Veranstaltungsart: Ausstellung

In der Ausstellung, die am 10. September eröffnet wird, wird neue Forschung über Arne Jacobsen vorgestellt. Auf drei Gleisen werden Perspektiven und Einblicke in Leben und Wirken des dänischen Architekten sowie sein Einfluss auf Dänemark als Sozialstaat und Designnation präsentiert. In der Ausstellung geht es darum, warum Arne Jacobsen den Status als einer der wichtigsten Designer Dänemarks erlangt hat, und welche Inspirationen wir heute aus seinem Lebenswerk mitnehmen können.

Durch das Vertiefen in die vollendeten Gesamtdesigns, die Arne Jacobsen u. a. am Rathaus von Aarhus und dem Schulgebäude „Munkegårdsskolen“ bei Kopenhagen umgesetzt hat, erhalten wir einen Einblick darin, wie er dazu
beigetragen hat, dem dänischen Sozialstaat Form und Ästhetik zu verleihen. Darüber hinaus wird in der Ausstellung anhand von Interviews, Jacobsens persönliche Filmaufnahmen, Aquarellen und Naturstudien illustriert, wie Kunst, künstlerische Prozesse und die Natur bei seiner kreativen Arbeit eine wichtige Rolle spielten. Neben den bekannten Designklassikern werden zahlreiche weniger bekannte Modelle, Typen und Formate vorgestellt, unter anderem Aquarelle, Skizzen und Textilmuster.

Zudem stellt die Ausstellung die Frage, warum wir heute Arne Jacobsen als ein besonders prominentes Beispiel für dänisches Design ansehen, während er zu seinen Lebzeiten als Modernist und Internationalist angesehen wurde.

Die Ästhetik des dänischen Sozialstaats

Die Ausstellung legt die Entwicklung des dänischen Sozialstaats dar, die im Zuge der sozialdemokratischen Politik in den Jahrzehnten nach dem 2. Weltkrieg eng mit neuen Strömungen und Phänomenen in den Bereichen Architektur und Design verbunden war. Arne Jacobsen sowie weitere dänische Architekten und Designer haben ihren Beitrag zur Entwicklung des ästhetischen Ausdrucks des dänischen Sozialstaats durch neue öffentliche Gebäude und Möbel für den öffentlichen Raum geleistet. Sie erschufen eine Ästhetik und Funktionalität, die noch heute die Einrichtung in öffentlichen Büchereien, Rathäusern, Schulen, Büros und Krankenhäusern beeinflusst.

Die Museumsleiterin Karen Grøn sagt: „Das Ergebnis ist als ein ästhetischer Gesamtausdruck für den dänischen Sozialstaat zu betrachten. Dies kann dazu beitragen, dass in Dänemark, im Gegensatz zu vielen europäischen Nachbarländern, ein Konsens dahingehend herrscht, dass Ästhetik, Form und Materialien wichtig für das Wohlbefinden der Menschen ist – im öffentlichen und privaten Raum.“

Kreativer Entstehungsprozess

Diese Schilderung von Arne Jacobsen ist auch eine Schilderung von Kreativität, Innovation und einem lebenslangen Interesse an der Kunst und der Natur. Die Ausstellung bricht mit der klassischen Darstellung des jungen Arne Jacobsen als modernistischer Revoluzzer und schildert ihn stattdessen als einen kreativen Erneuerer. In Jacobsens Architekturbüro wurden Modelle und Skizzen zum Austausch von Wissen und Gedanken sowie als Grundlage für gemeinsame Experimente verwendet. Gemeinsam bilden sie einen einzigartigen Einblick in einen besonders kreativen Schaffensprozess, von dem wir heute vielleicht etwas lernen können. Sein Zugang zum Fach und zum kreativen Prozess macht ihn relevant, und vielleicht leben deshalb so viele seiner Werke auch heute noch?

Ist es eigentlich typisch dänisches Design?

Arne Jacobsen brachte internationale Strömungen nach Dänemark. Dies führte gelegentlich zu aufgebrachten Diskussionen. Heute sind viele Dänen der Meinung, seine Werke seien eindeutige Beispiele für dänisches Design. Die Ausstellung erörtert das Interessante daran, wie das, was einst als fremd angesehen wurde, ein Teil des kollektiven dänischen elbstverständnisses wird. Museumsleiterin Karen Grøn erklärt: „Die Schilderung von Arne Jacobsens Design als etwas besonders Dänisches zeigt somit, wie sich eine Kombination aus Gegenständen, Ereignissen und Kontexten mit der Zeit lokal ansiedeln kann. Somit stellt sich die Frage, ob es etwas gibt, das authentisch dänisch ist, oder ob das Dänischsein in Wirklichkeit ein sich konstant verändernder und entwickelnder Prozess ist?“

Arne Jacobsen – Dänemarks Designer wurde von der Museumsleiterin Katrine Stenum in Zusammenarbeit mit der unsthistorikerin und Registrarin bei der Arne Jacobsen Design I/S, Annika Skaarup Larsen, kuratiert. Die Forschung für die Ausstellung fand gemeinsam mit dem Dozenten am Institut für Kommunikation an der Universität Kopenhagen, Nan Dahlkild, statt.

Wie sähe ein Leben aus, das – im ökologischen, aber auch im virologischen Sinne – möglichst folgenlos bleibt? Könnte Folgenlosigkeit ein neues regulatives Ideal werden, wie Freiheit, Gerechtigkeit und Gleichheit, unerreichbar, aber dennoch erstrebenswert? Welche Auswirkungen hätte ein solches Streben auf die materielle und immaterielle Gestaltung unseres Alltags, auf die Wirtschafts- und Sozialordnung, auf unseren Glauben und auf die Art, wie wir miteinander umgehen? Und welche Vorbilder lassen sich für ein solches Leben in Gegenwart und Geschichte finden? Diese Fragen stellt die Schule der Folgenlosigkeit, ein künstlerisch-diskursives Projekt von Friedrich von Borries im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G). Von Borries verknüpft Sammlungsobjekte mit einem eigens für die Ausstellung eingerichteten „Selbstlernraum“ so, dass eine neue Perspektive auf „Nachhaltigkeit“ entsteht und vermeintlich allgemeingültige Vorstellungen eines „richtigen Lebens“ hinterfragt werden. Besucher*innen können hier im Selbstversuch Entscheidungen abgeben, ihre Hände in Unschuld waschen oder sich im Nichts-Tun üben. Ein digitales Begleit- und Diskursprogramm in Form einer App sowie das Stipendium für Nichtstun ergänzen das Projekt.

Im Rahmen der Ausstellung wird das Stipendium für Nichtstun vergeben, deren Bewerber*innen in der Ausstellung gezeigt werden. Ein diskursive Bildungsprogramm in Form einer App ergänzt das Projekt.

Der Selbstlernraum in der ehemaligen Aula des MK&G ist der zentrale Ort der Schule der Folgenlosigkeit. In dieser raumgreifenden Installation erproben sich Besucher*innen spielerisch in möglicher Folgenlosigkeit – und konfrontieren sich mit den daraus erwachsenden Konsequenzen. In abwechslungsreichen Übungen wie Entscheidung abgeben, Sorge tragen oder Nichts-Tun liefern sie sich dem Zufall am Glücksrad aus, waschen ihre Hände in Unschuld oder üben sich im Warten. Das Schaudepot zeigt ausgewählte Objekte aus dem MK&G, die als Werkzeuge und Ausrüstungsgegenstände einer nach Folgenlosigkeit strebenden Gesellschaft verstanden werden können. So zeugen etwa Astragale (aus Schafsknochen gefertigte Spielsteine) davon, wie im antiken Griechenland der Zufall in die Entscheidungsfindung mit einbezogen wurde. Indonesische Amulette aus dem 19. Jahrhundert sollen vor Kontakt mit sogenannten Dschinen schützen: Diese unsichtbaren Wesen können, so die magisch-religiöse Vorstellung, durch menschliches Handeln Schaden nehmen und Rache suchen. Interventionen in die bestehenden Sammlungspräsentationen des MK&G eröffnen weitere Perspektiven auf historische Vorläufer eines folgenlosen Lebens. So wird beispielsweise an einer chinesischen Tee-schale mit Goldlack-Reparatur (12./13. Jahrhundert) im Bereich Ostasien gezeigt, dass Zerstörung nicht immer negative Folgen haben muss. Die japanische kintsugi-Technik entfaltet eine ganz eigene Ästhetik, die den Wert des wiederhergestellten Objektes sogar steigern kann.

Die Schule der Folgenlosigkeit schreibt außerdem ein „Stipendium für Nichtstun“ aus. Für die drei zu vergebenden Stipendien, die jeweils mit 1.600 Euro dotiert sind, können sich alle Interessierten ab sofort bis zum 15. September 2020 bewerben. Die Entscheidung der Jury, der u.a. der Philosoph Armen Avanessian (bekannt durch seine Theorie der Beschleunigung) angehört, wird zum Beginn der Ausstellung verkündet. Weitere Informationen unter www.hfbk-hamburg.de.

Die politischen, technischen, ökonomischen und ästhetischen Dimensionen von Folgenlosigkeit mitsamt ihrer Ambivalenz und Widersprüchlichkeit werden von Friedrich von Borries und dem österreichischen Filmemacher Jakob Brossmann in begleitenden Filmen reflektiert. Eine vom Berliner Künstlerkollektiv Refrakt entwickelte App führt in Form eines Spiels durch die Ausstellung und stellt Exponate und Übungen vor. Darüber hinaus hält sie vertiefende Inhalte wie Filmbeiträge oder Expert*inneninterviews zur Ausstellung bereit.

Friedrich von Borries (*1974) ist Architekt und seit 2009 Professor für Designtheorie an der Hochschule für bildende Künste Hamburg (HFBK). Sein Berliner Projektbüro Friedrich von Borries agiert im Spannungsfeld von Architektur, Design, Kunst und Stadtentwicklung. 2010 kuratierte er die Ausstellung Klimakapseln. Überlebensbedingungen in der Katastrophe im MK&G.

Die Schule der Folgenlosigkeit ist eine Initiative der HFBK Hamburg in Kooperation mit dem MK&G.

Die Schule der Folgenlosigkeit wird gefördert durch die Behörde für Wissenschaft, Forschung, Gleichstellung und Bezirke der Freien und Hansestadt Hamburg (BWFGB), die Hamburg Open Online University (HOOU), die Friede Springer Stiftung, die Kursbuch Kulturstiftung sowie die Leinemann Kunststiftung Nikolassee und unterstützt von der Hamburg Innovation GmbH. Weitere Partnerinnen sind die Katholische Akademie Hamburg sowie die Evangelische Akademie der Nordkirche.

Bild: Schule der Folgenlosigkeit, Filmstill, © Jakob Brossmann

Die Ausstellung stellt Beispiele aus Europa, Asien und den USA vor: Projekte, Initiativen, Siedlungen, Modelle, eine begehbare Cluster-Wohnung und die historischen Vorläufer – von der Reformideen des 19. Jahrhunderts bis zur Hippie- und Hausbesetzungs-Szene der 1970er – vor. Ideen aus einem Konzeptfindungsverfahren der Behörde für Stadtentwicklung und Wohnen (BSW) zeigen, wie auch bestehende Siedlungen der 1950er bis 1970er Jahre an die Bedürfnisse der Menschen heute angepasst werden können.

Wohnraum ist eine knappe Ressource – das wird in den letzten Jahren immer deutlicher. Die Immobilienpreise in den Metropolen steigen und klassische Konzepte des Wohnungsbaus können dem Bedarf nicht mehr gerecht werden. Diese Herausforderungen haben eine stille Revolution in der zeitgenössischen Architektur ausgelöst: das Bauen und Wohnen im Kollektiv. TOGETHER! DIE NEUE ARCHITEKTUR DER GEMEINSCHAFT ist die erste Ausstellung, die dieses Thema umfassend beleuchtet und räumlich erfahrbar macht. Anhand von Modellen, Filmen und einer Cluster-Wohnung im Maßstab 1:1 präsentiert die Ausstellung im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) eine Vielzahl von Beispielen aus Europa, Asien und den USA. Historische Vorläufer veranschaulichen zugleich die Geschichte der gemeinschaftlichen Architektur – von den Reformideen des 19. Jahrhunderts bis hin zur Hippie- und Hausbesetzer*innenszene, die mit dem Slogan „Make love, not lofts“ antrat. Die Kurator*innen Ilka und Andreas Ruby erweitern im Auftrag der Behörde für Stadtentwicklung und Wohnen (BSW) die bestehende Ausstellung des Vitra Design Museums um einen zusätzlichen Teil, der sich mit der Situation des genossenschaftlichen Wohnens in Hamburg auseinandersetzt. Präsentiert werden Ergebnisse des Konzeptfindungsverfahrens „Wohnen – und was noch?“ und Ideen, wie genossenschaftliche Siedlungen der 1950er bis 1970er Jahre an heutige Bedürfnisse angepasst werden können.

Die Ausstellung beginnt mit einem Blick auf die Geschichte sozialer Wohnideale, die zumeist aus einem Protest gegen bestehende Verhältnisse entstanden sind. Dies unterstreicht eine Inszenierung, die Bezug auf die gesellschaftliche Brisanz des Themas nimmt: Filme zeigen historische Protestbewegungen für Wohnraum, während Transparente über die damals entwickelten Lösungsansätze informieren. Unter den gezeigten Beispielen sind die Phalanstères von Charles Fourier (1772–1837), die Ende des 19. Jahrhunderts im Tessin entstandene Kolonie Monte Verità, die Wohngenossenschaften der 1920er Jahre, aber auch die Freistadt Christiania in Kopenhagen oder die Genossenschaft Karthago in Zürich. Die gesellschaftspolitischen Hintergründe dieser Projekte machen die Aktualität der Ideen verständlich: Auch heute befindet sich die Gesellschaft im Umbruch, weil immer mehr Menschen anders als in klassischen Familienstrukturen leben – ob als Paar, Alleinerziehende, Singles oder alleinlebende ältere Menschen. Für viele ist das Leben in Gemeinschaft eine vielversprechende Alternative, die soziale Kontakte fördert und Kosten senkt.

Eine Installation aus 21 großformatigen Modellen heutiger Wohnbauprojekte bildet den zweiten Bereich der Ausstellung. Die gezeigten Beispiele stammen unter anderem aus Berlin, Zürich, Los Angeles, Tokio und Wien; unter den Architekt*innen sind einszueins architektur, das ifau – Institut für angewandte Urbanistik, Jesko Fezer und Heide & von Beckerath, Michael Maltzan Architecture, ON design partners, pool Architekten und Ryue Nishizawa. Der detaillierte Blick auf die einzelnen Projekte zeigt, dass die neuen gemeinschaftlichen Wohnbauten auch eine durchweg innovative Herangehensweise an Volumen, Fassaden und Materialien mit sich bringen: Aus den besonderen Anforderungen und begrenzten Mitteln entsteht eine eigene Ästhetik. Die Präsentation der Modelle als imaginäre Stadt veranschaulicht zudem, dass Stadt und Wohnraum, Öffentlichkeit und Privatsphäre in vielen gezeigten Projekten nicht mehr klar getrennt, sondern auf neue Weise miteinander verwoben sind.

Was das konkret bedeutet, erfahren die Besucher*innen, wenn sie im dritten Ausstellungsbereich das 1:1-Modell einer sogenannten Clusterwohnung betreten und gemeinschaftliche Bereiche sowie private Räume durchstreifen. Grundrisse und Hintergrundinformationen zeigen, wie das neue Wohnen in Gemeinschaft umgesetzt wird. Ergänzt wird der Nachbau durch Fotografien von Daniel Burchard. Er hat acht Projekte in mehreren Ländern besucht und die neue Form des Zusammenlebens für die Ausstellung dokumentiert. Dabei wird deutlich, dass viele der neuen Wohnkollektive auch deshalb ein Labor gesellschaftlicher Entwicklungen sind, weil sie neue Verbindungen von Wohnen und Arbeiten erproben, die erst dank der Digitalisierung möglich geworden sind.

Aber wie funktioniert die neue Architektur der Gemeinschaft ökonomisch, welche Herausforderungen stellt sie im Alltag und wie lässt sie sich praktisch realisieren? In einem in die Ausstellung integrierten Co-Working Space werden diese Fragen anhand von fünf Projekten erläutert: die Sargfabrik in Wien, das Zwicky-Süd in Zürich, La Borda in Barcelona, R50 in Berlin und die Apartments with a Small Restaurant in Tokio. Die Gestaltung dieses Bereichs als Arbeitsraum zeigt, dass die neue Verflechtung vieler Projekte mit dem öffentlichen Leben auch neue Finanzierungsmöglichkeiten bietet: So widmet das Zürcher Projekt Kalkbreite die Hälfte seiner Fläche Gewerbefunktionen und umfasst neben öffentlichen Einrichtungen wie einem Kino, einem verpackungsfreien Supermarkt, Restaurants und Cafés, Arztpraxen und diversen Büroflächen auch einen frei zugänglichen Innenhof mit Kinderspielplätzen.

Projekte wie die Kalkbreite beweisen überdies, dass gemeinschaftliche Wohnmodelle sich heute nicht nur erfolgreich im kommerziellen Wohnungsmarkt behaupten, sondern ihn darüber hinaus auch positiv verändern können. Sie sind Teil der so genannten „sharing economy“, die die Rolle des Eigentums grundlegend neu definiert, während soziale Bottom Up-Bewegungen wie Occupy solche Ideale in der politischen Landschaft verankern. Die Ausstellung zeigt den Einfluss dieser Entwicklungen auf die Art, wie die Bewohner*innen und Architekt*innen heute gemeinsam neue Formen des Zusammenlebens entwickeln – nicht als ein Produkt rein individueller Bedürfnisse, sondern als eine Antwort auf eine zentrale Frage unserer Zeit: Wie wollen wir in Zukunft miteinander wohnen?

TEILNEHMENDE ARCHITEKT*INNEN

Dorte Mandrup Arkitekter (DK), CASA Architecten und Vrijburcht Stichting (NL), ifau und Jesko Fezer/Heide von Beckerath (DE), Hütten und Paläste Architekten (DE), Naruse Inokuma Architects (JP), Naka Architects’ Studio (JP), Studio mnm (JP), Osamu Nishida und Erika Nakagawa (JP), Ryue Nishizawa (JP), ON design partners (JP), Jinhee Park, SsD (KR), pool Architektur ZT (AT), gaupenraub +/- (AT), einszueins architektur (AT), Buol & Zünd (CH), Beat Rothen Architektur (CH), Müller Sigrist Architekten (CH), pool Architekten (CH), Enzmann Fischer und Partner (CH), Schneider Studer Primas (CH), Lacol Cooperativa d’Arquitectes (ES), BKK-2 (AT), Silvia Carpaneto + fatkoehl architekten + BARarchitekten mit Die Zusammen-arbeiter (DE), Michael Maltzan Architecture (USA), Duplex Architekten (CH), Santiago Cirugeda von Recetas Urbanas (ES), all(zone) (TH).

KATALOG

Begleitend zur Ausstellung ist die Publikation TOGETHER! DIE NEUE ARCHITEKTUR DER GEMEINSCHAFT  erschienen, Englisch (deutsche Fassung vergriffen), herausgegeben von Mateo Kries, Ilka Ruby, Andreas Ruby, Mathias Müller, Daniel Niggli, mit Bildessays des Fotografen Daniel Burchard und Textbeiträgen von Andreas Hofer, Mateo Kries, Mathias Müller, Daniel Niggli, Ethel Baraona Pohl, Anna Puigjaner, Andreas Ruby, Ilka Ruby, Yuma Shinohara und Robert Temel, Softcover, 23 x 30,2 cm, 352 Seiten, ca. 443 Abbildungen, überwiegend in Farbe, 49,90 €, erhältlich in der Buchhandlung Walther König im MK&G

Die große Sonderausstellung „Moby Dick und Röhrenkatze“ würdigt das langjährige Engagement des Kulturrings in der Studien- und Fördergesellschaft der Schleswig-Holsteinischen Wirtschaft für das Museum für Kunst und Kulturgeschichte. Seit einem halben Jahrhundert erwirbt der Kulturring Gemälde, Grafiken und Skulpturen, die in enger Abstimmung mit dem Museum ausgewählt werden. In fünf Jahrzehnten sind so fast 500 Werke von 115 Künstlerinnen und Künstlern zusammengekommen. 

Diese haben ihren Lebensmittelpunkt hier im Norden, wie Nikolaus Störtenbecker, Manfred Sihle-Wissel oder Friedel Anderson, oder deren Arbeiten einen engen Bezug zu Schleswig-Holstein, wie etwa die Gemälde und Grafiken der Norddeutschen Realisten. Daneben erstand der Kulturring jedoch immer wieder auch Werke, die halfen, das Sammlungsprofil des Museums zu schärfen oder sogar neu auszurichten. Beispiele hierfür sind die Arbeiten von Winfried Zimmermann (1928-1992), Günter Wiese (geb. 1942) oder Erwin Doose (geb. 1942). 

Die Hinwendung des Landesmuseums zur aktuellen zeitgenössischen Kunst und damit auch zur Abstraktion ist in besonderem Maße dem Engagement des Kulturrings zu verdanken und fand in den Arbeiten von Walter Stöhrer (1937-2000) und Karl Hartung (1908-1967) bemerkenswerte Höhepunkte.

Die Ausstellung in der Reithalle gibt mit fast 140 Werken einen umfassenden Einblick in die einmalige Sammelleidenschaft des Kulturrings. Hier geht es zum virtuellen Rundgang durch die Ausstellung.

Bild: Blick auf das Schloss und die Museumsinsel © Stiftung Schleswig-Holsteinische Landesmuseen / Bodo Nitsch

Die Übersetzung des lateinischen Titels der Ausstellung „Lena Kaapke – de manufactis“ heißt wörtlich „Lena Kaapke – über Handgefertigtes“. Die Künstlerin Lena Kaapke fokussiert in ihrer Ausstellung Themen, Verhältnisse, Bedingungen, Orte, Ereignisse und Biografien hinter handgefertigten Objekten.

Anlass sind Themen hervorgerufen durch Handgefertigtes, welches uns im Alltag oder im Museum und auch auf dem Museumsberg in Flensburg, dem ehemaligen Kunstgewerbe Museum begegnet – handproduziert in China, Europa und Sydslesvig.

So berichten Kaapkes Installationen über das Fachwissen hinter dem Gewerk der Keramik insbesondere über die keramische Oberfläche der Glasur, über die Kleingewerbetreibenden Jingdezhens, der Porzellanhauptstadt Chinas, über die Menschen hinter handgefertigten Produkten, ihre Lebens- und Arbeitsbedingungen und über das Verhältnis des Handwerkers als Produktschaffender in einer Wertschöpfungskette oder auch in einer Produktionslinie.

Der ehemaligen durch Joshua Wedgewood geprägten Produktionsort Stoke on Trent und seine Geschichte als Industriezentrum stehen im Mittelpunkt einer weiteren Installation. Auch historische Gegebenheiten, wie die schlesischen Weberaufstände, werden von der Künstlerin thematisiert.

In Ihrer neuesten Installation macht Lena Kaapke die unternehmerische Tätigkeit und das Wirken der Klöppelhändlerin Anna Kristine Iwersen aus Lögumkloster zum Inhalt ihrer Arbeit. Anna Kristine Iwersen widersetzte sich als erfolgreiche Unternehmerin der Frauenrolle des frühen 19. Jahrhunderts. Kaapke spürt der Frage nach, ob es möglich ist die Biografie einer historischen heute unbekannten Person hinter Museumsobjekten in Form von Fragmenten zu erzählen, um eine Repräsentation für sie und ihr unternehmerisches Wirken zu (er)finden?

Zu sehen sind ausgewählte installative Feldforschungen und künstlerische Befragungen, welche durch die hohe sinnliche Anmutung zugänglich für jeden sind.

Die Jahresschau der Gemeinschaft Lübecker Künstler e.V. ist seit vielen Jahren fester Bestandteil des Kulturlebens der Hansestadt. Sie bietet die Möglichkeit, sich ein umfangreiches Bild vom vielfältigen bildnerischen Schaffen in der Stadt zu machen und bringt Künstler:innen und Publikum miteinander ins Gespräch. Im zweijährigen Rhythmus findet die alljährliche Präsentation in der Kunsthalle St. Annen statt. 

Für die diesjährige Jahresschau bewarben sich 98 Künstler:innen und reichten insgesamt 370 Werken ein. Ein fünfköpfiges Kuratorium, das sich aus Kunsthistorikerinnen und Künstler:innen zusammensetzt, traf eine Auswahl an 86 Arbeiten von 41 Kunstschaffenden aller Altersgruppen sowie Bekanntheitsgrade, die den Ideen- und Formenreichtum künstlerischen Schaffens umreißen. Das Spektrum der Werke reicht von Installation über Medienkunst, Bildhauerei, Malerei, Zeichnung und Grafik bis zur Fotografie. 

Die Preisträgerin der diesjährigen Jahresschau ist Ulrike Heil. Sie wird mit einer Einzelausstellung 2021 in der Galerie Artler honoriert.

Erstmalig ist in Hamburg mit Magische Wirklichkeit eine Ausstellung zu dem italienischen Künstler Giorgio de Chirico (1888–1978) zu sehen, der als Begründer der Pittura Metafisica zu einem der wichtigsten Vorläufer des Surrealismus und der Neuen Sachlichkeit wurde.

Im Zentrum der groß angelegten Schau steht mit der metaphysischen Malerei die bedeutendste Werkgruppe, die de Chirico schuf. Die zwischen 1909 und 1919 geschaffenen, ikonischen Bilder von sonnendurchfluteten, leeren Plätzen, in denen die Zeit still zu stehen und das scheinbar Alltägliche mit einer neuen Bedeutung aufgeladen scheint, wirken heute besonders eindringlich und aktuell. Die Hamburger Kunsthalle präsentiert mit allein 35 seiner metaphysischen Bilder eine bislang ungesehene Qualität und Dichte dieser teils zuvor kaum gereisten Meisterwerke: Darunter sind namhafte amerikanische und europäische Institutionen wie das Museum of Modern Art und die Pierre and Tana Matisse Foundation in New York, das Art Institute of Chicago, das Chrysler Museum of Art in Norfolk, Virginia, die Menil Collection Houston oder das Philadelphia Museum of Art, die Peggy Guggenheim Collection in Venedig, die Tate London und das Moderna Museet in Stockholm sowie verborgene Privatsammlungen unter anderem aus Italien und der Schweiz. Die Leihgaben kommen erstmals in die Kunsthalle und treffen auf ausgewählte Sammlungsbestände. Insgesamt sind über 80 Meisterwerke aus über 50 Sammlungen weltweit von de Chirico, Carlo Carrà, Giorgio Morandi, Alberto Magnelli, Alexander Archipenko, Pablo Picasso sowie von Arnold Böcklin und Max Klinger zu entdecken. Dies ist trotz der derzeit durch die Pandemie vorherrschenden Einschränkungen und nur durch eine jahrelange Recherche und kollegiale Zusammenarbeit auch in Krisenzeiten möglich geworden.

In der Ausstellung werden die magisch wirkenden Bilder de Chiricos – und in seiner Folge Carlo Carràs und Giorgio Morandis – präsentiert, die eine Realität jenseits des Scheins sichtbar machen wollten und damit die Grundlagen für eine »andere Moderne« legten. Zugleich werden die Quellen dieser neuen Haltung und die Bedeutung der verschiedenen kulturellen Einflüsse Europas auf den in Griechenland geborenen und vielgereisten italienischen Künstler nachvollziehbar: die griechischen Mythen, mit denen er aufwuchs; die Auseinandersetzung mit der deutschen Philosophie – unter anderem von Friedrich Nietzsche – und mit Hauptwerken der deutschen Spätromantik während seiner Studienzeit in München; die Licht und Raumerfahrungen auf italienischen Plätzen; die Begegnungen mit der französischen Avantgarde in Paris und schließlich sein Militärdienst in Ferrara. Vor dem Hintergrund ihres herausragenden Bestands an Werken deutscher Spätromantik kann die Hamburger Kunsthalle spezifisch die frappierenden Einflüsse von Arnold Böcklin und von Max Klinger auf de Chirico darlegen.

In dieser einzigartigen Verbindung verschiedenster europäischer Einflüsse und im Angesicht des Ersten Weltkriegs wie der Pandemie der Spanischen Grippe sucht de Chirico mit seinen geheimnisvollen, realistisch-präzise präsentierten Möglichkeitswelten Unsichtbares sichtbar zu machen. Er lässt eine andere Welt jenseits des Scheins erahnen. Ihre intensive Stimmung wird erschaffen durch überscharf gezeichnete, kulissenartige Objekte und Menschen, die wie Puppen in perspektivisch übersteigerten, traumhaft mediterran wirkenden, nur mit Sonnenschein und bodenlosen Schatten gefüllten Räumen agieren. Brunnen oder große Uhren verweisen auf die ewige Wiederkehr des Gleichen und hinterfragen das Konzept der Zeit wie des Raumes. De Chiricos Bildsprache entlarvt die Doppeldeutigkeit der Zeichen. Sie zeigt das Scheinbare unserer Realität auf. Diese Vieldeutigkeit, die Virtuosität und die vorweggenommene Virtualität beeindrucken heute besonders, zumal sich die Raum-, Zeit- und Bilderfahrungen von menschenleeren, unheimlich wirkenden Plätzen 2020 durch die weltweiten Ausgangs- und Kontaktbeschränkungen aktualisiert haben. So können die 100-jährigen Meisterwerke heutigen BetrachterInnen auch als Spiegel dienen, um die Erfahrungen mit der eigenen aktuellen – äußeren wie inneren – Wirklichkeit zu reflektieren.

Zur Ausstellung ist ein reich illustrierter Katalog erschienen, der zahlreiche Essays von international renommierten ExpertInnen beinhaltet. Er legt neueste Forschungsergebnisse zu de Chiricos Lebensumständen vor – die zur Entwicklung der Metaphysischen Malerei führten – und zu Einflüssen der deutschen Spätromantik und Philosophie. Die Publikation (Hirmer Verlag GmbH, München) kann online über www.freunde-der-kunsthalle.de bestellt werden.

Begleitend zur Ausstellung sind zudem zahlreiche digitale Angebote über die Website der Hamburger Kunsthalle abrufbar: Die live gestreamte Ausstellungseröffnung (siehe oben), eine „Ohrenschau“ der Ausstellung, die fotografische Dokumentation der Räume, eine Bildergalerie zu ausgewählten Werken und ausführliche Texte, in denen die verschiedenen Ausstellungskapitel vorgestellt werden.

Im Rahmen des (Online-)Veranstaltungsprogramms mit Vorträgen, Gesprächen, Konzerten und Seminaren geben u. a. de Chirico-Spezialisten und renommierte Autoren unterschiedliche Perspektiven auf die Ausstellung der Kunsthalle.

Bild: Giorgio de Chirico (1888–1978)Der beängstigende Vormittag (La Matinée angoissante), Herbst 1912. Öl auf Leinwand, 81 × 65 cm Mart, Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto/Collezione VAF-Stiftung © VG Bild-Kunst, Bonn 2021 Foto: © Mart, Archivico fotografico e Mediateca

Jens Rausch stellt den Kreislauf der Natur und ihre Vergänglichkeit in den Mittelpunkt seiner künstlerischen Arbeit und verwendet dabei der Natur entstammende Materialien, die seinen Werken ihren einzigartigen Charakter verleihen.

In der Serie der „Alchemistischen Mischwälder“ kommen Asche, Bitumen, Ruß, Harz und Oxide zum Einsatz, deren Zusammenwirken auf der Leinwand chemische Reaktionen auslöst. So entstehen vom Spiel des Zufalls geprägte Landschaftseindrücke, die der Künstler mit weißer oder schwarzer Farbe zu Bäumen und Wäldern oder deren Fragmenten strukturiert. Dabei bevorzugt er eine extreme Nahsicht, die den Betrachter tief in das Dickicht der Natur hineinzieht und die „Stammbäume“, so der Titel einer weiteren Werkserie, zu charaktervollen Individuen werden lässt. Kräftige Strukturen bauen sich reliefartig auf dem Bildträger auf. Mit hinreichender Distanz sind sie als Baumrinde, Moos oder Blattwerk wahrnehmbar, lösen sich aber beim Herantreten mehr und mehr in abstrakte Flächen auf. Oder sie lassen das Spiel des Künstlers mit dem Material erkennen, wenn er z.B. Telefonbuchseiten in Birkenstämme verwandelt hat. Papier, das einmal Holz gewesen ist, wird so in den Stamm zurückgeführt und verweist gleichzeitig auf Stammbäume hinter den verzeichneten Namen.

Jens Rausch lässt auch Feuer zum Einsatz kommen, das seinen Bildern eine weitere Bedeutungsebene hinzufügt und vielfache Entdeckungen möglich macht. In der Serie „Feldarbeiten“ geben Brandlöcher den Blick hinter die Leinwand frei, auf dort eingeschlossene Insekten oder Samen, die auf Prozesse in der Natur verweisen.

Etwas Prozesshaftes liegt allen Bildern des in Hamburg lebenden Künstlers zugrunde. Er versteht sie als „Experimentierfelder“, auf denen Zufall und künstlerische Einflussnahme zusammenwirken. Seine Absicht ist es dabei, die Werke weitestgehend wie von selbst aus dem Material heraus entstehen zu lassen, so auch die jüngste Serie „BERGen“. Die den Naturgewalten ausgesetzten Berge verändern ihr Aussehen, wobei Mineralien wie Kalk, Graphit oder Gips freigesetzt werden. Indem Jens Rausch diese Materialen in seinen Werken verarbeitet, birgt er sie im Bild der Berge. Und ebenso kann man vom Bergen des Bildes sprechen, denn der Künstler lässt es entstehen, indem er es Schicht für Schicht aus dem aufgetragenen Material freilegt. Einige Gebirge greifen als Auffaltungen aus Papier oder Bleiplatten direkt in den Raum hinein und lassen so ihre Entstehung nachvollziehen.

Spuren des Menschen wird man vergeblich in Jens Rauschs Werken suchen. Als Betrachter ist er eingeladen, ihre geheimnisvolle Realität zu ergründen.

Virtueller Eröffnungsrundgang mit dem Künstler: Donnerstag, 4. Februar 2021, 18.00 Uhr.

Zu den Öffnungszeiten der Galerie beachten Sie bitte die Informationen auf unserer Webseite www.brennwald-galerie.de

In diesem Frühjahr lohnt, wenn möglich, eine Reise nach Frankfurt. Dies gilt besonders für Kenner und Liebhaber skandinavischer Landschaftsmalerei um 1900.

In der Schirn sind mehr als 80 Gemälde und viele Zeichnungen von Künstlerinnen und Künstlern aus dem Umkreis der legendären kanadischen Künstlervereinigung „Group of Seven“ zu sehen, eine Deutschland-Premiere.

Dichte Wälder in leuchtenden Herbstfarben werden gezeigt, reißende Flüsse, weite Seen, flirrende Nordlichter und atemberaubende Ansichten der Arktis. All dies ist pastos, dicht und mit breitem Pinselstrich aufgetragen.

Die Künstler der offiziell seit März 1920 bestehenden Vereinigung um Lawren Harris, James E. MacDonald, Arthur Lismer, Frederick H.Varley, Frank Carmichel, Frank Johnston und Alexander Y. Jackson wollten mit ihrer Malerei die Schönheit und Einzigartigkeit Kanadas auf ganz eigene Weise feiern – und zugleich pädagogisch wirksam sein.

Sie kannten einander schon länger. Einige der zumeist aus England stammenden und oft noch in Europa ausgebildeten Männer hatten in Toronto gemeinsam als Werbegrafiker gearbeitet. An den Wochenenden war man zum Skizzieren in die Wälder und an die Seen Northern Ontarios aufgebrochen, wo man theosophisch angehaucht im Geiste Ralph Waldo Emersons oder Henry David Thoreaus in der Natur zeltete, fischte und malte. Häufig mit von der Partie war der bereits 1917 unter mysteriösen Umständen ertrunkene Ranger und Künstler Tom Thomson, der gern als der Spiritus Rector der Gruppe bezeichnet wird.

Auf der Suche nach künstlerischer Unabhängigkeit von Europa, nach Ausdrucksmöglichkeiten für eine eigenständige kanadische Malerei jenseits akademischer Traditionen war den Malern noch vor Beginn des 1. Weltkriegs eine Ausstellung zeitgenössischer skandinavischer Kunst zum Schlüsselerlebnis geworden.

In Buffalo, New York, hatten Lawren Harris und James E. MacDonald 1913 Gemälde von Otto Hesselbom, Gustaf Fjaestad, Harald Sohlberg oder Jens F. Willumsen gesehen. Die symbolische Strahlkraft der oft mystisch aufgeladenen Landschaften und die leuchtenden Farben der Bilder hatten sie tief beeindruckt: Hier waren sie auf Maler gestoßen, die sich nicht nur mit ähnlichen topographischen und klimatischen Gegebenheiten auseinanderzusetzen hatten, sondern zugleich aus ähnlich nationalromantischem Geist heraus arbeiteten. Viele Jahre später sagte MacDonald: „We felt: This is what we want to do with Canada“.

Und so erscheinen, wie bei den nordeuropäischen Zeitgenossen, auch in den stilistisch sehr unterschiedlichen Gemälden der „Group of Seven“ Seen, Felsen oder Eisberge nicht nur als Abbild der Realität, sondern – getragen von einem gemeinsamen Ideal – beinahe plakativ als Symbole für die Schönheit und Größe Kanadas (Peter Mellon, 1970).

Tatsächlich sollten die Gemälde der „Group of Seven“ die kulturelle Identität der noch jungen kanadischen Nation entscheidend prägen, nicht zuletzt dank baldiger Unterstützung durch die National Gallery of Canada. Eine rege, auch internationale Ausstellungstätigkeit setzte ein, brachte Bekanntheit und Anerkennung. Bis weit in die 1950er Jahre hinein dominierten Gemälde-Reproduktionen die Klassenzimmer des riesigen Landes, Postkartensätze waren im Umlauf. Künstlerinnen und Künstler wie die später sehr bedeutende Emily Carr, die sich in die „Wildnis“ zurückzog um Relikte indigener Kulturen an der Westküste Kanadas zu dokumentieren, wurden durch die „Group of Seven“ inspiriert, deren Mitglieder sich auch als Lehrer, Schreiber und Speaker hervortaten.

Nachfolgende Künstlergenerationen versuchten, den Blick auf Land und Leute zu weiten. In Frankfurt stellen Fotos, Dokumente und Dokumentarfilme die in Kanada omnipräsenten Ikonen in einen angemessenen Kontext, der die in den Bildern konstruierte Darstellung Kanadas hinterfragt und auch Positionen indigener Kritik integriert.

„Magnetic North. Mythos Kanada in der Malerei 1910-1940“, Schirn Kunsthalle, Frankfurt. Die Ausstellung soll bis zum 16. Mai zu sehen sein. Es ist ein umfangreiches (Online-) Begleitprogramm geplant. Der Katalog zur Ausstellung erscheint im Prestel Verlag (49 Euro). In Kanada finden sich bemerkenswerte Bestände in der National Gallery of Canada (Ottawa), der Art Gallery of Ontario (Toronto) und der McMicheal Canadian Art Collection (Kleinburg). Nur eine Handvoll Gemälde befindet sich heute noch in Privatbesitz. Zum 100jährigen Bestehen der „Group of Seven“ wurden im vergangenen Jahr eine Vielzahl touristischer Angebote initiiert (siehe z.B. northernontario.travel).

Anette Froesch

Die neuen Mitglieder des Bundesverbandes bildender Künstlerinnen und Künstler Schleswig-Holstein stellen sich traditionell am Anfang des Jahres mit einer Ausstellung vor. Dank der großen Schauflächen des Brunswiker Pavillons können wir eine nach außen hin wirksame Ausstellung realisieren. Besuchen Sie den Pavillon und verschaffen Sie sich einen Eindruck von außen. Unser Dank gilt unseren neuen Kolleg*innen, auch unter diesen Bedingungen ihre Werke zu zeigen. Coronabedingt wird es keine Eröffnung geben.

Anja Badners – Malerei
Felisha Bahadur – Malerei
Lutz Bleidorn – Malerei/Grafik
Gerd G.M. Brockmann – Installation/Fotografie/Grafik
Rainhard Gaida – Fotografie/Grafik
Berthold Grzywatz – Bildhauerei
Susan Kasten-Jerke – Malerei
Sönke Knickrehm – Skulptur/Objekt/Installation
Uta Masch – Malerei
Wolfgang Meyer-Hesemann – Foto/Collage/Zeichnung
Karla Reckmann – Malerei/Grafik
Katharina Reinshagen – Malerei/Grafik
Christina Schwalbach-Hoffmann – Malerei
Maren Theel – Malerei/Fotografie/Installation

Das Museum Kunst der Westküste konnte seine Sammlung in den vergangenen fünf Jahren um mehr als 200 bedeutende neue Werke, darunter Erwerbungen ebenso wie Dauerleihgaben und Zustiftungen, erweitern. Mit der Konzentration auf Malerei und Grafik, die unter dem Generalthema „Meer & Küste“ in den vier Ländern Norwegen, Dänemark, Deutschland und in den Niederlanden zwischen 1830 und 1930 geschaffen wurden, versammelt die weltweit singuläre und sehr homogene Kollektion damit aktuell über 900 Arbeiten. Auch internationale zeitgenössische Kunst, die demselben Themenspektrum verpflichtet ist, spielt eine wichtige Rolle.

In der Ausstellung tritt eine Auswahl der „neuen Schätze“ in Verbindung mit Werken, die bereits länger zum Sammlungsbestand gehören. Die Zusammenstellung vermittelt, wie bedeutende Sammlungsschwerpunkte weiter ausgebaut werden konnten. Großen Raum nehmen Gemälde und Ölskizzen des deutschen Impressionisten Max Liebermann ein. Farbintensive Nordsee- und Hafendarstellungen von Erich Heckel bringen expressionistische Kompositionen ein. Neben den Skagen-Malern Michael Ancher und Christian Krohg sind Künstler aus Nordfriesland wie Hans Peter Feddersen und Emil Nolde mit eindrucksvollen Landschaftsdarstellungen vertreten.

Monumentale Gemälde von Jochen Hein zeigen im Bereich der Gegenwartskunst die unerschöpflichen Möglichkeiten, die die Gattung Malerei rund um das Thema Meer bereithält. Fotoarbeiten der Artists in Residence Mila Teshaieva und Anja Jensen befragen die insulare „Heimat“ neu.

Seit 2010 lädt das Museum Kunst der Westküste aktiv Künstlerinnen und Künstler als Artists in Residence nach Alkersum ein. Die Schau zeigt erstmals in einer Gruppenausstellung eine Auswahl von Arbeiten, die während oder im Prozess der Vor- oder Nachbereitung solcher Aufenthalte entstanden sind und überwiegend zum ersten Mal öffentlich präsentiert werden. Internationale Kunstschaffende, deren bisheriges Werk eine Verbindung zum Museumsprofil aufweist, erhalten auf Einladung die Möglichkeit zu einem Inspirations- und Arbeitsaufenthalt auf der Insel Föhr. Bislang konnten 24 internationale Artists in Residence begrüßt werden.

Die Ausstellung, die unter dem Titel „Made on Föhr“ den Auftakt einer neuen Reihe bildet, konzentriert sich in diesem Jahr auf künstlerische Positionen, die sich seit Jahrzehnten mit dem Medium Fotografie beschäftigen und auf Föhr den Fokus auf das Thema Landschaft gelegt haben. In der Herangehensweise, der inhaltlichen Konzeption und Wahrnehmung der Nordseeinsel erweisen sich die drei Positionen als vollkommen eigenständig und zugleich stringent in ihrem jeweiligen eigenen bisherigen Schaffen.

Mit Nicole Ahland, geb. 1970, und Thomas Wrede, geb. 1963, stehen zwei in Deutschland lebende Künstler, der finnischen, in Paris und Helsinki lebenden Elina Brotherus, geb. 1972, gegenüber

Bild oben: Thomas Wrede: Früher Morgen bei den Korallenmoosinseln, 2016, Museum Kunst der Westküste, Alkersum/Föhr © Courtesy of the artist / VG Bild-Kunst, Bonn 2021

Wie kann Wind sichtbar gemacht werden? Lässt sich das Element Luft darstellen? Wie kann fotografisch eingefangen werden, was sich vom menschlichen Auge für gewöhnlich nicht erfassen lässt?

Der in Amsterdam lebende Künstler Sjoerd Knibbeler (* 1981) beschäftigt sich mit komplexen Naturphänomenen. Ausgangspunkt ist sein Interesse an der Entdeckung der Welt durch menschliche Fantasie, an Erfindungen und Technologien. Jeder seiner Werkkomplexe setzt akribische Naturbeobachtungen, Experimente und den Austausch mit Wissenschaftler*innen voraus. Auf dieser Grundlage entstehen verschiedenartige Modelle, durch die flüchtige Momente – sei es ein Windstoß oder ein Sonnenstrahl – erfahrbar werden. Im Medium Fotografie lässt Sjoerd Knibbeler die gleichsam unsichtbaren Naturprozesse schließlich in ästhetisch ausgefeilten Bildern sichtbar werden und lädt zur inhaltlichen Auseinandersetzung ein.

Die Ausstellung umfasst schwerpunktmäßig Werke der Serien Current Studies, Exploded Views und In Elements. Bereits im Jahr 2017 war der Künstler als Artist in Residence des MKdW ausgewählt worden. Der Aufenthalt auf der Insel Föhr bildete den Auftakt zur jüngsten Serie Exploded Views, die jetzt erstmals umfangreich gezeigt wird. Im Sommer 2020 suchte Knibbeler die Insel erneut auf, um sich thematisch dem Klimawandel zuzuwenden und mögliche menschliche Interventionen künstlerisch zu durchdenken. Die daraus hervorgegangenen Werke In Elements werden ebenfalls in dieser Einzelausstellung, die seine erste museale Schau in Deutschland ist, gezeigt.

Bild oben: Sjoerd Knibbeler. Current Study #2, 2013. UltraChrome print, framed without glass, 120 x 96 cm. © Courtesy of the artist

In der Ausstellung, die am 10. September eröffnet wird, wird neue Forschung über Arne Jacobsen vorgestellt. Auf drei Gleisen werden Perspektiven und Einblicke in Leben und Wirken des dänischen Architekten sowie sein Einfluss auf Dänemark als Sozialstaat und Designnation präsentiert. In der Ausstellung geht es darum, warum Arne Jacobsen den Status als einer der wichtigsten Designer Dänemarks erlangt hat, und welche Inspirationen wir heute aus seinem Lebenswerk mitnehmen können.

Durch das Vertiefen in die vollendeten Gesamtdesigns, die Arne Jacobsen u. a. am Rathaus von Aarhus und dem Schulgebäude „Munkegårdsskolen“ bei Kopenhagen umgesetzt hat, erhalten wir einen Einblick darin, wie er dazu
beigetragen hat, dem dänischen Sozialstaat Form und Ästhetik zu verleihen. Darüber hinaus wird in der Ausstellung anhand von Interviews, Jacobsens persönliche Filmaufnahmen, Aquarellen und Naturstudien illustriert, wie Kunst, künstlerische Prozesse und die Natur bei seiner kreativen Arbeit eine wichtige Rolle spielten. Neben den bekannten Designklassikern werden zahlreiche weniger bekannte Modelle, Typen und Formate vorgestellt, unter anderem Aquarelle, Skizzen und Textilmuster.

Zudem stellt die Ausstellung die Frage, warum wir heute Arne Jacobsen als ein besonders prominentes Beispiel für dänisches Design ansehen, während er zu seinen Lebzeiten als Modernist und Internationalist angesehen wurde.

Die Ästhetik des dänischen Sozialstaats

Die Ausstellung legt die Entwicklung des dänischen Sozialstaats dar, die im Zuge der sozialdemokratischen Politik in den Jahrzehnten nach dem 2. Weltkrieg eng mit neuen Strömungen und Phänomenen in den Bereichen Architektur und Design verbunden war. Arne Jacobsen sowie weitere dänische Architekten und Designer haben ihren Beitrag zur Entwicklung des ästhetischen Ausdrucks des dänischen Sozialstaats durch neue öffentliche Gebäude und Möbel für den öffentlichen Raum geleistet. Sie erschufen eine Ästhetik und Funktionalität, die noch heute die Einrichtung in öffentlichen Büchereien, Rathäusern, Schulen, Büros und Krankenhäusern beeinflusst.

Die Museumsleiterin Karen Grøn sagt: „Das Ergebnis ist als ein ästhetischer Gesamtausdruck für den dänischen Sozialstaat zu betrachten. Dies kann dazu beitragen, dass in Dänemark, im Gegensatz zu vielen europäischen Nachbarländern, ein Konsens dahingehend herrscht, dass Ästhetik, Form und Materialien wichtig für das Wohlbefinden der Menschen ist – im öffentlichen und privaten Raum.“

Kreativer Entstehungsprozess

Diese Schilderung von Arne Jacobsen ist auch eine Schilderung von Kreativität, Innovation und einem lebenslangen Interesse an der Kunst und der Natur. Die Ausstellung bricht mit der klassischen Darstellung des jungen Arne Jacobsen als modernistischer Revoluzzer und schildert ihn stattdessen als einen kreativen Erneuerer. In Jacobsens Architekturbüro wurden Modelle und Skizzen zum Austausch von Wissen und Gedanken sowie als Grundlage für gemeinsame Experimente verwendet. Gemeinsam bilden sie einen einzigartigen Einblick in einen besonders kreativen Schaffensprozess, von dem wir heute vielleicht etwas lernen können. Sein Zugang zum Fach und zum kreativen Prozess macht ihn relevant, und vielleicht leben deshalb so viele seiner Werke auch heute noch?

Ist es eigentlich typisch dänisches Design?

Arne Jacobsen brachte internationale Strömungen nach Dänemark. Dies führte gelegentlich zu aufgebrachten Diskussionen. Heute sind viele Dänen der Meinung, seine Werke seien eindeutige Beispiele für dänisches Design. Die Ausstellung erörtert das Interessante daran, wie das, was einst als fremd angesehen wurde, ein Teil des kollektiven dänischen elbstverständnisses wird. Museumsleiterin Karen Grøn erklärt: „Die Schilderung von Arne Jacobsens Design als etwas besonders Dänisches zeigt somit, wie sich eine Kombination aus Gegenständen, Ereignissen und Kontexten mit der Zeit lokal ansiedeln kann. Somit stellt sich die Frage, ob es etwas gibt, das authentisch dänisch ist, oder ob das Dänischsein in Wirklichkeit ein sich konstant verändernder und entwickelnder Prozess ist?“

Arne Jacobsen – Dänemarks Designer wurde von der Museumsleiterin Katrine Stenum in Zusammenarbeit mit der unsthistorikerin und Registrarin bei der Arne Jacobsen Design I/S, Annika Skaarup Larsen, kuratiert. Die Forschung für die Ausstellung fand gemeinsam mit dem Dozenten am Institut für Kommunikation an der Universität Kopenhagen, Nan Dahlkild, statt.

Wie sähe ein Leben aus, das – im ökologischen, aber auch im virologischen Sinne – möglichst folgenlos bleibt? Könnte Folgenlosigkeit ein neues regulatives Ideal werden, wie Freiheit, Gerechtigkeit und Gleichheit, unerreichbar, aber dennoch erstrebenswert? Welche Auswirkungen hätte ein solches Streben auf die materielle und immaterielle Gestaltung unseres Alltags, auf die Wirtschafts- und Sozialordnung, auf unseren Glauben und auf die Art, wie wir miteinander umgehen? Und welche Vorbilder lassen sich für ein solches Leben in Gegenwart und Geschichte finden? Diese Fragen stellt die Schule der Folgenlosigkeit, ein künstlerisch-diskursives Projekt von Friedrich von Borries im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G). Von Borries verknüpft Sammlungsobjekte mit einem eigens für die Ausstellung eingerichteten „Selbstlernraum“ so, dass eine neue Perspektive auf „Nachhaltigkeit“ entsteht und vermeintlich allgemeingültige Vorstellungen eines „richtigen Lebens“ hinterfragt werden. Besucher*innen können hier im Selbstversuch Entscheidungen abgeben, ihre Hände in Unschuld waschen oder sich im Nichts-Tun üben. Ein digitales Begleit- und Diskursprogramm in Form einer App sowie das Stipendium für Nichtstun ergänzen das Projekt.

Im Rahmen der Ausstellung wird das Stipendium für Nichtstun vergeben, deren Bewerber*innen in der Ausstellung gezeigt werden. Ein diskursive Bildungsprogramm in Form einer App ergänzt das Projekt.

Der Selbstlernraum in der ehemaligen Aula des MK&G ist der zentrale Ort der Schule der Folgenlosigkeit. In dieser raumgreifenden Installation erproben sich Besucher*innen spielerisch in möglicher Folgenlosigkeit – und konfrontieren sich mit den daraus erwachsenden Konsequenzen. In abwechslungsreichen Übungen wie Entscheidung abgeben, Sorge tragen oder Nichts-Tun liefern sie sich dem Zufall am Glücksrad aus, waschen ihre Hände in Unschuld oder üben sich im Warten. Das Schaudepot zeigt ausgewählte Objekte aus dem MK&G, die als Werkzeuge und Ausrüstungsgegenstände einer nach Folgenlosigkeit strebenden Gesellschaft verstanden werden können. So zeugen etwa Astragale (aus Schafsknochen gefertigte Spielsteine) davon, wie im antiken Griechenland der Zufall in die Entscheidungsfindung mit einbezogen wurde. Indonesische Amulette aus dem 19. Jahrhundert sollen vor Kontakt mit sogenannten Dschinen schützen: Diese unsichtbaren Wesen können, so die magisch-religiöse Vorstellung, durch menschliches Handeln Schaden nehmen und Rache suchen. Interventionen in die bestehenden Sammlungspräsentationen des MK&G eröffnen weitere Perspektiven auf historische Vorläufer eines folgenlosen Lebens. So wird beispielsweise an einer chinesischen Tee-schale mit Goldlack-Reparatur (12./13. Jahrhundert) im Bereich Ostasien gezeigt, dass Zerstörung nicht immer negative Folgen haben muss. Die japanische kintsugi-Technik entfaltet eine ganz eigene Ästhetik, die den Wert des wiederhergestellten Objektes sogar steigern kann.

Die Schule der Folgenlosigkeit schreibt außerdem ein „Stipendium für Nichtstun“ aus. Für die drei zu vergebenden Stipendien, die jeweils mit 1.600 Euro dotiert sind, können sich alle Interessierten ab sofort bis zum 15. September 2020 bewerben. Die Entscheidung der Jury, der u.a. der Philosoph Armen Avanessian (bekannt durch seine Theorie der Beschleunigung) angehört, wird zum Beginn der Ausstellung verkündet. Weitere Informationen unter www.hfbk-hamburg.de.

Die politischen, technischen, ökonomischen und ästhetischen Dimensionen von Folgenlosigkeit mitsamt ihrer Ambivalenz und Widersprüchlichkeit werden von Friedrich von Borries und dem österreichischen Filmemacher Jakob Brossmann in begleitenden Filmen reflektiert. Eine vom Berliner Künstlerkollektiv Refrakt entwickelte App führt in Form eines Spiels durch die Ausstellung und stellt Exponate und Übungen vor. Darüber hinaus hält sie vertiefende Inhalte wie Filmbeiträge oder Expert*inneninterviews zur Ausstellung bereit.

Friedrich von Borries (*1974) ist Architekt und seit 2009 Professor für Designtheorie an der Hochschule für bildende Künste Hamburg (HFBK). Sein Berliner Projektbüro Friedrich von Borries agiert im Spannungsfeld von Architektur, Design, Kunst und Stadtentwicklung. 2010 kuratierte er die Ausstellung Klimakapseln. Überlebensbedingungen in der Katastrophe im MK&G.

Die Schule der Folgenlosigkeit ist eine Initiative der HFBK Hamburg in Kooperation mit dem MK&G.

Die Schule der Folgenlosigkeit wird gefördert durch die Behörde für Wissenschaft, Forschung, Gleichstellung und Bezirke der Freien und Hansestadt Hamburg (BWFGB), die Hamburg Open Online University (HOOU), die Friede Springer Stiftung, die Kursbuch Kulturstiftung sowie die Leinemann Kunststiftung Nikolassee und unterstützt von der Hamburg Innovation GmbH. Weitere Partnerinnen sind die Katholische Akademie Hamburg sowie die Evangelische Akademie der Nordkirche.

Bild: Schule der Folgenlosigkeit, Filmstill, © Jakob Brossmann

Die Ausstellung stellt Beispiele aus Europa, Asien und den USA vor: Projekte, Initiativen, Siedlungen, Modelle, eine begehbare Cluster-Wohnung und die historischen Vorläufer – von der Reformideen des 19. Jahrhunderts bis zur Hippie- und Hausbesetzungs-Szene der 1970er – vor. Ideen aus einem Konzeptfindungsverfahren der Behörde für Stadtentwicklung und Wohnen (BSW) zeigen, wie auch bestehende Siedlungen der 1950er bis 1970er Jahre an die Bedürfnisse der Menschen heute angepasst werden können.

Wohnraum ist eine knappe Ressource – das wird in den letzten Jahren immer deutlicher. Die Immobilienpreise in den Metropolen steigen und klassische Konzepte des Wohnungsbaus können dem Bedarf nicht mehr gerecht werden. Diese Herausforderungen haben eine stille Revolution in der zeitgenössischen Architektur ausgelöst: das Bauen und Wohnen im Kollektiv. TOGETHER! DIE NEUE ARCHITEKTUR DER GEMEINSCHAFT ist die erste Ausstellung, die dieses Thema umfassend beleuchtet und räumlich erfahrbar macht. Anhand von Modellen, Filmen und einer Cluster-Wohnung im Maßstab 1:1 präsentiert die Ausstellung im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) eine Vielzahl von Beispielen aus Europa, Asien und den USA. Historische Vorläufer veranschaulichen zugleich die Geschichte der gemeinschaftlichen Architektur – von den Reformideen des 19. Jahrhunderts bis hin zur Hippie- und Hausbesetzer*innenszene, die mit dem Slogan „Make love, not lofts“ antrat. Die Kurator*innen Ilka und Andreas Ruby erweitern im Auftrag der Behörde für Stadtentwicklung und Wohnen (BSW) die bestehende Ausstellung des Vitra Design Museums um einen zusätzlichen Teil, der sich mit der Situation des genossenschaftlichen Wohnens in Hamburg auseinandersetzt. Präsentiert werden Ergebnisse des Konzeptfindungsverfahrens „Wohnen – und was noch?“ und Ideen, wie genossenschaftliche Siedlungen der 1950er bis 1970er Jahre an heutige Bedürfnisse angepasst werden können.

Die Ausstellung beginnt mit einem Blick auf die Geschichte sozialer Wohnideale, die zumeist aus einem Protest gegen bestehende Verhältnisse entstanden sind. Dies unterstreicht eine Inszenierung, die Bezug auf die gesellschaftliche Brisanz des Themas nimmt: Filme zeigen historische Protestbewegungen für Wohnraum, während Transparente über die damals entwickelten Lösungsansätze informieren. Unter den gezeigten Beispielen sind die Phalanstères von Charles Fourier (1772–1837), die Ende des 19. Jahrhunderts im Tessin entstandene Kolonie Monte Verità, die Wohngenossenschaften der 1920er Jahre, aber auch die Freistadt Christiania in Kopenhagen oder die Genossenschaft Karthago in Zürich. Die gesellschaftspolitischen Hintergründe dieser Projekte machen die Aktualität der Ideen verständlich: Auch heute befindet sich die Gesellschaft im Umbruch, weil immer mehr Menschen anders als in klassischen Familienstrukturen leben – ob als Paar, Alleinerziehende, Singles oder alleinlebende ältere Menschen. Für viele ist das Leben in Gemeinschaft eine vielversprechende Alternative, die soziale Kontakte fördert und Kosten senkt.

Eine Installation aus 21 großformatigen Modellen heutiger Wohnbauprojekte bildet den zweiten Bereich der Ausstellung. Die gezeigten Beispiele stammen unter anderem aus Berlin, Zürich, Los Angeles, Tokio und Wien; unter den Architekt*innen sind einszueins architektur, das ifau – Institut für angewandte Urbanistik, Jesko Fezer und Heide & von Beckerath, Michael Maltzan Architecture, ON design partners, pool Architekten und Ryue Nishizawa. Der detaillierte Blick auf die einzelnen Projekte zeigt, dass die neuen gemeinschaftlichen Wohnbauten auch eine durchweg innovative Herangehensweise an Volumen, Fassaden und Materialien mit sich bringen: Aus den besonderen Anforderungen und begrenzten Mitteln entsteht eine eigene Ästhetik. Die Präsentation der Modelle als imaginäre Stadt veranschaulicht zudem, dass Stadt und Wohnraum, Öffentlichkeit und Privatsphäre in vielen gezeigten Projekten nicht mehr klar getrennt, sondern auf neue Weise miteinander verwoben sind.

Was das konkret bedeutet, erfahren die Besucher*innen, wenn sie im dritten Ausstellungsbereich das 1:1-Modell einer sogenannten Clusterwohnung betreten und gemeinschaftliche Bereiche sowie private Räume durchstreifen. Grundrisse und Hintergrundinformationen zeigen, wie das neue Wohnen in Gemeinschaft umgesetzt wird. Ergänzt wird der Nachbau durch Fotografien von Daniel Burchard. Er hat acht Projekte in mehreren Ländern besucht und die neue Form des Zusammenlebens für die Ausstellung dokumentiert. Dabei wird deutlich, dass viele der neuen Wohnkollektive auch deshalb ein Labor gesellschaftlicher Entwicklungen sind, weil sie neue Verbindungen von Wohnen und Arbeiten erproben, die erst dank der Digitalisierung möglich geworden sind.

Aber wie funktioniert die neue Architektur der Gemeinschaft ökonomisch, welche Herausforderungen stellt sie im Alltag und wie lässt sie sich praktisch realisieren? In einem in die Ausstellung integrierten Co-Working Space werden diese Fragen anhand von fünf Projekten erläutert: die Sargfabrik in Wien, das Zwicky-Süd in Zürich, La Borda in Barcelona, R50 in Berlin und die Apartments with a Small Restaurant in Tokio. Die Gestaltung dieses Bereichs als Arbeitsraum zeigt, dass die neue Verflechtung vieler Projekte mit dem öffentlichen Leben auch neue Finanzierungsmöglichkeiten bietet: So widmet das Zürcher Projekt Kalkbreite die Hälfte seiner Fläche Gewerbefunktionen und umfasst neben öffentlichen Einrichtungen wie einem Kino, einem verpackungsfreien Supermarkt, Restaurants und Cafés, Arztpraxen und diversen Büroflächen auch einen frei zugänglichen Innenhof mit Kinderspielplätzen.

Projekte wie die Kalkbreite beweisen überdies, dass gemeinschaftliche Wohnmodelle sich heute nicht nur erfolgreich im kommerziellen Wohnungsmarkt behaupten, sondern ihn darüber hinaus auch positiv verändern können. Sie sind Teil der so genannten „sharing economy“, die die Rolle des Eigentums grundlegend neu definiert, während soziale Bottom Up-Bewegungen wie Occupy solche Ideale in der politischen Landschaft verankern. Die Ausstellung zeigt den Einfluss dieser Entwicklungen auf die Art, wie die Bewohner*innen und Architekt*innen heute gemeinsam neue Formen des Zusammenlebens entwickeln – nicht als ein Produkt rein individueller Bedürfnisse, sondern als eine Antwort auf eine zentrale Frage unserer Zeit: Wie wollen wir in Zukunft miteinander wohnen?

TEILNEHMENDE ARCHITEKT*INNEN

Dorte Mandrup Arkitekter (DK), CASA Architecten und Vrijburcht Stichting (NL), ifau und Jesko Fezer/Heide von Beckerath (DE), Hütten und Paläste Architekten (DE), Naruse Inokuma Architects (JP), Naka Architects’ Studio (JP), Studio mnm (JP), Osamu Nishida und Erika Nakagawa (JP), Ryue Nishizawa (JP), ON design partners (JP), Jinhee Park, SsD (KR), pool Architektur ZT (AT), gaupenraub +/- (AT), einszueins architektur (AT), Buol & Zünd (CH), Beat Rothen Architektur (CH), Müller Sigrist Architekten (CH), pool Architekten (CH), Enzmann Fischer und Partner (CH), Schneider Studer Primas (CH), Lacol Cooperativa d’Arquitectes (ES), BKK-2 (AT), Silvia Carpaneto + fatkoehl architekten + BARarchitekten mit Die Zusammen-arbeiter (DE), Michael Maltzan Architecture (USA), Duplex Architekten (CH), Santiago Cirugeda von Recetas Urbanas (ES), all(zone) (TH).

KATALOG

Begleitend zur Ausstellung ist die Publikation TOGETHER! DIE NEUE ARCHITEKTUR DER GEMEINSCHAFT  erschienen, Englisch (deutsche Fassung vergriffen), herausgegeben von Mateo Kries, Ilka Ruby, Andreas Ruby, Mathias Müller, Daniel Niggli, mit Bildessays des Fotografen Daniel Burchard und Textbeiträgen von Andreas Hofer, Mateo Kries, Mathias Müller, Daniel Niggli, Ethel Baraona Pohl, Anna Puigjaner, Andreas Ruby, Ilka Ruby, Yuma Shinohara und Robert Temel, Softcover, 23 x 30,2 cm, 352 Seiten, ca. 443 Abbildungen, überwiegend in Farbe, 49,90 €, erhältlich in der Buchhandlung Walther König im MK&G

Die Jahresschau der Gemeinschaft Lübecker Künstler e.V. ist seit vielen Jahren fester Bestandteil des Kulturlebens der Hansestadt. Sie bietet die Möglichkeit, sich ein umfangreiches Bild vom vielfältigen bildnerischen Schaffen in der Stadt zu machen und bringt Künstler:innen und Publikum miteinander ins Gespräch. Im zweijährigen Rhythmus findet die alljährliche Präsentation in der Kunsthalle St. Annen statt. 

Für die diesjährige Jahresschau bewarben sich 98 Künstler:innen und reichten insgesamt 370 Werken ein. Ein fünfköpfiges Kuratorium, das sich aus Kunsthistorikerinnen und Künstler:innen zusammensetzt, traf eine Auswahl an 86 Arbeiten von 41 Kunstschaffenden aller Altersgruppen sowie Bekanntheitsgrade, die den Ideen- und Formenreichtum künstlerischen Schaffens umreißen. Das Spektrum der Werke reicht von Installation über Medienkunst, Bildhauerei, Malerei, Zeichnung und Grafik bis zur Fotografie. 

Die Preisträgerin der diesjährigen Jahresschau ist Ulrike Heil. Sie wird mit einer Einzelausstellung 2021 in der Galerie Artler honoriert.

Erstmalig ist in Hamburg mit Magische Wirklichkeit eine Ausstellung zu dem italienischen Künstler Giorgio de Chirico (1888–1978) zu sehen, der als Begründer der Pittura Metafisica zu einem der wichtigsten Vorläufer des Surrealismus und der Neuen Sachlichkeit wurde.

Im Zentrum der groß angelegten Schau steht mit der metaphysischen Malerei die bedeutendste Werkgruppe, die de Chirico schuf. Die zwischen 1909 und 1919 geschaffenen, ikonischen Bilder von sonnendurchfluteten, leeren Plätzen, in denen die Zeit still zu stehen und das scheinbar Alltägliche mit einer neuen Bedeutung aufgeladen scheint, wirken heute besonders eindringlich und aktuell. Die Hamburger Kunsthalle präsentiert mit allein 35 seiner metaphysischen Bilder eine bislang ungesehene Qualität und Dichte dieser teils zuvor kaum gereisten Meisterwerke: Darunter sind namhafte amerikanische und europäische Institutionen wie das Museum of Modern Art und die Pierre and Tana Matisse Foundation in New York, das Art Institute of Chicago, das Chrysler Museum of Art in Norfolk, Virginia, die Menil Collection Houston oder das Philadelphia Museum of Art, die Peggy Guggenheim Collection in Venedig, die Tate London und das Moderna Museet in Stockholm sowie verborgene Privatsammlungen unter anderem aus Italien und der Schweiz. Die Leihgaben kommen erstmals in die Kunsthalle und treffen auf ausgewählte Sammlungsbestände. Insgesamt sind über 80 Meisterwerke aus über 50 Sammlungen weltweit von de Chirico, Carlo Carrà, Giorgio Morandi, Alberto Magnelli, Alexander Archipenko, Pablo Picasso sowie von Arnold Böcklin und Max Klinger zu entdecken. Dies ist trotz der derzeit durch die Pandemie vorherrschenden Einschränkungen und nur durch eine jahrelange Recherche und kollegiale Zusammenarbeit auch in Krisenzeiten möglich geworden.

In der Ausstellung werden die magisch wirkenden Bilder de Chiricos – und in seiner Folge Carlo Carràs und Giorgio Morandis – präsentiert, die eine Realität jenseits des Scheins sichtbar machen wollten und damit die Grundlagen für eine »andere Moderne« legten. Zugleich werden die Quellen dieser neuen Haltung und die Bedeutung der verschiedenen kulturellen Einflüsse Europas auf den in Griechenland geborenen und vielgereisten italienischen Künstler nachvollziehbar: die griechischen Mythen, mit denen er aufwuchs; die Auseinandersetzung mit der deutschen Philosophie – unter anderem von Friedrich Nietzsche – und mit Hauptwerken der deutschen Spätromantik während seiner Studienzeit in München; die Licht und Raumerfahrungen auf italienischen Plätzen; die Begegnungen mit der französischen Avantgarde in Paris und schließlich sein Militärdienst in Ferrara. Vor dem Hintergrund ihres herausragenden Bestands an Werken deutscher Spätromantik kann die Hamburger Kunsthalle spezifisch die frappierenden Einflüsse von Arnold Böcklin und von Max Klinger auf de Chirico darlegen.

In dieser einzigartigen Verbindung verschiedenster europäischer Einflüsse und im Angesicht des Ersten Weltkriegs wie der Pandemie der Spanischen Grippe sucht de Chirico mit seinen geheimnisvollen, realistisch-präzise präsentierten Möglichkeitswelten Unsichtbares sichtbar zu machen. Er lässt eine andere Welt jenseits des Scheins erahnen. Ihre intensive Stimmung wird erschaffen durch überscharf gezeichnete, kulissenartige Objekte und Menschen, die wie Puppen in perspektivisch übersteigerten, traumhaft mediterran wirkenden, nur mit Sonnenschein und bodenlosen Schatten gefüllten Räumen agieren. Brunnen oder große Uhren verweisen auf die ewige Wiederkehr des Gleichen und hinterfragen das Konzept der Zeit wie des Raumes. De Chiricos Bildsprache entlarvt die Doppeldeutigkeit der Zeichen. Sie zeigt das Scheinbare unserer Realität auf. Diese Vieldeutigkeit, die Virtuosität und die vorweggenommene Virtualität beeindrucken heute besonders, zumal sich die Raum-, Zeit- und Bilderfahrungen von menschenleeren, unheimlich wirkenden Plätzen 2020 durch die weltweiten Ausgangs- und Kontaktbeschränkungen aktualisiert haben. So können die 100-jährigen Meisterwerke heutigen BetrachterInnen auch als Spiegel dienen, um die Erfahrungen mit der eigenen aktuellen – äußeren wie inneren – Wirklichkeit zu reflektieren.

Zur Ausstellung ist ein reich illustrierter Katalog erschienen, der zahlreiche Essays von international renommierten ExpertInnen beinhaltet. Er legt neueste Forschungsergebnisse zu de Chiricos Lebensumständen vor – die zur Entwicklung der Metaphysischen Malerei führten – und zu Einflüssen der deutschen Spätromantik und Philosophie. Die Publikation (Hirmer Verlag GmbH, München) kann online über www.freunde-der-kunsthalle.de bestellt werden.

Begleitend zur Ausstellung sind zudem zahlreiche digitale Angebote über die Website der Hamburger Kunsthalle abrufbar: Die live gestreamte Ausstellungseröffnung (siehe oben), eine „Ohrenschau“ der Ausstellung, die fotografische Dokumentation der Räume, eine Bildergalerie zu ausgewählten Werken und ausführliche Texte, in denen die verschiedenen Ausstellungskapitel vorgestellt werden.

Im Rahmen des (Online-)Veranstaltungsprogramms mit Vorträgen, Gesprächen, Konzerten und Seminaren geben u. a. de Chirico-Spezialisten und renommierte Autoren unterschiedliche Perspektiven auf die Ausstellung der Kunsthalle.

Bild: Giorgio de Chirico (1888–1978)Der beängstigende Vormittag (La Matinée angoissante), Herbst 1912. Öl auf Leinwand, 81 × 65 cm Mart, Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto/Collezione VAF-Stiftung © VG Bild-Kunst, Bonn 2021 Foto: © Mart, Archivico fotografico e Mediateca

In diesem Frühjahr lohnt, wenn möglich, eine Reise nach Frankfurt. Dies gilt besonders für Kenner und Liebhaber skandinavischer Landschaftsmalerei um 1900.

In der Schirn sind mehr als 80 Gemälde und viele Zeichnungen von Künstlerinnen und Künstlern aus dem Umkreis der legendären kanadischen Künstlervereinigung „Group of Seven“ zu sehen, eine Deutschland-Premiere.

Dichte Wälder in leuchtenden Herbstfarben werden gezeigt, reißende Flüsse, weite Seen, flirrende Nordlichter und atemberaubende Ansichten der Arktis. All dies ist pastos, dicht und mit breitem Pinselstrich aufgetragen.

Die Künstler der offiziell seit März 1920 bestehenden Vereinigung um Lawren Harris, James E. MacDonald, Arthur Lismer, Frederick H.Varley, Frank Carmichel, Frank Johnston und Alexander Y. Jackson wollten mit ihrer Malerei die Schönheit und Einzigartigkeit Kanadas auf ganz eigene Weise feiern – und zugleich pädagogisch wirksam sein.

Sie kannten einander schon länger. Einige der zumeist aus England stammenden und oft noch in Europa ausgebildeten Männer hatten in Toronto gemeinsam als Werbegrafiker gearbeitet. An den Wochenenden war man zum Skizzieren in die Wälder und an die Seen Northern Ontarios aufgebrochen, wo man theosophisch angehaucht im Geiste Ralph Waldo Emersons oder Henry David Thoreaus in der Natur zeltete, fischte und malte. Häufig mit von der Partie war der bereits 1917 unter mysteriösen Umständen ertrunkene Ranger und Künstler Tom Thomson, der gern als der Spiritus Rector der Gruppe bezeichnet wird.

Auf der Suche nach künstlerischer Unabhängigkeit von Europa, nach Ausdrucksmöglichkeiten für eine eigenständige kanadische Malerei jenseits akademischer Traditionen war den Malern noch vor Beginn des 1. Weltkriegs eine Ausstellung zeitgenössischer skandinavischer Kunst zum Schlüsselerlebnis geworden.

In Buffalo, New York, hatten Lawren Harris und James E. MacDonald 1913 Gemälde von Otto Hesselbom, Gustaf Fjaestad, Harald Sohlberg oder Jens F. Willumsen gesehen. Die symbolische Strahlkraft der oft mystisch aufgeladenen Landschaften und die leuchtenden Farben der Bilder hatten sie tief beeindruckt: Hier waren sie auf Maler gestoßen, die sich nicht nur mit ähnlichen topographischen und klimatischen Gegebenheiten auseinanderzusetzen hatten, sondern zugleich aus ähnlich nationalromantischem Geist heraus arbeiteten. Viele Jahre später sagte MacDonald: „We felt: This is what we want to do with Canada“.

Und so erscheinen, wie bei den nordeuropäischen Zeitgenossen, auch in den stilistisch sehr unterschiedlichen Gemälden der „Group of Seven“ Seen, Felsen oder Eisberge nicht nur als Abbild der Realität, sondern – getragen von einem gemeinsamen Ideal – beinahe plakativ als Symbole für die Schönheit und Größe Kanadas (Peter Mellon, 1970).

Tatsächlich sollten die Gemälde der „Group of Seven“ die kulturelle Identität der noch jungen kanadischen Nation entscheidend prägen, nicht zuletzt dank baldiger Unterstützung durch die National Gallery of Canada. Eine rege, auch internationale Ausstellungstätigkeit setzte ein, brachte Bekanntheit und Anerkennung. Bis weit in die 1950er Jahre hinein dominierten Gemälde-Reproduktionen die Klassenzimmer des riesigen Landes, Postkartensätze waren im Umlauf. Künstlerinnen und Künstler wie die später sehr bedeutende Emily Carr, die sich in die „Wildnis“ zurückzog um Relikte indigener Kulturen an der Westküste Kanadas zu dokumentieren, wurden durch die „Group of Seven“ inspiriert, deren Mitglieder sich auch als Lehrer, Schreiber und Speaker hervortaten.

Nachfolgende Künstlergenerationen versuchten, den Blick auf Land und Leute zu weiten. In Frankfurt stellen Fotos, Dokumente und Dokumentarfilme die in Kanada omnipräsenten Ikonen in einen angemessenen Kontext, der die in den Bildern konstruierte Darstellung Kanadas hinterfragt und auch Positionen indigener Kritik integriert.

„Magnetic North. Mythos Kanada in der Malerei 1910-1940“, Schirn Kunsthalle, Frankfurt. Die Ausstellung soll bis zum 16. Mai zu sehen sein. Es ist ein umfangreiches (Online-) Begleitprogramm geplant. Der Katalog zur Ausstellung erscheint im Prestel Verlag (49 Euro). In Kanada finden sich bemerkenswerte Bestände in der National Gallery of Canada (Ottawa), der Art Gallery of Ontario (Toronto) und der McMicheal Canadian Art Collection (Kleinburg). Nur eine Handvoll Gemälde befindet sich heute noch in Privatbesitz. Zum 100jährigen Bestehen der „Group of Seven“ wurden im vergangenen Jahr eine Vielzahl touristischer Angebote initiiert (siehe z.B. northernontario.travel).

Anette Froesch

Die neuen Mitglieder des Bundesverbandes bildender Künstlerinnen und Künstler Schleswig-Holstein stellen sich traditionell am Anfang des Jahres mit einer Ausstellung vor. Dank der großen Schauflächen des Brunswiker Pavillons können wir eine nach außen hin wirksame Ausstellung realisieren. Besuchen Sie den Pavillon und verschaffen Sie sich einen Eindruck von außen. Unser Dank gilt unseren neuen Kolleg*innen, auch unter diesen Bedingungen ihre Werke zu zeigen. Coronabedingt wird es keine Eröffnung geben.

Anja Badners – Malerei
Felisha Bahadur – Malerei
Lutz Bleidorn – Malerei/Grafik
Gerd G.M. Brockmann – Installation/Fotografie/Grafik
Rainhard Gaida – Fotografie/Grafik
Berthold Grzywatz – Bildhauerei
Susan Kasten-Jerke – Malerei
Sönke Knickrehm – Skulptur/Objekt/Installation
Uta Masch – Malerei
Wolfgang Meyer-Hesemann – Foto/Collage/Zeichnung
Karla Reckmann – Malerei/Grafik
Katharina Reinshagen – Malerei/Grafik
Christina Schwalbach-Hoffmann – Malerei
Maren Theel – Malerei/Fotografie/Installation

Das Museum Kunst der Westküste konnte seine Sammlung in den vergangenen fünf Jahren um mehr als 200 bedeutende neue Werke, darunter Erwerbungen ebenso wie Dauerleihgaben und Zustiftungen, erweitern. Mit der Konzentration auf Malerei und Grafik, die unter dem Generalthema „Meer & Küste“ in den vier Ländern Norwegen, Dänemark, Deutschland und in den Niederlanden zwischen 1830 und 1930 geschaffen wurden, versammelt die weltweit singuläre und sehr homogene Kollektion damit aktuell über 900 Arbeiten. Auch internationale zeitgenössische Kunst, die demselben Themenspektrum verpflichtet ist, spielt eine wichtige Rolle.

In der Ausstellung tritt eine Auswahl der „neuen Schätze“ in Verbindung mit Werken, die bereits länger zum Sammlungsbestand gehören. Die Zusammenstellung vermittelt, wie bedeutende Sammlungsschwerpunkte weiter ausgebaut werden konnten. Großen Raum nehmen Gemälde und Ölskizzen des deutschen Impressionisten Max Liebermann ein. Farbintensive Nordsee- und Hafendarstellungen von Erich Heckel bringen expressionistische Kompositionen ein. Neben den Skagen-Malern Michael Ancher und Christian Krohg sind Künstler aus Nordfriesland wie Hans Peter Feddersen und Emil Nolde mit eindrucksvollen Landschaftsdarstellungen vertreten.

Monumentale Gemälde von Jochen Hein zeigen im Bereich der Gegenwartskunst die unerschöpflichen Möglichkeiten, die die Gattung Malerei rund um das Thema Meer bereithält. Fotoarbeiten der Artists in Residence Mila Teshaieva und Anja Jensen befragen die insulare „Heimat“ neu.

Seit 2010 lädt das Museum Kunst der Westküste aktiv Künstlerinnen und Künstler als Artists in Residence nach Alkersum ein. Die Schau zeigt erstmals in einer Gruppenausstellung eine Auswahl von Arbeiten, die während oder im Prozess der Vor- oder Nachbereitung solcher Aufenthalte entstanden sind und überwiegend zum ersten Mal öffentlich präsentiert werden. Internationale Kunstschaffende, deren bisheriges Werk eine Verbindung zum Museumsprofil aufweist, erhalten auf Einladung die Möglichkeit zu einem Inspirations- und Arbeitsaufenthalt auf der Insel Föhr. Bislang konnten 24 internationale Artists in Residence begrüßt werden.

Die Ausstellung, die unter dem Titel „Made on Föhr“ den Auftakt einer neuen Reihe bildet, konzentriert sich in diesem Jahr auf künstlerische Positionen, die sich seit Jahrzehnten mit dem Medium Fotografie beschäftigen und auf Föhr den Fokus auf das Thema Landschaft gelegt haben. In der Herangehensweise, der inhaltlichen Konzeption und Wahrnehmung der Nordseeinsel erweisen sich die drei Positionen als vollkommen eigenständig und zugleich stringent in ihrem jeweiligen eigenen bisherigen Schaffen.

Mit Nicole Ahland, geb. 1970, und Thomas Wrede, geb. 1963, stehen zwei in Deutschland lebende Künstler, der finnischen, in Paris und Helsinki lebenden Elina Brotherus, geb. 1972, gegenüber

Bild oben: Thomas Wrede: Früher Morgen bei den Korallenmoosinseln, 2016, Museum Kunst der Westküste, Alkersum/Föhr © Courtesy of the artist / VG Bild-Kunst, Bonn 2021

Wie kann Wind sichtbar gemacht werden? Lässt sich das Element Luft darstellen? Wie kann fotografisch eingefangen werden, was sich vom menschlichen Auge für gewöhnlich nicht erfassen lässt?

Der in Amsterdam lebende Künstler Sjoerd Knibbeler (* 1981) beschäftigt sich mit komplexen Naturphänomenen. Ausgangspunkt ist sein Interesse an der Entdeckung der Welt durch menschliche Fantasie, an Erfindungen und Technologien. Jeder seiner Werkkomplexe setzt akribische Naturbeobachtungen, Experimente und den Austausch mit Wissenschaftler*innen voraus. Auf dieser Grundlage entstehen verschiedenartige Modelle, durch die flüchtige Momente – sei es ein Windstoß oder ein Sonnenstrahl – erfahrbar werden. Im Medium Fotografie lässt Sjoerd Knibbeler die gleichsam unsichtbaren Naturprozesse schließlich in ästhetisch ausgefeilten Bildern sichtbar werden und lädt zur inhaltlichen Auseinandersetzung ein.

Die Ausstellung umfasst schwerpunktmäßig Werke der Serien Current Studies, Exploded Views und In Elements. Bereits im Jahr 2017 war der Künstler als Artist in Residence des MKdW ausgewählt worden. Der Aufenthalt auf der Insel Föhr bildete den Auftakt zur jüngsten Serie Exploded Views, die jetzt erstmals umfangreich gezeigt wird. Im Sommer 2020 suchte Knibbeler die Insel erneut auf, um sich thematisch dem Klimawandel zuzuwenden und mögliche menschliche Interventionen künstlerisch zu durchdenken. Die daraus hervorgegangenen Werke In Elements werden ebenfalls in dieser Einzelausstellung, die seine erste museale Schau in Deutschland ist, gezeigt.

Bild oben: Sjoerd Knibbeler. Current Study #2, 2013. UltraChrome print, framed without glass, 120 x 96 cm. © Courtesy of the artist

Der international erfolgreiche Maler und Grafiker Ken Denning lädt uns ein, ihm in sein persönliches Album zu folgen. Für diese Ausstellung neu entstanden sind Gemälde, Holzschnitte und Grafiken, in denen er Motive und Erinnerungen von Reisen nach Island, auf die Färöer und entlang des Gendarmstiens in seiner Heimat Nordschleswig verarbeitet. Eigens geschaffene Kompositionen des Klangkünstlers Robert Cole Rizzi schaffen dazu eine fast magische Atmosphäre. Die Ausstellung wird parallel im Museet Holmen in Løgumkloster und auf dem Museumsberg Flensburg gezeigt.

In der Ausstellung, die am 10. September eröffnet wird, wird neue Forschung über Arne Jacobsen vorgestellt. Auf drei Gleisen werden Perspektiven und Einblicke in Leben und Wirken des dänischen Architekten sowie sein Einfluss auf Dänemark als Sozialstaat und Designnation präsentiert. In der Ausstellung geht es darum, warum Arne Jacobsen den Status als einer der wichtigsten Designer Dänemarks erlangt hat, und welche Inspirationen wir heute aus seinem Lebenswerk mitnehmen können.

Durch das Vertiefen in die vollendeten Gesamtdesigns, die Arne Jacobsen u. a. am Rathaus von Aarhus und dem Schulgebäude „Munkegårdsskolen“ bei Kopenhagen umgesetzt hat, erhalten wir einen Einblick darin, wie er dazu
beigetragen hat, dem dänischen Sozialstaat Form und Ästhetik zu verleihen. Darüber hinaus wird in der Ausstellung anhand von Interviews, Jacobsens persönliche Filmaufnahmen, Aquarellen und Naturstudien illustriert, wie Kunst, künstlerische Prozesse und die Natur bei seiner kreativen Arbeit eine wichtige Rolle spielten. Neben den bekannten Designklassikern werden zahlreiche weniger bekannte Modelle, Typen und Formate vorgestellt, unter anderem Aquarelle, Skizzen und Textilmuster.

Zudem stellt die Ausstellung die Frage, warum wir heute Arne Jacobsen als ein besonders prominentes Beispiel für dänisches Design ansehen, während er zu seinen Lebzeiten als Modernist und Internationalist angesehen wurde.

Die Ästhetik des dänischen Sozialstaats

Die Ausstellung legt die Entwicklung des dänischen Sozialstaats dar, die im Zuge der sozialdemokratischen Politik in den Jahrzehnten nach dem 2. Weltkrieg eng mit neuen Strömungen und Phänomenen in den Bereichen Architektur und Design verbunden war. Arne Jacobsen sowie weitere dänische Architekten und Designer haben ihren Beitrag zur Entwicklung des ästhetischen Ausdrucks des dänischen Sozialstaats durch neue öffentliche Gebäude und Möbel für den öffentlichen Raum geleistet. Sie erschufen eine Ästhetik und Funktionalität, die noch heute die Einrichtung in öffentlichen Büchereien, Rathäusern, Schulen, Büros und Krankenhäusern beeinflusst.

Die Museumsleiterin Karen Grøn sagt: „Das Ergebnis ist als ein ästhetischer Gesamtausdruck für den dänischen Sozialstaat zu betrachten. Dies kann dazu beitragen, dass in Dänemark, im Gegensatz zu vielen europäischen Nachbarländern, ein Konsens dahingehend herrscht, dass Ästhetik, Form und Materialien wichtig für das Wohlbefinden der Menschen ist – im öffentlichen und privaten Raum.“

Kreativer Entstehungsprozess

Diese Schilderung von Arne Jacobsen ist auch eine Schilderung von Kreativität, Innovation und einem lebenslangen Interesse an der Kunst und der Natur. Die Ausstellung bricht mit der klassischen Darstellung des jungen Arne Jacobsen als modernistischer Revoluzzer und schildert ihn stattdessen als einen kreativen Erneuerer. In Jacobsens Architekturbüro wurden Modelle und Skizzen zum Austausch von Wissen und Gedanken sowie als Grundlage für gemeinsame Experimente verwendet. Gemeinsam bilden sie einen einzigartigen Einblick in einen besonders kreativen Schaffensprozess, von dem wir heute vielleicht etwas lernen können. Sein Zugang zum Fach und zum kreativen Prozess macht ihn relevant, und vielleicht leben deshalb so viele seiner Werke auch heute noch?

Ist es eigentlich typisch dänisches Design?

Arne Jacobsen brachte internationale Strömungen nach Dänemark. Dies führte gelegentlich zu aufgebrachten Diskussionen. Heute sind viele Dänen der Meinung, seine Werke seien eindeutige Beispiele für dänisches Design. Die Ausstellung erörtert das Interessante daran, wie das, was einst als fremd angesehen wurde, ein Teil des kollektiven dänischen elbstverständnisses wird. Museumsleiterin Karen Grøn erklärt: „Die Schilderung von Arne Jacobsens Design als etwas besonders Dänisches zeigt somit, wie sich eine Kombination aus Gegenständen, Ereignissen und Kontexten mit der Zeit lokal ansiedeln kann. Somit stellt sich die Frage, ob es etwas gibt, das authentisch dänisch ist, oder ob das Dänischsein in Wirklichkeit ein sich konstant verändernder und entwickelnder Prozess ist?“

Arne Jacobsen – Dänemarks Designer wurde von der Museumsleiterin Katrine Stenum in Zusammenarbeit mit der unsthistorikerin und Registrarin bei der Arne Jacobsen Design I/S, Annika Skaarup Larsen, kuratiert. Die Forschung für die Ausstellung fand gemeinsam mit dem Dozenten am Institut für Kommunikation an der Universität Kopenhagen, Nan Dahlkild, statt.

Wie sähe ein Leben aus, das – im ökologischen, aber auch im virologischen Sinne – möglichst folgenlos bleibt? Könnte Folgenlosigkeit ein neues regulatives Ideal werden, wie Freiheit, Gerechtigkeit und Gleichheit, unerreichbar, aber dennoch erstrebenswert? Welche Auswirkungen hätte ein solches Streben auf die materielle und immaterielle Gestaltung unseres Alltags, auf die Wirtschafts- und Sozialordnung, auf unseren Glauben und auf die Art, wie wir miteinander umgehen? Und welche Vorbilder lassen sich für ein solches Leben in Gegenwart und Geschichte finden? Diese Fragen stellt die Schule der Folgenlosigkeit, ein künstlerisch-diskursives Projekt von Friedrich von Borries im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G). Von Borries verknüpft Sammlungsobjekte mit einem eigens für die Ausstellung eingerichteten „Selbstlernraum“ so, dass eine neue Perspektive auf „Nachhaltigkeit“ entsteht und vermeintlich allgemeingültige Vorstellungen eines „richtigen Lebens“ hinterfragt werden. Besucher*innen können hier im Selbstversuch Entscheidungen abgeben, ihre Hände in Unschuld waschen oder sich im Nichts-Tun üben. Ein digitales Begleit- und Diskursprogramm in Form einer App sowie das Stipendium für Nichtstun ergänzen das Projekt.

Im Rahmen der Ausstellung wird das Stipendium für Nichtstun vergeben, deren Bewerber*innen in der Ausstellung gezeigt werden. Ein diskursive Bildungsprogramm in Form einer App ergänzt das Projekt.

Der Selbstlernraum in der ehemaligen Aula des MK&G ist der zentrale Ort der Schule der Folgenlosigkeit. In dieser raumgreifenden Installation erproben sich Besucher*innen spielerisch in möglicher Folgenlosigkeit – und konfrontieren sich mit den daraus erwachsenden Konsequenzen. In abwechslungsreichen Übungen wie Entscheidung abgeben, Sorge tragen oder Nichts-Tun liefern sie sich dem Zufall am Glücksrad aus, waschen ihre Hände in Unschuld oder üben sich im Warten. Das Schaudepot zeigt ausgewählte Objekte aus dem MK&G, die als Werkzeuge und Ausrüstungsgegenstände einer nach Folgenlosigkeit strebenden Gesellschaft verstanden werden können. So zeugen etwa Astragale (aus Schafsknochen gefertigte Spielsteine) davon, wie im antiken Griechenland der Zufall in die Entscheidungsfindung mit einbezogen wurde. Indonesische Amulette aus dem 19. Jahrhundert sollen vor Kontakt mit sogenannten Dschinen schützen: Diese unsichtbaren Wesen können, so die magisch-religiöse Vorstellung, durch menschliches Handeln Schaden nehmen und Rache suchen. Interventionen in die bestehenden Sammlungspräsentationen des MK&G eröffnen weitere Perspektiven auf historische Vorläufer eines folgenlosen Lebens. So wird beispielsweise an einer chinesischen Tee-schale mit Goldlack-Reparatur (12./13. Jahrhundert) im Bereich Ostasien gezeigt, dass Zerstörung nicht immer negative Folgen haben muss. Die japanische kintsugi-Technik entfaltet eine ganz eigene Ästhetik, die den Wert des wiederhergestellten Objektes sogar steigern kann.

Die Schule der Folgenlosigkeit schreibt außerdem ein „Stipendium für Nichtstun“ aus. Für die drei zu vergebenden Stipendien, die jeweils mit 1.600 Euro dotiert sind, können sich alle Interessierten ab sofort bis zum 15. September 2020 bewerben. Die Entscheidung der Jury, der u.a. der Philosoph Armen Avanessian (bekannt durch seine Theorie der Beschleunigung) angehört, wird zum Beginn der Ausstellung verkündet. Weitere Informationen unter www.hfbk-hamburg.de.

Die politischen, technischen, ökonomischen und ästhetischen Dimensionen von Folgenlosigkeit mitsamt ihrer Ambivalenz und Widersprüchlichkeit werden von Friedrich von Borries und dem österreichischen Filmemacher Jakob Brossmann in begleitenden Filmen reflektiert. Eine vom Berliner Künstlerkollektiv Refrakt entwickelte App führt in Form eines Spiels durch die Ausstellung und stellt Exponate und Übungen vor. Darüber hinaus hält sie vertiefende Inhalte wie Filmbeiträge oder Expert*inneninterviews zur Ausstellung bereit.

Friedrich von Borries (*1974) ist Architekt und seit 2009 Professor für Designtheorie an der Hochschule für bildende Künste Hamburg (HFBK). Sein Berliner Projektbüro Friedrich von Borries agiert im Spannungsfeld von Architektur, Design, Kunst und Stadtentwicklung. 2010 kuratierte er die Ausstellung Klimakapseln. Überlebensbedingungen in der Katastrophe im MK&G.

Die Schule der Folgenlosigkeit ist eine Initiative der HFBK Hamburg in Kooperation mit dem MK&G.

Die Schule der Folgenlosigkeit wird gefördert durch die Behörde für Wissenschaft, Forschung, Gleichstellung und Bezirke der Freien und Hansestadt Hamburg (BWFGB), die Hamburg Open Online University (HOOU), die Friede Springer Stiftung, die Kursbuch Kulturstiftung sowie die Leinemann Kunststiftung Nikolassee und unterstützt von der Hamburg Innovation GmbH. Weitere Partnerinnen sind die Katholische Akademie Hamburg sowie die Evangelische Akademie der Nordkirche.

Bild: Schule der Folgenlosigkeit, Filmstill, © Jakob Brossmann

Die Ausstellung stellt Beispiele aus Europa, Asien und den USA vor: Projekte, Initiativen, Siedlungen, Modelle, eine begehbare Cluster-Wohnung und die historischen Vorläufer – von der Reformideen des 19. Jahrhunderts bis zur Hippie- und Hausbesetzungs-Szene der 1970er – vor. Ideen aus einem Konzeptfindungsverfahren der Behörde für Stadtentwicklung und Wohnen (BSW) zeigen, wie auch bestehende Siedlungen der 1950er bis 1970er Jahre an die Bedürfnisse der Menschen heute angepasst werden können.

Wohnraum ist eine knappe Ressource – das wird in den letzten Jahren immer deutlicher. Die Immobilienpreise in den Metropolen steigen und klassische Konzepte des Wohnungsbaus können dem Bedarf nicht mehr gerecht werden. Diese Herausforderungen haben eine stille Revolution in der zeitgenössischen Architektur ausgelöst: das Bauen und Wohnen im Kollektiv. TOGETHER! DIE NEUE ARCHITEKTUR DER GEMEINSCHAFT ist die erste Ausstellung, die dieses Thema umfassend beleuchtet und räumlich erfahrbar macht. Anhand von Modellen, Filmen und einer Cluster-Wohnung im Maßstab 1:1 präsentiert die Ausstellung im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) eine Vielzahl von Beispielen aus Europa, Asien und den USA. Historische Vorläufer veranschaulichen zugleich die Geschichte der gemeinschaftlichen Architektur – von den Reformideen des 19. Jahrhunderts bis hin zur Hippie- und Hausbesetzer*innenszene, die mit dem Slogan „Make love, not lofts“ antrat. Die Kurator*innen Ilka und Andreas Ruby erweitern im Auftrag der Behörde für Stadtentwicklung und Wohnen (BSW) die bestehende Ausstellung des Vitra Design Museums um einen zusätzlichen Teil, der sich mit der Situation des genossenschaftlichen Wohnens in Hamburg auseinandersetzt. Präsentiert werden Ergebnisse des Konzeptfindungsverfahrens „Wohnen – und was noch?“ und Ideen, wie genossenschaftliche Siedlungen der 1950er bis 1970er Jahre an heutige Bedürfnisse angepasst werden können.

Die Ausstellung beginnt mit einem Blick auf die Geschichte sozialer Wohnideale, die zumeist aus einem Protest gegen bestehende Verhältnisse entstanden sind. Dies unterstreicht eine Inszenierung, die Bezug auf die gesellschaftliche Brisanz des Themas nimmt: Filme zeigen historische Protestbewegungen für Wohnraum, während Transparente über die damals entwickelten Lösungsansätze informieren. Unter den gezeigten Beispielen sind die Phalanstères von Charles Fourier (1772–1837), die Ende des 19. Jahrhunderts im Tessin entstandene Kolonie Monte Verità, die Wohngenossenschaften der 1920er Jahre, aber auch die Freistadt Christiania in Kopenhagen oder die Genossenschaft Karthago in Zürich. Die gesellschaftspolitischen Hintergründe dieser Projekte machen die Aktualität der Ideen verständlich: Auch heute befindet sich die Gesellschaft im Umbruch, weil immer mehr Menschen anders als in klassischen Familienstrukturen leben – ob als Paar, Alleinerziehende, Singles oder alleinlebende ältere Menschen. Für viele ist das Leben in Gemeinschaft eine vielversprechende Alternative, die soziale Kontakte fördert und Kosten senkt.

Eine Installation aus 21 großformatigen Modellen heutiger Wohnbauprojekte bildet den zweiten Bereich der Ausstellung. Die gezeigten Beispiele stammen unter anderem aus Berlin, Zürich, Los Angeles, Tokio und Wien; unter den Architekt*innen sind einszueins architektur, das ifau – Institut für angewandte Urbanistik, Jesko Fezer und Heide & von Beckerath, Michael Maltzan Architecture, ON design partners, pool Architekten und Ryue Nishizawa. Der detaillierte Blick auf die einzelnen Projekte zeigt, dass die neuen gemeinschaftlichen Wohnbauten auch eine durchweg innovative Herangehensweise an Volumen, Fassaden und Materialien mit sich bringen: Aus den besonderen Anforderungen und begrenzten Mitteln entsteht eine eigene Ästhetik. Die Präsentation der Modelle als imaginäre Stadt veranschaulicht zudem, dass Stadt und Wohnraum, Öffentlichkeit und Privatsphäre in vielen gezeigten Projekten nicht mehr klar getrennt, sondern auf neue Weise miteinander verwoben sind.

Was das konkret bedeutet, erfahren die Besucher*innen, wenn sie im dritten Ausstellungsbereich das 1:1-Modell einer sogenannten Clusterwohnung betreten und gemeinschaftliche Bereiche sowie private Räume durchstreifen. Grundrisse und Hintergrundinformationen zeigen, wie das neue Wohnen in Gemeinschaft umgesetzt wird. Ergänzt wird der Nachbau durch Fotografien von Daniel Burchard. Er hat acht Projekte in mehreren Ländern besucht und die neue Form des Zusammenlebens für die Ausstellung dokumentiert. Dabei wird deutlich, dass viele der neuen Wohnkollektive auch deshalb ein Labor gesellschaftlicher Entwicklungen sind, weil sie neue Verbindungen von Wohnen und Arbeiten erproben, die erst dank der Digitalisierung möglich geworden sind.

Aber wie funktioniert die neue Architektur der Gemeinschaft ökonomisch, welche Herausforderungen stellt sie im Alltag und wie lässt sie sich praktisch realisieren? In einem in die Ausstellung integrierten Co-Working Space werden diese Fragen anhand von fünf Projekten erläutert: die Sargfabrik in Wien, das Zwicky-Süd in Zürich, La Borda in Barcelona, R50 in Berlin und die Apartments with a Small Restaurant in Tokio. Die Gestaltung dieses Bereichs als Arbeitsraum zeigt, dass die neue Verflechtung vieler Projekte mit dem öffentlichen Leben auch neue Finanzierungsmöglichkeiten bietet: So widmet das Zürcher Projekt Kalkbreite die Hälfte seiner Fläche Gewerbefunktionen und umfasst neben öffentlichen Einrichtungen wie einem Kino, einem verpackungsfreien Supermarkt, Restaurants und Cafés, Arztpraxen und diversen Büroflächen auch einen frei zugänglichen Innenhof mit Kinderspielplätzen.

Projekte wie die Kalkbreite beweisen überdies, dass gemeinschaftliche Wohnmodelle sich heute nicht nur erfolgreich im kommerziellen Wohnungsmarkt behaupten, sondern ihn darüber hinaus auch positiv verändern können. Sie sind Teil der so genannten „sharing economy“, die die Rolle des Eigentums grundlegend neu definiert, während soziale Bottom Up-Bewegungen wie Occupy solche Ideale in der politischen Landschaft verankern. Die Ausstellung zeigt den Einfluss dieser Entwicklungen auf die Art, wie die Bewohner*innen und Architekt*innen heute gemeinsam neue Formen des Zusammenlebens entwickeln – nicht als ein Produkt rein individueller Bedürfnisse, sondern als eine Antwort auf eine zentrale Frage unserer Zeit: Wie wollen wir in Zukunft miteinander wohnen?

TEILNEHMENDE ARCHITEKT*INNEN

Dorte Mandrup Arkitekter (DK), CASA Architecten und Vrijburcht Stichting (NL), ifau und Jesko Fezer/Heide von Beckerath (DE), Hütten und Paläste Architekten (DE), Naruse Inokuma Architects (JP), Naka Architects’ Studio (JP), Studio mnm (JP), Osamu Nishida und Erika Nakagawa (JP), Ryue Nishizawa (JP), ON design partners (JP), Jinhee Park, SsD (KR), pool Architektur ZT (AT), gaupenraub +/- (AT), einszueins architektur (AT), Buol & Zünd (CH), Beat Rothen Architektur (CH), Müller Sigrist Architekten (CH), pool Architekten (CH), Enzmann Fischer und Partner (CH), Schneider Studer Primas (CH), Lacol Cooperativa d’Arquitectes (ES), BKK-2 (AT), Silvia Carpaneto + fatkoehl architekten + BARarchitekten mit Die Zusammen-arbeiter (DE), Michael Maltzan Architecture (USA), Duplex Architekten (CH), Santiago Cirugeda von Recetas Urbanas (ES), all(zone) (TH).

KATALOG

Begleitend zur Ausstellung ist die Publikation TOGETHER! DIE NEUE ARCHITEKTUR DER GEMEINSCHAFT  erschienen, Englisch (deutsche Fassung vergriffen), herausgegeben von Mateo Kries, Ilka Ruby, Andreas Ruby, Mathias Müller, Daniel Niggli, mit Bildessays des Fotografen Daniel Burchard und Textbeiträgen von Andreas Hofer, Mateo Kries, Mathias Müller, Daniel Niggli, Ethel Baraona Pohl, Anna Puigjaner, Andreas Ruby, Ilka Ruby, Yuma Shinohara und Robert Temel, Softcover, 23 x 30,2 cm, 352 Seiten, ca. 443 Abbildungen, überwiegend in Farbe, 49,90 €, erhältlich in der Buchhandlung Walther König im MK&G

Die Jahresschau der Gemeinschaft Lübecker Künstler e.V. ist seit vielen Jahren fester Bestandteil des Kulturlebens der Hansestadt. Sie bietet die Möglichkeit, sich ein umfangreiches Bild vom vielfältigen bildnerischen Schaffen in der Stadt zu machen und bringt Künstler:innen und Publikum miteinander ins Gespräch. Im zweijährigen Rhythmus findet die alljährliche Präsentation in der Kunsthalle St. Annen statt. 

Für die diesjährige Jahresschau bewarben sich 98 Künstler:innen und reichten insgesamt 370 Werken ein. Ein fünfköpfiges Kuratorium, das sich aus Kunsthistorikerinnen und Künstler:innen zusammensetzt, traf eine Auswahl an 86 Arbeiten von 41 Kunstschaffenden aller Altersgruppen sowie Bekanntheitsgrade, die den Ideen- und Formenreichtum künstlerischen Schaffens umreißen. Das Spektrum der Werke reicht von Installation über Medienkunst, Bildhauerei, Malerei, Zeichnung und Grafik bis zur Fotografie. 

Die Preisträgerin der diesjährigen Jahresschau ist Ulrike Heil. Sie wird mit einer Einzelausstellung 2021 in der Galerie Artler honoriert.

Erstmalig ist in Hamburg mit Magische Wirklichkeit eine Ausstellung zu dem italienischen Künstler Giorgio de Chirico (1888–1978) zu sehen, der als Begründer der Pittura Metafisica zu einem der wichtigsten Vorläufer des Surrealismus und der Neuen Sachlichkeit wurde.

Im Zentrum der groß angelegten Schau steht mit der metaphysischen Malerei die bedeutendste Werkgruppe, die de Chirico schuf. Die zwischen 1909 und 1919 geschaffenen, ikonischen Bilder von sonnendurchfluteten, leeren Plätzen, in denen die Zeit still zu stehen und das scheinbar Alltägliche mit einer neuen Bedeutung aufgeladen scheint, wirken heute besonders eindringlich und aktuell. Die Hamburger Kunsthalle präsentiert mit allein 35 seiner metaphysischen Bilder eine bislang ungesehene Qualität und Dichte dieser teils zuvor kaum gereisten Meisterwerke: Darunter sind namhafte amerikanische und europäische Institutionen wie das Museum of Modern Art und die Pierre and Tana Matisse Foundation in New York, das Art Institute of Chicago, das Chrysler Museum of Art in Norfolk, Virginia, die Menil Collection Houston oder das Philadelphia Museum of Art, die Peggy Guggenheim Collection in Venedig, die Tate London und das Moderna Museet in Stockholm sowie verborgene Privatsammlungen unter anderem aus Italien und der Schweiz. Die Leihgaben kommen erstmals in die Kunsthalle und treffen auf ausgewählte Sammlungsbestände. Insgesamt sind über 80 Meisterwerke aus über 50 Sammlungen weltweit von de Chirico, Carlo Carrà, Giorgio Morandi, Alberto Magnelli, Alexander Archipenko, Pablo Picasso sowie von Arnold Böcklin und Max Klinger zu entdecken. Dies ist trotz der derzeit durch die Pandemie vorherrschenden Einschränkungen und nur durch eine jahrelange Recherche und kollegiale Zusammenarbeit auch in Krisenzeiten möglich geworden.

In der Ausstellung werden die magisch wirkenden Bilder de Chiricos – und in seiner Folge Carlo Carràs und Giorgio Morandis – präsentiert, die eine Realität jenseits des Scheins sichtbar machen wollten und damit die Grundlagen für eine »andere Moderne« legten. Zugleich werden die Quellen dieser neuen Haltung und die Bedeutung der verschiedenen kulturellen Einflüsse Europas auf den in Griechenland geborenen und vielgereisten italienischen Künstler nachvollziehbar: die griechischen Mythen, mit denen er aufwuchs; die Auseinandersetzung mit der deutschen Philosophie – unter anderem von Friedrich Nietzsche – und mit Hauptwerken der deutschen Spätromantik während seiner Studienzeit in München; die Licht und Raumerfahrungen auf italienischen Plätzen; die Begegnungen mit der französischen Avantgarde in Paris und schließlich sein Militärdienst in Ferrara. Vor dem Hintergrund ihres herausragenden Bestands an Werken deutscher Spätromantik kann die Hamburger Kunsthalle spezifisch die frappierenden Einflüsse von Arnold Böcklin und von Max Klinger auf de Chirico darlegen.

In dieser einzigartigen Verbindung verschiedenster europäischer Einflüsse und im Angesicht des Ersten Weltkriegs wie der Pandemie der Spanischen Grippe sucht de Chirico mit seinen geheimnisvollen, realistisch-präzise präsentierten Möglichkeitswelten Unsichtbares sichtbar zu machen. Er lässt eine andere Welt jenseits des Scheins erahnen. Ihre intensive Stimmung wird erschaffen durch überscharf gezeichnete, kulissenartige Objekte und Menschen, die wie Puppen in perspektivisch übersteigerten, traumhaft mediterran wirkenden, nur mit Sonnenschein und bodenlosen Schatten gefüllten Räumen agieren. Brunnen oder große Uhren verweisen auf die ewige Wiederkehr des Gleichen und hinterfragen das Konzept der Zeit wie des Raumes. De Chiricos Bildsprache entlarvt die Doppeldeutigkeit der Zeichen. Sie zeigt das Scheinbare unserer Realität auf. Diese Vieldeutigkeit, die Virtuosität und die vorweggenommene Virtualität beeindrucken heute besonders, zumal sich die Raum-, Zeit- und Bilderfahrungen von menschenleeren, unheimlich wirkenden Plätzen 2020 durch die weltweiten Ausgangs- und Kontaktbeschränkungen aktualisiert haben. So können die 100-jährigen Meisterwerke heutigen BetrachterInnen auch als Spiegel dienen, um die Erfahrungen mit der eigenen aktuellen – äußeren wie inneren – Wirklichkeit zu reflektieren.

Zur Ausstellung ist ein reich illustrierter Katalog erschienen, der zahlreiche Essays von international renommierten ExpertInnen beinhaltet. Er legt neueste Forschungsergebnisse zu de Chiricos Lebensumständen vor – die zur Entwicklung der Metaphysischen Malerei führten – und zu Einflüssen der deutschen Spätromantik und Philosophie. Die Publikation (Hirmer Verlag GmbH, München) kann online über www.freunde-der-kunsthalle.de bestellt werden.

Begleitend zur Ausstellung sind zudem zahlreiche digitale Angebote über die Website der Hamburger Kunsthalle abrufbar: Die live gestreamte Ausstellungseröffnung (siehe oben), eine „Ohrenschau“ der Ausstellung, die fotografische Dokumentation der Räume, eine Bildergalerie zu ausgewählten Werken und ausführliche Texte, in denen die verschiedenen Ausstellungskapitel vorgestellt werden.

Im Rahmen des (Online-)Veranstaltungsprogramms mit Vorträgen, Gesprächen, Konzerten und Seminaren geben u. a. de Chirico-Spezialisten und renommierte Autoren unterschiedliche Perspektiven auf die Ausstellung der Kunsthalle.

Bild: Giorgio de Chirico (1888–1978)Der beängstigende Vormittag (La Matinée angoissante), Herbst 1912. Öl auf Leinwand, 81 × 65 cm Mart, Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto/Collezione VAF-Stiftung © VG Bild-Kunst, Bonn 2021 Foto: © Mart, Archivico fotografico e Mediateca

In diesem Frühjahr lohnt, wenn möglich, eine Reise nach Frankfurt. Dies gilt besonders für Kenner und Liebhaber skandinavischer Landschaftsmalerei um 1900.

In der Schirn sind mehr als 80 Gemälde und viele Zeichnungen von Künstlerinnen und Künstlern aus dem Umkreis der legendären kanadischen Künstlervereinigung „Group of Seven“ zu sehen, eine Deutschland-Premiere.

Dichte Wälder in leuchtenden Herbstfarben werden gezeigt, reißende Flüsse, weite Seen, flirrende Nordlichter und atemberaubende Ansichten der Arktis. All dies ist pastos, dicht und mit breitem Pinselstrich aufgetragen.

Die Künstler der offiziell seit März 1920 bestehenden Vereinigung um Lawren Harris, James E. MacDonald, Arthur Lismer, Frederick H.Varley, Frank Carmichel, Frank Johnston und Alexander Y. Jackson wollten mit ihrer Malerei die Schönheit und Einzigartigkeit Kanadas auf ganz eigene Weise feiern – und zugleich pädagogisch wirksam sein.

Sie kannten einander schon länger. Einige der zumeist aus England stammenden und oft noch in Europa ausgebildeten Männer hatten in Toronto gemeinsam als Werbegrafiker gearbeitet. An den Wochenenden war man zum Skizzieren in die Wälder und an die Seen Northern Ontarios aufgebrochen, wo man theosophisch angehaucht im Geiste Ralph Waldo Emersons oder Henry David Thoreaus in der Natur zeltete, fischte und malte. Häufig mit von der Partie war der bereits 1917 unter mysteriösen Umständen ertrunkene Ranger und Künstler Tom Thomson, der gern als der Spiritus Rector der Gruppe bezeichnet wird.

Auf der Suche nach künstlerischer Unabhängigkeit von Europa, nach Ausdrucksmöglichkeiten für eine eigenständige kanadische Malerei jenseits akademischer Traditionen war den Malern noch vor Beginn des 1. Weltkriegs eine Ausstellung zeitgenössischer skandinavischer Kunst zum Schlüsselerlebnis geworden.

In Buffalo, New York, hatten Lawren Harris und James E. MacDonald 1913 Gemälde von Otto Hesselbom, Gustaf Fjaestad, Harald Sohlberg oder Jens F. Willumsen gesehen. Die symbolische Strahlkraft der oft mystisch aufgeladenen Landschaften und die leuchtenden Farben der Bilder hatten sie tief beeindruckt: Hier waren sie auf Maler gestoßen, die sich nicht nur mit ähnlichen topographischen und klimatischen Gegebenheiten auseinanderzusetzen hatten, sondern zugleich aus ähnlich nationalromantischem Geist heraus arbeiteten. Viele Jahre später sagte MacDonald: „We felt: This is what we want to do with Canada“.

Und so erscheinen, wie bei den nordeuropäischen Zeitgenossen, auch in den stilistisch sehr unterschiedlichen Gemälden der „Group of Seven“ Seen, Felsen oder Eisberge nicht nur als Abbild der Realität, sondern – getragen von einem gemeinsamen Ideal – beinahe plakativ als Symbole für die Schönheit und Größe Kanadas (Peter Mellon, 1970).

Tatsächlich sollten die Gemälde der „Group of Seven“ die kulturelle Identität der noch jungen kanadischen Nation entscheidend prägen, nicht zuletzt dank baldiger Unterstützung durch die National Gallery of Canada. Eine rege, auch internationale Ausstellungstätigkeit setzte ein, brachte Bekanntheit und Anerkennung. Bis weit in die 1950er Jahre hinein dominierten Gemälde-Reproduktionen die Klassenzimmer des riesigen Landes, Postkartensätze waren im Umlauf. Künstlerinnen und Künstler wie die später sehr bedeutende Emily Carr, die sich in die „Wildnis“ zurückzog um Relikte indigener Kulturen an der Westküste Kanadas zu dokumentieren, wurden durch die „Group of Seven“ inspiriert, deren Mitglieder sich auch als Lehrer, Schreiber und Speaker hervortaten.

Nachfolgende Künstlergenerationen versuchten, den Blick auf Land und Leute zu weiten. In Frankfurt stellen Fotos, Dokumente und Dokumentarfilme die in Kanada omnipräsenten Ikonen in einen angemessenen Kontext, der die in den Bildern konstruierte Darstellung Kanadas hinterfragt und auch Positionen indigener Kritik integriert.

„Magnetic North. Mythos Kanada in der Malerei 1910-1940“, Schirn Kunsthalle, Frankfurt. Die Ausstellung soll bis zum 16. Mai zu sehen sein. Es ist ein umfangreiches (Online-) Begleitprogramm geplant. Der Katalog zur Ausstellung erscheint im Prestel Verlag (49 Euro). In Kanada finden sich bemerkenswerte Bestände in der National Gallery of Canada (Ottawa), der Art Gallery of Ontario (Toronto) und der McMicheal Canadian Art Collection (Kleinburg). Nur eine Handvoll Gemälde befindet sich heute noch in Privatbesitz. Zum 100jährigen Bestehen der „Group of Seven“ wurden im vergangenen Jahr eine Vielzahl touristischer Angebote initiiert (siehe z.B. northernontario.travel).

Anette Froesch

Das Museum Kunst der Westküste konnte seine Sammlung in den vergangenen fünf Jahren um mehr als 200 bedeutende neue Werke, darunter Erwerbungen ebenso wie Dauerleihgaben und Zustiftungen, erweitern. Mit der Konzentration auf Malerei und Grafik, die unter dem Generalthema „Meer & Küste“ in den vier Ländern Norwegen, Dänemark, Deutschland und in den Niederlanden zwischen 1830 und 1930 geschaffen wurden, versammelt die weltweit singuläre und sehr homogene Kollektion damit aktuell über 900 Arbeiten. Auch internationale zeitgenössische Kunst, die demselben Themenspektrum verpflichtet ist, spielt eine wichtige Rolle.

In der Ausstellung tritt eine Auswahl der „neuen Schätze“ in Verbindung mit Werken, die bereits länger zum Sammlungsbestand gehören. Die Zusammenstellung vermittelt, wie bedeutende Sammlungsschwerpunkte weiter ausgebaut werden konnten. Großen Raum nehmen Gemälde und Ölskizzen des deutschen Impressionisten Max Liebermann ein. Farbintensive Nordsee- und Hafendarstellungen von Erich Heckel bringen expressionistische Kompositionen ein. Neben den Skagen-Malern Michael Ancher und Christian Krohg sind Künstler aus Nordfriesland wie Hans Peter Feddersen und Emil Nolde mit eindrucksvollen Landschaftsdarstellungen vertreten.

Monumentale Gemälde von Jochen Hein zeigen im Bereich der Gegenwartskunst die unerschöpflichen Möglichkeiten, die die Gattung Malerei rund um das Thema Meer bereithält. Fotoarbeiten der Artists in Residence Mila Teshaieva und Anja Jensen befragen die insulare „Heimat“ neu.

Seit 2010 lädt das Museum Kunst der Westküste aktiv Künstlerinnen und Künstler als Artists in Residence nach Alkersum ein. Die Schau zeigt erstmals in einer Gruppenausstellung eine Auswahl von Arbeiten, die während oder im Prozess der Vor- oder Nachbereitung solcher Aufenthalte entstanden sind und überwiegend zum ersten Mal öffentlich präsentiert werden. Internationale Kunstschaffende, deren bisheriges Werk eine Verbindung zum Museumsprofil aufweist, erhalten auf Einladung die Möglichkeit zu einem Inspirations- und Arbeitsaufenthalt auf der Insel Föhr. Bislang konnten 24 internationale Artists in Residence begrüßt werden.

Die Ausstellung, die unter dem Titel „Made on Föhr“ den Auftakt einer neuen Reihe bildet, konzentriert sich in diesem Jahr auf künstlerische Positionen, die sich seit Jahrzehnten mit dem Medium Fotografie beschäftigen und auf Föhr den Fokus auf das Thema Landschaft gelegt haben. In der Herangehensweise, der inhaltlichen Konzeption und Wahrnehmung der Nordseeinsel erweisen sich die drei Positionen als vollkommen eigenständig und zugleich stringent in ihrem jeweiligen eigenen bisherigen Schaffen.

Mit Nicole Ahland, geb. 1970, und Thomas Wrede, geb. 1963, stehen zwei in Deutschland lebende Künstler, der finnischen, in Paris und Helsinki lebenden Elina Brotherus, geb. 1972, gegenüber

Bild oben: Thomas Wrede: Früher Morgen bei den Korallenmoosinseln, 2016, Museum Kunst der Westküste, Alkersum/Föhr © Courtesy of the artist / VG Bild-Kunst, Bonn 2021

Wie kann Wind sichtbar gemacht werden? Lässt sich das Element Luft darstellen? Wie kann fotografisch eingefangen werden, was sich vom menschlichen Auge für gewöhnlich nicht erfassen lässt?

Der in Amsterdam lebende Künstler Sjoerd Knibbeler (* 1981) beschäftigt sich mit komplexen Naturphänomenen. Ausgangspunkt ist sein Interesse an der Entdeckung der Welt durch menschliche Fantasie, an Erfindungen und Technologien. Jeder seiner Werkkomplexe setzt akribische Naturbeobachtungen, Experimente und den Austausch mit Wissenschaftler*innen voraus. Auf dieser Grundlage entstehen verschiedenartige Modelle, durch die flüchtige Momente – sei es ein Windstoß oder ein Sonnenstrahl – erfahrbar werden. Im Medium Fotografie lässt Sjoerd Knibbeler die gleichsam unsichtbaren Naturprozesse schließlich in ästhetisch ausgefeilten Bildern sichtbar werden und lädt zur inhaltlichen Auseinandersetzung ein.

Die Ausstellung umfasst schwerpunktmäßig Werke der Serien Current Studies, Exploded Views und In Elements. Bereits im Jahr 2017 war der Künstler als Artist in Residence des MKdW ausgewählt worden. Der Aufenthalt auf der Insel Föhr bildete den Auftakt zur jüngsten Serie Exploded Views, die jetzt erstmals umfangreich gezeigt wird. Im Sommer 2020 suchte Knibbeler die Insel erneut auf, um sich thematisch dem Klimawandel zuzuwenden und mögliche menschliche Interventionen künstlerisch zu durchdenken. Die daraus hervorgegangenen Werke In Elements werden ebenfalls in dieser Einzelausstellung, die seine erste museale Schau in Deutschland ist, gezeigt.

Bild oben: Sjoerd Knibbeler. Current Study #2, 2013. UltraChrome print, framed without glass, 120 x 96 cm. © Courtesy of the artist

Der international erfolgreiche Maler und Grafiker Ken Denning lädt uns ein, ihm in sein persönliches Album zu folgen. Für diese Ausstellung neu entstanden sind Gemälde, Holzschnitte und Grafiken, in denen er Motive und Erinnerungen von Reisen nach Island, auf die Färöer und entlang des Gendarmstiens in seiner Heimat Nordschleswig verarbeitet. Eigens geschaffene Kompositionen des Klangkünstlers Robert Cole Rizzi schaffen dazu eine fast magische Atmosphäre. Die Ausstellung wird parallel im Museet Holmen in Løgumkloster und auf dem Museumsberg Flensburg gezeigt.

Ob „Gelbes Feld“, „Grüne Tonne“, „Blauer Raum“ oder „Einfach Rot“: Manche Bilder verraten schon im Titel, worum es geht: Farbe in der Kunst, Literatur und Musik ist das Thema der Sommerausstellung des Museumsberg Flensburg. Kunstwerke aus vier Jahrhunderten, streng nach Farben sortiert, erzählen von der Bedeutung, der Wirkung und der Kraft von Farbe. Ein vielfältiges Rahmenprogramm mit Lesungen und Konzerten macht Farbe sogar hörbar.

In der Ausstellung, die am 10. September eröffnet wird, wird neue Forschung über Arne Jacobsen vorgestellt. Auf drei Gleisen werden Perspektiven und Einblicke in Leben und Wirken des dänischen Architekten sowie sein Einfluss auf Dänemark als Sozialstaat und Designnation präsentiert. In der Ausstellung geht es darum, warum Arne Jacobsen den Status als einer der wichtigsten Designer Dänemarks erlangt hat, und welche Inspirationen wir heute aus seinem Lebenswerk mitnehmen können.

Durch das Vertiefen in die vollendeten Gesamtdesigns, die Arne Jacobsen u. a. am Rathaus von Aarhus und dem Schulgebäude „Munkegårdsskolen“ bei Kopenhagen umgesetzt hat, erhalten wir einen Einblick darin, wie er dazu
beigetragen hat, dem dänischen Sozialstaat Form und Ästhetik zu verleihen. Darüber hinaus wird in der Ausstellung anhand von Interviews, Jacobsens persönliche Filmaufnahmen, Aquarellen und Naturstudien illustriert, wie Kunst, künstlerische Prozesse und die Natur bei seiner kreativen Arbeit eine wichtige Rolle spielten. Neben den bekannten Designklassikern werden zahlreiche weniger bekannte Modelle, Typen und Formate vorgestellt, unter anderem Aquarelle, Skizzen und Textilmuster.

Zudem stellt die Ausstellung die Frage, warum wir heute Arne Jacobsen als ein besonders prominentes Beispiel für dänisches Design ansehen, während er zu seinen Lebzeiten als Modernist und Internationalist angesehen wurde.

Die Ästhetik des dänischen Sozialstaats

Die Ausstellung legt die Entwicklung des dänischen Sozialstaats dar, die im Zuge der sozialdemokratischen Politik in den Jahrzehnten nach dem 2. Weltkrieg eng mit neuen Strömungen und Phänomenen in den Bereichen Architektur und Design verbunden war. Arne Jacobsen sowie weitere dänische Architekten und Designer haben ihren Beitrag zur Entwicklung des ästhetischen Ausdrucks des dänischen Sozialstaats durch neue öffentliche Gebäude und Möbel für den öffentlichen Raum geleistet. Sie erschufen eine Ästhetik und Funktionalität, die noch heute die Einrichtung in öffentlichen Büchereien, Rathäusern, Schulen, Büros und Krankenhäusern beeinflusst.

Die Museumsleiterin Karen Grøn sagt: „Das Ergebnis ist als ein ästhetischer Gesamtausdruck für den dänischen Sozialstaat zu betrachten. Dies kann dazu beitragen, dass in Dänemark, im Gegensatz zu vielen europäischen Nachbarländern, ein Konsens dahingehend herrscht, dass Ästhetik, Form und Materialien wichtig für das Wohlbefinden der Menschen ist – im öffentlichen und privaten Raum.“

Kreativer Entstehungsprozess

Diese Schilderung von Arne Jacobsen ist auch eine Schilderung von Kreativität, Innovation und einem lebenslangen Interesse an der Kunst und der Natur. Die Ausstellung bricht mit der klassischen Darstellung des jungen Arne Jacobsen als modernistischer Revoluzzer und schildert ihn stattdessen als einen kreativen Erneuerer. In Jacobsens Architekturbüro wurden Modelle und Skizzen zum Austausch von Wissen und Gedanken sowie als Grundlage für gemeinsame Experimente verwendet. Gemeinsam bilden sie einen einzigartigen Einblick in einen besonders kreativen Schaffensprozess, von dem wir heute vielleicht etwas lernen können. Sein Zugang zum Fach und zum kreativen Prozess macht ihn relevant, und vielleicht leben deshalb so viele seiner Werke auch heute noch?

Ist es eigentlich typisch dänisches Design?

Arne Jacobsen brachte internationale Strömungen nach Dänemark. Dies führte gelegentlich zu aufgebrachten Diskussionen. Heute sind viele Dänen der Meinung, seine Werke seien eindeutige Beispiele für dänisches Design. Die Ausstellung erörtert das Interessante daran, wie das, was einst als fremd angesehen wurde, ein Teil des kollektiven dänischen elbstverständnisses wird. Museumsleiterin Karen Grøn erklärt: „Die Schilderung von Arne Jacobsens Design als etwas besonders Dänisches zeigt somit, wie sich eine Kombination aus Gegenständen, Ereignissen und Kontexten mit der Zeit lokal ansiedeln kann. Somit stellt sich die Frage, ob es etwas gibt, das authentisch dänisch ist, oder ob das Dänischsein in Wirklichkeit ein sich konstant verändernder und entwickelnder Prozess ist?“

Arne Jacobsen – Dänemarks Designer wurde von der Museumsleiterin Katrine Stenum in Zusammenarbeit mit der unsthistorikerin und Registrarin bei der Arne Jacobsen Design I/S, Annika Skaarup Larsen, kuratiert. Die Forschung für die Ausstellung fand gemeinsam mit dem Dozenten am Institut für Kommunikation an der Universität Kopenhagen, Nan Dahlkild, statt.

Wie sähe ein Leben aus, das – im ökologischen, aber auch im virologischen Sinne – möglichst folgenlos bleibt? Könnte Folgenlosigkeit ein neues regulatives Ideal werden, wie Freiheit, Gerechtigkeit und Gleichheit, unerreichbar, aber dennoch erstrebenswert? Welche Auswirkungen hätte ein solches Streben auf die materielle und immaterielle Gestaltung unseres Alltags, auf die Wirtschafts- und Sozialordnung, auf unseren Glauben und auf die Art, wie wir miteinander umgehen? Und welche Vorbilder lassen sich für ein solches Leben in Gegenwart und Geschichte finden? Diese Fragen stellt die Schule der Folgenlosigkeit, ein künstlerisch-diskursives Projekt von Friedrich von Borries im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G). Von Borries verknüpft Sammlungsobjekte mit einem eigens für die Ausstellung eingerichteten „Selbstlernraum“ so, dass eine neue Perspektive auf „Nachhaltigkeit“ entsteht und vermeintlich allgemeingültige Vorstellungen eines „richtigen Lebens“ hinterfragt werden. Besucher*innen können hier im Selbstversuch Entscheidungen abgeben, ihre Hände in Unschuld waschen oder sich im Nichts-Tun üben. Ein digitales Begleit- und Diskursprogramm in Form einer App sowie das Stipendium für Nichtstun ergänzen das Projekt.

Im Rahmen der Ausstellung wird das Stipendium für Nichtstun vergeben, deren Bewerber*innen in der Ausstellung gezeigt werden. Ein diskursive Bildungsprogramm in Form einer App ergänzt das Projekt.

Der Selbstlernraum in der ehemaligen Aula des MK&G ist der zentrale Ort der Schule der Folgenlosigkeit. In dieser raumgreifenden Installation erproben sich Besucher*innen spielerisch in möglicher Folgenlosigkeit – und konfrontieren sich mit den daraus erwachsenden Konsequenzen. In abwechslungsreichen Übungen wie Entscheidung abgeben, Sorge tragen oder Nichts-Tun liefern sie sich dem Zufall am Glücksrad aus, waschen ihre Hände in Unschuld oder üben sich im Warten. Das Schaudepot zeigt ausgewählte Objekte aus dem MK&G, die als Werkzeuge und Ausrüstungsgegenstände einer nach Folgenlosigkeit strebenden Gesellschaft verstanden werden können. So zeugen etwa Astragale (aus Schafsknochen gefertigte Spielsteine) davon, wie im antiken Griechenland der Zufall in die Entscheidungsfindung mit einbezogen wurde. Indonesische Amulette aus dem 19. Jahrhundert sollen vor Kontakt mit sogenannten Dschinen schützen: Diese unsichtbaren Wesen können, so die magisch-religiöse Vorstellung, durch menschliches Handeln Schaden nehmen und Rache suchen. Interventionen in die bestehenden Sammlungspräsentationen des MK&G eröffnen weitere Perspektiven auf historische Vorläufer eines folgenlosen Lebens. So wird beispielsweise an einer chinesischen Tee-schale mit Goldlack-Reparatur (12./13. Jahrhundert) im Bereich Ostasien gezeigt, dass Zerstörung nicht immer negative Folgen haben muss. Die japanische kintsugi-Technik entfaltet eine ganz eigene Ästhetik, die den Wert des wiederhergestellten Objektes sogar steigern kann.

Die Schule der Folgenlosigkeit schreibt außerdem ein „Stipendium für Nichtstun“ aus. Für die drei zu vergebenden Stipendien, die jeweils mit 1.600 Euro dotiert sind, können sich alle Interessierten ab sofort bis zum 15. September 2020 bewerben. Die Entscheidung der Jury, der u.a. der Philosoph Armen Avanessian (bekannt durch seine Theorie der Beschleunigung) angehört, wird zum Beginn der Ausstellung verkündet. Weitere Informationen unter www.hfbk-hamburg.de.

Die politischen, technischen, ökonomischen und ästhetischen Dimensionen von Folgenlosigkeit mitsamt ihrer Ambivalenz und Widersprüchlichkeit werden von Friedrich von Borries und dem österreichischen Filmemacher Jakob Brossmann in begleitenden Filmen reflektiert. Eine vom Berliner Künstlerkollektiv Refrakt entwickelte App führt in Form eines Spiels durch die Ausstellung und stellt Exponate und Übungen vor. Darüber hinaus hält sie vertiefende Inhalte wie Filmbeiträge oder Expert*inneninterviews zur Ausstellung bereit.

Friedrich von Borries (*1974) ist Architekt und seit 2009 Professor für Designtheorie an der Hochschule für bildende Künste Hamburg (HFBK). Sein Berliner Projektbüro Friedrich von Borries agiert im Spannungsfeld von Architektur, Design, Kunst und Stadtentwicklung. 2010 kuratierte er die Ausstellung Klimakapseln. Überlebensbedingungen in der Katastrophe im MK&G.

Die Schule der Folgenlosigkeit ist eine Initiative der HFBK Hamburg in Kooperation mit dem MK&G.

Die Schule der Folgenlosigkeit wird gefördert durch die Behörde für Wissenschaft, Forschung, Gleichstellung und Bezirke der Freien und Hansestadt Hamburg (BWFGB), die Hamburg Open Online University (HOOU), die Friede Springer Stiftung, die Kursbuch Kulturstiftung sowie die Leinemann Kunststiftung Nikolassee und unterstützt von der Hamburg Innovation GmbH. Weitere Partnerinnen sind die Katholische Akademie Hamburg sowie die Evangelische Akademie der Nordkirche.

Bild: Schule der Folgenlosigkeit, Filmstill, © Jakob Brossmann

In diesem Frühjahr lohnt, wenn möglich, eine Reise nach Frankfurt. Dies gilt besonders für Kenner und Liebhaber skandinavischer Landschaftsmalerei um 1900.

In der Schirn sind mehr als 80 Gemälde und viele Zeichnungen von Künstlerinnen und Künstlern aus dem Umkreis der legendären kanadischen Künstlervereinigung „Group of Seven“ zu sehen, eine Deutschland-Premiere.

Dichte Wälder in leuchtenden Herbstfarben werden gezeigt, reißende Flüsse, weite Seen, flirrende Nordlichter und atemberaubende Ansichten der Arktis. All dies ist pastos, dicht und mit breitem Pinselstrich aufgetragen.

Die Künstler der offiziell seit März 1920 bestehenden Vereinigung um Lawren Harris, James E. MacDonald, Arthur Lismer, Frederick H.Varley, Frank Carmichel, Frank Johnston und Alexander Y. Jackson wollten mit ihrer Malerei die Schönheit und Einzigartigkeit Kanadas auf ganz eigene Weise feiern – und zugleich pädagogisch wirksam sein.

Sie kannten einander schon länger. Einige der zumeist aus England stammenden und oft noch in Europa ausgebildeten Männer hatten in Toronto gemeinsam als Werbegrafiker gearbeitet. An den Wochenenden war man zum Skizzieren in die Wälder und an die Seen Northern Ontarios aufgebrochen, wo man theosophisch angehaucht im Geiste Ralph Waldo Emersons oder Henry David Thoreaus in der Natur zeltete, fischte und malte. Häufig mit von der Partie war der bereits 1917 unter mysteriösen Umständen ertrunkene Ranger und Künstler Tom Thomson, der gern als der Spiritus Rector der Gruppe bezeichnet wird.

Auf der Suche nach künstlerischer Unabhängigkeit von Europa, nach Ausdrucksmöglichkeiten für eine eigenständige kanadische Malerei jenseits akademischer Traditionen war den Malern noch vor Beginn des 1. Weltkriegs eine Ausstellung zeitgenössischer skandinavischer Kunst zum Schlüsselerlebnis geworden.

In Buffalo, New York, hatten Lawren Harris und James E. MacDonald 1913 Gemälde von Otto Hesselbom, Gustaf Fjaestad, Harald Sohlberg oder Jens F. Willumsen gesehen. Die symbolische Strahlkraft der oft mystisch aufgeladenen Landschaften und die leuchtenden Farben der Bilder hatten sie tief beeindruckt: Hier waren sie auf Maler gestoßen, die sich nicht nur mit ähnlichen topographischen und klimatischen Gegebenheiten auseinanderzusetzen hatten, sondern zugleich aus ähnlich nationalromantischem Geist heraus arbeiteten. Viele Jahre später sagte MacDonald: „We felt: This is what we want to do with Canada“.

Und so erscheinen, wie bei den nordeuropäischen Zeitgenossen, auch in den stilistisch sehr unterschiedlichen Gemälden der „Group of Seven“ Seen, Felsen oder Eisberge nicht nur als Abbild der Realität, sondern – getragen von einem gemeinsamen Ideal – beinahe plakativ als Symbole für die Schönheit und Größe Kanadas (Peter Mellon, 1970).

Tatsächlich sollten die Gemälde der „Group of Seven“ die kulturelle Identität der noch jungen kanadischen Nation entscheidend prägen, nicht zuletzt dank baldiger Unterstützung durch die National Gallery of Canada. Eine rege, auch internationale Ausstellungstätigkeit setzte ein, brachte Bekanntheit und Anerkennung. Bis weit in die 1950er Jahre hinein dominierten Gemälde-Reproduktionen die Klassenzimmer des riesigen Landes, Postkartensätze waren im Umlauf. Künstlerinnen und Künstler wie die später sehr bedeutende Emily Carr, die sich in die „Wildnis“ zurückzog um Relikte indigener Kulturen an der Westküste Kanadas zu dokumentieren, wurden durch die „Group of Seven“ inspiriert, deren Mitglieder sich auch als Lehrer, Schreiber und Speaker hervortaten.

Nachfolgende Künstlergenerationen versuchten, den Blick auf Land und Leute zu weiten. In Frankfurt stellen Fotos, Dokumente und Dokumentarfilme die in Kanada omnipräsenten Ikonen in einen angemessenen Kontext, der die in den Bildern konstruierte Darstellung Kanadas hinterfragt und auch Positionen indigener Kritik integriert.

„Magnetic North. Mythos Kanada in der Malerei 1910-1940“, Schirn Kunsthalle, Frankfurt. Die Ausstellung soll bis zum 16. Mai zu sehen sein. Es ist ein umfangreiches (Online-) Begleitprogramm geplant. Der Katalog zur Ausstellung erscheint im Prestel Verlag (49 Euro). In Kanada finden sich bemerkenswerte Bestände in der National Gallery of Canada (Ottawa), der Art Gallery of Ontario (Toronto) und der McMicheal Canadian Art Collection (Kleinburg). Nur eine Handvoll Gemälde befindet sich heute noch in Privatbesitz. Zum 100jährigen Bestehen der „Group of Seven“ wurden im vergangenen Jahr eine Vielzahl touristischer Angebote initiiert (siehe z.B. northernontario.travel).

Anette Froesch

Das Museum Kunst der Westküste konnte seine Sammlung in den vergangenen fünf Jahren um mehr als 200 bedeutende neue Werke, darunter Erwerbungen ebenso wie Dauerleihgaben und Zustiftungen, erweitern. Mit der Konzentration auf Malerei und Grafik, die unter dem Generalthema „Meer & Küste“ in den vier Ländern Norwegen, Dänemark, Deutschland und in den Niederlanden zwischen 1830 und 1930 geschaffen wurden, versammelt die weltweit singuläre und sehr homogene Kollektion damit aktuell über 900 Arbeiten. Auch internationale zeitgenössische Kunst, die demselben Themenspektrum verpflichtet ist, spielt eine wichtige Rolle.

In der Ausstellung tritt eine Auswahl der „neuen Schätze“ in Verbindung mit Werken, die bereits länger zum Sammlungsbestand gehören. Die Zusammenstellung vermittelt, wie bedeutende Sammlungsschwerpunkte weiter ausgebaut werden konnten. Großen Raum nehmen Gemälde und Ölskizzen des deutschen Impressionisten Max Liebermann ein. Farbintensive Nordsee- und Hafendarstellungen von Erich Heckel bringen expressionistische Kompositionen ein. Neben den Skagen-Malern Michael Ancher und Christian Krohg sind Künstler aus Nordfriesland wie Hans Peter Feddersen und Emil Nolde mit eindrucksvollen Landschaftsdarstellungen vertreten.

Monumentale Gemälde von Jochen Hein zeigen im Bereich der Gegenwartskunst die unerschöpflichen Möglichkeiten, die die Gattung Malerei rund um das Thema Meer bereithält. Fotoarbeiten der Artists in Residence Mila Teshaieva und Anja Jensen befragen die insulare „Heimat“ neu.

Seit 2010 lädt das Museum Kunst der Westküste aktiv Künstlerinnen und Künstler als Artists in Residence nach Alkersum ein. Die Schau zeigt erstmals in einer Gruppenausstellung eine Auswahl von Arbeiten, die während oder im Prozess der Vor- oder Nachbereitung solcher Aufenthalte entstanden sind und überwiegend zum ersten Mal öffentlich präsentiert werden. Internationale Kunstschaffende, deren bisheriges Werk eine Verbindung zum Museumsprofil aufweist, erhalten auf Einladung die Möglichkeit zu einem Inspirations- und Arbeitsaufenthalt auf der Insel Föhr. Bislang konnten 24 internationale Artists in Residence begrüßt werden.

Die Ausstellung, die unter dem Titel „Made on Föhr“ den Auftakt einer neuen Reihe bildet, konzentriert sich in diesem Jahr auf künstlerische Positionen, die sich seit Jahrzehnten mit dem Medium Fotografie beschäftigen und auf Föhr den Fokus auf das Thema Landschaft gelegt haben. In der Herangehensweise, der inhaltlichen Konzeption und Wahrnehmung der Nordseeinsel erweisen sich die drei Positionen als vollkommen eigenständig und zugleich stringent in ihrem jeweiligen eigenen bisherigen Schaffen.

Mit Nicole Ahland, geb. 1970, und Thomas Wrede, geb. 1963, stehen zwei in Deutschland lebende Künstler, der finnischen, in Paris und Helsinki lebenden Elina Brotherus, geb. 1972, gegenüber

Bild oben: Thomas Wrede: Früher Morgen bei den Korallenmoosinseln, 2016, Museum Kunst der Westküste, Alkersum/Föhr © Courtesy of the artist / VG Bild-Kunst, Bonn 2021

Wie kann Wind sichtbar gemacht werden? Lässt sich das Element Luft darstellen? Wie kann fotografisch eingefangen werden, was sich vom menschlichen Auge für gewöhnlich nicht erfassen lässt?

Der in Amsterdam lebende Künstler Sjoerd Knibbeler (* 1981) beschäftigt sich mit komplexen Naturphänomenen. Ausgangspunkt ist sein Interesse an der Entdeckung der Welt durch menschliche Fantasie, an Erfindungen und Technologien. Jeder seiner Werkkomplexe setzt akribische Naturbeobachtungen, Experimente und den Austausch mit Wissenschaftler*innen voraus. Auf dieser Grundlage entstehen verschiedenartige Modelle, durch die flüchtige Momente – sei es ein Windstoß oder ein Sonnenstrahl – erfahrbar werden. Im Medium Fotografie lässt Sjoerd Knibbeler die gleichsam unsichtbaren Naturprozesse schließlich in ästhetisch ausgefeilten Bildern sichtbar werden und lädt zur inhaltlichen Auseinandersetzung ein.

Die Ausstellung umfasst schwerpunktmäßig Werke der Serien Current Studies, Exploded Views und In Elements. Bereits im Jahr 2017 war der Künstler als Artist in Residence des MKdW ausgewählt worden. Der Aufenthalt auf der Insel Föhr bildete den Auftakt zur jüngsten Serie Exploded Views, die jetzt erstmals umfangreich gezeigt wird. Im Sommer 2020 suchte Knibbeler die Insel erneut auf, um sich thematisch dem Klimawandel zuzuwenden und mögliche menschliche Interventionen künstlerisch zu durchdenken. Die daraus hervorgegangenen Werke In Elements werden ebenfalls in dieser Einzelausstellung, die seine erste museale Schau in Deutschland ist, gezeigt.

Bild oben: Sjoerd Knibbeler. Current Study #2, 2013. UltraChrome print, framed without glass, 120 x 96 cm. © Courtesy of the artist

Der international erfolgreiche Maler und Grafiker Ken Denning lädt uns ein, ihm in sein persönliches Album zu folgen. Für diese Ausstellung neu entstanden sind Gemälde, Holzschnitte und Grafiken, in denen er Motive und Erinnerungen von Reisen nach Island, auf die Färöer und entlang des Gendarmstiens in seiner Heimat Nordschleswig verarbeitet. Eigens geschaffene Kompositionen des Klangkünstlers Robert Cole Rizzi schaffen dazu eine fast magische Atmosphäre. Die Ausstellung wird parallel im Museet Holmen in Løgumkloster und auf dem Museumsberg Flensburg gezeigt.

Ob „Gelbes Feld“, „Grüne Tonne“, „Blauer Raum“ oder „Einfach Rot“: Manche Bilder verraten schon im Titel, worum es geht: Farbe in der Kunst, Literatur und Musik ist das Thema der Sommerausstellung des Museumsberg Flensburg. Kunstwerke aus vier Jahrhunderten, streng nach Farben sortiert, erzählen von der Bedeutung, der Wirkung und der Kraft von Farbe. Ein vielfältiges Rahmenprogramm mit Lesungen und Konzerten macht Farbe sogar hörbar.

Das Museum Kunst der Westküste konnte seine Sammlung in den vergangenen fünf Jahren um mehr als 200 bedeutende neue Werke, darunter Erwerbungen ebenso wie Dauerleihgaben und Zustiftungen, erweitern. Mit der Konzentration auf Malerei und Grafik, die unter dem Generalthema „Meer & Küste“ in den vier Ländern Norwegen, Dänemark, Deutschland und in den Niederlanden zwischen 1830 und 1930 geschaffen wurden, versammelt die weltweit singuläre und sehr homogene Kollektion damit aktuell über 900 Arbeiten. Auch internationale zeitgenössische Kunst, die demselben Themenspektrum verpflichtet ist, spielt eine wichtige Rolle.

In der Ausstellung tritt eine Auswahl der „neuen Schätze“ in Verbindung mit Werken, die bereits länger zum Sammlungsbestand gehören. Die Zusammenstellung vermittelt, wie bedeutende Sammlungsschwerpunkte weiter ausgebaut werden konnten. Großen Raum nehmen Gemälde und Ölskizzen des deutschen Impressionisten Max Liebermann ein. Farbintensive Nordsee- und Hafendarstellungen von Erich Heckel bringen expressionistische Kompositionen ein. Neben den Skagen-Malern Michael Ancher und Christian Krohg sind Künstler aus Nordfriesland wie Hans Peter Feddersen und Emil Nolde mit eindrucksvollen Landschaftsdarstellungen vertreten.

Monumentale Gemälde von Jochen Hein zeigen im Bereich der Gegenwartskunst die unerschöpflichen Möglichkeiten, die die Gattung Malerei rund um das Thema Meer bereithält. Fotoarbeiten der Artists in Residence Mila Teshaieva und Anja Jensen befragen die insulare „Heimat“ neu.

Seit 2010 lädt das Museum Kunst der Westküste aktiv Künstlerinnen und Künstler als Artists in Residence nach Alkersum ein. Die Schau zeigt erstmals in einer Gruppenausstellung eine Auswahl von Arbeiten, die während oder im Prozess der Vor- oder Nachbereitung solcher Aufenthalte entstanden sind und überwiegend zum ersten Mal öffentlich präsentiert werden. Internationale Kunstschaffende, deren bisheriges Werk eine Verbindung zum Museumsprofil aufweist, erhalten auf Einladung die Möglichkeit zu einem Inspirations- und Arbeitsaufenthalt auf der Insel Föhr. Bislang konnten 24 internationale Artists in Residence begrüßt werden.

Die Ausstellung, die unter dem Titel „Made on Föhr“ den Auftakt einer neuen Reihe bildet, konzentriert sich in diesem Jahr auf künstlerische Positionen, die sich seit Jahrzehnten mit dem Medium Fotografie beschäftigen und auf Föhr den Fokus auf das Thema Landschaft gelegt haben. In der Herangehensweise, der inhaltlichen Konzeption und Wahrnehmung der Nordseeinsel erweisen sich die drei Positionen als vollkommen eigenständig und zugleich stringent in ihrem jeweiligen eigenen bisherigen Schaffen.

Mit Nicole Ahland, geb. 1970, und Thomas Wrede, geb. 1963, stehen zwei in Deutschland lebende Künstler, der finnischen, in Paris und Helsinki lebenden Elina Brotherus, geb. 1972, gegenüber

Bild oben: Thomas Wrede: Früher Morgen bei den Korallenmoosinseln, 2016, Museum Kunst der Westküste, Alkersum/Föhr © Courtesy of the artist / VG Bild-Kunst, Bonn 2021