Veranstaltungsart: Ausstellung

In der Ausstellung, die am 10. September eröffnet wird, wird neue Forschung über Arne Jacobsen vorgestellt. Auf drei Gleisen werden Perspektiven und Einblicke in Leben und Wirken des dänischen Architekten sowie sein Einfluss auf Dänemark als Sozialstaat und Designnation präsentiert. In der Ausstellung geht es darum, warum Arne Jacobsen den Status als einer der wichtigsten Designer Dänemarks erlangt hat, und welche Inspirationen wir heute aus seinem Lebenswerk mitnehmen können.

Durch das Vertiefen in die vollendeten Gesamtdesigns, die Arne Jacobsen u. a. am Rathaus von Aarhus und dem Schulgebäude „Munkegårdsskolen“ bei Kopenhagen umgesetzt hat, erhalten wir einen Einblick darin, wie er dazu
beigetragen hat, dem dänischen Sozialstaat Form und Ästhetik zu verleihen. Darüber hinaus wird in der Ausstellung anhand von Interviews, Jacobsens persönliche Filmaufnahmen, Aquarellen und Naturstudien illustriert, wie Kunst, künstlerische Prozesse und die Natur bei seiner kreativen Arbeit eine wichtige Rolle spielten. Neben den bekannten Designklassikern werden zahlreiche weniger bekannte Modelle, Typen und Formate vorgestellt, unter anderem Aquarelle, Skizzen und Textilmuster.

Zudem stellt die Ausstellung die Frage, warum wir heute Arne Jacobsen als ein besonders prominentes Beispiel für dänisches Design ansehen, während er zu seinen Lebzeiten als Modernist und Internationalist angesehen wurde.

Die Ästhetik des dänischen Sozialstaats

Die Ausstellung legt die Entwicklung des dänischen Sozialstaats dar, die im Zuge der sozialdemokratischen Politik in den Jahrzehnten nach dem 2. Weltkrieg eng mit neuen Strömungen und Phänomenen in den Bereichen Architektur und Design verbunden war. Arne Jacobsen sowie weitere dänische Architekten und Designer haben ihren Beitrag zur Entwicklung des ästhetischen Ausdrucks des dänischen Sozialstaats durch neue öffentliche Gebäude und Möbel für den öffentlichen Raum geleistet. Sie erschufen eine Ästhetik und Funktionalität, die noch heute die Einrichtung in öffentlichen Büchereien, Rathäusern, Schulen, Büros und Krankenhäusern beeinflusst.

Die Museumsleiterin Karen Grøn sagt: „Das Ergebnis ist als ein ästhetischer Gesamtausdruck für den dänischen Sozialstaat zu betrachten. Dies kann dazu beitragen, dass in Dänemark, im Gegensatz zu vielen europäischen Nachbarländern, ein Konsens dahingehend herrscht, dass Ästhetik, Form und Materialien wichtig für das Wohlbefinden der Menschen ist – im öffentlichen und privaten Raum.“

Kreativer Entstehungsprozess

Diese Schilderung von Arne Jacobsen ist auch eine Schilderung von Kreativität, Innovation und einem lebenslangen Interesse an der Kunst und der Natur. Die Ausstellung bricht mit der klassischen Darstellung des jungen Arne Jacobsen als modernistischer Revoluzzer und schildert ihn stattdessen als einen kreativen Erneuerer. In Jacobsens Architekturbüro wurden Modelle und Skizzen zum Austausch von Wissen und Gedanken sowie als Grundlage für gemeinsame Experimente verwendet. Gemeinsam bilden sie einen einzigartigen Einblick in einen besonders kreativen Schaffensprozess, von dem wir heute vielleicht etwas lernen können. Sein Zugang zum Fach und zum kreativen Prozess macht ihn relevant, und vielleicht leben deshalb so viele seiner Werke auch heute noch?

Ist es eigentlich typisch dänisches Design?

Arne Jacobsen brachte internationale Strömungen nach Dänemark. Dies führte gelegentlich zu aufgebrachten Diskussionen. Heute sind viele Dänen der Meinung, seine Werke seien eindeutige Beispiele für dänisches Design. Die Ausstellung erörtert das Interessante daran, wie das, was einst als fremd angesehen wurde, ein Teil des kollektiven dänischen elbstverständnisses wird. Museumsleiterin Karen Grøn erklärt: „Die Schilderung von Arne Jacobsens Design als etwas besonders Dänisches zeigt somit, wie sich eine Kombination aus Gegenständen, Ereignissen und Kontexten mit der Zeit lokal ansiedeln kann. Somit stellt sich die Frage, ob es etwas gibt, das authentisch dänisch ist, oder ob das Dänischsein in Wirklichkeit ein sich konstant verändernder und entwickelnder Prozess ist?“

Arne Jacobsen – Dänemarks Designer wurde von der Museumsleiterin Katrine Stenum in Zusammenarbeit mit der unsthistorikerin und Registrarin bei der Arne Jacobsen Design I/S, Annika Skaarup Larsen, kuratiert. Die Forschung für die Ausstellung fand gemeinsam mit dem Dozenten am Institut für Kommunikation an der Universität Kopenhagen, Nan Dahlkild, statt.

Wie sähe ein Leben aus, das – im ökologischen, aber auch im virologischen Sinne – möglichst folgenlos bleibt? Könnte Folgenlosigkeit ein neues regulatives Ideal werden, wie Freiheit, Gerechtigkeit und Gleichheit, unerreichbar, aber dennoch erstrebenswert? Welche Auswirkungen hätte ein solches Streben auf die materielle und immaterielle Gestaltung unseres Alltags, auf die Wirtschafts- und Sozialordnung, auf unseren Glauben und auf die Art, wie wir miteinander umgehen? Und welche Vorbilder lassen sich für ein solches Leben in Gegenwart und Geschichte finden? Diese Fragen stellt die Schule der Folgenlosigkeit, ein künstlerisch-diskursives Projekt von Friedrich von Borries im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G). Von Borries verknüpft Sammlungsobjekte mit einem eigens für die Ausstellung eingerichteten „Selbstlernraum“ so, dass eine neue Perspektive auf „Nachhaltigkeit“ entsteht und vermeintlich allgemeingültige Vorstellungen eines „richtigen Lebens“ hinterfragt werden. Besucher*innen können hier im Selbstversuch Entscheidungen abgeben, ihre Hände in Unschuld waschen oder sich im Nichts-Tun üben. Ein digitales Begleit- und Diskursprogramm in Form einer App sowie das Stipendium für Nichtstun ergänzen das Projekt.

Im Rahmen der Ausstellung wird das Stipendium für Nichtstun vergeben, deren Bewerber*innen in der Ausstellung gezeigt werden. Ein diskursive Bildungsprogramm in Form einer App ergänzt das Projekt.

Der Selbstlernraum in der ehemaligen Aula des MK&G ist der zentrale Ort der Schule der Folgenlosigkeit. In dieser raumgreifenden Installation erproben sich Besucher*innen spielerisch in möglicher Folgenlosigkeit – und konfrontieren sich mit den daraus erwachsenden Konsequenzen. In abwechslungsreichen Übungen wie Entscheidung abgeben, Sorge tragen oder Nichts-Tun liefern sie sich dem Zufall am Glücksrad aus, waschen ihre Hände in Unschuld oder üben sich im Warten. Das Schaudepot zeigt ausgewählte Objekte aus dem MK&G, die als Werkzeuge und Ausrüstungsgegenstände einer nach Folgenlosigkeit strebenden Gesellschaft verstanden werden können. So zeugen etwa Astragale (aus Schafsknochen gefertigte Spielsteine) davon, wie im antiken Griechenland der Zufall in die Entscheidungsfindung mit einbezogen wurde. Indonesische Amulette aus dem 19. Jahrhundert sollen vor Kontakt mit sogenannten Dschinen schützen: Diese unsichtbaren Wesen können, so die magisch-religiöse Vorstellung, durch menschliches Handeln Schaden nehmen und Rache suchen. Interventionen in die bestehenden Sammlungspräsentationen des MK&G eröffnen weitere Perspektiven auf historische Vorläufer eines folgenlosen Lebens. So wird beispielsweise an einer chinesischen Tee-schale mit Goldlack-Reparatur (12./13. Jahrhundert) im Bereich Ostasien gezeigt, dass Zerstörung nicht immer negative Folgen haben muss. Die japanische kintsugi-Technik entfaltet eine ganz eigene Ästhetik, die den Wert des wiederhergestellten Objektes sogar steigern kann.

Die Schule der Folgenlosigkeit schreibt außerdem ein „Stipendium für Nichtstun“ aus. Für die drei zu vergebenden Stipendien, die jeweils mit 1.600 Euro dotiert sind, können sich alle Interessierten ab sofort bis zum 15. September 2020 bewerben. Die Entscheidung der Jury, der u.a. der Philosoph Armen Avanessian (bekannt durch seine Theorie der Beschleunigung) angehört, wird zum Beginn der Ausstellung verkündet. Weitere Informationen unter www.hfbk-hamburg.de.

Die politischen, technischen, ökonomischen und ästhetischen Dimensionen von Folgenlosigkeit mitsamt ihrer Ambivalenz und Widersprüchlichkeit werden von Friedrich von Borries und dem österreichischen Filmemacher Jakob Brossmann in begleitenden Filmen reflektiert. Eine vom Berliner Künstlerkollektiv Refrakt entwickelte App führt in Form eines Spiels durch die Ausstellung und stellt Exponate und Übungen vor. Darüber hinaus hält sie vertiefende Inhalte wie Filmbeiträge oder Expert*inneninterviews zur Ausstellung bereit.

Friedrich von Borries (*1974) ist Architekt und seit 2009 Professor für Designtheorie an der Hochschule für bildende Künste Hamburg (HFBK). Sein Berliner Projektbüro Friedrich von Borries agiert im Spannungsfeld von Architektur, Design, Kunst und Stadtentwicklung. 2010 kuratierte er die Ausstellung Klimakapseln. Überlebensbedingungen in der Katastrophe im MK&G.

Die Schule der Folgenlosigkeit ist eine Initiative der HFBK Hamburg in Kooperation mit dem MK&G.

Die Schule der Folgenlosigkeit wird gefördert durch die Behörde für Wissenschaft, Forschung, Gleichstellung und Bezirke der Freien und Hansestadt Hamburg (BWFGB), die Hamburg Open Online University (HOOU), die Friede Springer Stiftung, die Kursbuch Kulturstiftung sowie die Leinemann Kunststiftung Nikolassee und unterstützt von der Hamburg Innovation GmbH. Weitere Partnerinnen sind die Katholische Akademie Hamburg sowie die Evangelische Akademie der Nordkirche.

Bild: Schule der Folgenlosigkeit, Filmstill, © Jakob Brossmann

In diesem Frühjahr lohnt, wenn möglich, eine Reise nach Frankfurt. Dies gilt besonders für Kenner und Liebhaber skandinavischer Landschaftsmalerei um 1900.

In der Schirn sind mehr als 80 Gemälde und viele Zeichnungen von Künstlerinnen und Künstlern aus dem Umkreis der legendären kanadischen Künstlervereinigung „Group of Seven“ zu sehen, eine Deutschland-Premiere.

Dichte Wälder in leuchtenden Herbstfarben werden gezeigt, reißende Flüsse, weite Seen, flirrende Nordlichter und atemberaubende Ansichten der Arktis. All dies ist pastos, dicht und mit breitem Pinselstrich aufgetragen.

Die Künstler der offiziell seit März 1920 bestehenden Vereinigung um Lawren Harris, James E. MacDonald, Arthur Lismer, Frederick H.Varley, Frank Carmichel, Frank Johnston und Alexander Y. Jackson wollten mit ihrer Malerei die Schönheit und Einzigartigkeit Kanadas auf ganz eigene Weise feiern – und zugleich pädagogisch wirksam sein.

Sie kannten einander schon länger. Einige der zumeist aus England stammenden und oft noch in Europa ausgebildeten Männer hatten in Toronto gemeinsam als Werbegrafiker gearbeitet. An den Wochenenden war man zum Skizzieren in die Wälder und an die Seen Northern Ontarios aufgebrochen, wo man theosophisch angehaucht im Geiste Ralph Waldo Emersons oder Henry David Thoreaus in der Natur zeltete, fischte und malte. Häufig mit von der Partie war der bereits 1917 unter mysteriösen Umständen ertrunkene Ranger und Künstler Tom Thomson, der gern als der Spiritus Rector der Gruppe bezeichnet wird.

Auf der Suche nach künstlerischer Unabhängigkeit von Europa, nach Ausdrucksmöglichkeiten für eine eigenständige kanadische Malerei jenseits akademischer Traditionen war den Malern noch vor Beginn des 1. Weltkriegs eine Ausstellung zeitgenössischer skandinavischer Kunst zum Schlüsselerlebnis geworden.

In Buffalo, New York, hatten Lawren Harris und James E. MacDonald 1913 Gemälde von Otto Hesselbom, Gustaf Fjaestad, Harald Sohlberg oder Jens F. Willumsen gesehen. Die symbolische Strahlkraft der oft mystisch aufgeladenen Landschaften und die leuchtenden Farben der Bilder hatten sie tief beeindruckt: Hier waren sie auf Maler gestoßen, die sich nicht nur mit ähnlichen topographischen und klimatischen Gegebenheiten auseinanderzusetzen hatten, sondern zugleich aus ähnlich nationalromantischem Geist heraus arbeiteten. Viele Jahre später sagte MacDonald: „We felt: This is what we want to do with Canada“.

Und so erscheinen, wie bei den nordeuropäischen Zeitgenossen, auch in den stilistisch sehr unterschiedlichen Gemälden der „Group of Seven“ Seen, Felsen oder Eisberge nicht nur als Abbild der Realität, sondern – getragen von einem gemeinsamen Ideal – beinahe plakativ als Symbole für die Schönheit und Größe Kanadas (Peter Mellon, 1970).

Tatsächlich sollten die Gemälde der „Group of Seven“ die kulturelle Identität der noch jungen kanadischen Nation entscheidend prägen, nicht zuletzt dank baldiger Unterstützung durch die National Gallery of Canada. Eine rege, auch internationale Ausstellungstätigkeit setzte ein, brachte Bekanntheit und Anerkennung. Bis weit in die 1950er Jahre hinein dominierten Gemälde-Reproduktionen die Klassenzimmer des riesigen Landes, Postkartensätze waren im Umlauf. Künstlerinnen und Künstler wie die später sehr bedeutende Emily Carr, die sich in die „Wildnis“ zurückzog um Relikte indigener Kulturen an der Westküste Kanadas zu dokumentieren, wurden durch die „Group of Seven“ inspiriert, deren Mitglieder sich auch als Lehrer, Schreiber und Speaker hervortaten.

Nachfolgende Künstlergenerationen versuchten, den Blick auf Land und Leute zu weiten. In Frankfurt stellen Fotos, Dokumente und Dokumentarfilme die in Kanada omnipräsenten Ikonen in einen angemessenen Kontext, der die in den Bildern konstruierte Darstellung Kanadas hinterfragt und auch Positionen indigener Kritik integriert.

„Magnetic North. Mythos Kanada in der Malerei 1910-1940“, Schirn Kunsthalle, Frankfurt. Die Ausstellung soll bis zum 16. Mai zu sehen sein. Es ist ein umfangreiches (Online-) Begleitprogramm geplant. Der Katalog zur Ausstellung erscheint im Prestel Verlag (49 Euro). In Kanada finden sich bemerkenswerte Bestände in der National Gallery of Canada (Ottawa), der Art Gallery of Ontario (Toronto) und der McMicheal Canadian Art Collection (Kleinburg). Nur eine Handvoll Gemälde befindet sich heute noch in Privatbesitz. Zum 100jährigen Bestehen der „Group of Seven“ wurden im vergangenen Jahr eine Vielzahl touristischer Angebote initiiert (siehe z.B. northernontario.travel).

Anette Froesch

Das Museum Kunst der Westküste konnte seine Sammlung in den vergangenen fünf Jahren um mehr als 200 bedeutende neue Werke, darunter Erwerbungen ebenso wie Dauerleihgaben und Zustiftungen, erweitern. Mit der Konzentration auf Malerei und Grafik, die unter dem Generalthema „Meer & Küste“ in den vier Ländern Norwegen, Dänemark, Deutschland und in den Niederlanden zwischen 1830 und 1930 geschaffen wurden, versammelt die weltweit singuläre und sehr homogene Kollektion damit aktuell über 900 Arbeiten. Auch internationale zeitgenössische Kunst, die demselben Themenspektrum verpflichtet ist, spielt eine wichtige Rolle.

In der Ausstellung tritt eine Auswahl der „neuen Schätze“ in Verbindung mit Werken, die bereits länger zum Sammlungsbestand gehören. Die Zusammenstellung vermittelt, wie bedeutende Sammlungsschwerpunkte weiter ausgebaut werden konnten. Großen Raum nehmen Gemälde und Ölskizzen des deutschen Impressionisten Max Liebermann ein. Farbintensive Nordsee- und Hafendarstellungen von Erich Heckel bringen expressionistische Kompositionen ein. Neben den Skagen-Malern Michael Ancher und Christian Krohg sind Künstler aus Nordfriesland wie Hans Peter Feddersen und Emil Nolde mit eindrucksvollen Landschaftsdarstellungen vertreten.

Monumentale Gemälde von Jochen Hein zeigen im Bereich der Gegenwartskunst die unerschöpflichen Möglichkeiten, die die Gattung Malerei rund um das Thema Meer bereithält. Fotoarbeiten der Artists in Residence Mila Teshaieva und Anja Jensen befragen die insulare „Heimat“ neu.

Seit 2010 lädt das Museum Kunst der Westküste aktiv Künstlerinnen und Künstler als Artists in Residence nach Alkersum ein. Die Schau zeigt erstmals in einer Gruppenausstellung eine Auswahl von Arbeiten, die während oder im Prozess der Vor- oder Nachbereitung solcher Aufenthalte entstanden sind und überwiegend zum ersten Mal öffentlich präsentiert werden. Internationale Kunstschaffende, deren bisheriges Werk eine Verbindung zum Museumsprofil aufweist, erhalten auf Einladung die Möglichkeit zu einem Inspirations- und Arbeitsaufenthalt auf der Insel Föhr. Bislang konnten 24 internationale Artists in Residence begrüßt werden.

Die Ausstellung, die unter dem Titel „Made on Föhr“ den Auftakt einer neuen Reihe bildet, konzentriert sich in diesem Jahr auf künstlerische Positionen, die sich seit Jahrzehnten mit dem Medium Fotografie beschäftigen und auf Föhr den Fokus auf das Thema Landschaft gelegt haben. In der Herangehensweise, der inhaltlichen Konzeption und Wahrnehmung der Nordseeinsel erweisen sich die drei Positionen als vollkommen eigenständig und zugleich stringent in ihrem jeweiligen eigenen bisherigen Schaffen.

Mit Nicole Ahland, geb. 1970, und Thomas Wrede, geb. 1963, stehen zwei in Deutschland lebende Künstler, der finnischen, in Paris und Helsinki lebenden Elina Brotherus, geb. 1972, gegenüber.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog, den Sie hier bestellen können.

Bild oben: Thomas Wrede: Früher Morgen bei den Korallenmoosinseln, 2016, Museum Kunst der Westküste, Alkersum/Föhr © Courtesy of the artist / VG Bild-Kunst, Bonn 2021

Wie kann Wind sichtbar gemacht werden? Lässt sich das Element Luft darstellen? Wie kann fotografisch eingefangen werden, was sich vom menschlichen Auge für gewöhnlich nicht erfassen lässt?

Der in Amsterdam lebende Künstler Sjoerd Knibbeler (* 1981) beschäftigt sich mit komplexen Naturphänomenen. Ausgangspunkt ist sein Interesse an der Entdeckung der Welt durch menschliche Fantasie, an Erfindungen und Technologien. Jeder seiner Werkkomplexe setzt akribische Naturbeobachtungen, Experimente und den Austausch mit Wissenschaftler*innen voraus. Auf dieser Grundlage entstehen verschiedenartige Modelle, durch die flüchtige Momente – sei es ein Windstoß oder ein Sonnenstrahl – erfahrbar werden. Im Medium Fotografie lässt Sjoerd Knibbeler die gleichsam unsichtbaren Naturprozesse schließlich in ästhetisch ausgefeilten Bildern sichtbar werden und lädt zur inhaltlichen Auseinandersetzung ein.

Die Ausstellung umfasst schwerpunktmäßig Werke der Serien Current Studies, Exploded Views und In Elements. Bereits im Jahr 2017 war der Künstler als Artist in Residence des MKdW ausgewählt worden. Der Aufenthalt auf der Insel Föhr bildete den Auftakt zur jüngsten Serie Exploded Views, die jetzt erstmals umfangreich gezeigt wird. Im Sommer 2020 suchte Knibbeler die Insel erneut auf, um sich thematisch dem Klimawandel zuzuwenden und mögliche menschliche Interventionen künstlerisch zu durchdenken. Die daraus hervorgegangenen Werke In Elements werden ebenfalls in dieser Einzelausstellung, die seine erste museale Schau in Deutschland ist, gezeigt.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog, den Sie hier bestellen können.

Bild oben: Sjoerd Knibbeler. Current Study #2, 2013. UltraChrome print, framed without glass, 120 x 96 cm. © Courtesy of the artist

2021 feiert der in Kiel geborene und in Kleinflintbek bei Kiel lebende Maler Peter Nagel seinen 80. Geburtstag. Aus diesem Anlass präsentiert die Stadtgalerie Kiel in einer umfassenden Retrospektive das vielfältige und facettenreiche Œuvre eines Künstlers, der bereits zu Beginn der 1970er Jahre zu den wichtigsten deutschen Protagonisten eines neuen Realismus in der Malerei zählte. Erweitert wird der Blick um über 50 künstlerische Positionen ehemaliger Studierender der Klasse Peter Nagel, die in einer begleitenden Studioausstellung als Gäste gezeigt werden.

Zum Ende seines Studiums an der Hochschule für Bildende Künste in Hamburg (1960-1965) wurde Peter Nagel Mitbegründer der Künstlergruppe »ZEBRA«. Dem seinerzeit in einem Manifest postulierten Ziel, sich von der damals dominierenden Tendenz zur Abstraktion abzukehren und deren formale Errungenschaften in einen neuen Realismus zu überführen, ist Peter Nagel bis heute treu geblieben. Dabei hat er seine Grundaussagen immer wieder an die neuen und sich ständig verändernden Bildwelten der heutigen Gesellschaft angeglichen.

Nach einem Studienaufenthalt 1966 in London, den ihm die Studienstiftung des Deutschen Volkes ermöglichte, wurde er 1969 mit dem Kunstpreis der Deutschen Akademie in Rom ausgezeichnet. Seine Verbindung mit Italien sollte von Dauer sein: 1976 erhielt er ein Stipendium in der Villa Massimo und war 1981 Ehrengast der Deutschen Akademie in Rom. An diese Zeit knüpfen Aufenthalte in Florenz als Gastkünstler der Villa Romana 1994 und 1996 an.

Neben dem Kulturpreis der Landeshauptstadt Kiel (1977) erhielt Peter Nagel unter anderem den Preis der 50. Landesschau des BBK Schleswig-Holstein (2004) und wurde 2011 mit dem Verdienstorden des Landes Schleswig-Holstein ausgezeichnet. Über den Zeitraum der Präsidentschaft Schleswig-Holsteins im Bundesrat stellte Peter Nagel 2019 eine Auswahl seiner Werke in Berlin aus.

Von 1985 bis 2004 war Peter Nagel Professor für Malerei an der Muthesius Kunsthochschule Kiel. Werke Peter Nagels befinden sich seit den sechziger Jahren in vielen öffentlichen und privaten Sammlungen. Zu seinen bekanntesten Arbeiten im öffentlichen Raum zählt das 1976 / 1977 entstandene Deckengemälde im Bildungszentrum Kiel-Mettenhof.

Begleitend zu der Ausstellung in der Stadtgalerie Kiel erscheint eine umfangreiche Monografie zum Werk Peter Nagels, die durch die dankenswerte finanzielle Unterstützung des Landes Schleswig-Holstein realisiert werden konnte. Unter dem Titel »Klasse: Peter Nagel« stellt das Heft Nr. 45 in der Reihe »Ars Borealis« der Sparkassenstiftung Schleswig-Holstein ehemalige Studierende der Malereiklasse von Peter Nage an der Muthesius Kunsthochschule vor.

Der Katalog »Peter Nagel. 60 Jahre Malerei« ist für 25 Euro – Mitglieder des Fördervereins der Stadtgalerie Kiel e.V. erhalten die Publikation ermäßigt für 20 Euro – über die Stadtgalerie Kiel zu beziehen.

Gäste:

Michael Arp, Julia Bornefeld, Shahin Charmi, Juliane Ebner, Anna Eisermann, Menno Fahl, Philine Fahl, Reinhard Finke, Johanna Freise, Nicolas Freitag, Jörg Frenzel, Gehrd Grothusen, Regine Haack, Nina Heinzel, Jan Helbig, Sandra Hermannsen, Karin Hilbers, Uta Hoepner-Neutze, Kathrin Hoffmann, Antje Hubert, Iris Hurthe-Freitag, Anja Jensen, Kai Jetter, Vivian Kahra, Barbara Kirsch, Birthe Kleiter, Felicitas Koch, Cora Korte, Suscha Korte, Anna Krammig, Martin Kunau, Ulrich Kunau, Christine Leuschner, Kerstin Mempel, Susanne Nothdurft, Kersten Paulsen, Katrin Pieczonka, Susanne Pomerance, Paul Pretzer, Hans-Hinnerk Rohde, Sven Rudolph, Eva Scheide, Iris Schomaker, René Schoemakers, Nana Schulz, Julia Slodowicz, Anne Staszkiewicz, Anna Lena Straube, Maren Theel, Jekaterina Werner, Svenja Wetzenstein, Yeyun Zhang.

Text: Stadtgalerie Kiel, Bild: Peter Nagel. Kunstbetrachtung II, c VG-Bild-Kunst, Bonn 2021.

Kunstvoll eingedrehte Wäscheknäule, gefertigt aus Keramik, die an die Arbeit von Wäscherinnen denken lassen. Oder Geschirrhandtücher mit Stickereien, dessen quadratische Konturen QR-Codes mit Sinnsprüchen zeigen. Objekte, Installationen und Gewebebilder der Künstlerin Anke Müffelmann spielen mit Unsichtbarkeiten und Erinnerungen, mit gesellschaftlichen Codierungen und Verhaltensmustern.

Das Wenzel-Hablik-Museum zeigt eine umfassende Auswahl von Werken der 1963 geborenen Kieler Künstlerin, die in Kiel, Porto und Oslo studiert hat. 2018 wird sie Landesschaupreisträgerin des BBK Schleswig-Holstein und zählt heute zu den wichtigsten Keramikkünstlerinnen des Landes.

Für die Itzehoer Schau setzt sich Anke Müffelmann künstlerisch mit den Werken des Künstlerpaares Wenzel-Hablik und Elisabeth Hablik-Lindemann auseinander. Vor allem der Musterschatz und die Vielfalt der Webprodukte der Handweberei Hablik-Lindemann inspirierten sie. Das Arbeitsfeld der Handarbeit untersucht die Künstlerin bereits seit einigen Jahren. Sie interessiert sich dabei für feministische und gesellschaftliche Themen und richtet zudem ihr Augenmerk immer wieder auf Erinnerungskultur. Die Rauminstallation »Gewebe Ausgrabungen« spielt mit dem »unsichtbaren Archiv« von heute noch in Privatbesitz verborgenen Webstücken der Itzehoer Handweberei und ihrer Wirkung in die Gegenwart. Für ihr Rechercheprojekt hat Anke Müffelmann einen Teil der gefundenen Gewebemuster auf keramische Objekte übertragen und so neu interpretiert. Es öffnet sich ein Erinnerungsraum für die Bedeutung und Schönheit von Handarbeit als Material und Herstellungsprozess. Gezeigt werden rund 55 Objekte und Werkgruppen. Neben Arbeiten, die in den letzten Jahrzehnten entstanden sind, werden in der Ausstellung neue Werke von Anke Müffelmann erstmalig präsentiert.

Die aktuelle Sonderausstellung im Schloss vor Husum zeigt Werke des im Januar verstorbenen Künstlers Dietmar Büttner. Dietmar Büttner war Maler und Plastiker und stellte doch das Medium Grafik in das Zentrum seiner künstlerischen Arbeit. Seit den 1970er Jahren druckte er seine Bilder oft auf großformatige Papiere und Leinwände und überwand so einmal mehr die überkommenen Gattungsgrenzen.

Zu einer entscheidenden Zäsur fand Büttner als er u.a. mit Wellpappe druckte. Momente des Optisch-Präsenten wie des nicht mehr Greifbaren und dennoch Räumlich-Bezogenen bestimmten sein späteres Schaffen. Das klassische Bildgeviert wurde des Öfteren in trapezförmige oder kreisrunde, vielfach gebogene Formen überführt. Schildformen ermöglichten zudem Bodeninstallationen. Es sind dies Arbeiten, die sich aus einem Zwischenbereich heraus ereignen. Als solche lösen sie einen starken optischen Eindruck aus, sind jedoch, was die Bildwirkung anbelangt, in ihrem Erscheinungsbild nicht länger kontrollierbar.

Dietmar Büttner wurde 1939 in Chemnitz geboren und studierte zwischen 1960 und 1965 an der Dresdner Kunstakademie, wo er später auch als Dozent unterrichtete. Auf Grund politischer Schwierigkeiten verließ er 1984 mit seiner Frau, der Malerin Astrid Büttner, und seinem Sohn die DDR und zog zunächst nach Karlsruhe, bevor sich das Künstlerpaar 1999 im schleswig-holsteinischen Satrup endgültig niederließ. Dort betrieben sie zeitweise auch eine eigene Galerie.

Vom 20. März bis 5. September 2021 zeigt die Kunsthalle zu Kiel eine monografische Ausstellung zum Werk des Malers Albert Aereboe (Lübeck, 1889–1970). Aereboe ist im Kunst- und Ausstellungsgeschehen weitgehend unbekannt geblieben. Erstmals seit fast 40 Jahren präsentiert Zauber der Wirklichkeit. Der Maler Albert Aereboe als Schwerpunkt seine künstlerisch fruchtbarste Phase von 1914 bis 1930, in der neben eindringlichen Porträts und raffiniert arrangierten Stillleben magisch anmutende Szenerien entstehen. Vor allem seine dem Jugendstil und der Neuen Sachlichkeit verpflichteten Bilder üben eine nachhaltige Faszination aus. Darüber hinaus beleuchtet die Ausstellung auch mittels Archivalien, Fotografien und Dokumenten aus Privatbesitz die künstlerische Entwicklung Aereboes und gibt einen Ausblick auf seine letzten Lebensjahre.

Die Kunsthalle hat Werke von Aereboe bereits zu Lebzeiten des Künstlers erworben, darunter auch sein rätselhaftes Hauptwerk, das großformatige Tafelbild Der Einsiedler (1927). Davon ausgehend versammelt die Ausstellung rund 60 hochrangige, zum Teil selten gezeigte Leihgaben aus musealem und privatem Besitz und lädt dazu ein, sich auf die Spuren dieser aufs Neue zu entdeckenden Künstlerpersönlichkeit zu begeben.

Albert Areboe

Albert Aereboe wird am 31. März 1889 in Lübeck geboren. Sein Vater, Carl Aereboe, ist lutherischer Diakon und Pastor am Dom zu Lübeck, seine Mutter, Lina Aereboe, geborene Pohrt, entstammt einer wohlhabenden Kaufmannsfamilie aus Riga. Albert Aereboe ist bereits im Kindesalter fasziniert von der Architektur und den Kunstschätzen des Lübecker Doms. Insbesondere der Passionsaltar von Hans Memling hinterlässt einen tiefen Eindruck.

Nach einer Ausbildung als Kirchendekorationsmaler in Berlin zieht Aereboe zurück nach Lübeck und besucht dort eine private Kunstschule. Von 1912 bis 1916 studiert er Malerei an der Münchener Akademie der Bildenden Künste. Nach dem Kriegsdienst als Infanterist stellt Aereboe zunächst freischaffend in Lübeck aus und präsentiert 1919 in einer Hamburger Galerie seine Arbeiten in einer ersten Einzelausstellung. In demselben Jahr wird dem Künstler die Leitung der Klasse für Dekorative Malerei an der Staatlichen Kunstgewerbeschule in Kassel angeboten, an der ihm 1923 schließlich der Professorentitel verliehen wird. Hier lernt er die Bremer Künstlerin und seine zukünftige Frau Julie Katz kennen, die die Klasse für Textiles leitet und dort ebenfalls ihre Professur erhält.

Mit dem Ziel, sich auf die eigene Kunst zu konzentrieren, beschließt das Künstlerpaar 1925 die Lehrtätigkeit aufzugeben und nach Sylt zu ziehen. Im März 1927 verstirbt Julie Aereboe-Katz unerwartet. Den plötzlichen Verlust der Gefährtin greift Albert Aereboe in seinen Gemälden auf, die vielfach von Verlust, Veränderung, Vergänglichkeit und Tod erzählen. In dieser Zeit entsteht sein bedeutendstes Gemälde: Der Einsiedler (1927) wird mit weiteren Werken des Künstlerpaares erstmals im Dezember desselben Jahres im Lübecker Schabbelhaus ausgestellt. Die neusachliche Werkphase, die er seit 1924 konsequent verfolgt hat, gibt er Ende der 1920er Jahre auf.

Nach dem Verkauf seines Hauses siedelt Aereboe 1939 von Sylt nach Berlin über. Während des Zweiten Weltkrieges verliert er nicht nur seine Wohnung und das Atelier, sondern auch viele seiner Werke sowie nahezu den gesamten künstlerischen Nachlass seiner Frau. Sein künstlerisches Werk und auch die Arbeitssituation im Nationalsozialismus bleiben bis heute unklar. Von 1943 bis 1958 lebt und arbeitet Aereboe erneut auf Sylt. 1959 bezieht der Künstler eine kleine Atelierwohnung in Lübeck und bestreitet seinen Lebensunterhalt von Auftragsporträts und Malunterricht. Am 6. August 1970 stirbt Aereboe in Lübeck und wird auf eigenen Wunsch auf Sylt beigesetzt.

Unter anderem aufgrund der ländlichen Abgeschiedenheit, in der er sich viele Jahre auf Sylt befindet, bleibt ihm die große Aufmerksamkeit der kulturell interessierten Öffentlichkeit verwehrt. Zudem übersteht ein Großteil seiner Werke den Krieg nicht. Auch deshalb ist der Künstler weitgehend unbekannt geblieben. Sein Facettenreichtum, die Detailtreue und Aereboes hohe kompositorische Fähigkeiten verdienen hingegen mehr Beachtung.

Der Schwerpunkt der monografischen Ausstellung liegt auf der künstlerisch bedeutendsten Phase zwischen 1914 und 1930. In dieser Zeit beginnt Aereboe mit künstlerischen Stilen zu experimentieren und entdeckt für sich schließlich die detailreiche, an der altmeisterlichen Kunst geschulten Malerei, die er selbst als „neusachlich“ bezeichnet. Es entsteht unter anderem das der Kunsthalle gehörende Hauptwerk Der Einsiedler, welches umfassend in der Ausstellung kontextualisiert wird. Obwohl Aereboe einen großen Teil seines Lebens auf Sylt verbringt, hält er die ländliche Idylle kaum in Gemälden fest. Die gezeigten Pastelle, Skizzen und Handzeichnungen sind freie Studien, die er als Inspirationsquelle für weitere Arbeiten nutzt.

Nach 1945 vollzieht Aereboe eine radikale künstlerische Wende von der Gegenständlichkeit hin zur Abstraktion. Wie viele andere deutsche Künstler*innen dieser Zeit knüpft er an die abstrakten Strömungen der Vorkriegsjahrzehnte an. Aereboes wichtigste künstlerische Referenz bilden dabei Pablo Picassos Arbeiten der 1930er Jahre.

Diese an Picasso geschulte Abstraktion gibt Aereboes künstlerische Richtung seiner letzten Lebensjahre vor und wird in Ausblicken ebenfalls in der Ausstellung thematisiert. Die Kunsthalle zu Kiel widmete dem Künstler bereits 1928 eine Ausstellung. In der Folge kam es zu ersten und wichtigen Erwerbungen für die Sammlung des Hauses: 1933 das Gemälde Blumenstrauß sowie 1936 Der Einsiedler. Die letzte umfangreiche Einzelausstellung zum Werk des Lübeckers wurde 1983 in der Kunsthalle zu Kiel gezeigt. Die Ausstellung wird von einer umfangreichen Publikation auf Deutsch und Englisch begleitet.

Bild: Albert Aereboe, Der Einsiedler, 1927, Öl auf Leinwand, 170 cm Durchmesser, © Kunsthalle zu Kiel, Foto: Sönke Ehlert

Mit Britta Hansen, Eva Koj und Anke Müffelmann präsentiert die Galerie 11 drei wichtige Positionen der KeramikKunst im Lande. Diese Ausstellung möchte Keramik in den Fokus bringen, die eben nicht unter der Kategorie Kunsthandwerk/Angewandte Kunst läuft, sondern ihren eigenen Platz im Bereich bildende Kunst längst eingenommen hat.

Alle drei Künstlerinnen sind eng mit Schleswig-Holstein verbunden. Sie sind 1960, 1962 und 1963 geboren und studierten alle drei an der heutigen Muthesius-Kunsthochschule in Kiel, sind also alle drei Muthesianerinnen.

Britta Hansen (geb. 1960) studierte außerdem Kunstgeschichte und Romanistik in Kiel und Kunst in Straßburg (F). 1987/89 erhielt sie das 1. und 2. Staatsexamen. Seit 1988 im Berufsverband Bildender Künstler, LV Schleswig-Holstein. 1991 Stipendium des Landes im Künstlerhaus Lauenburg. 2017 Kunstpreis der BBK-Landesschau, Husum.

„In meiner Arbeit verbinde ich Zeichnung, Malerei und Plastik.“, sagt Britta Hansen über ihre Arbeit. Ihre Motive stammen aus der griechischen Mythologie, ihrer Fantasie oder von alten Familienfotos. Für sie liegt der Reiz der Keramik in der Formbarkeit von plastischen Bildern. In ihrer Werkstatt entstehen Bilder aus Ton – ob für die Wand oder als dreidimensionales Objekt. Mit vielen Details und Andeutungen. Eine Entdeckungsreise für die Augen!

Eva Koj (geb. 1962) ging nach dem Studium in Kiel auf Reisen durch Südkorea (1986) und nach England in eine Glasbläserei (1989). 1992 Examen. Seit 1994 im Berufsverband Angewandte Kunst, LV Schleswig-Holstein.

„In meiner keramischen Arbeit bewege ich mich im Bereich der angewandten Kunst und Plastik. Ich fertige Gefäß-Unikate und keramische Objekte im Salzbrand-Verfahren sowie mit Seladon-Glasuren.“, so Eva Koj. Und weiter:“ Ausgehend von runden harmonischen Formen, die auf der Drehscheibe entstehen, provoziere ich Risse, Brücke und Asymmetrien, um einem vordergründigen Gefallen Widerstand zu leisten.“ Eva Koj hat einen ganz eigenen Weg gefunden, archaische Formen herzustellen ohne vordergründige Funktion. Das Gefäß wird zum Objekt, zur freien künstlerischen Form.

Seit 2007 realisieren Britta Hansen und Eva Koj gemeinsame keramische Kunstwerke: Eva Koj dreht hauchzarte Schalen und Britta Hansen zeichnet darauf in Sgraffito-Technik skurrile Wesen wie Katzen oder Hunde mit menschlichen Zügen.

Anke Müffelmann (geb. 1963) studierte in den 80ern an der heutigen Muthesius-Kunsthochschule Grafik und ging 1990 zur Kunsthochschule in Porto, Portugal. 1992 begann sie das Keramik-Studium in Kiel (Abschluss 1995). 1994 Erasmus-Stipendiatin an der Staatlichen Kunstakademie Oslo, Norwegen. Seit 1999 im Berufsverband Bildender Künstler, LV Schleswig-Holstein. 2015 Master-Abschluss Malerei in Kiel. 2018 Landesschaupreis des BBK SH, Flensburg.

Anke Müffelmann arbeitet als Keramikerin konzeptuell. Sie nimmt gesellschaftlich aufgeladene Begriffe in den Fokus ihrer Arbeiten und inszeniert über die reine kunsthandwerkliche Leistung hinaus gerne Gedankenkomplexe, die im Werktitel anklingen. Ihre Themen kreisen um Geschlechterrollen, soziale Asymmetrien und können auch eigene Erlebnisse und Erkenntnisse dokumentieren, die sie ins Künstlerische übersetzt.

Verheerende Naturkatastrophen begleiten die Menschheit seit jeher. In Kooperation mit dem LKN-SH und der Europa-Universität Flensburg zeigt das Nordfriesland Museum. Nissenhaus bis zum 28. November 2021 eine interdisziplinäre Sonderausstellung, die anhand historischer Sturmflutereignisse der letzten Jahrhunderte die verschiedenen Aspekte von Wasserkatastrophen beleuchtet und aufzeigt, welche Auswirkungen diese auf Mensch und Tier an der Küste hatten.

Große Sturmfluten brachten einen Verlust von Land und Leben mit sich. Aus diesem Grunde wurde auch das soziale und das ökonomische Leben in Mitleidenschaft gezogen. Neben eher kurzfristigen Auswirkungen wie Missernten, Hungersnöten und der Ausbreitung von Krankheiten, führten die Wasserkatastrophen aber auch langfristig zu positiven Ergebnissen: Der Deichbau und der Küstenschutz wurden modernisiert sowie die Wohnbebauung veränderte sich, die Menschen an der Küste wurden im Allgemeinen resilienter.

Die Erfahrung von Sturmfluten hat sich tief in das Bewusstsein der Küstenbewohner eingeschrieben und ist Teil ihrer kollektiven Erinnerung und Identität. In der Ausstellung schildern Zeitzeugen auf eindrückliche Weise ihre einschneidenden Sturmflut-Erlebnisse. Anhand dieser Berichte wird deutlich, wie dramatisch und existenziell diese Erfahrungen für die jeweiligen Generationen gewesen sind. Besonders die „Große Sturmflut 1962“ ist hier noch stark im kollektiven Gedächtnis verankert.

Ab Mai ergänzen neben Interaktiven Modellen, Film- und Hörstationen digitale Ausstellungsrundgänge die Ausstellung. Die unterhaltsamen Audioguides für Erwachsene und Kinder sind ebenso barrierefrei in Leichter Sprache und in Gebärdensprache sowie auf Englisch und Dänisch verfügbar. Im Sommer 2021 soll dann die Ausstellung um virtuelle Ausstellungselemente erweitert werden.

Hier finden Sie die Hygienerichtlinien des Museumsverbundes Nordfriesland.

Im Rahmen der traditionellen Ausstellungsreihe „ Kunst-im-Gutshaus“ präsentiert in einer Einzelausstellung von April 2021 bis Mai 2021 die Künstlerin Margit Buß eine Auswahl ihrer Werke in den repräsentativen Erdgeschossräumen des Gutshauses Glinde.

Wir freuen uns, dass wir gemeinsam mit dem Kunstverein Glinde und der Künstlerin trotz der schwierigen Zeiten einen Einblick in die spannende Arbeit von Margit Buß geben können. 

Ab Donnerstag, 1. April finden Sie auf dieser Seite unsere erste Online-Vernissage. In einem kurzen Rundgang können Sie die Ausstellung bewundern. In sechs kleinen Einzelsequenzen stellt Margit Buß sich spannenden Fragen zu ihren Arbeiten.

Ab dem 6. April können Sie unter 040 7100 04 15 Termine für einen Besuch vereinbaren. Voraussetzung ist ein negativer Corona-Test.

Bild: © Margit Buß, WN 401, 2020, Acryllack/Leinwand/Resin, 24×30 cm

aktuell leider geschlossen

Die Schlei, dieser 40 Kilometer lange Meeresarm der Ostsee, ist ein einmaliges, besonders wertvolles Ökosystem. Ganz am westlichen Ende der Schlei liegt der Holm, der traditionsreiche Stadtteil von Schleswig.

Bereits im Mittelalter war der Holm ein Fischerquartier. Gut 120 Fischer lebten hier noch um das Jahr 1900 – inzwischen sind es nur noch fünf Aktive. Eine Zeitenwende steht bevor: In wenigen Jahren wird es womöglich keine aktiven Berufsfischer mehr in Schleswig und an der Schlei geben.

Vor diesem Hintergrund hat Holger Rüdel eine in diesem Umfang einzigartige Bildreportage über die letzten Holmer Fischer erstellt. Dabei ist er den Fischern so nahegekommen wie kein anderer Fotograf vor ihm – zu Wasser, zu Land und aus der Luft. Im Laufe der Reportage sind weit über 10.000 Aufnahmen entstanden – und 85 der besten in dieser Ausstellung vereint.

Die Ausstellung ist nach der Erstpräsentation in Kiel voraussichtlich ab 1. Juli 2021 im Stadtmuseum Schleswig zu sehen.
Eine farbige Version der Schau befindet sich in Vorbereitung und soll parallel in Schleswig in der Nord-Ostsee Sparkasse und später an anderen Orten gezeigt werden.

Bild: Matthias Nanz aus Schleswig ist einer der letzten Berufsfischer an der Schlei. Bei seinen Fangfahrten – hier Ende April 2020 auf der Großen Breite der Schlei – sind hungrige Möwen häufige Begleiter, immer in der Hoffnung auf Fischabfälle wie in diesem Fall Innereien ausgenommener Heringe. c Holger Rüdel

Anna Mieves ist die 29. Stipendiatin der Sparkassen-Kulturstiftung Stormarn und präsentiert ab dem 10. April in Trittau ihre Abschlussausstellung.

Anna Mieves arbeitet größtenteils installativ, großformatig und raumbezogen. In ihrer Abschlussausstellung theatrum zeigt sie skulpturale Objekte, welche sich als funktionale Formen in den Ausstellungsräumen in Szene setzen oder durch die Betrachtenden in Szene gesetzt werden.

Themen wie das Fragmentarische, das Sortieren und Umordnen und die nicht lineare Erzählung beschäftigt die Künstlerin in ihrer Arbeit. Ihre Objekte weisen Schnittstellen auf, welche Verbindungen zwischen dem Raum, den anwesenden, sowie abwesenden Objekten herstellen.

Mieves verwendet unterschiedlichste Materialien wie Gips, Seife, Kunststoffe, Holz und Textilien, deren Produktionsbedingungen die Form prägen und zum Bestandteil der Erzählung werden. Neben Abdrücken und Ausschnitten tauchen in verschiedenen Maßstäben auch immer wieder Hohlformen in ihren raumgreifenden Installationen auf.

Seit 2008 waren ihre Werke in zahlreichen Ausstellungen zu sehen. Mieves erhielt u.a. 2018 das Klaus-Kröger-Atelierstipendium sowie 2019 das Residenzstipendium ‚Freiräume‘ der Schaumburger Landschaft.

Anna Mieves (*1982 in Hamburg) lebt und arbeitet in Hamburg und studierte bis 2018 Hochschule für bildende Künste in Hamburg.

Um die Ausstellung zu besuchen, melden Sie sich bitte vorab über den Buchungskalender der Galerie in der Wassermühle Trittau an!

Der einer Lehrerfamilie entstammende Claus Vahle – 1940 in Göttingen geboren – wuchs in Schleswig auf, besuchte dort das Gymnasium. Später studierte er an der Muthesius-Werkkunstschule in Kiel, an der Kunstakademie Stuttgart, an der Pädagogischen Hochschule Flensburg und an der Hochschule für Bildende Künste Berlin.

Seit 1966 ist er Mitglied im Bundesverband Bildender Künstler. Mitte der siebziger Jahre siedelte Claus Vahle mit seiner Familie nach Marne in Schleswig-Holstein um. Hier erwies sich das stille Landleben schnell als Illusion, denn bereits die Ankunft auf der Elbfähre war von Flugblättern gegen den Bau des Kernkraftwerkes Brokdorf begleitet. Idyll und Industrie liegen in Dithmarschen nahe beieinander. Und folgerichtig entdeckt Vahle hier mit dem Auge des kritischen Realisten seltsame Begebenheiten. Da stehen zum Beispiel schwarzweiße Kühe vor einem Kernkraftwerk, am Nordseestrand liegt eine Vogelleiche zwischen Strandgut, trockenes Wattenmeer wirkt wie gerissener Beton und eine Feuerstelle am Elbstrand mutet seltsam archaisch an.

„Am Anfang stehen meist unmittelbare Erlebnisse und Begegnungen. Mich interessieren zunehmend Dinge, mit denen ich täglich zu tun habe, die ich kenne. Gerade Alltägliches übt einen eigentümlichen ästhetischen Reiz auf mich aus, löst aber oft Befremdlichkeit beim Betrachter meiner Bilder aus, weil der Blickwinkel ungewohnt ist. Wesentliche Themenbereiche meiner gestalterischen Arbeit sind Landschaft und Stillleben, aber nicht als Schilderungen einer heilen Welt. Ich versuche vielmehr, realistische – und damit kritische Aussagen zur heutigen Wirklichkeit zu machen. Fotos, Skizzen und Zeichnungen vor Ort filtern bereits das Wichtige vom Zufälligen.

Größere Arbeiten entstehen nicht vor der Natur, sondern im Atelier. Bei aller Exaktheit in der Wiedergabe der sichtbaren Gegebenheiten sind fast alle Bilder Montagen. Sie haben zwar einen szenischen oder landschaftlichen Zusammenhang, sind aber konstruiert, verändern die Realität nach inhaltlichen und gestalterisch- ästhetischen Aspekten.“

Das Detlefsen-Museum zeigt 35 Arbeiten des Künstlers aus der eigenen Sammlung aus den Jahren 1980–1992.

Bild: Brokdorf Elbe, 1985, 33,5 x 45,5 cm.

Der Künstler, Jahrgang 1944, studierte nach einer Schriftsetzer-Ausbildung an der Hochschule für Bildende Künste in Hamburg (HfbK). Zunächst widmete sich Paduck den Grafischen Künsten und der Kalligraphie. Später verdiente er sich den Lebensunterhalt als Drucker mit Radierungen für die Griffelkunst oder Georg Baselitz. Heute steht im Zentrum seines Schaffens die Farbe. „Sie befähigt ihn zur Entdeckung neuer Wirklichkeiten“, charakterisiert der Kunsthistoriker Dr. Stefan Horsthemke die Bedeutung der Farbe für den Maler Uwe Paduck. Seine Bilder sind visuelle Forschungsfelder, welche das Spannungsverhältnis von Fläche und Farbe untersuchen.

Seine Werke, Radierungen, Aquarelle und Öl- und Acrylbilder wurden in zahlreichen Ausstellungen, unter anderem auch im Detlefsen-Museum und im Palais für aktuelle Kunst in Glückstadt, gezeigt.

Seit etwa zwei Jahren beschäftigt sich der Maler fast ausschließlich mit Farbe und deren Wirkung. Es werden über 20 Werke aus dieser Schaffensperiode im Studio des Detlefsen-Museums und im Foyer gezeigt. Der Maler arbeitet mit gezielten Unschärfen, mit gefärbtem Himmel, mit leichten Verfremdungen oder mit Eye-Catchern, wie sie die Fotografie kennt: Ein Getreidesilo, ein Strommast, ein Schiff oder ein leuchtendes Haus. Er selber sagt dazu:

„Das Ziel meiner Malerei ist nicht das illusionistische Abbild, sondern etwas Zwiespältiges und Gegensätzliches in einem Bild zu verschmelzen. Dieser Scheincharakter der abgebildeten Landschaft wird etwas zurückgenommen, so dass beim Betrachter eigene Gefühle und Bilder entstehen. Das gelingt in der wässrigen und fast fließenden Technik des Aquarells sehr gut.“

Das Detlefsen-Museum zeigt 20 aktuelle Arbeiten des Künstlers.

Öffnungszeiten: Dienstag bis Sonntag, 14 -17 Uhr

Ob „Gelbes Feld“, „Grüne Tonne“, „Blauer Raum“ oder „Einfach Rot“: Manche Bilder verraten schon im Titel, worum es geht: Farbe in der Kunst, Literatur und Musik ist das Thema der Sommerausstellung des Museumsberg Flensburg. Kunstwerke aus vier Jahrhunderten, streng nach Farben sortiert, erzählen von der Bedeutung, der Wirkung und der Kraft von Farbe. Ein vielfältiges Rahmenprogramm mit Lesungen und Konzerten macht Farbe sogar hörbar.

Multiple Art ist zu Gast im Kulturforum Schwimmhalle Schloss Plön! Im Fokus dieser Ausstellung stehen Multiples (Auflagenkunst) aber auch Serielle Unikate.

Unter dem Titel Tiefenrausch präsentieren 59 Künstlerinnen und Künstler über 100 Werke im Spannungsfeld von fotografischen und serigrafischen Techniken, sowie Objekten. Im Fokus der Ausstellung steht Auflagenkunst (Multiples), aber auch Serielle Unikate. Neben „klassischen“ Techniken wurden neue Medien und technische Möglichkeiten experimentell genutzt.

Die „Visual Joints des Vereins“ tauchen tief ein in vielfältige zeitgenössische künstlerische Positionen. Zusätzlich laden wir ein zum Besuch des „Kabinetts der Editionen“, einer Galerie echter Originalkunst, die in kleiner Auflage kleinformatige Werke zu kleinformatigen Preisen zeigt.

Der Titel Tiefenrausch nimmt Bezug auf den besonderen historischen Ort der Alten Schwimmhalle Plön. „Wir freuen uns sehr über die Kooperation mit dem Kulturforum Schwimmhalle Schloss Plön e.V., und danken besonders Frau Karin Wandelt (Vorsitzende) für die Gelegenheit, hier in der denkmalgeschützten Halle auszustellen,“ so der Vorsitzende des Vereins der Kunstfreunde e.V., Kiel – multiple art, Prof. Bernhard Schwichtenberg, „und hoffen, dass zahlreiche Augenmenschen diese Schau als visuelle Einstiegsdroge zum Start einer eigenen Sammlung nutzen. Die Ausstellung ist eine jurierte Präsentation, der Verein vermittelt zwischen Menschen, die Bildende Kunst lieben, kaufen und/oder sammeln und solchen,. die davon leben und zudem noch Freude an der kreativen Arbeit, am Ausstellen und am Verkaufen haben. Die beteiligten Künstlerinnen und Künstler freuen sich auf intensive Gespräche über (ihre) Kunst: Maren Allermann; Barbara Brandhorst; Juliane Buchholz; Wolfgang Buchholz; Birgit Bugdahl; Margit Buß; Maria Bussert; Ursula Dietze; Monika-Maria Dotzer; Ute Feldmann-Kopp; Holger Förster; Thekla Fuchs; Eva Fuß; Evelyn Gesen; Rainer Gröschl; Jörn Hagemann; Bernd Hamann; Miriam Stork-Hamann; Irene Heller-Janton; Hayo Heye; Karin Hilbers; Helga Hoppe; Jörg Kaminski; Christin Karbaum; Jan KB; Jörg Klinner; Jan Klose-Brüdern; Uschi Koch; Corinna Kraus-Naujeck; Heidi Krautwald; Vera Labrenz; Barbara Leonhard; Marie Luise Liebe; Renate Löding; Wolfgang Meyer-Hesemann; Anke Müffelmann; Hanne Nagel-Axelsen; Peter Nagel; Margit Niemann; Brigitte Neureuther; Nicole Oestreich; Anders Petersen; Monika Rathlev; Birgit Rautenberg-Sturm; Iris Resch-Grimm; Clemens Richter; Anke Richter-Teubler; Marlies Rzadkiewicz; Sabine Rieck; Claudia Rüdiger; Barbara Schael; Rufina Schröter; Bernhard Schwichtenberg; Angela Sellschopp; Andreas Trabitzsch; Susan Walke; Daniela Wehrmeier; Wolfgang Wehrmeier; Barbara Wolf.

Auch die BesucherInnen haben das Wort: Während der Ausstellung wird unter den präsentierten Arbeiten über Stimmzettel ein Publikumspreis ermittelt. Abstimmende BesucherInnen können drei künstlerische Arbeiten über das Los gewinnen.
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Die Ausstellung wird Corona-bedingt digital begleitet

Öffnungszeiten: Di-So 14 – 18 Uhr

Veranstalter: Verein der Kunstfreunde multiple art e.V., Kiel, U. Schmitz-Bünder, Tel. 0431-541549

Anlässlich des 100. Geburtstags von Joseph Beuys zeigt die Kunsthalle zu Kiel vom 8. Mai bis 24. Oktober 2021 in einer Kabinett-Ausstellung Werke des Künstlers aus ihrem Bestand.

Beuys gilt als einer der bedeutendsten, aber auch umstrittensten Künstler des 20. Jahrhunderts. Die sogenannten Aktionen stehen im Mittelpunkt seiner Arbeit. Dennoch nehmen die vielzähligen Multiples eine besondere Stellung in seinem Gesamtwerk ein. Es handelt sich dabei um kleine, in hohen Auflagen hergestellte und preiswerte Kunstobjekte. Bis zu seinem Tod stellt er über 550 Serien von Multiples her. Ganz im Sinne einer Demokratisierung der Kunst sieht er in solchen Auflagenwerken eine geeignete Möglichkeit, ein größeres Publikum erreichen und diesem seine Anschauungen näherbringen zu können. Im Bestand der Kunsthalle befinden sich zahlreiche Multiples und Druckgrafiken sowie mehrere Foto-Editionen von Joseph Beuys.

In der Ausstellung werden rund 35 Arbeiten präsentiert, unter anderem wichtige Multiples wie die Rose für direkte Demokratie (1973), Kunst = Kapital (1980) und Rhein Water Polluted (1981). Auch grafische Blätter wie die Serie Spur I (1974) sind zu sehen. Die Fotografien Output (1978) von Werner Krüger zeigen Beuys in Aktion und erzählen zugleich von der Selbstinszenierung des Künstlers in Filzhut und Anglerweste.

Am 12. Mai 1921 als Sohn eines Kaufmanns in Krefeld geboren, wächst Joseph Beuys zunächst im dörflichen Kleve auf. Schon während seiner Schulzeit ist er beeindruckt von den Werken Edvard Munchs, Auguste Rodins und William Turners. Mit 20 Jahren meldet sich Beuys freiwillig zur Luftwaffe der Wehrmacht und wird als Bordfunker ausgebildet.

Während dieser Zeit wächst in ihm bereits der Wunsch, Künstler zu werden, und er fertigt erste Skizzen und Zeichnungen an. Sein Flugzeugabsturz 1944 über der Krim und seine Erzählung über die Rettung durch die Tataren, die ihn mit Filz und tierischem Fett gesund pflegen, werden zum Mythos. Auf Fett und Filz greift er in seinem Schaffen später immer wieder zurück. 1947 beginnt er das Studium der Monumentalbildhauerei bei Joseph Enseling und Ewald Mataré an der Staatlichen Kunstakademie Düsseldorf. Als Meisterschüler von Mataré entwickelt Beuys 1951 schließlich seine eigenen Techniken und Ausdrucksformen. Nur zehn Jahre später wird Beuys zum Professor für Monumentale Bildhauerei an der Düsseldorfer Kunstakademie ernannt.

Entgegen seiner eigenen Aussage „Ich habe nichts mit Politik zu tun – ich kenne nur Kunst“ werden seine Arbeiten und sein Handeln zunehmend politisch. Er wird Mitbegründer der Grünen, strebt eine Überwindung der „Parteiendiktatur“ an und gründet die „Organisation für direkte Demokratie durch Volksabstimmung“. Mit seinem vielfältigen Engagement schafft er sich damit Möglichkeiten zur Vermittlung seines erweiterten Kunstbegriffs und nutzt seine Ausstellungen, Aktionen und Vorträge zur Propagierung seiner radikal demokratischen Vorstellungen. Ab 1964 nimmt Beuys regelmäßig an der documenta in Kassel teil und richtet hier 1972 ein Informationsbüro anstelle der Präsentation eines Kunstwerks ein, um mit den Besucher*innen in einen gesellschaftspolitischen Diskurs über direkte Demokratie zu treten. 1976 stellt Beuys zum ersten Mal auf der Biennale in Venedig aus und erhält 1979 als erster deutscher Künstler eine Retrospektive im Solomon R. Guggenheim Museum in New York. Es folgen weitere umfassende Einzelausstellungen u.a. in der Nationalgalerie von Australien, 1982 und im Seibu Museum of Art in Tokio, 1984. Joseph Beuys erliegt am 23. Januar 1986 einer Lungenerkrankung in Düsseldorf.

Mit dem Satz „Jeder Mensch ist ein Künstler“ (1968) wollte Beuys alle Menschen in der Gesellschaft ansprechen und verdeutlichen, dass jede Person in der Lage ist, die Gesellschaft mitzugestalten. Er war ein Künstler, der mit der Kunst das Leben zu verändern versuchte und den Kunstbegriff neu formen wollte. Dieser „erweiterte Kunstbegriff“ führte Beuys zur Theorie der „Sozialen Plastik“: Die Kunst bezeichnet nicht mehr nur das materielle Objekt an sich, sondern umfasst auch den Prozess des kreativen Denkens und Handelns des Menschen. Beuys´ Überzeugung war, dass der Mensch dazu befähigt ist, durch eigene Schaffensprozesse zum Wohl der Gemeinschaft beizutragen und die Gesellschaft positiv zu verändern.

Bild: Joseph Beuys, Kunst = Kapital, 1980, Siebdruck auf Schiefertafel in Holzrahmen, 32 x 44 x 0,9 cm, © VG Bild-Kunst, Bonn 2021 / Kunsthalle zu Kiel, Foto: Martin Frommhagen.

Um die Produktion von Kunst und kulturellen Angeboten auch unter Corona Bedingungen zu ermöglichen, veranstaltet die Flensburger Robbe & Berking Werft in diesem Jahr auf 1.800 m2 Ausstellungsfläche eine zweite Auflage von KUNST SCHAFFEN. Die teilnehmenden Künstlerinnen und Künstler kommen aus Dänemark, England und ganz Deutschland. Viele von Ihnen werden für die Dauer der Ausstellung Atelier und Werkstatt in die Werft verlegen und vor Ort arbeiten. Mit dieser ungewöhnlich großen Vielfalt an Arbeiten will KUNST SCHAFFEN 2021 erneut einen kleinen Überblick über das Kunstgeschehen auch und gerade zu Corona Zeiten präsentieren.

Zum umfangreichen Sicherheits- und Hygienekonzept der Werft gehören wie schon im vergangenen Jahr u.a. weiße Stoffhandschuhe und erstmalig wird während der gesamten Ausstellungsdauer ein Corona Testmobil für unsere Besucherinnen und Besucher zur Verfügung stehen.

Die Liste der fast 80 teilnehmenden Künstler*innen liest sich wie ein kleines who is who:

Friedel Anderson www.kunstmarkt.com/pages/prz/show_praesenz.html
Karin Bablok  www.karinbablok.de
Otto Beckmann  otto-beckmann.de
Falko Behrendt de.wikipedia.org/wiki/Falko_Behrendt
Pernille Bejer  www.pernillebejer.dk
Hergen Boettcher  www.hergenboettcher.de
Heinke Böhnert  segelbild.de
Lene Bruun Kolff www.bruunkolff.com
Johannes Caspersen www.johannes-caspersen.de
Claudia Christl  www.cchristl.com
Maike Dahl  www.maikedahl.de
Karl Decker  www.decker-luebeck.de
Lucia Figueroa  www.lucia-figueroa.de
Rotraud Fischer www.rotraut-fischer.de
Karin Funke Atmer
Prof. Klaus Fußmann  www.klausfussmann.com
Frauke Gloyer  www.frauke-gloyer.de
Rainer Gröschl www.editionberlin.com
Ragna Gutschow  www.ragnagutschow.de
Prof. Friedemann Hahn  www.friedemann-hahn.de
Hanako Hahne  www.hanako-c-hahne.de/atelier.html
Clemens Heinl clemens-heinl.com
Karin Heidorn  www.pinterest.de/karinheidorn/_saved/
Hendrik Hinrichs www.hendrikhinrichs.de
Alastair Houston  www.alastairhouston.com
Maria Huls  www.maria-huls.de
Otto Jeschke www.der-blick-auf-die-kunst.de/otto-jeschke
Lena Kaapke  lena-kaapke.com/start
Ulla und Martin Kaufmann  www.ulla-martin-kaufmann.de/sprachauswahl.html
Susanne Kallenbach www.kallenbach-keramik.de
Astrid Keller www.kellerwerkstatt.de
Sven Keller sven-keller-skulpturen.de/home.0.html
Birgit Marie Kjaer  www.bmkjaer.dk
Susanne Juliette Koch  susanne-juliette-koch.de
Eva Koj  keramik-eva-koj.de
Cora Korte www.corakorte.de
Ingo Kühl  ingokuehl.com
Silke Lazarevicz  silke-schmuck.de
Rups Leiß  www.hans-ruprecht-leiss.de
Levke Leiß www.levkeleiss.de
Inke und Uwe Lerch  keramik-atlas.de/address/inke-und-uwe-lerch-keramikobjekte/
Karen Löwenstrom karen-loewenstrom.de
Ute Lübbe www.uteluebbe.de/home.html
Katrin Magens www.hinter-haus.de
Mathias Meinel www.mathiasmeinel.de
Natalia und Andreas Möller  www.weberei-hamburg.com
Gerda Moll www.adk-hamburg.de/galerie/galerie.php
Augustin Noffke  galerieacnoffke.de
Raimund Pallusseck  www.atelierpallusseck.de
Jörg Plickat www.plickat-sculpture.de/kirchenkunst.html
Ines Ramm www.inesramm.de
Wübke Rohlfs – Grigull  www.rohlfs-grigull.de
Caroline Saltzwedel   hirundo.eu/atelier/vita
Astrid Schessner  www.tat-ort.com
Heinrich Andreas Schilling  www.h-a-schilling.de
Richard Schillings  www.richard-schillings.de
Winfried Schmidt www.schmidt-malerei.de
Anja Schönmeyer  www.anja-schoenmeyer.de/aktuelles.html
Margarete Schrüfer  www.margareteschruefer.de
Tina Schwichtenberg www.tina-schwichtenberg.de
Ulrike Scriba  www.ulrikescriba.com
Alexandra Seils  www.alexandraseils.de/index.php
Gundula Sommerer www.atelier-gundula-sommerer.de
Hubert Steffe schnittstelle2.de
Ina Steinhusen inasteinhusen.de
Nikolaus Störtenbecker  de.wikipedia.org/wiki/Nikolaus_St%C3%B6rtenbecker
Uli Strempel  cyrano-schmuckdesign.de/schmuck/strempel01.html
Volker Tiemann www.volker-tiemann.de
Lise Tuxen lisetuxen.dk
Roswitha Winde – Pauls www.winde-pauls.de
Katja de Vries www.gestaltung-und-holz.de
Trude Wendelstein  www.trudewendelstein.de
Wolfgang Werkmeister www.wolfgang-werkmeister.de
Claudia Westhaus www.westhaus-schmuck.de
Susanne Westphal www.susanne-westphal.com
Jan de Weryha  de-weryha-art.de
Tatjana Wolfers www.malstatt.info/tatjana-wolfers/

Öffnungszeiten: 

Dienstag bis Sonntag 11:00 – 18:00 Uhr
Montag (außer Pfingstmontag) ist geschlossen.

Eintritt: 4 Euro

Der Kunstverein Heide e. V. präsentiert in seiner ersten Ausstellung im zweiten Corona-Jahr mit Wolfgang Groß-Freytag aus Welt/Eiderstedt einen bildenden Künstler, der anlässlich seines im letzten Jahr begangenen 70. Geburtstages in der Heider Museumsinsel eine Retrospektive seiner Arbeiten aus den letzten drei Jahrzehnten zeigt.

Wolfgang Groß-Freytag, der Meisterschüler bei Harald Duwe in Kiel war, bietet eine Auswahl von Arbeiten aus den Jahren von 1990 bis 2020 – beginnend mit (fast) fotorealistischen Arbeiten über gegenständliche Malerei bis hin zum Abstrakten. Aus Anlass seines im letzten Jahr stattgefundenen 70. Geburtstages blickt Groß-Freytag auf sein Lebenswerk zurück, das für ihn immer auch ein Spiegel der Gesellschaft war und ist und im Zeitalter der Digitalisierung neue Räumlichkeiten erschließt, in denen der Betrachter selbst zum Teil des Kunstwerkes wird. Als ein – politisch wie sozial – kritischer Künstler der Gegensätze mit unterschiedlichsten stilistischen Ansätzen, malt Groß-Freytag spontan, unter dem direkten Eindruck des Gesehenen und fängt die Dynamik des Augenblicks mit kräftigen, teils pastosen Pinselstrichen ein. Für die Arbeiten Groß-Freytags trifft somit Klimts Aussage zu, Kunst sei eine Linie um die Gedanken des Künstlers.

Im Wesentlichen geprägt sind die 1990er Jahre durch die Auseinandersetzung mit abstrakter Kunst. Politisch wurden diese Jahre bis um die Jahrtausendwende durch die Irakkriege und den Kosovokrieg geprägt. So besteht sein Werk „Blutgetränkte Erde“ tatsächlich aus in fünf Litern Blut (vom Schwein) getränkter Erde und entstand Anfang der 90ziger während des Kosovokrieges anlässlich der Massenermordung unschuldiger Zivilisten.

Als im ersten Irakkrieg vor allem Bagdad sieben Wochen lang bombardiert wurde , kam die Idee zur Arbeit „Bagdad“, bei dem in etwa 25 lasierenden Farbaufträgen, analog zur Zerstörung dieser Stadt durch die Bombardierung, die Wirklichkeit einem trüben Grau gewichen ist. Der künstlerische Wert dieser Arbeit liegt im aufwändigen Herstellungsprozess.

Neben diesen Beispielen der Auseinandersetzung mit der Gesellschaft und ihren (be)herrschenden Systemen, zeigt der Künstler aber auch abstrakte Arbeiten und expressive, teilrealistische Arbeiten, die man als „Farbexplosionen“ bezeichnen könnte und die den (Mal)Raum fast zu sprengen scheinen.

Öffnungszeiten (abhängig von den jeweils geltenden Corona-Einschränkungen):

Di–Do + So: 11.30–17.00 Uhr, Fr: 11.30–14.00 Uhr + Sa: 14.00–17.00 Uhr

Das Museum Kunst der Westküste konnte seine Sammlung in den vergangenen fünf Jahren um mehr als 200 bedeutende neue Werke, darunter Erwerbungen ebenso wie Dauerleihgaben und Zustiftungen, erweitern. Mit der Konzentration auf Malerei und Grafik, die unter dem Generalthema „Meer & Küste“ in den vier Ländern Norwegen, Dänemark, Deutschland und in den Niederlanden zwischen 1830 und 1930 geschaffen wurden, versammelt die weltweit singuläre und sehr homogene Kollektion damit aktuell über 900 Arbeiten. Auch internationale zeitgenössische Kunst, die demselben Themenspektrum verpflichtet ist, spielt eine wichtige Rolle.

In der Ausstellung tritt eine Auswahl der „neuen Schätze“ in Verbindung mit Werken, die bereits länger zum Sammlungsbestand gehören. Die Zusammenstellung vermittelt, wie bedeutende Sammlungsschwerpunkte weiter ausgebaut werden konnten. Großen Raum nehmen Gemälde und Ölskizzen des deutschen Impressionisten Max Liebermann ein. Farbintensive Nordsee- und Hafendarstellungen von Erich Heckel bringen expressionistische Kompositionen ein. Neben den Skagen-Malern Michael Ancher und Christian Krohg sind Künstler aus Nordfriesland wie Hans Peter Feddersen und Emil Nolde mit eindrucksvollen Landschaftsdarstellungen vertreten.

Monumentale Gemälde von Jochen Hein zeigen im Bereich der Gegenwartskunst die unerschöpflichen Möglichkeiten, die die Gattung Malerei rund um das Thema Meer bereithält. Fotoarbeiten der Artists in Residence Mila Teshaieva und Anja Jensen befragen die insulare „Heimat“ neu.

Seit 2010 lädt das Museum Kunst der Westküste aktiv Künstlerinnen und Künstler als Artists in Residence nach Alkersum ein. Die Schau zeigt erstmals in einer Gruppenausstellung eine Auswahl von Arbeiten, die während oder im Prozess der Vor- oder Nachbereitung solcher Aufenthalte entstanden sind und überwiegend zum ersten Mal öffentlich präsentiert werden. Internationale Kunstschaffende, deren bisheriges Werk eine Verbindung zum Museumsprofil aufweist, erhalten auf Einladung die Möglichkeit zu einem Inspirations- und Arbeitsaufenthalt auf der Insel Föhr. Bislang konnten 24 internationale Artists in Residence begrüßt werden.

Die Ausstellung, die unter dem Titel „Made on Föhr“ den Auftakt einer neuen Reihe bildet, konzentriert sich in diesem Jahr auf künstlerische Positionen, die sich seit Jahrzehnten mit dem Medium Fotografie beschäftigen und auf Föhr den Fokus auf das Thema Landschaft gelegt haben. In der Herangehensweise, der inhaltlichen Konzeption und Wahrnehmung der Nordseeinsel erweisen sich die drei Positionen als vollkommen eigenständig und zugleich stringent in ihrem jeweiligen eigenen bisherigen Schaffen.

Mit Nicole Ahland, geb. 1970, und Thomas Wrede, geb. 1963, stehen zwei in Deutschland lebende Künstler, der finnischen, in Paris und Helsinki lebenden Elina Brotherus, geb. 1972, gegenüber.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog, den Sie hier bestellen können.

Bild oben: Thomas Wrede: Früher Morgen bei den Korallenmoosinseln, 2016, Museum Kunst der Westküste, Alkersum/Föhr © Courtesy of the artist / VG Bild-Kunst, Bonn 2021

Wie kann Wind sichtbar gemacht werden? Lässt sich das Element Luft darstellen? Wie kann fotografisch eingefangen werden, was sich vom menschlichen Auge für gewöhnlich nicht erfassen lässt?

Der in Amsterdam lebende Künstler Sjoerd Knibbeler (* 1981) beschäftigt sich mit komplexen Naturphänomenen. Ausgangspunkt ist sein Interesse an der Entdeckung der Welt durch menschliche Fantasie, an Erfindungen und Technologien. Jeder seiner Werkkomplexe setzt akribische Naturbeobachtungen, Experimente und den Austausch mit Wissenschaftler*innen voraus. Auf dieser Grundlage entstehen verschiedenartige Modelle, durch die flüchtige Momente – sei es ein Windstoß oder ein Sonnenstrahl – erfahrbar werden. Im Medium Fotografie lässt Sjoerd Knibbeler die gleichsam unsichtbaren Naturprozesse schließlich in ästhetisch ausgefeilten Bildern sichtbar werden und lädt zur inhaltlichen Auseinandersetzung ein.

Die Ausstellung umfasst schwerpunktmäßig Werke der Serien Current Studies, Exploded Views und In Elements. Bereits im Jahr 2017 war der Künstler als Artist in Residence des MKdW ausgewählt worden. Der Aufenthalt auf der Insel Föhr bildete den Auftakt zur jüngsten Serie Exploded Views, die jetzt erstmals umfangreich gezeigt wird. Im Sommer 2020 suchte Knibbeler die Insel erneut auf, um sich thematisch dem Klimawandel zuzuwenden und mögliche menschliche Interventionen künstlerisch zu durchdenken. Die daraus hervorgegangenen Werke In Elements werden ebenfalls in dieser Einzelausstellung, die seine erste museale Schau in Deutschland ist, gezeigt.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog, den Sie hier bestellen können.

Bild oben: Sjoerd Knibbeler. Current Study #2, 2013. UltraChrome print, framed without glass, 120 x 96 cm. © Courtesy of the artist

Kunstvoll eingedrehte Wäscheknäule, gefertigt aus Keramik, die an die Arbeit von Wäscherinnen denken lassen. Oder Geschirrhandtücher mit Stickereien, dessen quadratische Konturen QR-Codes mit Sinnsprüchen zeigen. Objekte, Installationen und Gewebebilder der Künstlerin Anke Müffelmann spielen mit Unsichtbarkeiten und Erinnerungen, mit gesellschaftlichen Codierungen und Verhaltensmustern.

Das Wenzel-Hablik-Museum zeigt eine umfassende Auswahl von Werken der 1963 geborenen Kieler Künstlerin, die in Kiel, Porto und Oslo studiert hat. 2018 wird sie Landesschaupreisträgerin des BBK Schleswig-Holstein und zählt heute zu den wichtigsten Keramikkünstlerinnen des Landes.

Für die Itzehoer Schau setzt sich Anke Müffelmann künstlerisch mit den Werken des Künstlerpaares Wenzel-Hablik und Elisabeth Hablik-Lindemann auseinander. Vor allem der Musterschatz und die Vielfalt der Webprodukte der Handweberei Hablik-Lindemann inspirierten sie. Das Arbeitsfeld der Handarbeit untersucht die Künstlerin bereits seit einigen Jahren. Sie interessiert sich dabei für feministische und gesellschaftliche Themen und richtet zudem ihr Augenmerk immer wieder auf Erinnerungskultur. Die Rauminstallation »Gewebe Ausgrabungen« spielt mit dem »unsichtbaren Archiv« von heute noch in Privatbesitz verborgenen Webstücken der Itzehoer Handweberei und ihrer Wirkung in die Gegenwart. Für ihr Rechercheprojekt hat Anke Müffelmann einen Teil der gefundenen Gewebemuster auf keramische Objekte übertragen und so neu interpretiert. Es öffnet sich ein Erinnerungsraum für die Bedeutung und Schönheit von Handarbeit als Material und Herstellungsprozess. Gezeigt werden rund 55 Objekte und Werkgruppen. Neben Arbeiten, die in den letzten Jahrzehnten entstanden sind, werden in der Ausstellung neue Werke von Anke Müffelmann erstmalig präsentiert.

Vom 20. März bis 5. September 2021 zeigt die Kunsthalle zu Kiel eine monografische Ausstellung zum Werk des Malers Albert Aereboe (Lübeck, 1889–1970). Aereboe ist im Kunst- und Ausstellungsgeschehen weitgehend unbekannt geblieben. Erstmals seit fast 40 Jahren präsentiert Zauber der Wirklichkeit. Der Maler Albert Aereboe als Schwerpunkt seine künstlerisch fruchtbarste Phase von 1914 bis 1930, in der neben eindringlichen Porträts und raffiniert arrangierten Stillleben magisch anmutende Szenerien entstehen. Vor allem seine dem Jugendstil und der Neuen Sachlichkeit verpflichteten Bilder üben eine nachhaltige Faszination aus. Darüber hinaus beleuchtet die Ausstellung auch mittels Archivalien, Fotografien und Dokumenten aus Privatbesitz die künstlerische Entwicklung Aereboes und gibt einen Ausblick auf seine letzten Lebensjahre.

Die Kunsthalle hat Werke von Aereboe bereits zu Lebzeiten des Künstlers erworben, darunter auch sein rätselhaftes Hauptwerk, das großformatige Tafelbild Der Einsiedler (1927). Davon ausgehend versammelt die Ausstellung rund 60 hochrangige, zum Teil selten gezeigte Leihgaben aus musealem und privatem Besitz und lädt dazu ein, sich auf die Spuren dieser aufs Neue zu entdeckenden Künstlerpersönlichkeit zu begeben.

Albert Areboe

Albert Aereboe wird am 31. März 1889 in Lübeck geboren. Sein Vater, Carl Aereboe, ist lutherischer Diakon und Pastor am Dom zu Lübeck, seine Mutter, Lina Aereboe, geborene Pohrt, entstammt einer wohlhabenden Kaufmannsfamilie aus Riga. Albert Aereboe ist bereits im Kindesalter fasziniert von der Architektur und den Kunstschätzen des Lübecker Doms. Insbesondere der Passionsaltar von Hans Memling hinterlässt einen tiefen Eindruck.

Nach einer Ausbildung als Kirchendekorationsmaler in Berlin zieht Aereboe zurück nach Lübeck und besucht dort eine private Kunstschule. Von 1912 bis 1916 studiert er Malerei an der Münchener Akademie der Bildenden Künste. Nach dem Kriegsdienst als Infanterist stellt Aereboe zunächst freischaffend in Lübeck aus und präsentiert 1919 in einer Hamburger Galerie seine Arbeiten in einer ersten Einzelausstellung. In demselben Jahr wird dem Künstler die Leitung der Klasse für Dekorative Malerei an der Staatlichen Kunstgewerbeschule in Kassel angeboten, an der ihm 1923 schließlich der Professorentitel verliehen wird. Hier lernt er die Bremer Künstlerin und seine zukünftige Frau Julie Katz kennen, die die Klasse für Textiles leitet und dort ebenfalls ihre Professur erhält.

Mit dem Ziel, sich auf die eigene Kunst zu konzentrieren, beschließt das Künstlerpaar 1925 die Lehrtätigkeit aufzugeben und nach Sylt zu ziehen. Im März 1927 verstirbt Julie Aereboe-Katz unerwartet. Den plötzlichen Verlust der Gefährtin greift Albert Aereboe in seinen Gemälden auf, die vielfach von Verlust, Veränderung, Vergänglichkeit und Tod erzählen. In dieser Zeit entsteht sein bedeutendstes Gemälde: Der Einsiedler (1927) wird mit weiteren Werken des Künstlerpaares erstmals im Dezember desselben Jahres im Lübecker Schabbelhaus ausgestellt. Die neusachliche Werkphase, die er seit 1924 konsequent verfolgt hat, gibt er Ende der 1920er Jahre auf.

Nach dem Verkauf seines Hauses siedelt Aereboe 1939 von Sylt nach Berlin über. Während des Zweiten Weltkrieges verliert er nicht nur seine Wohnung und das Atelier, sondern auch viele seiner Werke sowie nahezu den gesamten künstlerischen Nachlass seiner Frau. Sein künstlerisches Werk und auch die Arbeitssituation im Nationalsozialismus bleiben bis heute unklar. Von 1943 bis 1958 lebt und arbeitet Aereboe erneut auf Sylt. 1959 bezieht der Künstler eine kleine Atelierwohnung in Lübeck und bestreitet seinen Lebensunterhalt von Auftragsporträts und Malunterricht. Am 6. August 1970 stirbt Aereboe in Lübeck und wird auf eigenen Wunsch auf Sylt beigesetzt.

Unter anderem aufgrund der ländlichen Abgeschiedenheit, in der er sich viele Jahre auf Sylt befindet, bleibt ihm die große Aufmerksamkeit der kulturell interessierten Öffentlichkeit verwehrt. Zudem übersteht ein Großteil seiner Werke den Krieg nicht. Auch deshalb ist der Künstler weitgehend unbekannt geblieben. Sein Facettenreichtum, die Detailtreue und Aereboes hohe kompositorische Fähigkeiten verdienen hingegen mehr Beachtung.

Der Schwerpunkt der monografischen Ausstellung liegt auf der künstlerisch bedeutendsten Phase zwischen 1914 und 1930. In dieser Zeit beginnt Aereboe mit künstlerischen Stilen zu experimentieren und entdeckt für sich schließlich die detailreiche, an der altmeisterlichen Kunst geschulten Malerei, die er selbst als „neusachlich“ bezeichnet. Es entsteht unter anderem das der Kunsthalle gehörende Hauptwerk Der Einsiedler, welches umfassend in der Ausstellung kontextualisiert wird. Obwohl Aereboe einen großen Teil seines Lebens auf Sylt verbringt, hält er die ländliche Idylle kaum in Gemälden fest. Die gezeigten Pastelle, Skizzen und Handzeichnungen sind freie Studien, die er als Inspirationsquelle für weitere Arbeiten nutzt.

Nach 1945 vollzieht Aereboe eine radikale künstlerische Wende von der Gegenständlichkeit hin zur Abstraktion. Wie viele andere deutsche Künstler*innen dieser Zeit knüpft er an die abstrakten Strömungen der Vorkriegsjahrzehnte an. Aereboes wichtigste künstlerische Referenz bilden dabei Pablo Picassos Arbeiten der 1930er Jahre.

Diese an Picasso geschulte Abstraktion gibt Aereboes künstlerische Richtung seiner letzten Lebensjahre vor und wird in Ausblicken ebenfalls in der Ausstellung thematisiert. Die Kunsthalle zu Kiel widmete dem Künstler bereits 1928 eine Ausstellung. In der Folge kam es zu ersten und wichtigen Erwerbungen für die Sammlung des Hauses: 1933 das Gemälde Blumenstrauß sowie 1936 Der Einsiedler. Die letzte umfangreiche Einzelausstellung zum Werk des Lübeckers wurde 1983 in der Kunsthalle zu Kiel gezeigt. Die Ausstellung wird von einer umfangreichen Publikation auf Deutsch und Englisch begleitet.

Bild: Albert Aereboe, Der Einsiedler, 1927, Öl auf Leinwand, 170 cm Durchmesser, © Kunsthalle zu Kiel, Foto: Sönke Ehlert

Verheerende Naturkatastrophen begleiten die Menschheit seit jeher. In Kooperation mit dem LKN-SH und der Europa-Universität Flensburg zeigt das Nordfriesland Museum. Nissenhaus bis zum 28. November 2021 eine interdisziplinäre Sonderausstellung, die anhand historischer Sturmflutereignisse der letzten Jahrhunderte die verschiedenen Aspekte von Wasserkatastrophen beleuchtet und aufzeigt, welche Auswirkungen diese auf Mensch und Tier an der Küste hatten.

Große Sturmfluten brachten einen Verlust von Land und Leben mit sich. Aus diesem Grunde wurde auch das soziale und das ökonomische Leben in Mitleidenschaft gezogen. Neben eher kurzfristigen Auswirkungen wie Missernten, Hungersnöten und der Ausbreitung von Krankheiten, führten die Wasserkatastrophen aber auch langfristig zu positiven Ergebnissen: Der Deichbau und der Küstenschutz wurden modernisiert sowie die Wohnbebauung veränderte sich, die Menschen an der Küste wurden im Allgemeinen resilienter.

Die Erfahrung von Sturmfluten hat sich tief in das Bewusstsein der Küstenbewohner eingeschrieben und ist Teil ihrer kollektiven Erinnerung und Identität. In der Ausstellung schildern Zeitzeugen auf eindrückliche Weise ihre einschneidenden Sturmflut-Erlebnisse. Anhand dieser Berichte wird deutlich, wie dramatisch und existenziell diese Erfahrungen für die jeweiligen Generationen gewesen sind. Besonders die „Große Sturmflut 1962“ ist hier noch stark im kollektiven Gedächtnis verankert.

Ab Mai ergänzen neben Interaktiven Modellen, Film- und Hörstationen digitale Ausstellungsrundgänge die Ausstellung. Die unterhaltsamen Audioguides für Erwachsene und Kinder sind ebenso barrierefrei in Leichter Sprache und in Gebärdensprache sowie auf Englisch und Dänisch verfügbar. Im Sommer 2021 soll dann die Ausstellung um virtuelle Ausstellungselemente erweitert werden.

Hier finden Sie die Hygienerichtlinien des Museumsverbundes Nordfriesland.

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Die Schlei, dieser 40 Kilometer lange Meeresarm der Ostsee, ist ein einmaliges, besonders wertvolles Ökosystem. Ganz am westlichen Ende der Schlei liegt der Holm, der traditionsreiche Stadtteil von Schleswig.

Bereits im Mittelalter war der Holm ein Fischerquartier. Gut 120 Fischer lebten hier noch um das Jahr 1900 – inzwischen sind es nur noch fünf Aktive. Eine Zeitenwende steht bevor: In wenigen Jahren wird es womöglich keine aktiven Berufsfischer mehr in Schleswig und an der Schlei geben.

Vor diesem Hintergrund hat Holger Rüdel eine in diesem Umfang einzigartige Bildreportage über die letzten Holmer Fischer erstellt. Dabei ist er den Fischern so nahegekommen wie kein anderer Fotograf vor ihm – zu Wasser, zu Land und aus der Luft. Im Laufe der Reportage sind weit über 10.000 Aufnahmen entstanden – und 85 der besten in dieser Ausstellung vereint.

Die Ausstellung ist nach der Erstpräsentation in Kiel voraussichtlich ab 1. Juli 2021 im Stadtmuseum Schleswig zu sehen.
Eine farbige Version der Schau befindet sich in Vorbereitung und soll parallel in Schleswig in der Nord-Ostsee Sparkasse und später an anderen Orten gezeigt werden.

Bild: Matthias Nanz aus Schleswig ist einer der letzten Berufsfischer an der Schlei. Bei seinen Fangfahrten – hier Ende April 2020 auf der Großen Breite der Schlei – sind hungrige Möwen häufige Begleiter, immer in der Hoffnung auf Fischabfälle wie in diesem Fall Innereien ausgenommener Heringe. c Holger Rüdel

Der einer Lehrerfamilie entstammende Claus Vahle – 1940 in Göttingen geboren – wuchs in Schleswig auf, besuchte dort das Gymnasium. Später studierte er an der Muthesius-Werkkunstschule in Kiel, an der Kunstakademie Stuttgart, an der Pädagogischen Hochschule Flensburg und an der Hochschule für Bildende Künste Berlin.

Seit 1966 ist er Mitglied im Bundesverband Bildender Künstler. Mitte der siebziger Jahre siedelte Claus Vahle mit seiner Familie nach Marne in Schleswig-Holstein um. Hier erwies sich das stille Landleben schnell als Illusion, denn bereits die Ankunft auf der Elbfähre war von Flugblättern gegen den Bau des Kernkraftwerkes Brokdorf begleitet. Idyll und Industrie liegen in Dithmarschen nahe beieinander. Und folgerichtig entdeckt Vahle hier mit dem Auge des kritischen Realisten seltsame Begebenheiten. Da stehen zum Beispiel schwarzweiße Kühe vor einem Kernkraftwerk, am Nordseestrand liegt eine Vogelleiche zwischen Strandgut, trockenes Wattenmeer wirkt wie gerissener Beton und eine Feuerstelle am Elbstrand mutet seltsam archaisch an.

„Am Anfang stehen meist unmittelbare Erlebnisse und Begegnungen. Mich interessieren zunehmend Dinge, mit denen ich täglich zu tun habe, die ich kenne. Gerade Alltägliches übt einen eigentümlichen ästhetischen Reiz auf mich aus, löst aber oft Befremdlichkeit beim Betrachter meiner Bilder aus, weil der Blickwinkel ungewohnt ist. Wesentliche Themenbereiche meiner gestalterischen Arbeit sind Landschaft und Stillleben, aber nicht als Schilderungen einer heilen Welt. Ich versuche vielmehr, realistische – und damit kritische Aussagen zur heutigen Wirklichkeit zu machen. Fotos, Skizzen und Zeichnungen vor Ort filtern bereits das Wichtige vom Zufälligen.

Größere Arbeiten entstehen nicht vor der Natur, sondern im Atelier. Bei aller Exaktheit in der Wiedergabe der sichtbaren Gegebenheiten sind fast alle Bilder Montagen. Sie haben zwar einen szenischen oder landschaftlichen Zusammenhang, sind aber konstruiert, verändern die Realität nach inhaltlichen und gestalterisch- ästhetischen Aspekten.“

Das Detlefsen-Museum zeigt 35 Arbeiten des Künstlers aus der eigenen Sammlung aus den Jahren 1980–1992.

Bild: Brokdorf Elbe, 1985, 33,5 x 45,5 cm.

Der Künstler, Jahrgang 1944, studierte nach einer Schriftsetzer-Ausbildung an der Hochschule für Bildende Künste in Hamburg (HfbK). Zunächst widmete sich Paduck den Grafischen Künsten und der Kalligraphie. Später verdiente er sich den Lebensunterhalt als Drucker mit Radierungen für die Griffelkunst oder Georg Baselitz. Heute steht im Zentrum seines Schaffens die Farbe. „Sie befähigt ihn zur Entdeckung neuer Wirklichkeiten“, charakterisiert der Kunsthistoriker Dr. Stefan Horsthemke die Bedeutung der Farbe für den Maler Uwe Paduck. Seine Bilder sind visuelle Forschungsfelder, welche das Spannungsverhältnis von Fläche und Farbe untersuchen.

Seine Werke, Radierungen, Aquarelle und Öl- und Acrylbilder wurden in zahlreichen Ausstellungen, unter anderem auch im Detlefsen-Museum und im Palais für aktuelle Kunst in Glückstadt, gezeigt.

Seit etwa zwei Jahren beschäftigt sich der Maler fast ausschließlich mit Farbe und deren Wirkung. Es werden über 20 Werke aus dieser Schaffensperiode im Studio des Detlefsen-Museums und im Foyer gezeigt. Der Maler arbeitet mit gezielten Unschärfen, mit gefärbtem Himmel, mit leichten Verfremdungen oder mit Eye-Catchern, wie sie die Fotografie kennt: Ein Getreidesilo, ein Strommast, ein Schiff oder ein leuchtendes Haus. Er selber sagt dazu:

„Das Ziel meiner Malerei ist nicht das illusionistische Abbild, sondern etwas Zwiespältiges und Gegensätzliches in einem Bild zu verschmelzen. Dieser Scheincharakter der abgebildeten Landschaft wird etwas zurückgenommen, so dass beim Betrachter eigene Gefühle und Bilder entstehen. Das gelingt in der wässrigen und fast fließenden Technik des Aquarells sehr gut.“

Das Detlefsen-Museum zeigt 20 aktuelle Arbeiten des Künstlers.

Öffnungszeiten: Dienstag bis Sonntag, 14 -17 Uhr

Ob „Gelbes Feld“, „Grüne Tonne“, „Blauer Raum“ oder „Einfach Rot“: Manche Bilder verraten schon im Titel, worum es geht: Farbe in der Kunst, Literatur und Musik ist das Thema der Sommerausstellung des Museumsberg Flensburg. Kunstwerke aus vier Jahrhunderten, streng nach Farben sortiert, erzählen von der Bedeutung, der Wirkung und der Kraft von Farbe. Ein vielfältiges Rahmenprogramm mit Lesungen und Konzerten macht Farbe sogar hörbar.

Anlässlich des 100. Geburtstags von Joseph Beuys zeigt die Kunsthalle zu Kiel vom 8. Mai bis 24. Oktober 2021 in einer Kabinett-Ausstellung Werke des Künstlers aus ihrem Bestand.

Beuys gilt als einer der bedeutendsten, aber auch umstrittensten Künstler des 20. Jahrhunderts. Die sogenannten Aktionen stehen im Mittelpunkt seiner Arbeit. Dennoch nehmen die vielzähligen Multiples eine besondere Stellung in seinem Gesamtwerk ein. Es handelt sich dabei um kleine, in hohen Auflagen hergestellte und preiswerte Kunstobjekte. Bis zu seinem Tod stellt er über 550 Serien von Multiples her. Ganz im Sinne einer Demokratisierung der Kunst sieht er in solchen Auflagenwerken eine geeignete Möglichkeit, ein größeres Publikum erreichen und diesem seine Anschauungen näherbringen zu können. Im Bestand der Kunsthalle befinden sich zahlreiche Multiples und Druckgrafiken sowie mehrere Foto-Editionen von Joseph Beuys.

In der Ausstellung werden rund 35 Arbeiten präsentiert, unter anderem wichtige Multiples wie die Rose für direkte Demokratie (1973), Kunst = Kapital (1980) und Rhein Water Polluted (1981). Auch grafische Blätter wie die Serie Spur I (1974) sind zu sehen. Die Fotografien Output (1978) von Werner Krüger zeigen Beuys in Aktion und erzählen zugleich von der Selbstinszenierung des Künstlers in Filzhut und Anglerweste.

Am 12. Mai 1921 als Sohn eines Kaufmanns in Krefeld geboren, wächst Joseph Beuys zunächst im dörflichen Kleve auf. Schon während seiner Schulzeit ist er beeindruckt von den Werken Edvard Munchs, Auguste Rodins und William Turners. Mit 20 Jahren meldet sich Beuys freiwillig zur Luftwaffe der Wehrmacht und wird als Bordfunker ausgebildet.

Während dieser Zeit wächst in ihm bereits der Wunsch, Künstler zu werden, und er fertigt erste Skizzen und Zeichnungen an. Sein Flugzeugabsturz 1944 über der Krim und seine Erzählung über die Rettung durch die Tataren, die ihn mit Filz und tierischem Fett gesund pflegen, werden zum Mythos. Auf Fett und Filz greift er in seinem Schaffen später immer wieder zurück. 1947 beginnt er das Studium der Monumentalbildhauerei bei Joseph Enseling und Ewald Mataré an der Staatlichen Kunstakademie Düsseldorf. Als Meisterschüler von Mataré entwickelt Beuys 1951 schließlich seine eigenen Techniken und Ausdrucksformen. Nur zehn Jahre später wird Beuys zum Professor für Monumentale Bildhauerei an der Düsseldorfer Kunstakademie ernannt.

Entgegen seiner eigenen Aussage „Ich habe nichts mit Politik zu tun – ich kenne nur Kunst“ werden seine Arbeiten und sein Handeln zunehmend politisch. Er wird Mitbegründer der Grünen, strebt eine Überwindung der „Parteiendiktatur“ an und gründet die „Organisation für direkte Demokratie durch Volksabstimmung“. Mit seinem vielfältigen Engagement schafft er sich damit Möglichkeiten zur Vermittlung seines erweiterten Kunstbegriffs und nutzt seine Ausstellungen, Aktionen und Vorträge zur Propagierung seiner radikal demokratischen Vorstellungen. Ab 1964 nimmt Beuys regelmäßig an der documenta in Kassel teil und richtet hier 1972 ein Informationsbüro anstelle der Präsentation eines Kunstwerks ein, um mit den Besucher*innen in einen gesellschaftspolitischen Diskurs über direkte Demokratie zu treten. 1976 stellt Beuys zum ersten Mal auf der Biennale in Venedig aus und erhält 1979 als erster deutscher Künstler eine Retrospektive im Solomon R. Guggenheim Museum in New York. Es folgen weitere umfassende Einzelausstellungen u.a. in der Nationalgalerie von Australien, 1982 und im Seibu Museum of Art in Tokio, 1984. Joseph Beuys erliegt am 23. Januar 1986 einer Lungenerkrankung in Düsseldorf.

Mit dem Satz „Jeder Mensch ist ein Künstler“ (1968) wollte Beuys alle Menschen in der Gesellschaft ansprechen und verdeutlichen, dass jede Person in der Lage ist, die Gesellschaft mitzugestalten. Er war ein Künstler, der mit der Kunst das Leben zu verändern versuchte und den Kunstbegriff neu formen wollte. Dieser „erweiterte Kunstbegriff“ führte Beuys zur Theorie der „Sozialen Plastik“: Die Kunst bezeichnet nicht mehr nur das materielle Objekt an sich, sondern umfasst auch den Prozess des kreativen Denkens und Handelns des Menschen. Beuys´ Überzeugung war, dass der Mensch dazu befähigt ist, durch eigene Schaffensprozesse zum Wohl der Gemeinschaft beizutragen und die Gesellschaft positiv zu verändern.

Bild: Joseph Beuys, Kunst = Kapital, 1980, Siebdruck auf Schiefertafel in Holzrahmen, 32 x 44 x 0,9 cm, © VG Bild-Kunst, Bonn 2021 / Kunsthalle zu Kiel, Foto: Martin Frommhagen.

Der Kunstverein Heide e. V. präsentiert in seiner ersten Ausstellung im zweiten Corona-Jahr mit Wolfgang Groß-Freytag aus Welt/Eiderstedt einen bildenden Künstler, der anlässlich seines im letzten Jahr begangenen 70. Geburtstages in der Heider Museumsinsel eine Retrospektive seiner Arbeiten aus den letzten drei Jahrzehnten zeigt.

Wolfgang Groß-Freytag, der Meisterschüler bei Harald Duwe in Kiel war, bietet eine Auswahl von Arbeiten aus den Jahren von 1990 bis 2020 – beginnend mit (fast) fotorealistischen Arbeiten über gegenständliche Malerei bis hin zum Abstrakten. Aus Anlass seines im letzten Jahr stattgefundenen 70. Geburtstages blickt Groß-Freytag auf sein Lebenswerk zurück, das für ihn immer auch ein Spiegel der Gesellschaft war und ist und im Zeitalter der Digitalisierung neue Räumlichkeiten erschließt, in denen der Betrachter selbst zum Teil des Kunstwerkes wird. Als ein – politisch wie sozial – kritischer Künstler der Gegensätze mit unterschiedlichsten stilistischen Ansätzen, malt Groß-Freytag spontan, unter dem direkten Eindruck des Gesehenen und fängt die Dynamik des Augenblicks mit kräftigen, teils pastosen Pinselstrichen ein. Für die Arbeiten Groß-Freytags trifft somit Klimts Aussage zu, Kunst sei eine Linie um die Gedanken des Künstlers.

Im Wesentlichen geprägt sind die 1990er Jahre durch die Auseinandersetzung mit abstrakter Kunst. Politisch wurden diese Jahre bis um die Jahrtausendwende durch die Irakkriege und den Kosovokrieg geprägt. So besteht sein Werk „Blutgetränkte Erde“ tatsächlich aus in fünf Litern Blut (vom Schwein) getränkter Erde und entstand Anfang der 90ziger während des Kosovokrieges anlässlich der Massenermordung unschuldiger Zivilisten.

Als im ersten Irakkrieg vor allem Bagdad sieben Wochen lang bombardiert wurde , kam die Idee zur Arbeit „Bagdad“, bei dem in etwa 25 lasierenden Farbaufträgen, analog zur Zerstörung dieser Stadt durch die Bombardierung, die Wirklichkeit einem trüben Grau gewichen ist. Der künstlerische Wert dieser Arbeit liegt im aufwändigen Herstellungsprozess.

Neben diesen Beispielen der Auseinandersetzung mit der Gesellschaft und ihren (be)herrschenden Systemen, zeigt der Künstler aber auch abstrakte Arbeiten und expressive, teilrealistische Arbeiten, die man als „Farbexplosionen“ bezeichnen könnte und die den (Mal)Raum fast zu sprengen scheinen.

Öffnungszeiten (abhängig von den jeweils geltenden Corona-Einschränkungen):

Di–Do + So: 11.30–17.00 Uhr, Fr: 11.30–14.00 Uhr + Sa: 14.00–17.00 Uhr

Das Museum Kunst der Westküste konnte seine Sammlung in den vergangenen fünf Jahren um mehr als 200 bedeutende neue Werke, darunter Erwerbungen ebenso wie Dauerleihgaben und Zustiftungen, erweitern. Mit der Konzentration auf Malerei und Grafik, die unter dem Generalthema „Meer & Küste“ in den vier Ländern Norwegen, Dänemark, Deutschland und in den Niederlanden zwischen 1830 und 1930 geschaffen wurden, versammelt die weltweit singuläre und sehr homogene Kollektion damit aktuell über 900 Arbeiten. Auch internationale zeitgenössische Kunst, die demselben Themenspektrum verpflichtet ist, spielt eine wichtige Rolle.

In der Ausstellung tritt eine Auswahl der „neuen Schätze“ in Verbindung mit Werken, die bereits länger zum Sammlungsbestand gehören. Die Zusammenstellung vermittelt, wie bedeutende Sammlungsschwerpunkte weiter ausgebaut werden konnten. Großen Raum nehmen Gemälde und Ölskizzen des deutschen Impressionisten Max Liebermann ein. Farbintensive Nordsee- und Hafendarstellungen von Erich Heckel bringen expressionistische Kompositionen ein. Neben den Skagen-Malern Michael Ancher und Christian Krohg sind Künstler aus Nordfriesland wie Hans Peter Feddersen und Emil Nolde mit eindrucksvollen Landschaftsdarstellungen vertreten.

Monumentale Gemälde von Jochen Hein zeigen im Bereich der Gegenwartskunst die unerschöpflichen Möglichkeiten, die die Gattung Malerei rund um das Thema Meer bereithält. Fotoarbeiten der Artists in Residence Mila Teshaieva und Anja Jensen befragen die insulare „Heimat“ neu.

Wie kann Wind sichtbar gemacht werden? Lässt sich das Element Luft darstellen? Wie kann fotografisch eingefangen werden, was sich vom menschlichen Auge für gewöhnlich nicht erfassen lässt?

Der in Amsterdam lebende Künstler Sjoerd Knibbeler (* 1981) beschäftigt sich mit komplexen Naturphänomenen. Ausgangspunkt ist sein Interesse an der Entdeckung der Welt durch menschliche Fantasie, an Erfindungen und Technologien. Jeder seiner Werkkomplexe setzt akribische Naturbeobachtungen, Experimente und den Austausch mit Wissenschaftler*innen voraus. Auf dieser Grundlage entstehen verschiedenartige Modelle, durch die flüchtige Momente – sei es ein Windstoß oder ein Sonnenstrahl – erfahrbar werden. Im Medium Fotografie lässt Sjoerd Knibbeler die gleichsam unsichtbaren Naturprozesse schließlich in ästhetisch ausgefeilten Bildern sichtbar werden und lädt zur inhaltlichen Auseinandersetzung ein.

Die Ausstellung umfasst schwerpunktmäßig Werke der Serien Current Studies, Exploded Views und In Elements. Bereits im Jahr 2017 war der Künstler als Artist in Residence des MKdW ausgewählt worden. Der Aufenthalt auf der Insel Föhr bildete den Auftakt zur jüngsten Serie Exploded Views, die jetzt erstmals umfangreich gezeigt wird. Im Sommer 2020 suchte Knibbeler die Insel erneut auf, um sich thematisch dem Klimawandel zuzuwenden und mögliche menschliche Interventionen künstlerisch zu durchdenken. Die daraus hervorgegangenen Werke In Elements werden ebenfalls in dieser Einzelausstellung, die seine erste museale Schau in Deutschland ist, gezeigt.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog, den Sie hier bestellen können.

Bild oben: Sjoerd Knibbeler. Current Study #2, 2013. UltraChrome print, framed without glass, 120 x 96 cm. © Courtesy of the artist

Vom 20. März bis 5. September 2021 zeigt die Kunsthalle zu Kiel eine monografische Ausstellung zum Werk des Malers Albert Aereboe (Lübeck, 1889–1970). Aereboe ist im Kunst- und Ausstellungsgeschehen weitgehend unbekannt geblieben. Erstmals seit fast 40 Jahren präsentiert Zauber der Wirklichkeit. Der Maler Albert Aereboe als Schwerpunkt seine künstlerisch fruchtbarste Phase von 1914 bis 1930, in der neben eindringlichen Porträts und raffiniert arrangierten Stillleben magisch anmutende Szenerien entstehen. Vor allem seine dem Jugendstil und der Neuen Sachlichkeit verpflichteten Bilder üben eine nachhaltige Faszination aus. Darüber hinaus beleuchtet die Ausstellung auch mittels Archivalien, Fotografien und Dokumenten aus Privatbesitz die künstlerische Entwicklung Aereboes und gibt einen Ausblick auf seine letzten Lebensjahre.

Die Kunsthalle hat Werke von Aereboe bereits zu Lebzeiten des Künstlers erworben, darunter auch sein rätselhaftes Hauptwerk, das großformatige Tafelbild Der Einsiedler (1927). Davon ausgehend versammelt die Ausstellung rund 60 hochrangige, zum Teil selten gezeigte Leihgaben aus musealem und privatem Besitz und lädt dazu ein, sich auf die Spuren dieser aufs Neue zu entdeckenden Künstlerpersönlichkeit zu begeben.

Albert Areboe

Albert Aereboe wird am 31. März 1889 in Lübeck geboren. Sein Vater, Carl Aereboe, ist lutherischer Diakon und Pastor am Dom zu Lübeck, seine Mutter, Lina Aereboe, geborene Pohrt, entstammt einer wohlhabenden Kaufmannsfamilie aus Riga. Albert Aereboe ist bereits im Kindesalter fasziniert von der Architektur und den Kunstschätzen des Lübecker Doms. Insbesondere der Passionsaltar von Hans Memling hinterlässt einen tiefen Eindruck.

Nach einer Ausbildung als Kirchendekorationsmaler in Berlin zieht Aereboe zurück nach Lübeck und besucht dort eine private Kunstschule. Von 1912 bis 1916 studiert er Malerei an der Münchener Akademie der Bildenden Künste. Nach dem Kriegsdienst als Infanterist stellt Aereboe zunächst freischaffend in Lübeck aus und präsentiert 1919 in einer Hamburger Galerie seine Arbeiten in einer ersten Einzelausstellung. In demselben Jahr wird dem Künstler die Leitung der Klasse für Dekorative Malerei an der Staatlichen Kunstgewerbeschule in Kassel angeboten, an der ihm 1923 schließlich der Professorentitel verliehen wird. Hier lernt er die Bremer Künstlerin und seine zukünftige Frau Julie Katz kennen, die die Klasse für Textiles leitet und dort ebenfalls ihre Professur erhält.

Mit dem Ziel, sich auf die eigene Kunst zu konzentrieren, beschließt das Künstlerpaar 1925 die Lehrtätigkeit aufzugeben und nach Sylt zu ziehen. Im März 1927 verstirbt Julie Aereboe-Katz unerwartet. Den plötzlichen Verlust der Gefährtin greift Albert Aereboe in seinen Gemälden auf, die vielfach von Verlust, Veränderung, Vergänglichkeit und Tod erzählen. In dieser Zeit entsteht sein bedeutendstes Gemälde: Der Einsiedler (1927) wird mit weiteren Werken des Künstlerpaares erstmals im Dezember desselben Jahres im Lübecker Schabbelhaus ausgestellt. Die neusachliche Werkphase, die er seit 1924 konsequent verfolgt hat, gibt er Ende der 1920er Jahre auf.

Nach dem Verkauf seines Hauses siedelt Aereboe 1939 von Sylt nach Berlin über. Während des Zweiten Weltkrieges verliert er nicht nur seine Wohnung und das Atelier, sondern auch viele seiner Werke sowie nahezu den gesamten künstlerischen Nachlass seiner Frau. Sein künstlerisches Werk und auch die Arbeitssituation im Nationalsozialismus bleiben bis heute unklar. Von 1943 bis 1958 lebt und arbeitet Aereboe erneut auf Sylt. 1959 bezieht der Künstler eine kleine Atelierwohnung in Lübeck und bestreitet seinen Lebensunterhalt von Auftragsporträts und Malunterricht. Am 6. August 1970 stirbt Aereboe in Lübeck und wird auf eigenen Wunsch auf Sylt beigesetzt.

Unter anderem aufgrund der ländlichen Abgeschiedenheit, in der er sich viele Jahre auf Sylt befindet, bleibt ihm die große Aufmerksamkeit der kulturell interessierten Öffentlichkeit verwehrt. Zudem übersteht ein Großteil seiner Werke den Krieg nicht. Auch deshalb ist der Künstler weitgehend unbekannt geblieben. Sein Facettenreichtum, die Detailtreue und Aereboes hohe kompositorische Fähigkeiten verdienen hingegen mehr Beachtung.

Der Schwerpunkt der monografischen Ausstellung liegt auf der künstlerisch bedeutendsten Phase zwischen 1914 und 1930. In dieser Zeit beginnt Aereboe mit künstlerischen Stilen zu experimentieren und entdeckt für sich schließlich die detailreiche, an der altmeisterlichen Kunst geschulten Malerei, die er selbst als „neusachlich“ bezeichnet. Es entsteht unter anderem das der Kunsthalle gehörende Hauptwerk Der Einsiedler, welches umfassend in der Ausstellung kontextualisiert wird. Obwohl Aereboe einen großen Teil seines Lebens auf Sylt verbringt, hält er die ländliche Idylle kaum in Gemälden fest. Die gezeigten Pastelle, Skizzen und Handzeichnungen sind freie Studien, die er als Inspirationsquelle für weitere Arbeiten nutzt.

Nach 1945 vollzieht Aereboe eine radikale künstlerische Wende von der Gegenständlichkeit hin zur Abstraktion. Wie viele andere deutsche Künstler*innen dieser Zeit knüpft er an die abstrakten Strömungen der Vorkriegsjahrzehnte an. Aereboes wichtigste künstlerische Referenz bilden dabei Pablo Picassos Arbeiten der 1930er Jahre.

Diese an Picasso geschulte Abstraktion gibt Aereboes künstlerische Richtung seiner letzten Lebensjahre vor und wird in Ausblicken ebenfalls in der Ausstellung thematisiert. Die Kunsthalle zu Kiel widmete dem Künstler bereits 1928 eine Ausstellung. In der Folge kam es zu ersten und wichtigen Erwerbungen für die Sammlung des Hauses: 1933 das Gemälde Blumenstrauß sowie 1936 Der Einsiedler. Die letzte umfangreiche Einzelausstellung zum Werk des Lübeckers wurde 1983 in der Kunsthalle zu Kiel gezeigt. Die Ausstellung wird von einer umfangreichen Publikation auf Deutsch und Englisch begleitet.

Bild: Albert Aereboe, Der Einsiedler, 1927, Öl auf Leinwand, 170 cm Durchmesser, © Kunsthalle zu Kiel, Foto: Sönke Ehlert

Verheerende Naturkatastrophen begleiten die Menschheit seit jeher. In Kooperation mit dem LKN-SH und der Europa-Universität Flensburg zeigt das Nordfriesland Museum. Nissenhaus bis zum 28. November 2021 eine interdisziplinäre Sonderausstellung, die anhand historischer Sturmflutereignisse der letzten Jahrhunderte die verschiedenen Aspekte von Wasserkatastrophen beleuchtet und aufzeigt, welche Auswirkungen diese auf Mensch und Tier an der Küste hatten.

Große Sturmfluten brachten einen Verlust von Land und Leben mit sich. Aus diesem Grunde wurde auch das soziale und das ökonomische Leben in Mitleidenschaft gezogen. Neben eher kurzfristigen Auswirkungen wie Missernten, Hungersnöten und der Ausbreitung von Krankheiten, führten die Wasserkatastrophen aber auch langfristig zu positiven Ergebnissen: Der Deichbau und der Küstenschutz wurden modernisiert sowie die Wohnbebauung veränderte sich, die Menschen an der Küste wurden im Allgemeinen resilienter.

Die Erfahrung von Sturmfluten hat sich tief in das Bewusstsein der Küstenbewohner eingeschrieben und ist Teil ihrer kollektiven Erinnerung und Identität. In der Ausstellung schildern Zeitzeugen auf eindrückliche Weise ihre einschneidenden Sturmflut-Erlebnisse. Anhand dieser Berichte wird deutlich, wie dramatisch und existenziell diese Erfahrungen für die jeweiligen Generationen gewesen sind. Besonders die „Große Sturmflut 1962“ ist hier noch stark im kollektiven Gedächtnis verankert.

Ab Mai ergänzen neben Interaktiven Modellen, Film- und Hörstationen digitale Ausstellungsrundgänge die Ausstellung. Die unterhaltsamen Audioguides für Erwachsene und Kinder sind ebenso barrierefrei in Leichter Sprache und in Gebärdensprache sowie auf Englisch und Dänisch verfügbar. Im Sommer 2021 soll dann die Ausstellung um virtuelle Ausstellungselemente erweitert werden.

Hier finden Sie die Hygienerichtlinien des Museumsverbundes Nordfriesland.

Der einer Lehrerfamilie entstammende Claus Vahle – 1940 in Göttingen geboren – wuchs in Schleswig auf, besuchte dort das Gymnasium. Später studierte er an der Muthesius-Werkkunstschule in Kiel, an der Kunstakademie Stuttgart, an der Pädagogischen Hochschule Flensburg und an der Hochschule für Bildende Künste Berlin.

Seit 1966 ist er Mitglied im Bundesverband Bildender Künstler. Mitte der siebziger Jahre siedelte Claus Vahle mit seiner Familie nach Marne in Schleswig-Holstein um. Hier erwies sich das stille Landleben schnell als Illusion, denn bereits die Ankunft auf der Elbfähre war von Flugblättern gegen den Bau des Kernkraftwerkes Brokdorf begleitet. Idyll und Industrie liegen in Dithmarschen nahe beieinander. Und folgerichtig entdeckt Vahle hier mit dem Auge des kritischen Realisten seltsame Begebenheiten. Da stehen zum Beispiel schwarzweiße Kühe vor einem Kernkraftwerk, am Nordseestrand liegt eine Vogelleiche zwischen Strandgut, trockenes Wattenmeer wirkt wie gerissener Beton und eine Feuerstelle am Elbstrand mutet seltsam archaisch an.

„Am Anfang stehen meist unmittelbare Erlebnisse und Begegnungen. Mich interessieren zunehmend Dinge, mit denen ich täglich zu tun habe, die ich kenne. Gerade Alltägliches übt einen eigentümlichen ästhetischen Reiz auf mich aus, löst aber oft Befremdlichkeit beim Betrachter meiner Bilder aus, weil der Blickwinkel ungewohnt ist. Wesentliche Themenbereiche meiner gestalterischen Arbeit sind Landschaft und Stillleben, aber nicht als Schilderungen einer heilen Welt. Ich versuche vielmehr, realistische – und damit kritische Aussagen zur heutigen Wirklichkeit zu machen. Fotos, Skizzen und Zeichnungen vor Ort filtern bereits das Wichtige vom Zufälligen.

Größere Arbeiten entstehen nicht vor der Natur, sondern im Atelier. Bei aller Exaktheit in der Wiedergabe der sichtbaren Gegebenheiten sind fast alle Bilder Montagen. Sie haben zwar einen szenischen oder landschaftlichen Zusammenhang, sind aber konstruiert, verändern die Realität nach inhaltlichen und gestalterisch- ästhetischen Aspekten.“

Das Detlefsen-Museum zeigt 35 Arbeiten des Künstlers aus der eigenen Sammlung aus den Jahren 1980–1992.

Bild: Brokdorf Elbe, 1985, 33,5 x 45,5 cm.

Der Künstler, Jahrgang 1944, studierte nach einer Schriftsetzer-Ausbildung an der Hochschule für Bildende Künste in Hamburg (HfbK). Zunächst widmete sich Paduck den Grafischen Künsten und der Kalligraphie. Später verdiente er sich den Lebensunterhalt als Drucker mit Radierungen für die Griffelkunst oder Georg Baselitz. Heute steht im Zentrum seines Schaffens die Farbe. „Sie befähigt ihn zur Entdeckung neuer Wirklichkeiten“, charakterisiert der Kunsthistoriker Dr. Stefan Horsthemke die Bedeutung der Farbe für den Maler Uwe Paduck. Seine Bilder sind visuelle Forschungsfelder, welche das Spannungsverhältnis von Fläche und Farbe untersuchen.

Seine Werke, Radierungen, Aquarelle und Öl- und Acrylbilder wurden in zahlreichen Ausstellungen, unter anderem auch im Detlefsen-Museum und im Palais für aktuelle Kunst in Glückstadt, gezeigt.

Seit etwa zwei Jahren beschäftigt sich der Maler fast ausschließlich mit Farbe und deren Wirkung. Es werden über 20 Werke aus dieser Schaffensperiode im Studio des Detlefsen-Museums und im Foyer gezeigt. Der Maler arbeitet mit gezielten Unschärfen, mit gefärbtem Himmel, mit leichten Verfremdungen oder mit Eye-Catchern, wie sie die Fotografie kennt: Ein Getreidesilo, ein Strommast, ein Schiff oder ein leuchtendes Haus. Er selber sagt dazu:

„Das Ziel meiner Malerei ist nicht das illusionistische Abbild, sondern etwas Zwiespältiges und Gegensätzliches in einem Bild zu verschmelzen. Dieser Scheincharakter der abgebildeten Landschaft wird etwas zurückgenommen, so dass beim Betrachter eigene Gefühle und Bilder entstehen. Das gelingt in der wässrigen und fast fließenden Technik des Aquarells sehr gut.“

Das Detlefsen-Museum zeigt 20 aktuelle Arbeiten des Künstlers.

Öffnungszeiten: Dienstag bis Sonntag, 14 -17 Uhr

Ob „Gelbes Feld“, „Grüne Tonne“, „Blauer Raum“ oder „Einfach Rot“: Manche Bilder verraten schon im Titel, worum es geht: Farbe in der Kunst, Literatur und Musik ist das Thema der Sommerausstellung des Museumsberg Flensburg. Kunstwerke aus vier Jahrhunderten, streng nach Farben sortiert, erzählen von der Bedeutung, der Wirkung und der Kraft von Farbe. Ein vielfältiges Rahmenprogramm mit Lesungen und Konzerten macht Farbe sogar hörbar.

Anlässlich des 100. Geburtstags von Joseph Beuys zeigt die Kunsthalle zu Kiel vom 8. Mai bis 24. Oktober 2021 in einer Kabinett-Ausstellung Werke des Künstlers aus ihrem Bestand.

Beuys gilt als einer der bedeutendsten, aber auch umstrittensten Künstler des 20. Jahrhunderts. Die sogenannten Aktionen stehen im Mittelpunkt seiner Arbeit. Dennoch nehmen die vielzähligen Multiples eine besondere Stellung in seinem Gesamtwerk ein. Es handelt sich dabei um kleine, in hohen Auflagen hergestellte und preiswerte Kunstobjekte. Bis zu seinem Tod stellt er über 550 Serien von Multiples her. Ganz im Sinne einer Demokratisierung der Kunst sieht er in solchen Auflagenwerken eine geeignete Möglichkeit, ein größeres Publikum erreichen und diesem seine Anschauungen näherbringen zu können. Im Bestand der Kunsthalle befinden sich zahlreiche Multiples und Druckgrafiken sowie mehrere Foto-Editionen von Joseph Beuys.

In der Ausstellung werden rund 35 Arbeiten präsentiert, unter anderem wichtige Multiples wie die Rose für direkte Demokratie (1973), Kunst = Kapital (1980) und Rhein Water Polluted (1981). Auch grafische Blätter wie die Serie Spur I (1974) sind zu sehen. Die Fotografien Output (1978) von Werner Krüger zeigen Beuys in Aktion und erzählen zugleich von der Selbstinszenierung des Künstlers in Filzhut und Anglerweste.

Am 12. Mai 1921 als Sohn eines Kaufmanns in Krefeld geboren, wächst Joseph Beuys zunächst im dörflichen Kleve auf. Schon während seiner Schulzeit ist er beeindruckt von den Werken Edvard Munchs, Auguste Rodins und William Turners. Mit 20 Jahren meldet sich Beuys freiwillig zur Luftwaffe der Wehrmacht und wird als Bordfunker ausgebildet.

Während dieser Zeit wächst in ihm bereits der Wunsch, Künstler zu werden, und er fertigt erste Skizzen und Zeichnungen an. Sein Flugzeugabsturz 1944 über der Krim und seine Erzählung über die Rettung durch die Tataren, die ihn mit Filz und tierischem Fett gesund pflegen, werden zum Mythos. Auf Fett und Filz greift er in seinem Schaffen später immer wieder zurück. 1947 beginnt er das Studium der Monumentalbildhauerei bei Joseph Enseling und Ewald Mataré an der Staatlichen Kunstakademie Düsseldorf. Als Meisterschüler von Mataré entwickelt Beuys 1951 schließlich seine eigenen Techniken und Ausdrucksformen. Nur zehn Jahre später wird Beuys zum Professor für Monumentale Bildhauerei an der Düsseldorfer Kunstakademie ernannt.

Entgegen seiner eigenen Aussage „Ich habe nichts mit Politik zu tun – ich kenne nur Kunst“ werden seine Arbeiten und sein Handeln zunehmend politisch. Er wird Mitbegründer der Grünen, strebt eine Überwindung der „Parteiendiktatur“ an und gründet die „Organisation für direkte Demokratie durch Volksabstimmung“. Mit seinem vielfältigen Engagement schafft er sich damit Möglichkeiten zur Vermittlung seines erweiterten Kunstbegriffs und nutzt seine Ausstellungen, Aktionen und Vorträge zur Propagierung seiner radikal demokratischen Vorstellungen. Ab 1964 nimmt Beuys regelmäßig an der documenta in Kassel teil und richtet hier 1972 ein Informationsbüro anstelle der Präsentation eines Kunstwerks ein, um mit den Besucher*innen in einen gesellschaftspolitischen Diskurs über direkte Demokratie zu treten. 1976 stellt Beuys zum ersten Mal auf der Biennale in Venedig aus und erhält 1979 als erster deutscher Künstler eine Retrospektive im Solomon R. Guggenheim Museum in New York. Es folgen weitere umfassende Einzelausstellungen u.a. in der Nationalgalerie von Australien, 1982 und im Seibu Museum of Art in Tokio, 1984. Joseph Beuys erliegt am 23. Januar 1986 einer Lungenerkrankung in Düsseldorf.

Mit dem Satz „Jeder Mensch ist ein Künstler“ (1968) wollte Beuys alle Menschen in der Gesellschaft ansprechen und verdeutlichen, dass jede Person in der Lage ist, die Gesellschaft mitzugestalten. Er war ein Künstler, der mit der Kunst das Leben zu verändern versuchte und den Kunstbegriff neu formen wollte. Dieser „erweiterte Kunstbegriff“ führte Beuys zur Theorie der „Sozialen Plastik“: Die Kunst bezeichnet nicht mehr nur das materielle Objekt an sich, sondern umfasst auch den Prozess des kreativen Denkens und Handelns des Menschen. Beuys´ Überzeugung war, dass der Mensch dazu befähigt ist, durch eigene Schaffensprozesse zum Wohl der Gemeinschaft beizutragen und die Gesellschaft positiv zu verändern.

Bild: Joseph Beuys, Kunst = Kapital, 1980, Siebdruck auf Schiefertafel in Holzrahmen, 32 x 44 x 0,9 cm, © VG Bild-Kunst, Bonn 2021 / Kunsthalle zu Kiel, Foto: Martin Frommhagen.

Eine Kunstausstellung lokaler Künstler veranstaltet der „Förderverein Alte Schmiede Bornhöved“ am 24. und 25. Juli 2021 in der „Alten Schmiede Bornhöved“ gemeinsam mit der Gemeinde Bornhöved.

Kreative und kunstschaffende Bürger aus der Umgebung präsentieren ihre vielfältigen Werke. Die Künstler kommen aus sehr unterschiedlichen Disziplinen und zeigen, neben der Malerei, Arbeiten aus den Bereichen Grafik, Hochdruck, Schmuckdesign, Poesie/Fotografie und Skulpturen aus Holz.

Die Öffnungszeiten sind am

Samstag 14.00 – 18.00 Uhr
und
am Sonntag 11.00 – 18.00 Uhr.

Kreispräsident Claus-Peter Dieck konnte wieder als Schirmherr der Veranstaltung gewonnen werden.