Veranstaltungsart: Ausstellung

Das Museum Kunst der Westküste konnte seine Sammlung in den vergangenen fünf Jahren um mehr als 200 bedeutende neue Werke, darunter Erwerbungen ebenso wie Dauerleihgaben und Zustiftungen, erweitern. Mit der Konzentration auf Malerei und Grafik, die unter dem Generalthema „Meer & Küste“ in den vier Ländern Norwegen, Dänemark, Deutschland und in den Niederlanden zwischen 1830 und 1930 geschaffen wurden, versammelt die weltweit singuläre und sehr homogene Kollektion damit aktuell über 900 Arbeiten. Auch internationale zeitgenössische Kunst, die demselben Themenspektrum verpflichtet ist, spielt eine wichtige Rolle.

In der Ausstellung tritt eine Auswahl der „neuen Schätze“ in Verbindung mit Werken, die bereits länger zum Sammlungsbestand gehören. Die Zusammenstellung vermittelt, wie bedeutende Sammlungsschwerpunkte weiter ausgebaut werden konnten. Großen Raum nehmen Gemälde und Ölskizzen des deutschen Impressionisten Max Liebermann ein. Farbintensive Nordsee- und Hafendarstellungen von Erich Heckel bringen expressionistische Kompositionen ein. Neben den Skagen-Malern Michael Ancher und Christian Krohg sind Künstler aus Nordfriesland wie Hans Peter Feddersen und Emil Nolde mit eindrucksvollen Landschaftsdarstellungen vertreten.

Monumentale Gemälde von Jochen Hein zeigen im Bereich der Gegenwartskunst die unerschöpflichen Möglichkeiten, die die Gattung Malerei rund um das Thema Meer bereithält. Fotoarbeiten der Artists in Residence Mila Teshaieva und Anja Jensen befragen die insulare „Heimat“ neu.

Wie kann Wind sichtbar gemacht werden? Lässt sich das Element Luft darstellen? Wie kann fotografisch eingefangen werden, was sich vom menschlichen Auge für gewöhnlich nicht erfassen lässt?

Der in Amsterdam lebende Künstler Sjoerd Knibbeler (* 1981) beschäftigt sich mit komplexen Naturphänomenen. Ausgangspunkt ist sein Interesse an der Entdeckung der Welt durch menschliche Fantasie, an Erfindungen und Technologien. Jeder seiner Werkkomplexe setzt akribische Naturbeobachtungen, Experimente und den Austausch mit Wissenschaftler*innen voraus. Auf dieser Grundlage entstehen verschiedenartige Modelle, durch die flüchtige Momente – sei es ein Windstoß oder ein Sonnenstrahl – erfahrbar werden. Im Medium Fotografie lässt Sjoerd Knibbeler die gleichsam unsichtbaren Naturprozesse schließlich in ästhetisch ausgefeilten Bildern sichtbar werden und lädt zur inhaltlichen Auseinandersetzung ein.

Die Ausstellung umfasst schwerpunktmäßig Werke der Serien Current Studies, Exploded Views und In Elements. Bereits im Jahr 2017 war der Künstler als Artist in Residence des MKdW ausgewählt worden. Der Aufenthalt auf der Insel Föhr bildete den Auftakt zur jüngsten Serie Exploded Views, die jetzt erstmals umfangreich gezeigt wird. Im Sommer 2020 suchte Knibbeler die Insel erneut auf, um sich thematisch dem Klimawandel zuzuwenden und mögliche menschliche Interventionen künstlerisch zu durchdenken. Die daraus hervorgegangenen Werke In Elements werden ebenfalls in dieser Einzelausstellung, die seine erste museale Schau in Deutschland ist, gezeigt.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog, den Sie hier bestellen können.

Bild oben: Sjoerd Knibbeler. Current Study #2, 2013. UltraChrome print, framed without glass, 120 x 96 cm. © Courtesy of the artist

Vom 20. März bis 5. September 2021 zeigt die Kunsthalle zu Kiel eine monografische Ausstellung zum Werk des Malers Albert Aereboe (Lübeck, 1889–1970). Aereboe ist im Kunst- und Ausstellungsgeschehen weitgehend unbekannt geblieben. Erstmals seit fast 40 Jahren präsentiert Zauber der Wirklichkeit. Der Maler Albert Aereboe als Schwerpunkt seine künstlerisch fruchtbarste Phase von 1914 bis 1930, in der neben eindringlichen Porträts und raffiniert arrangierten Stillleben magisch anmutende Szenerien entstehen. Vor allem seine dem Jugendstil und der Neuen Sachlichkeit verpflichteten Bilder üben eine nachhaltige Faszination aus. Darüber hinaus beleuchtet die Ausstellung auch mittels Archivalien, Fotografien und Dokumenten aus Privatbesitz die künstlerische Entwicklung Aereboes und gibt einen Ausblick auf seine letzten Lebensjahre.

Die Kunsthalle hat Werke von Aereboe bereits zu Lebzeiten des Künstlers erworben, darunter auch sein rätselhaftes Hauptwerk, das großformatige Tafelbild Der Einsiedler (1927). Davon ausgehend versammelt die Ausstellung rund 60 hochrangige, zum Teil selten gezeigte Leihgaben aus musealem und privatem Besitz und lädt dazu ein, sich auf die Spuren dieser aufs Neue zu entdeckenden Künstlerpersönlichkeit zu begeben.

Albert Areboe

Albert Aereboe wird am 31. März 1889 in Lübeck geboren. Sein Vater, Carl Aereboe, ist lutherischer Diakon und Pastor am Dom zu Lübeck, seine Mutter, Lina Aereboe, geborene Pohrt, entstammt einer wohlhabenden Kaufmannsfamilie aus Riga. Albert Aereboe ist bereits im Kindesalter fasziniert von der Architektur und den Kunstschätzen des Lübecker Doms. Insbesondere der Passionsaltar von Hans Memling hinterlässt einen tiefen Eindruck.

Nach einer Ausbildung als Kirchendekorationsmaler in Berlin zieht Aereboe zurück nach Lübeck und besucht dort eine private Kunstschule. Von 1912 bis 1916 studiert er Malerei an der Münchener Akademie der Bildenden Künste. Nach dem Kriegsdienst als Infanterist stellt Aereboe zunächst freischaffend in Lübeck aus und präsentiert 1919 in einer Hamburger Galerie seine Arbeiten in einer ersten Einzelausstellung. In demselben Jahr wird dem Künstler die Leitung der Klasse für Dekorative Malerei an der Staatlichen Kunstgewerbeschule in Kassel angeboten, an der ihm 1923 schließlich der Professorentitel verliehen wird. Hier lernt er die Bremer Künstlerin und seine zukünftige Frau Julie Katz kennen, die die Klasse für Textiles leitet und dort ebenfalls ihre Professur erhält.

Mit dem Ziel, sich auf die eigene Kunst zu konzentrieren, beschließt das Künstlerpaar 1925 die Lehrtätigkeit aufzugeben und nach Sylt zu ziehen. Im März 1927 verstirbt Julie Aereboe-Katz unerwartet. Den plötzlichen Verlust der Gefährtin greift Albert Aereboe in seinen Gemälden auf, die vielfach von Verlust, Veränderung, Vergänglichkeit und Tod erzählen. In dieser Zeit entsteht sein bedeutendstes Gemälde: Der Einsiedler (1927) wird mit weiteren Werken des Künstlerpaares erstmals im Dezember desselben Jahres im Lübecker Schabbelhaus ausgestellt. Die neusachliche Werkphase, die er seit 1924 konsequent verfolgt hat, gibt er Ende der 1920er Jahre auf.

Nach dem Verkauf seines Hauses siedelt Aereboe 1939 von Sylt nach Berlin über. Während des Zweiten Weltkrieges verliert er nicht nur seine Wohnung und das Atelier, sondern auch viele seiner Werke sowie nahezu den gesamten künstlerischen Nachlass seiner Frau. Sein künstlerisches Werk und auch die Arbeitssituation im Nationalsozialismus bleiben bis heute unklar. Von 1943 bis 1958 lebt und arbeitet Aereboe erneut auf Sylt. 1959 bezieht der Künstler eine kleine Atelierwohnung in Lübeck und bestreitet seinen Lebensunterhalt von Auftragsporträts und Malunterricht. Am 6. August 1970 stirbt Aereboe in Lübeck und wird auf eigenen Wunsch auf Sylt beigesetzt.

Unter anderem aufgrund der ländlichen Abgeschiedenheit, in der er sich viele Jahre auf Sylt befindet, bleibt ihm die große Aufmerksamkeit der kulturell interessierten Öffentlichkeit verwehrt. Zudem übersteht ein Großteil seiner Werke den Krieg nicht. Auch deshalb ist der Künstler weitgehend unbekannt geblieben. Sein Facettenreichtum, die Detailtreue und Aereboes hohe kompositorische Fähigkeiten verdienen hingegen mehr Beachtung.

Der Schwerpunkt der monografischen Ausstellung liegt auf der künstlerisch bedeutendsten Phase zwischen 1914 und 1930. In dieser Zeit beginnt Aereboe mit künstlerischen Stilen zu experimentieren und entdeckt für sich schließlich die detailreiche, an der altmeisterlichen Kunst geschulten Malerei, die er selbst als „neusachlich“ bezeichnet. Es entsteht unter anderem das der Kunsthalle gehörende Hauptwerk Der Einsiedler, welches umfassend in der Ausstellung kontextualisiert wird. Obwohl Aereboe einen großen Teil seines Lebens auf Sylt verbringt, hält er die ländliche Idylle kaum in Gemälden fest. Die gezeigten Pastelle, Skizzen und Handzeichnungen sind freie Studien, die er als Inspirationsquelle für weitere Arbeiten nutzt.

Nach 1945 vollzieht Aereboe eine radikale künstlerische Wende von der Gegenständlichkeit hin zur Abstraktion. Wie viele andere deutsche Künstler*innen dieser Zeit knüpft er an die abstrakten Strömungen der Vorkriegsjahrzehnte an. Aereboes wichtigste künstlerische Referenz bilden dabei Pablo Picassos Arbeiten der 1930er Jahre.

Diese an Picasso geschulte Abstraktion gibt Aereboes künstlerische Richtung seiner letzten Lebensjahre vor und wird in Ausblicken ebenfalls in der Ausstellung thematisiert. Die Kunsthalle zu Kiel widmete dem Künstler bereits 1928 eine Ausstellung. In der Folge kam es zu ersten und wichtigen Erwerbungen für die Sammlung des Hauses: 1933 das Gemälde Blumenstrauß sowie 1936 Der Einsiedler. Die letzte umfangreiche Einzelausstellung zum Werk des Lübeckers wurde 1983 in der Kunsthalle zu Kiel gezeigt. Die Ausstellung wird von einer umfangreichen Publikation auf Deutsch und Englisch begleitet.

Bild: Albert Aereboe, Der Einsiedler, 1927, Öl auf Leinwand, 170 cm Durchmesser, © Kunsthalle zu Kiel, Foto: Sönke Ehlert

Verheerende Naturkatastrophen begleiten die Menschheit seit jeher. In Kooperation mit dem LKN-SH und der Europa-Universität Flensburg zeigt das Nordfriesland Museum. Nissenhaus seit dem 1. April 2021 eine interdisziplinäre Sonderausstellung, die außergewöhnliche Wetter- und Wasserphänomene und ihre Auswirkungen auf das kulturelle Leben in Nordfriesland beleuchtet.

Neben den gewaltigen historischen Sturmfluten des 14. und 17. Jahrhunderts werden auch Ereignisse jüngeren Datums wie die Sturmflut im Februar 1962 und die Nordseeorkane 2013 in den Blick genommen. Darüber hinaus zeigt die Ausstellung auf, was gegenwärtig getan werden muss, um vor dem Hintergrund der aktuellen Klimadebatte den bestehenden Küstenverlauf zu schützen.

Virtuelle Ausstellungselemente, interaktive Modelle sowie Film- und Hörstationen veranschaulichen das Thema. Ab Mai 2021 wird die Ausstellung durch Audioguides für Kinder und Erwachsene erweitert. Die digitalen Rundgänge sind ebenso barrierefrei in Leichter Sprache und in Gebärdensprache sowie auf Englisch und Dänisch verfügbar.

Die Sonderausstellung ist bis zum 28. November 2021 im Husumer Nissenhaus zu sehen. Ein digitaler Ausstellungsbesuch über die Webseite des Museumsverbundes ist in Planung.

Der einer Lehrerfamilie entstammende Claus Vahle – 1940 in Göttingen geboren – wuchs in Schleswig auf, besuchte dort das Gymnasium. Später studierte er an der Muthesius-Werkkunstschule in Kiel, an der Kunstakademie Stuttgart, an der Pädagogischen Hochschule Flensburg und an der Hochschule für Bildende Künste Berlin.

Seit 1966 ist er Mitglied im Bundesverband Bildender Künstler. Mitte der siebziger Jahre siedelte Claus Vahle mit seiner Familie nach Marne in Schleswig-Holstein um. Hier erwies sich das stille Landleben schnell als Illusion, denn bereits die Ankunft auf der Elbfähre war von Flugblättern gegen den Bau des Kernkraftwerkes Brokdorf begleitet. Idyll und Industrie liegen in Dithmarschen nahe beieinander. Und folgerichtig entdeckt Vahle hier mit dem Auge des kritischen Realisten seltsame Begebenheiten. Da stehen zum Beispiel schwarzweiße Kühe vor einem Kernkraftwerk, am Nordseestrand liegt eine Vogelleiche zwischen Strandgut, trockenes Wattenmeer wirkt wie gerissener Beton und eine Feuerstelle am Elbstrand mutet seltsam archaisch an.

„Am Anfang stehen meist unmittelbare Erlebnisse und Begegnungen. Mich interessieren zunehmend Dinge, mit denen ich täglich zu tun habe, die ich kenne. Gerade Alltägliches übt einen eigentümlichen ästhetischen Reiz auf mich aus, löst aber oft Befremdlichkeit beim Betrachter meiner Bilder aus, weil der Blickwinkel ungewohnt ist. Wesentliche Themenbereiche meiner gestalterischen Arbeit sind Landschaft und Stillleben, aber nicht als Schilderungen einer heilen Welt. Ich versuche vielmehr, realistische – und damit kritische Aussagen zur heutigen Wirklichkeit zu machen. Fotos, Skizzen und Zeichnungen vor Ort filtern bereits das Wichtige vom Zufälligen.

Größere Arbeiten entstehen nicht vor der Natur, sondern im Atelier. Bei aller Exaktheit in der Wiedergabe der sichtbaren Gegebenheiten sind fast alle Bilder Montagen. Sie haben zwar einen szenischen oder landschaftlichen Zusammenhang, sind aber konstruiert, verändern die Realität nach inhaltlichen und gestalterisch- ästhetischen Aspekten.“

Das Detlefsen-Museum zeigt 35 Arbeiten des Künstlers aus der eigenen Sammlung aus den Jahren 1980–1992.

Bild: Brokdorf Elbe, 1985, 33,5 x 45,5 cm.

Der Künstler, Jahrgang 1944, studierte nach einer Schriftsetzer-Ausbildung an der Hochschule für Bildende Künste in Hamburg (HfbK). Zunächst widmete sich Paduck den Grafischen Künsten und der Kalligraphie. Später verdiente er sich den Lebensunterhalt als Drucker mit Radierungen für die Griffelkunst oder Georg Baselitz. Heute steht im Zentrum seines Schaffens die Farbe. „Sie befähigt ihn zur Entdeckung neuer Wirklichkeiten“, charakterisiert der Kunsthistoriker Dr. Stefan Horsthemke die Bedeutung der Farbe für den Maler Uwe Paduck. Seine Bilder sind visuelle Forschungsfelder, welche das Spannungsverhältnis von Fläche und Farbe untersuchen.

Seine Werke, Radierungen, Aquarelle und Öl- und Acrylbilder wurden in zahlreichen Ausstellungen, unter anderem auch im Detlefsen-Museum und im Palais für aktuelle Kunst in Glückstadt, gezeigt.

Seit etwa zwei Jahren beschäftigt sich der Maler fast ausschließlich mit Farbe und deren Wirkung. Es werden über 20 Werke aus dieser Schaffensperiode im Studio des Detlefsen-Museums und im Foyer gezeigt. Der Maler arbeitet mit gezielten Unschärfen, mit gefärbtem Himmel, mit leichten Verfremdungen oder mit Eye-Catchern, wie sie die Fotografie kennt: Ein Getreidesilo, ein Strommast, ein Schiff oder ein leuchtendes Haus. Er selber sagt dazu:

„Das Ziel meiner Malerei ist nicht das illusionistische Abbild, sondern etwas Zwiespältiges und Gegensätzliches in einem Bild zu verschmelzen. Dieser Scheincharakter der abgebildeten Landschaft wird etwas zurückgenommen, so dass beim Betrachter eigene Gefühle und Bilder entstehen. Das gelingt in der wässrigen und fast fließenden Technik des Aquarells sehr gut.“

Das Detlefsen-Museum zeigt 20 aktuelle Arbeiten des Künstlers.

Ob „Gelbes Feld“, „Grüne Tonne“, „Blauer Raum“ oder „Einfach Rot“: Manche Bilder verraten schon im Titel, worum es geht: Farbe in der Kunst, Literatur und Musik ist das Thema der Sommerausstellung des Museumsberg Flensburg. Kunstwerke aus vier Jahrhunderten, streng nach Farben sortiert, erzählen von der Bedeutung, der Wirkung und der Kraft von Farbe. Ein vielfältiges Rahmenprogramm mit Lesungen und Konzerten macht Farbe sogar hörbar.

Gemeinsam wollen wir mit dem Atelier KUNSTEINS und der FTG (Föhr Tourismus GmbH) den Musikpavillon als Pop-Up Galerie mit kreativen, kommunikativen und künstlerischen Aktionen bespielen, um den Aufenthalt auf Föhr ein bisschen spielerischer, bunter und leichter zu machen und dabei einen weiten Bogen zur Kunst, Kultur und Kommunikation zu spannen. Dabei werden für die 80 Glasfenster des Musikpavillons zeitversetzt bis in den Herbst/Winter hinein verschiedene grafische, malerische, typografische und kommunikative künstlerische Themen bearbeitet, die monatlich im Wechsel das vielfältige optische Wahrnehmungsspiel in den Scheiben des Musikpavillon ergänzen und verstärken können. Dabei soll in der Saison – falls unser Musikangebot unter Corona-Bedingungen umgesetzt kann – das Öffnen und Schließen der Flügeltüren einen gewollten optischen Bruch in die Wahrnehmung verursachen.

Die Stadtgalerie Brunsbüttel zeigt ausgewählte Werke des Bildhauers Hans J. Müller aus Bremen.

Anlässlich des 100. Geburtstags von Joseph Beuys zeigt die Kunsthalle zu Kiel vom 8. Mai bis 24. Oktober 2021 in einer Kabinett-Ausstellung Werke des Künstlers aus ihrem Bestand.

Beuys gilt als einer der bedeutendsten, aber auch umstrittensten Künstler des 20. Jahrhunderts. Die sogenannten Aktionen stehen im Mittelpunkt seiner Arbeit. Dennoch nehmen die vielzähligen Multiples eine besondere Stellung in seinem Gesamtwerk ein. Es handelt sich dabei um kleine, in hohen Auflagen hergestellte und preiswerte Kunstobjekte. Bis zu seinem Tod stellt er über 550 Serien von Multiples her. Ganz im Sinne einer Demokratisierung der Kunst sieht er in solchen Auflagenwerken eine geeignete Möglichkeit, ein größeres Publikum erreichen und diesem seine Anschauungen näherbringen zu können. Im Bestand der Kunsthalle befinden sich zahlreiche Multiples und Druckgrafiken sowie mehrere Foto-Editionen von Joseph Beuys.

In der Ausstellung werden rund 35 Arbeiten präsentiert, unter anderem wichtige Multiples wie die Rose für direkte Demokratie (1973), Kunst = Kapital (1980) und Rhein Water Polluted (1981). Auch grafische Blätter wie die Serie Spur I (1974) sind zu sehen. Die Fotografien Output (1978) von Werner Krüger zeigen Beuys in Aktion und erzählen zugleich von der Selbstinszenierung des Künstlers in Filzhut und Anglerweste.

Am 12. Mai 1921 als Sohn eines Kaufmanns in Krefeld geboren, wächst Joseph Beuys zunächst im dörflichen Kleve auf. Schon während seiner Schulzeit ist er beeindruckt von den Werken Edvard Munchs, Auguste Rodins und William Turners. Mit 20 Jahren meldet sich Beuys freiwillig zur Luftwaffe der Wehrmacht und wird als Bordfunker ausgebildet.

Während dieser Zeit wächst in ihm bereits der Wunsch, Künstler zu werden, und er fertigt erste Skizzen und Zeichnungen an. Sein Flugzeugabsturz 1944 über der Krim und seine Erzählung über die Rettung durch die Tataren, die ihn mit Filz und tierischem Fett gesund pflegen, werden zum Mythos. Auf Fett und Filz greift er in seinem Schaffen später immer wieder zurück. 1947 beginnt er das Studium der Monumentalbildhauerei bei Joseph Enseling und Ewald Mataré an der Staatlichen Kunstakademie Düsseldorf. Als Meisterschüler von Mataré entwickelt Beuys 1951 schließlich seine eigenen Techniken und Ausdrucksformen. Nur zehn Jahre später wird Beuys zum Professor für Monumentale Bildhauerei an der Düsseldorfer Kunstakademie ernannt.

Entgegen seiner eigenen Aussage „Ich habe nichts mit Politik zu tun – ich kenne nur Kunst“ werden seine Arbeiten und sein Handeln zunehmend politisch. Er wird Mitbegründer der Grünen, strebt eine Überwindung der „Parteiendiktatur“ an und gründet die „Organisation für direkte Demokratie durch Volksabstimmung“. Mit seinem vielfältigen Engagement schafft er sich damit Möglichkeiten zur Vermittlung seines erweiterten Kunstbegriffs und nutzt seine Ausstellungen, Aktionen und Vorträge zur Propagierung seiner radikal demokratischen Vorstellungen. Ab 1964 nimmt Beuys regelmäßig an der documenta in Kassel teil und richtet hier 1972 ein Informationsbüro anstelle der Präsentation eines Kunstwerks ein, um mit den Besucher*innen in einen gesellschaftspolitischen Diskurs über direkte Demokratie zu treten. 1976 stellt Beuys zum ersten Mal auf der Biennale in Venedig aus und erhält 1979 als erster deutscher Künstler eine Retrospektive im Solomon R. Guggenheim Museum in New York. Es folgen weitere umfassende Einzelausstellungen u.a. in der Nationalgalerie von Australien, 1982 und im Seibu Museum of Art in Tokio, 1984. Joseph Beuys erliegt am 23. Januar 1986 einer Lungenerkrankung in Düsseldorf.

Mit dem Satz „Jeder Mensch ist ein Künstler“ (1968) wollte Beuys alle Menschen in der Gesellschaft ansprechen und verdeutlichen, dass jede Person in der Lage ist, die Gesellschaft mitzugestalten. Er war ein Künstler, der mit der Kunst das Leben zu verändern versuchte und den Kunstbegriff neu formen wollte. Dieser „erweiterte Kunstbegriff“ führte Beuys zur Theorie der „Sozialen Plastik“: Die Kunst bezeichnet nicht mehr nur das materielle Objekt an sich, sondern umfasst auch den Prozess des kreativen Denkens und Handelns des Menschen. Beuys´ Überzeugung war, dass der Mensch dazu befähigt ist, durch eigene Schaffensprozesse zum Wohl der Gemeinschaft beizutragen und die Gesellschaft positiv zu verändern.

Bild: Joseph Beuys, Kunst = Kapital, 1980, Siebdruck auf Schiefertafel in Holzrahmen, 32 x 44 x 0,9 cm, © VG Bild-Kunst, Bonn 2021 / Kunsthalle zu Kiel, Foto: Martin Frommhagen.

Mit mehr als 200 Exponaten, spektakulären Neuerwerbungen, Schenkungen und Leihgaben präsentiert sich der Sammlungsbestand der 38 im Park vertretenden Künstlerinnen und Künstler der Stiftung in allen Ausstellungsbereichen.

Startend mit den Caféräumen und dem bekannten Ausstellungsbereich im Obergeschoss der Villa Wachholtz über die Remise, den roten Bungalow, die Galerie, das Pfauenhaus bis in die privaten Bereiche mit Souterrain und Wohnhaus geben weitere ergänzende Bilder, Kleinskulpturen, Installationen, Zeichnungen und Fotos vertiefende Einblicke in das Schaffen der Künstlergemeinschaft des Gerisch-Parks.

Bereits in der Diele der Villa Wachholtz empfangen uns die neue Bronzearbeit „Osiel“ der Künstlerin Magdalena Abakanowicz und drei schillernd farbig gefasste Ballons des Künstlers Jeppe Hein. In den Caféräumen spiegelt ein Querschnitt die Ausstellung „Trasher Island“ von Thorsten Brinkmann.

Mit den Künstlern der ersten Stunde Menashe Kadishman, Magdalena Abakanowicz, Abraham David Christian, Pit Kroke, Norbert Prangenberg und dem Künstlerduo Anne und Patrick Poirier sowie Horst Antes und Via Lewandowsky werden die Ausstellungsräume im Obergeschoß der Villa eindrucksvoll bespielt.

Katsuhito Nishikawa, der japanische Künstler unseres Kleeblattes, richtet seine Werkgruppe in der Remise ein und vis á vis präsentiert sich Tjorg Douglas Beer mit seinen Arbeiten im Roten Bungalow.

Die weiteren Werke der 20 Künstler und Künstlerinnen, von denen es mitunter nur wenige ergänzende Arbeiten gibt, teilen sich die Galerieräume. Dazu gehören Chiara Dynys, Bernd Kastner, Brigitte Kowanz, Stefan Sous, Mischa Kuball, Thorsten Goldberg, Birgit Ramsauer, Heinz Breloh, Bogomir Ecker, Carsten Höller, Olaf Nicolai, Morio Nishimura, Ulrich Behl, Tina Schwichtenberg, Jörg Plickat, Manfred Sihle-Wissel, Mimmo Paladino, Thomas Judisch, Ian Hamilton Finlay und Markus Lüpertz.

Im Privaten zeigen sich Manolo Valdés, Jan Koblasa, Philine Fahl und die Sammlung Hans Martin Ruwoldt.
Im Souterrain und der Außenterrasse präsentiert sich die Schenkung Thomas Stimm und das frisch restaurierte Pfauenhaus ist der Arbeit der japanischen Künstlerin Leiko Ikemura gewidmet.

Und ganz aufregend ist die neue Außeninstallation „Skulpturenbrüter“ von der Performance-Künstlerin Birgit Ramsauer, die zusammen mit der Porzellan Manufaktur Nymphenburg 31 Vogelnistkästen im Farbkreis nach Johannes Itten gestaltet hat.

In der Ausstellung „Lichtblicke“ im Probstei Museum Schönberg treffen zwei Künstlerpersönlichkeiten aufeinander, die erstmalig den künstlerischen Tanz miteinander wagen. Malerei und Skulpturen verbinden sich in dieser Ausstellung zu einem bewegten Auftakt und setzen leuchtende Akzente.

Auf der einen Seite die Malerin Leona Zeller (Jg. 1978) mit großformatigen ausdrucksstarken Farbvariationen, oft floral in mitreißend sprühender Farbigkeit; im Gegenüber der Bildhauer Giotto Bente (Jg. 1963) mit figürlichen Holzobjekten in reduzierter Formensprache, manchmal signalhaft bunt, in der Botschaften oft humorvoll unterlegt. Beide Künstler leben und arbeiten in Kiel, beschritten aber sehr unterschiedliche künstlerische Wege.

Leona Zeller, Jahrgang 1978, erhielt ihre künstlerische Ausbildung bei Klaus Fußmann in Berlin und arbeitet seither mit neuen malerischen Ansätzen. Ihre Malerei bezeichnet die sie selbst als „Farbmalerei“, inspiriert vom abstrakten Expressionismus. Aktuell spielt bei ihr die Rhythmisierung der Bildfläche durch die Farbe eine wichtige Rolle, wobei das gestische Element während des Malprozesses stets im Vordergrund bleibt.

Giotto Bente, Jahrgang 1963, ließ sich zunächst zum Möbeltischler in Amsterdam und Holzbildhauer in Berchtesgaden ausbilden, bevor er sich 1988 in Kiel als freischaffender Künstler niederließ. Sein Thema ist der Mensch in all seiner Vielfalt, seinen Facetten und Bedeutungen. Um dies in seinen Figuren zum Ausdruck zu bringen, arbeitet er mit den unterschiedlichsten Hölzern, deren Möglichkeiten er immer wieder neu erprobt. Dahinter steht die Absicht, einen Dialog zwischen der Figur und dem Material entstehen zu lassen, der beide Seiten in ein folgerichtiges Gleichgewicht bringt.

Zum Thema der Ausstellung „Lichtblicke“ äußern sich Leona Zeller und Giotto Bente ganz aktuell mit neuen Arbeiten nach längerer kultureller Auszeit.

Bild: Leona Zeller, Ahorn, Zedern, Rot; Öl auf Leinwand, 2020.

Der Zauber Nordfrieslands – Meisterwerke aus zwei norddeutschen Privatsammlungen.
Zwei bedeutende Privatsammlungen haben ihren Fokus auf die norddeutschen Maler gelegt und geben in „Der Zauber Nordfrieslands“ Einblicke in diese zauberhafte nordfriesische Welt. Gemälde und Zeichnungen unter anderem der Künstler Jacob Alberts, Carl Arp, Ernst Eitner Hans Peter Feddersen und Hans Olde veranschaulichen diese Entdeckung einer von der Großstadt weit entfernten Landschaft, die durch ihre Wildheit sowie durch ihre zauberhafte Schönheit die Herzen vieler bis heute erobert.

Zur Ausstellung erscheint ein Begleitkatalog. 72 Seiten, 14,95 Euro, Erschienen im: Verlag der Kunst Dresden Ingwert Paulsen, Husum
Laufzeit: bis 31. Oktober 2021 im Sylt Museum, Keitum | täglich bis 17 Uhr

Architektur gestaltet den Rahmen unseres Lebens. Die Ausstellung zeigt, wie der Flensburger Architekt Povl Leckband es vermag diesen „Rahmen“ und „das begehrte gute Leben“, wie es vom Dansk Arkitektur Center in Kopenhagen als besonders dänisch beschrieben wird,  in seinen Projekten und Gebäuden in Südschleswig darzustellen.Von 1976 bis 2018 hat Povl Leckband an vielen Orten in Südschleswig Gebäude geschaffen, die gleichzeitig markant sind und eine diskrete architektonische Prägung zeigen. Die Architektur von Povl Leckband zeichnet sich durch ihre Fähigkeit aus, die vorhandenen Elemente in der Umgebung und im Vorhandenen lesen zu können und zu unterstreichen.

Nach seinem Studium in Kopenhagen hat Povl Leckband als Architekt eine ganze Reihe von dänischen Einrichtungen in Südschleswig geplant. Gleichzeitig hat er sich auch aus Interesse für die örtliche, historische Baukultur aktiv in die Stadterneuerung Flensburgs eingebracht. Mikkelberg zeigt hier Entwürfe und Projekte aus diesem Teil seiner Tätigkeit – für eine frühere Ausstellung von dem Verein Flensburger Baukultur e.V. mit dem Titel ORTSSINN (für das Flensburger Schifffahrtsmuseum) zusammengestellt.

Die Ausstellung wird durch eine Auswahl aus seinen Skizzenbüchern der letzten 20 Jahre begleitet, die sein Interesse an der Erkundung historischer Plätze zeigen. 

Schräge Typen im Ostholstein-Museum Eutin:
In seiner Sommerausstellung widmet sich das Ostholstein-Museum in Eutin den humorvollen Arbeiten der in Berlin lebenden Künstlerin Marina Krohs, deren Figuren zu Recht den Namen »Schräge Typen« tragen.
Geformt aus Ton und mit Aquarellfarbe bemalt, stehen sie da: hochaufgeschossen und dürr, mit überdimensional wirkenden Händen und Füßen und einem Gesichtsausdruck, der wohl jeden Betrachter zum Schmunzeln bringt. John Lennon und Yoko Ono demonstrieren Liebe, die Schwimm-Twins sind mit sich und der Welt zufrieden, Angela Merkel ist die Ruhe selbst und Breschnew und Honecker sind im Bruderkuss vereint, während Karl Lagerfeld sein Umfeld missmutig ignoriert…

Abb.: Marina Krohs, Der Wind kommt immer von vorn, 2020, Foto Marina Krohs

Mit LEGO Steinen auf den Spuren der Hanse

Als einer der bekanntesten Spielzeughersteller weltweit begeistert LEGO Klein und Groß. Die farbenfrohen Spielsteine ermöglichen eine kreative Inszenierung der Hansegeschichte. In Zusammenarbeit mit Rene Hoffmeister (LEGO Certified Professional) werden sechs Hansewelten liebevoll und detailreich nachgebaut. Großmodelle und Dioramen werden so zu einem beeindruckenden und einmaligen Erlebnis für die ganze Familie.

In 2018 organisierten zwei finnische Künstlerinnen Hannele Haatainen und Heli Laitinen eine Ausstellung für die deutsche Künstlerin Ebba Sakel in Finnland. Der Kontakt entstand durch die Vermittlung einer ehemaligen Kursteilnehmerin Ebba Sakels, eine Deutsche, die heute in Finnland lebt. Es ergab sich anschließend ein langer intensiver Briefwechsel mit Austausch von Fotografien zwischen den drei professionellen Künstlerinnen. –
Von den Arbeiten der beiden Finninnen begeistert, einer Art Seelenverwandtschaft ganz offensichtlich, und in Dankbarkeit für die Solidarität, hatte Ebba Sakel die Idee eine Gemeinschaftsausstellung in Deutschland zu organisieren. Beide Finninnen sagten mit großem Interesse sofort zu. Alle Drei Künstlerinnen verbindet die Liebe zur Natur, Landschaft und Tieren, was jede auf ihre eigenen Art und Weise zum Ausdruck bringt – in Farben, Strukturen, Konkretem und spirituell Atmosphärischem, visuell verdeutlicht auch im Sinne von Schöpfungsbewahrung. Diese Ausstellung, ist eine Wanderausstellung die im BELLA DONNA HAUS, Bad Oldesloe startet und voraussichtlich anschließend in einem größeren Umfang in Ratzeburg zu sehen sein wird.
Am Sonntag, den 11.Juli 2021 findet um 11 Uhr eine Veranstaltung mit der Künstlerin Ebba Sakel im BELLA DONNA HAUS statt. Anmeldung bitte unter 04531/891837.

Bereits zum dritten Mal findet die Jahresschau des Berufsverbandes Angewandter Kunst Schleswig-Holstein (BAK-SH) im Ostholstein-Museum statt, die alle drei Jahre in Eutin mit wechselndem Schwerpunktthema durchgeführt wird.

DIE JAHRESSCHAU DES BERUFVERBANDES ANGEWANDTE KUNST SCHLESWIG-HOLSTEIN

Die Ausstellungsreihe hat das Ziel, die Qualität, Erfahrung und Kreativität der angewandten Künstlerinnen und Künstler hier im Lande einem breiten Publikum vorzustellen. Alle Mitglieder des BAK-SH waren eingeladen, in diesem Jahr zu dem ausgesuchten Thema Materialzauber bis zu drei Arbeiten einzusenden, die schließlich durch eine fünfköpfige Fachjury begutachtet und für die Ausstellung ausgewählt wurden. Darüber hinaus wurden Gastkünstlerinnen und -künstler von der dänischen Insel Bornholm, die seit 2017 als erste Region in Europa zur World Craft Region ernannt wurde, eingeladen, sich mit ihren für die Insel charakteristischen Werken an der diesjährigen Präsentation zu beteiligen, um ihre Exponate in den Dialog mit den Werken der schleswig-holsteinischen Künstlerinnen und Künstler zu setzen. Denn seit vielen Jahren widmet sich der BAK-SH aktiv der Kooperation mit Verbänden und Kunstschaffenden aus den Nachbarländern rund um die Ostsee.

Abb.: Susanne Albrecht, Ring 003, Foto Susanne Albrecht

Nun schon zum 22. Mal öffnet die NordArt ihre Tore und lädt vom 5. Juni bis zum 10. Oktober wieder zu einer Weltreise durch die Kunst ein. Einen zweiten Sommer ohne Kunst soll es nicht geben: Deshalb lenkt ein Online-Ticketing-System die Besucherströme, um jedem einzelnen Gast einen unbeschwerten Aufenthalt im Kunstwerk Carlshütte zu ermöglichen.

Die NordArt ist ein Ankerplatz für Künstler aus aller Welt und ein Zuhause für die internationale Kunst. Hier, in den riesigen Hallenschiffen der historischen Eisengießerei, findet eine der größten jährlichen Ausstellungen zeitgenössischer Kunst in Europa statt.

Die Pause 2020, sagt Chefkurator Wolfgang Gramm, habe eindrucksvoll vor Augen geführt, wie unverzichtbar Kunst und Künstler für Geist und Seele, für das menschliche Zusammenleben seien. Deshalb erzähle das Kunstwerk Carlshütte seine Geschichte nun weiter, brenne geradezu darauf, die Hallen und den Skulpturenpark wieder mit Leben zu füllen.

Die Carlshütte, in der über viele Jahrzehnte hinweg Eisen geschmolzen wurde, ist heute ein Schmelztiegel ganz anderer Art: Zwischen Juni und Oktober werden Bilder und Skulpturen, Fotografien und Installationen von mehr als 200 ausgewählten Künstlerinnen und Künstlern aus aller Welt zu einem Gesamtkunstwerk. Jedes Werk steht für sich und zugleich im Dialog mit den anderen. Im Zusammenspiel mit der imposanten Kulisse entwickelt sich eine ganz eigene Atmosphäre und lädt auf eine Entdeckungsreise ein. Neben den Gießereihallen mit ihren 22.000 Quadratmetern Fläche gehören dazu der 80.000 Quadratmeter große Skulpturenpark und die charmante ACO Wagenremise.

Die NordArt 2021 nimmt natürlich das Drehbuch des Vorjahres auf, viele der geplanten Projekte sind aber aktualisiert worden und neue Ideen dazugekommen. Jedes einzelne Kunstwerk und alle zusammen verknüpfen sich so zu einer Erzählung vom Menschsein. Dabei bildet sich dieses Mal ein Thema besonders heraus: die Auseinandersetzung mit unseren ethischen Grundsätzen und die Suche nach Wegen, um verloren gegangene Werte in die Moderne zu retten.

Das gilt zum Beispiel für den Länderfokus, der sich der zeitgenössischen Kunst in der Ukraine widmet. Die Kuratoren des Ukrainischen Pavillons sind Evgen Karas und Darina Momot aus Kiew und präsentieren unter dem Ausstellungstitel „Die Grenzen der Realität“ Arbeiten von 22 ukrainischen Künstlerinnen und Künstler und das „A4 ballpoint project“. Lesen Sie das Gespräch mit den beiden Kuratoren in der Kulturzeitschrift Schleswig-Holstein.

Auch die Sonderausstellung „Identität • Zeitgenössische Kunst aus Zentralasien“, die Malerei aus Usbekistan, Kasachstan und Tadschikistan zeigt, nimmt die Suche nach Orientierung in den Fokus. Kurator Dr. Manuchehr Kudratov erklärt die gemeinsame Perspektive so: „Die Spurensuche über die eigene Identität orientiert sich an mythopoetischen Traditionen und dem Sufismus, die zugleich hinterfragt werden. Die Künstler demonstrieren ihre individuellen Mythologien und originellen Wege im Umgang mit dem kulturellen Erbe der Region.“

In der ACO Wagenremise wird es fantastisch, ziehen teils realistische, teils tierische menschliche Wesen ein. Eine Welt voller mythologischer, politischer, ironischer Anspielungen.

Ein Wiedersehen gibt es mit allen Preisträgern der NordArt 2019. Dazu gehören die drei Publikumspreisträger David Černý aus der Tschechischen Republik, Deng Guoyuan aus China und Xi Jianjun aus Großbritannien sowie Ochirbold Ayurzana aus der Mongolei – Preisträger des von Hans-Julius und Johanna Ahlmann gestifteten und mit 10.000 Euro dotierten NordArt-Preises.

Die aktuelle Sonderausstellung im Schloss vor Husum zeigt eine Installation, Bilder sowie Objekte von Atif Gülücü. In gleichwertiger Reihung, collageartig zusammengesetzter und leicht eingefärbter, zudem mit dünnem Draht verstärkter und an Fäden aufgehängter Papierstreifen präsentiert Atif Gülücü die 2008 entstandene, raumgreifende Installation „Die Geburt der Idee“. Vor- und Rückseite der Papierstreifen versah der Künstler mit von ihm selbst geschriebenen Notenfragmenten. Es entsteht im vorgefundenen Raum in serieller Reihung ein sensitiv überbordender Eindruck.

Dennoch beschreibt die Installation keine von außen angetragenen, von Gülücü im Nachhinein geteilten Musikstücke, sondern zuvorderst grafisch autonome Bilder im Raum. Und diese werden durch den natürlichen Luftzug, aber auch durch das Durchschreiten der Installation in Bewegung gehalten, was nicht zuletzt eine genuine Relation zwischen den in ihrer Anhäufung mit einem Blick nicht zu erfassenden Objekten und deren Umgebung ermöglicht.

Atif Gülücü wurde 1953 im türkischen Antakya geboren. Nach dem Abitur widmete er sich autodidaktisch der Malerei, wobei er sich u.a. intensiv mit Schriften und deren Ausdrucksgehalt beschäftigte. Seit 1980 lebt der Künstler im schleswig-holsteinischen Preetz als Installationskünstler und Maler.

Der Kulturverein Seeweg Gut Wittmoldt e. V. zeigt in diesem Sommer über 50 Fotografien von Annabelle Fürstenau und janKB. Beide sind Absolventen der Muthesius Kunsthochschule in Kiel und als freischaffende Fotografen tätig. Seit vielen Jahren zieht es beide unabhängig voneinander ans Meer und in die ruhige Weite von nordischen Inseln.

Annabelle Fürstenau (*1981) lebte und arbeitete von 2013 bis 2018 auf der Hallig Gröde und fotografierte dort unter anderem den Wandel von Lichtstimmungen und Jahreszeiten in ihrer Umgebung. janKB (*1964) zeigt Arbeiten, die auf Föhr, den Färöer-Inseln und in Schottland entstanden sind. Neben der Landschaft selbst, entdecken beide auf den ersten Blick eher unscheinbar wirkende Details, wie Pflanzen, Nester, Plastikteile und mehr, die sie in einzigartige serielle Stillleben verwandeln. Ihre intensiven Landschaftsaufnahmen und die in der Natur gefundenen Stillleben treffen in der Ausstellung SICHTEN zum ersten Mal aufeinander.

Die Motive für ihre konzeptuellen Serien findet Annabelle Fürstenau vor allem in der Natur in ihrem Lebensumfeld. Sie arbeitet oft über mehrere Jahre an einem Thema, wobei ihr die stille Beobachtung und das Tun selbst mindestens ebenso wichtig sind wie das Ergebnis. Annabelle Fürstenau lebt und arbeitet in Westensee.

Unter dem Künstlernamen janKB arbeitet Jan Klose-Brüdern an seinen freien Serien. Seine Landschafts- und Architekturaufnahmen, sowie Stills und Collagen ordnet er häufig als Tableaus oder Reihen an. Die metaphorische oder assoziative Wirkung der Einzelmotive wird durch die serielle Verdichtung verstärkt. Er lebt und arbeitet in Groß Wittensee.

Führungen durch die Ausstellung:
03.07. von 15–16 Uhr Dialogführung mit janKB und Angeline Schube-Focke
01.08. von 15–16 Uhr Dialogführung mit Annabelle Fürstenau und Angeline Schube-Focke
22.08. von 15–16 Uhr Kuratorenführung mit Angeline Schube-Focke
29.08. von 15–16 Uhr Künstlerführung mit Annabelle Fürstenau und janKB
30.09. von 18–19 Uhr Kuratorenführung mit Angeline Schube-Focke
31.10. von 15–16 Uhr Finissage Annabelle Fürstenau und janKB im Gespräch mit Angeline Schube-Focke

Alternative Termine nur nach telefonischer Absprache mit Gut Wittmoldt unter 0151-46564999

KUNST von HIER – und von JETZT, unter diesem Motto sind in der Ausstellung Werke von acht professionellen Künstlerinnen und Künstlern aus der Region zu sehen.
Die Arbeiten zeigen ein buntes Spektrum von Malerei und Skulptur bis hin zu Illustrationen, Schmuck und Wimmelbildern.
Tauchen Sie ein in die KUNST von HIER, lassen Sie sich treiben und inspirieren und genießen Sie zeitgenössische Kunst im Rokokosaal des Kreismuseums Plön.

Mehrere der Werke können käuflich von den Künstlerinnen und Künstlern erworben werden.

Der Ausbruch der Coronavirus-Pandemie hat die Kulturbranche schwer getroffen. Freie Kulturschaffende leiden unter dem Mangel an Auftrittsmöglichkeiten und Begegnungen mit ihrem Publikum. Auch kleineren und größeren Kulturbetrieben setzt die Krise zu.
Die Sonderausstellung „Überleben – Übers Leben. Blumen und Applaus“ des Fotografen und Musikers Sven Zimmermann im Rahmen der Reihe „Kulturland Schleswig-Holstein“ des Landtages und der Investitionsbank Schleswig-Holstein (IB.SH) macht auf die aktuelle Lage der Kunst- und Kulturszene im Land aufmerksam.

Von März bis August 2020 reiste Zimmermann quer durch Schleswig-Holstein und porträtierte Menschen, die im Bereich Kunst und Kultur tätig sind. Er führte intensive Gespräche über die für alle ungewisse Pandemie-Situation und die damit verbundenen Herausforderungen. Entstanden sind ausdrucksstarke Schwarzweißaufnahmen von großer Offenheit und Unmittelbarkeit, ergänzt um persönliche Statements der Porträtierten. Zorn, Nachdenklichkeit, Angst, aber auch Hoffnung, Entschlossenheit und trotziger Optimismus – all diese Gemütszustände spiegeln sich in Zimmermanns Fotografien. Der 2020 aus dem Projekt entstandene Bildband „Überleben – Übers Leben. Blumen und Applaus“, ein eindrucksvolles Zeitzeugnis, versammelt Aufnahmen bekannter Persönlichkeiten wie Björn Both, Sänger der Band Santiano, oder Sänger und Schauspieler Jan Plewka, Frontmann der Rockband Selig, neben Porträts von Newcomern und weniger in der Öffentlichkeit stehenden Künstlerinnen und Veranstaltern.

Die Ausstellung im Landeshaus zeigt eine Auswahl dieser Fotografien und Texte. Sie findet begleitend zur Reihe „Landtags-Sessions – Kultur trotz(t) Corona“ statt, die Kulturschaffenden aus Schleswig-Holstein eine Plattform bieten möchte.

Katrin Hosterbach, Juliane von Arnim,
Irmgard Bornemann und Christoph Primm

Mit vier sehr unterschiedlichen Positionen
zeigt die Ausstellung, was Malerei ausmacht:
Transparenz und Zartheit,
Farbkraft und Dichte,
Räumlichkeit und Tiefe.

Sigrun Jakubschkes künstlerisches Schaffen umfasst raumbezogene Installationen, plastische und zumeist großformatige grafische Arbeiten. Überkommene Gattungsgrenzen werden aufgehoben und im Gegenzug einander angenähert. Statt einer individuell begründeten Formvorstellung stehen die Auflösung einer Reiztotalität wie der sie offerierende phänomenologisch begründete bildnerische Gesamteindruck im Mittelpunkt. Vor diesem Hintergrund umkreisen ihre Werke die Frage nach einer autonom gesetzten Erfahrung von Wirklichkeit. Es ist der innovative Umgang mit den unterschiedlichsten Materialien, das Prinzip der Collage bzw. der Assemblage, aber auch das Wissen um den Wert der Form wie der Nicht-Form und einer daraus hervorgehenden Neustrukturierung, die eine Kunst zwischen dem Noch-Abbildlichen und dem nicht mehr konkret Benennbaren generieren. Die Künstlerin bleibt indes nicht nur als aktiv Handelnde und Macherin sichtbar, sondern sie erklärt den Betrachter innerhalb dieses offen definierten Kunstgeschehens zum gleichwertigen Partner. Das Wirkliche wird dabei nicht länger durch den überkommenen Dualismus von Wesen und Erscheinung, sondern vielmehr durch die Polarität von endlich und unendlich bestimmt. Es ist dies eine Erfahrung, in der die Welt im Offenen und niemals Abgeschlossenen verharrt.

Sigrun Jakubaschke wurde 1957 in Darmstadt geboren. Sie studierte von 1976 bis 1983 bei Kai Sudeck an der Hochschule der bildenden Künste Hamburg. 1994 erhielt sie eine Professur für Malerei und ihre Grenzüberschreitungen. Seit 2006 unterrichtet sie als Professorin für Malerei an der Universität Osnabrück. Die Künstlerin erhielt zahlreiche Preise und Arbeitsstipendien, darunter den Philip-Morris-Preis für freie Malerei, den Dorothea von Stetten-Kunstpreis und das Villa Massimo-Stipendium.

Die Künstlerin lebt und arbeitet in Schleswig und Hamburg.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.

Es sind wahrhaftig andere Welten, in die Alastair Magnaldo, gebürtiger Brite mit Wohnsitz in Frankreich, den Betrachter entführt. Seine kollagenartigen Fotografien sind äußerst stimmige Kompositionen aus Landschaftsbildern, die so meisterhaft mit anderen, überraschenden Elementen verwoben sind, dass die Werke zugleich abstrakt und doch auch verwirrend real erscheinen. Märchenwelten, wie den Phantasien eines Kindes entsprungen, Mögliches und Unmögliches als plausible Symbiose.
Ob anrührend, mystisch oder verschmitzt, jedes Bild dieser Ausstellung, die eigens für das Stadtmuseum konzipiert wurde, ist geprägt von einer optimistischen, kraftvollen Ausstrahlung. Man verspürt den Drang zur kreativen Freiheit, den Willen, Grenzen verschwinden und Träume wahr werden zu lassen. Dem Fotografen und promovierten Physiker ist es ein wichtiges Anliegen, mit seinen Arbeiten auf die Fragilität natürlicher Systeme zu verweisen. Sich eine Landschaft lediglich durch das Denken anzueignen, nicht physisch, so lautet die Vision von Alastair Magnaldo.

Der zeitgenössischen Fotografie widmen die Sparkassenstiftung Schleswig-Holstein und das Stadtmuseum Schleswig – kurz nach ihrem gemeinsamen Projekt „Zeitenwende“ – erneut eine Ausstellung in dieser Kooperation.

Anlass dieser ab dem 30. Juni erst in Kiel, ab Ende September dann in Schleswig präsentierten Ausstellung mit den beiden Fotozyklen „Spuren“ und „Transformationen“ der in Schleswig-Holstein und in Hamburg lebenden Fotografin Gisela Floto ist eine Schenkung von fotografischen Arbeiten an das Stadtmuseum Schleswig aus dem Archiv der Fotografin. Die Sparkassenstiftung unterstützt Ausstellung und Begleitheft und stärkt damit das auf Fotografie spezialisierte, weit über die Grenzen Schleswig-Holsteins hinaus profilierte und insbesondere von der Nord-Ostsee Sparkasse mit geförderte S-Foto Forum am Stadtmuseum in Schleswig.

Gisela Floto, in Augustenhof bei Gettorf im Dänischen Wohld an der Ostsee aufgewachsen, lebt heute in Hamburg sowie auf einem Gutshof im Kreis Plön. Als weltweit gereiste Fotografin war Gisela Floto auch für große nationale Magazine tätig. Sie erwarb sich einen großen Erfahrungsschatz und verfügt über ein umfangreiches Fotoarchiv. Über Ihre Lebensorte und ihre Projekte ist sie stets dem Norden, seinen Menschen und Landschaften als eine der herausragenden Fotografinnen unserer Zeit verbunden geblieben. Mehr Informationen zu Gisela Floto auf ihrer Internetseite

Die Sparkassenstiftung hat im Jahr 2013 in ihrer Heftreihe Photographia Borealis eine Publikation zur Ausstellung von Gisela Floto über die „Talmud-Tora-Schule Hamburg – Zwischen gestern und heute“ im Jüdischen Museum Rendsburg und der Staats- und Universitätsbibliothek Hamburg vorgelegt.

Die Sparkassenstiftung präsentiert neben dem Fotozyklus „Spuren“ eine Auswahl an experimentellen Arbeiten aus der aktuellen Serie „Transformationen“ von Gisela Floto, die eine völlig andere Sicht- und Arbeitsweise der Fotografin beleuchten. Es sind Arbeiten, die andere Facetten des fotografischen Repertoires und seiner vielfältigen künstlerischen Möglichkeiten zeigen und die Spannweite der hochklassigen zeitgenössischen künstlerischen Fotografie beweisen.

Zu den „Spuren“ ist eine limitierte Anzahl von Mappen mit Fotografien von Gisela Floto herausgegeben worden, die von Lyrik der 1990 verstorbenen Autorin Anna Inge Radziwill (Dangast) und einem Vorwort von Dr. Thomas Gädeke (Flensburg, ehemals als Kurator tätig auf Schloss Gottorf, Schleswig) begleitet wird. Die Mappe ist auf Anfrage noch in wenigen Exemplaren bei der Fotografin bestellbar.
Die Serie „Transformationen“ ist bisher noch nicht publiziert.

Weitere Informationen:
Zu der Ausstellung erscheint im Juli 2021 eine Begleitbroschüre mit einem einführenden Text von Angeline Schube-Focke, Fotografin und Kuratorin (Eckernförde).
Die Ausstellung ist nach der Erstpräsentation in Kiel ab Ende Juli 2021 im Stadtmuseum Schleswig zu sehen.

Alle Informationen finden Sie in unserer Medieninfo (PDF)

Holger Rüdel hat in diesem umfang einzigartige Bildreportage über die letzten Holmer Fischer erstellt. Dabei ist er den Fischern so nahegekommen wie kein anderer Fotograf vor ihm – zu Wasser, zu Land und aus der Luft.

Als Maler, Grafiker, Kunsthandwerker, Innenarchitekt, Visionär und Vertreter des Gesamtkunstwerks hat der Itzehoer Künstler Wenzel Hablik (1881–1934) ein beeindruckend vielseitiges und umfangreiches Werk hinterlassen.

Ein außergewöhnliches Zeugnis der Experimentierfreude und übersprühenden Fantasie des Universalkünstlers liefert eine Reihe von Tuschezeichnungen, die größtenteils in den Jahren 1908–1912 entstanden sind. Die Tuschen zeigen zumeist exotische Landschaften mit überwucherten Bäumen, großen Felsformationen und Palmen, die von Affen, Löwen, Panthern, Flamingos und
Pelikanen bevölkert werden.

Das Wenzel-Hablik-Museum widmet dieser bisher wenig bekannten Werkgruppe und damit einem weiteren künstlerischen Ausdrucksmittel Wenzel Habliks erstmalig eine eigene Sonderausstellung. Der Künstler lässt durch den Einsatz der Nass-in-Nass-Technik bewusst den Zufall seine Werke mitgestalten. Beim Auftrag von schwarzer, unverdünnter Tusche auf zuvor angefeuchtetes Papier entstehen durch den nur bedingt kontrollierbaren Farbverlauf fantastische Formen und Erscheinungen, die Hablik zu Landschaften und Tierdarstellungen ausformuliert. Für den Künstler immer wieder ein »grosses Vergnügen. Ich ruhe dabei aus – spiele mit dem Zufall und das Resultat ist eine sehr interessante Märchenphantastik«. Habliks Bildfindungen verwischen die Grenzen zwischen dem Realen und Imaginären und wirken sowohl ansprechend dekorativ als auch phantastisch-surreal.
Neben Anregungen in der Natur, findet Hablik Inspiration in der japanischen Grafik. Darüber hinaus stand der Künstler unter dem Einfluss des Wiener Jugendstils, wo die Technik des Tunkpapiers Anwendung fand. Der schöpferische Umgang mit der
Nass-in-Nass-Technik lässt den ehemaligen Studenten der Wiener Kunstgewerbeschule jedoch neue Wege gehen. Seine teils großformatigen Tuschemalereien schwelgen in Detailreichtum und erzählerischen Darstellungen. Die Schau zeigt selten gezeigte Werke aus dem eigenen Sammlungsbestand, darunter auch Blätter die erstmals öffentlich präsentiert werden. Ergänzend werden Leihgaben aus Privatbesitz ausgestellt.

Anlässlich der Eröffnung ist der Museumseintritt am Sonntag dem 4. Juli frei.

Eine Eröffnungsfeier findet aufgrund der aktuellen Umstände nicht statt.
Eintritt: 5 EURO, erm. 2,50 EURO, Schulklassen und Kinder bis 14 Jahre frei

Bild: Wenzel Hablik, Fische, 1911, © Wenzel-Hablik-Stiftung, Itzehoe

Wir glauben fest an die Dinge die wir kennen und sehen. Damit fühlen wir uns wohl.
Aber dadurch fehlen andere Perspektiven. Die Künstler zeigen uns mit ihrer philosophischen Wahrnehmung eine neue Welt. Thomas Judisch und Kyoko Takemura arbeiten beide mit Alltagsgegenständen, wobei sie beide jedoch unterschiedliche Blickwinkel dazu einnehmen.

Judisch gibt uns mit seinem Werk einen Schlüssel an die Hand, damit wir die Welt in ihrer ganz beiläufigen Schönheit erfassen können. Er arbeitet mit optischen Illusionen, die er gekonnt, spielerisch und ironisch in Szene setzt und greift mit einem Augenzwinkern in den gewöhnlichen Museumskontext ein. In seiner Arbeit ist nichts wie es scheint.

Takemura arbeitet auf eine philosophische Art der visuellen Geschichtenerzählung zwischen Narration und Dokumentation, wo sie sich oft auf Wissenschaft, Spiritualität und kulturelle Traditionen bezieht. Ihre Arbeiten verbinden metaphysische Dimensionen  die nach Regeln der gewöhnlichen Dinge funktionierende Gesetze, die die Basis Konzepte der Welt formen, funktionieren. Die Schwierigkeit eine Quintessenz des Kreislaufs von Leben und Tod in einem Rätsel der Existenz zu untersuchen, ist für ihre Arbeit von zentraler Bedeutung.

“(…) art penetrates deep into personal life because in giving form to the world, it articulates human nature: sensibility, energy, passion, and mortality.“ – Susanne Langer

Thomas Judisch:

• Dozent seit 2021, Klasse für Freie Kunst und Keramik, Muthesius Kunsthochschule/ Muthesius
• Academy of Fine Arts and Design, Kiel, Germany
• Dozent seit 2020 für Konzeptuelle Praxis/Ausstellungspraxis + Bildhauerei, TU Dresden /lecturer for conceptual and curatorial practice + Sculpture, TU Dresden
• Stiftung Kunstfonds A1, 2019
• Atelierstipendium Trittau, 2016-2020

Kyoko Takemura:

• ·JAPAN PHOTO AWARD, Winner (Selecting judge: Emilia Van Lynden)
• Sony World Photography Awards, Commended
• FAPA Fine Art Photography Awards, Conceptual Category Nominee

https://www.vaiapaziana.com/scheinreisen/

Franziska Ludwig, Volker Sponholz, Gregor Hinz und Tim Eckhorst sind IllustratorInnen aus Kiel. Sie kennen sich von der Zusammenarbeit als PURE FRUIT, ein gratis Comicmagazin, was seit über 10 Jahren mindestens zweimal im Jahr in ganz Deutschland verteilt wird. Die vier ZeichnerInnen eint die Vorliebe zum Erzählen in seriellen Bildgeschichten, aber ihre Stile sind zumeist grundverschieden. Diese Ausstellung zeigt wie unterschiedlich man als IllustratorIn arbeiten kann, welche Facetten und Möglichkeiten es gibt. Beim Sommerfest des Literatursommers am 6. August werden die KünstlerInnen die Ausstellung vorstellen. Die Drucke im Format 50 x 70 cm sind im Literaturhaus für 19,- käuflich zu erwerben. Eintritt frei.

Informationen unter: T 0431/5796840 oder programm@literaturhaus-sh.de
www. literaturhaus-sh.de

SCHWARZ
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Schwarz ist der Grundstoff des Denkens von Linda Ebert. Während der Grossteil der Künstlerinnen vor weißer Leinwand arbeitet kommt die Arbeit von Ebert aus der Dunkelheit heraus. Sie malt sozusagen direkt im Universum. Ihre genaue Vorstellung von Schwarz ist ein spezifisches Empfinden von Antimaterie. Ein Paradox, wie ich finde und eine Art Paradoxon, zu dem nur Künstlerinnen finden können. So stellt Ebert auch verschiedene Abwesenheiten dar, mehr als die Anwesenheit von Raum – seine Abwesenheit. Sie selbst spricht auch vom „totalen Nichts“. Es ist also das Nichts auf dessen Grund etwas entsteht – in Form von Linien, die erst so etwas wie Raum entstehen lassen.
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Es ist auch ein Porträt der Existenz, der Dunkelheit und der Revolte.

Auszug aus einem Text von Esther Stocker 2019