² – Nordfrieslands kleinster Galerie – eine Installation mit Taschenlampen und Spiegeln unter dem Arbeitsbegriff „Und es werde Licht!“ aufgebaut. Die Idee: Licht von innen nach außen.
Gerade weil der Raum klein ist, kann das Licht nicht einfach „ausgestellt“ werden – es muss erlebt und erzeugt werden. Die abgedunkelte Wunderkammer 5m², das ehemalige W.D.R.-Flaggenhäuschen am Wyker Hafen, wird zum Ort eines offenen künstlerischen Experiments. Waagerecht angebrachte Taschenlampen erzeugen Lichtstrahlen. Senkrecht angeordnete Spiegel reflektieren und lenken diese Lichtstrahlen in unterschiedliche Richtungen. Eine leichte Luftbewegung verändert fortwährend die Position der Spiegel. Dadurch erscheinen Lichtreflexe, wandern, verschwinden und tauchen an anderer Stelle wieder auf. Unter bestimmten Bedingungen werden sie auch durch die kleinen Fenster nach außen sichtbar.
Die Spiegel erzeugen dabei kein eigenes Licht. Sie verändern lediglich die Richtung des vorhandenen Lichts – und eröffnen dadurch immer wieder eine neue Blickachse. Der Besucher wird zum Beobachter eines Vorgangs, den er nicht vollständig kontrollieren kann. Aus einem einfachen physikalischen Vorgang entsteht ein Spiel aus Licht, Spiegelung, Bewegung, Zufall und Wahrnehmung. Wundern statt erklären – der inhaltliche Anspruch der Wunderkammer 5m² wird hier unmittelbar erfahrbar. Vielleicht entstehen dabei auch soziale Situationen: Menschen beobachten gemeinsam die wandernden Lichtreflexe, richten ihren Blick aufeinander, auf die Wände, die Spiegel oder nach draußen. Mehrere Lichtstrahlen können sich begegnen und für einen Moment ein gemeinsames, sich ständig veränderndes Bild erzeugen. Der Titel „Und es werde Licht!“ bekommt dadurch eine doppelte Bedeutung: als vertrauter biblischer Satz und zugleich als ganz praktischer, gegenwärtiger Vorgang. Licht ist hier nicht nur etwas, das sichtbar macht. Es wird zum Auslöser von Wahrnehmung und Handlung.
Die erhöhte Lage der Wunderkammer am Wyker Hafen verstärkt den Eindruck eines kleinen, ungewöhnlichen Lichtsignals. In der Dunkelheit wird der ehemalige Flaggenhäuschen-Bau durch die wechselnden Lichtreflexe in seinen kleinen Fenstern selbst sichtbar. Für die Dauer der Installation übernimmt die Wunderkammer damit eine fiktive Leuchtturmfunktion: Sie weist nicht den Schiffen den Weg, sondern dem Blick.
Die Navigation wird vom nautischen Raum in einen kreativen Wahrnehmungsraum verschoben. Während der Föhrer Lichterwoche 2026 werden an verschiedenen Orten auf Föhr Gebäude und Räume durch Lichtprojektionen von außen in Szene gesetzt. Die Wunderkammer geht den umgekehrten Weg: Das Licht beginnt im Inneren und wird durch Reflexion nach außen gelenkt.
UND ES WERDE LICHT IN DER WUNDERKAMMER 5m² Licht von innen nach außen mit Taschenlampen und Spiegeln
Freitag, 30. Oktober 2026, 19.00–21.30 Uhr
Wunderkammer 5m² – ehemaliges W.D.R.- Flaggenhäuschen
Binnenhafen 2, 25938 Wyk auf Föhr
Andreas Petzold 0151 750 89 281

Wechselnde Aussteller, über 100 Stände, ein vielfältiges Angebot und ganz eigene Traventhaler Attraktionen gehören dazu, wie z. B. die lebende Krippe, auf die sich nicht nur die Kinder besonders freuen. Speziell für die Kleinen gibt es auf dem Gut ein reichhaltiges Programm: Ponyreiten, die Kindereisenbahn und das alte, mit Lebkuchen gespickte Hexenhaus, in dem der Weihnachtsmann aus dem goldenen Buch vorliest. Die zutraulichen Traventhaler Alpakas und Frau Holle, die es schneien lässt. Man kann aber auch einfach nur einen heißen Punsch probieren und das Markttreiben genießen. Die Wunderkammer ist geöffnet. Sonderausstellung: „Susanna im Bade“ ursprünglich von Jacopo Tintoretto (1555) in einer Neuinterpretation von Harry Beiersdorf.

31. Oktober 1. November und 7. 8. November 10 – 18 Uhr. Eintritt 7.- (Kinder bis 12 Jahre frei). Parken kostenlos am Gestüt

Herzlich willkommen zur Kunstausstellung im Atelier von Susanne Kurschat-Körbs.
Es wird gegenständliche Malerei in Öl und Acryl auf Leinwand gezeigt. Dabei stehen ländliche Motive im Vordergrund. Aber auch Werke aus der Plein-Air Malerei in Schleswig-Holstein sind zu sehen.
Die Formate reichen von 100 x 100 cm bis zu 10 x 15 cm.
Auch die beliebten Kunstkarten sind um einige neue Motive ergänzt worden.
Als Gastkünstlerin wird Regina Miethke eine Auswahl ihrer Bilder präsentieren.
Die Werke werden auf ca. 100 m² in einer ehemaligen Tischlerei gezeigt. Da die Räumlichkeiten nicht beheizt sind, gibt es wieder warme Getränke und natürlich leckeren Apfelpunsch!
Der Eintritt ist wie immer frei und liebe Hunde dürfen an der Leine gerne mitkommen.
Wir freuen uns auf Ihren Besuch!
Susanne und Regina

Galerie RIECK zeigt auf der Carlshöhe in Eckernförde die Kunst des Nordens der letzten 100 Jahre – angefangen bei den Bornholm-Künstler:innen, über die dänischen Modernist:innen bis zu bekannten Vertreter:innen der nordischen Moderne. Im Fokus stehen ausgewählte Arbeiten renommierter Künstler:innen wie Olaf Rude, Kehnet Nielsen, Elke Hergert, Peter Skovgaard oder Menno Fahl. Ergänzt wird das Spektrum durch Neuentdeckungen mit neuen Ideen und Ausdrucksformen. So sind in der Galerie auf der Carlshöhe dauerhaft Gemälde, Skulpturen, Assemblagen, Textilobjekte und vieles mehr zu sehen. Wechselnde Themenausstellungen stellen darüber hinaus einzelne Arbeiten und Epochen in den Mittelpunkt.

„Signs of Control“ arbeitet mit einem Motivtyp, der im Alltag kaum auffällt: Schilder, die Verhalten regeln. „Kein Eingang“, „Ballspielen nicht erlaubt“, „Düne betreten verboten“, „Überflutungsgefahr“, „Notausgang freihalten“ – kurze, imperative Sätze, ergänzt um Piktogramme, Pfeile und Ortsangaben wie Wyk oder Sylt. Es sind Texte, die nicht gelesen, sondern befolgt werden sollen.

Die Serie greift diese Schilder fotografisch auf und unterzieht sie einem klar strukturierten Transformationsprozess. In der Chromalayer-Technik werden die Vorlagen in Farbebenen zerlegt, farblich neu interpretiert und als Schichtstruktur aufgebaut. Der industrielle Träger – gebürstetes Aluminium – bleibt sichtbar und wird Teil der Bildlogik: Die metallische Oberfläche schimmert durch die Farbschichten, trägt Reflexe, unterläuft jede Illusion von Tiefe. Die Motive bleiben plan; es gibt keine „Landschaft“ hinter dem Schild, sondern Oberfläche, Raster, Material.

Wichtig ist, dass das Schild nach der Bearbeitung wieder als Schild erscheint. Rahmung, Schraublöcher, Kanten, Typografie – all das bleibt erkennbar. Aber die Umgebung ist in ihrer Farbigkeit überzeichnet und grafisch verdichtet. Die Hinweise wirken vertraut und zugleich aus dem Zusammenhang gelöst. Sie stehen nicht mehr konkret an einer Tür, am Deich oder auf einem Hof, sondern in einem Bildraum, der genau diese Funktionalität aussetzt. Die Autorität des Textes bleibt, sein Anlass verschwindet.

Damit bewegt sich die Arbeit in einer Traditionslinie von Kunst, die mit Sprache im Bild arbeitet: von der Konzeptkunst und Textkunst der 1960er/70er Jahre – etwa bei Jenny Holzer oder Barbara Kruger – bis hin zu fotografischen Serien, die Infrastruktur und Beschilderung als Bestandteil gesellschaftlicher Ordnung untersuchen. Ein Einfluss aus einer frühen künstlerischen Förderung durch Gerhard Winner zeigt sich in der konstruktiven, seriellen Behandlung der Zeichen. Zugleich gibt es eine Nähe zur dokumentarischen Fotografie von Schildern und Schriftzügen, die hier jedoch nicht im dokumentarischen, sondern im konstruktiven Sinn weitergeführt wird: Nicht das Auffinden, sondern das Neuaufbauen der Zeichen steht im Zentrum.

Die Serie zeigt eine Grammatik der Steuerung: Verbote, Warnungen, Instruktionen. Fast alle Tafeln sprechen im Imperativ, vermeiden ich- oder wir-Formen und verwenden eine sachliche, funktionale Typografie. Begriffe wie „Schutzdeich“, „Hafengebiet“ oder Formulierungen wie „Benutzung auf eigene Gefahr“ markieren konkrete Situationen. Die Bilder legen frei, dass diese Sprache nicht neutral ist, sondern wirksam: Sie definiert, wer sich wie wo bewegen darf.

Viele der Schilder stammen aus einem konkreten regionalen Umfeld und tragen Spuren davon – durch Ortsangaben wie Wyk oder Sylt sowie einzelne Hinweise auf lokale Nutzungssituationen. Dieser Aspekt öffnet eine zweite Leseschicht: Für Betrachterinnen und Betrachter, die den Ort kennen, entstehen Momente des Wiedererkennens oder Vermutens.

„Signs of Control“ untersucht Beschilderung als Schnittstelle zwischen Text, Raum und Verhalten. Die Arbeiten dokumentieren nicht einfach vorhandene Schilder, sondern verhandeln ihre Funktionsweise im Bild. Der Druck auf gebürstetes Aluminium, die Verdichtung der Farben, das Festhalten an der Form des Schildes – all das macht sichtbar, wie ästhetisch präzise diese funktionalen Gegenstände gestaltet sind. Was im Alltag als nüchterne Information erscheint, zeigt sich hier als gestaltete Oberfläche, die Verhalten steuert.

Eine Wunderkammer, was ist das?

Eine Wunderkammer ist eine Kammer voller Wunder, eine Kammer, in der man sich wundern kann. Und speziell die Traventhaler Wunderkammer? Sie stellt ein Gesamtkunstwerk dar, sie ist ein Wimmelbild der Sinne.
Nach dem Eintritt durch die rote Tür geht man vorbei am Großmodell des Hamburger Michels, begegnet dem Dichter und Schriftsteller Theodor Fontane, der ein Alien begrüßt, Franz Liszt am Harmonium, Adenauer in seinem Büro. Ein Blitzfänger speist Dr. Frankensteins Labor mit Energie.
Die große Orgel ertönt, Michelangelo an der Sternen-Decke. Mao trifft Lenin, Magritte im Wohnzimmer Loriots.
Die Friedenskanone, der Giger-Tisch, der Rolls-Royce-Oldtimer und die Erotik-Art Galerie sind Puzzle -Steine im Cocktail der Sinne. Das kunstvolle Wimmelbild Harry Beiersdorfs lebt.

Und hier entsteht im wahrsten Sinne des Wortes von Ernst W.Gombrich ein Brutkasten/ein Quadrat mit insektenfreundlichen Pflanzen. Im Laufe der Zeit wird sich dieses quadratische Bild vielfarbig entwickeln und von oben betrachtet vielleicht an niederländische Blumen-Stillleben erinnern. Ein Angebot zum Staunen, Lachen, Erfreuen und natürlich auch zum Ärgern.
Ich arbeite nahe an der Natur des „Weltnaturerbe Wattenmeer“, gleichsam aus ihr heraus. Meine Arbeiten sind keine Gegenentwürfe zur Stadt und zu „UrbanArt“, sondern tendieren dazu, einzig in der Natur aufzugehen. Dabei erscheint häufig die dunkle, ocker- oder sepiahafte sandige und schlickhafte Fläche am Strand und im Watt oder die grüne Seite der Landschaft der Insel Föhr in meinem Fokus. Ich sehe die Vorgänge als Sinnbilder dessen, was uns im Leben zustößt; es ist keine Kunst der künstlerischen Idylle. Die Materialien sind strikt natürlich.

Diese Kunstrichtung geht zurück auf Werke von Walter de Maria, Robert Smithson und Robert Morris. Mit ihren „Earthworks“ wollten diese Künstler, angesichts der gewaltigen Umweltprobleme, einen Appell an die Menschheit richten. Ihre Kunstwerke sollten die Menschen motivieren, ihr Verhältnis zur Natur zu überdenken, und wenn möglich wieder in ein Gleichgewicht bringen. „Land-Art“ und „Nature-Art“ wurden dabei zur wichtigsten Richtung in der Avantgarde.

Die Aktionskunst, ihrer Natur nach vergänglich, kann allerdings nur in den Kommunikationsprozess eintreten, wenn sie fotografisch dokumentiert werden. Konzept und Arbeitsprozess werden parallel genau so wichtig, als die „Ästhetik des Objekts“ das daraus resultiert.

Viele dieser Projekte zeichnen sich durch ihre Vergänglichkeit aus, weshalb sie durch S&W- und Farbfotografien, Videos und kleinen Texten dokumentiert werden. Die Absicht des Künstlers ist es nicht, seine Spuren in der Landschaft zu hinterlassen, sondern intuitiv in ihr zu arbeiten, sodass seine Werke, wie z.B. das Quadrat, so flüchtig sie auch immer sein mögen, eine einfühlende Beziehung zur Natur manifestieren. Es ist der Blick zurück hin zur Entdeckung des „ästhetischen Augenblicks“.

Die Freiheit der Kunst im öffentlichen Raum ist nicht selten eine Zumutung. Sich trotzdem zu positionieren und das auszuhalten, macht eine funktionierende Demokratie in ihrem Kern aus. Für den Künstler, wie für den Betrachter!

Die diesjährige Ausstellung des Ostholstein-Museums im Kloster Cismar widmet sich einem ganz besonderen Aspekt der künstlerisch-grafischen Illustration. Gezeigt werden rund 100 humorvolle Original-Gouachen des 1925 in Kopenhagen geborenen Künstlers Kurt Ard.

Der Illustrator, Maler und Grafiker, der heute in Spanien lebt, wurde vor allem in den 1950er bis 1970er Jahren durch eine Vielzahl an Titelbildern für verschiedene populäre Zeitschriften jener Zeit international bekannt, darunter die skandinavischen Blätter Allers und Familie Journal sowie die deutsche HÖRZU, für die allein an die 260 Zeitschriften-Cover von seiner Hand entstanden. Aber auch für Journale in Holland, Frankreich und den USA entwarf Kurt Ard in seinem unverkennbaren Stil zahlreiche Titelblätter.

Seine Modelle hatte der Künstler tagtäglich vor Augen, waren doch seine Frau und seine Kinder ein beliebtes Motiv und in vielerlei Hinsicht Inspiration für die dargestellten Alltagsszenen. Weitere Modelle fand er aber auch im täglichen Umgang mit anderen Menschen: Begegnete er einem für seine Illustrationen geeigneten Passanten, bat er ihn, für ein Arbeitsfoto Kontakt zu ihm aufzunehmen. Zahlreiche Frauen und Männer fanden auf diese Weise Einzug in sein grafisches Werk.

Wie kein anderer hat Kurt Ard die Zeit des Wirtschaftswunders ins Bild gesetzt, das Lebensgefühl einer ganzen Generation, deren Alltag, die kleinen Sorgen und Missgeschicke eingefangen – und das immer mit Gefühl, mit einem Blick für das Detail. Kurt Ard sieht die Schwächen seiner Mitmenschen, aber er verurteilt sie in seinen Bildern nicht.

Die Ausstellung zeigt eine große, repräsentative Auswahl dieser Gouache-Arbeiten, die gerade durch die fotorealistische Wirkung und das herausragende handwerkliche Können des Künstlers bestechen, aber auch motivisch in besonderem Maße faszinieren: In seinen Illustrationen behandelt Kurt Ard aus dem Leben gegriffene Alltagsszenen, die er pointiert auf humoristische, aber nie bösartige Weise wiedergibt. Und nicht selten fühlen sich die Betrachterinnen und Betrachter vor den Bildern ein wenig ertappt…

Wie gehen Studierende im Lehrgebiet Fotografie mit einer täglichen Bilderflut um? Wie gelingt es ihnen, mit ihren Fotos Aufmerksamkeit zu generieren?

Die Ausstellung „was sichtbar wird – all I might see“ zeigt Beispiele einer jungen Generation, die sich mit den Mitteln der Fotografie eine Stimme verschafft. Eröffnet wird sie am Mittwoch, 15. Juli, um 19 Uhr in unserem Ausstellungsraum spce | Muthesius – mit fotografischen Arbeiten von neun Studierenden aus dem Studiengang Kommunikationsdesign. Zu sehen sind Arbeiten von Isabelle Dapperheld, Denis Foik, Marlene Krömer, Amelie Pechtold, Milla Pukall, Alexander Rudd, Leander Schroeder, Freya Stoermer und Marisa Velthuis.

In Kooperation mit dem Studiengang Kommunikationsdesign (Schwerpunkt Fotografie) präsentieren die Studierenden neue fotografische Arbeiten, die sich mit Sichtbarkeit, Öffentlichkeit und der Wirkung von Bildern im Raum auseinandersetzen. Die Ausstellung zeigt unterschiedliche Positionen einer jungen Generation, die sich mit den Mitteln der Fotografie aktuellen gesellschaftlichen Fragen nähert.

Die Ausstellung „was sichtbar wird – all I might see“ ist zu sehen bis 24. Oktober: mittwochs bis samstags von 15 – 18 Uhr. Auch während der Museumsnacht am Freitag, 28. August, ist die Ausstellung ab 18 Uhr geöffnet. Der Eintritt ist frei.

Die Ausstellung zeigt die drei färöischen Künstlerbrüder Torbjørn Olsen, Hans Pauli Olsen und
Marius Olsen. Es handelt sich um eine Doppelausstellung in Zusammenarbeit mit der Galerie
Sam in Billund, die parallel auf beiden Seiten der Grenze zu sehen ist. Um das Erlebnis in vollem
Umfang zu genießen, sollte man sowohl Mikkelberg als auch die Galerie Sam besuchen.
Die Ausstellung auf Mikkelberg ist vom 30. August bis zum 22. November 2026 zu sehen. Die
Ausstellung in der Galerie Sam eröffnet am Vortag und ist vom 29. August bis zum 27. September 2026
zu sehen.

Die drei färöischen Künstlerbrüder sind sowohl im Mikkelberg als auch in der Galerie Sam bekannte
Gesichter. Mikkelberg war in den 1990er- und 2000er-Jahren für seine Färöer-Ausstellungen bekannt.
Insbesondere Torbjørn Olsen hatte dort bereits mehrere Ausstellungen und schuf zahlreiche Werke
speziell für Mikkelberg. Das Galleri Sam ist die Stammgalerie der drei Brüder in Jütland.
Dennoch ist es ein großes Ereignis, alle drei Brüder gleichzeitig und an zwei Orten auszustellen. Allein
schon die Zusammenführung der Brüder ist mit einigen Herausforderungen verbunden. Der Maler
Torbjørn Olsen lebt in Tórshavn, der Bildhauer und Zeichner Hans Pauli Olsen in Kopenhagen und der
Grafiker Marius Olsen in Finnland. Bei den Ausstellungseröffnungen in Mikkelberg und in Billund
werden alle drei anwesend sein, und das Publikum wird die Gelegenheit haben, sie persönlich
kennenzulernen.
Die Ausstellung basiert auf ganz neuen und neueren Werken, doch im Mikkelberg werden auch einige
Aquarelle von Torbjørn Olsen zu sehen sein, die Motive aus H.C. Andersens Märchen und der
nordischen Mythologie zeigen und in den frühen 1990er Jahren auf Anregung des Mikkelberg-Gründers
Henry Buhl entstanden sind. Marius Olsen bringt 23 grafische Arbeiten im koloristischen Stil mit. Hans
Pauli Olsen zeigt unter anderem die Skulpturengruppe „Vi“, die Männer, Frauen und Kinder in allen
Lebensphasen darstellt. Die Gruppe wächst mit jeder Ausstellung und besteht mittlerweile aus über
zwanzig Figuren.
Die drei Olsen-Brüder zählen zu den bekanntesten lebenden Künstlern der Färöer.