Galerie RIECK zeigt auf der Carlshöhe in Eckernförde die Kunst des Nordens der letzten 100 Jahre – angefangen bei den Bornholm-Künstler:innen, über die dänischen Modernist:innen bis zu bekannten Vertreter:innen der nordischen Moderne. Im Fokus stehen ausgewählte Arbeiten renommierter Künstler:innen wie Olaf Rude, Kehnet Nielsen, Elke Hergert, Peter Skovgaard oder Menno Fahl. Ergänzt wird das Spektrum durch Neuentdeckungen mit neuen Ideen und Ausdrucksformen. So sind in der Galerie auf der Carlshöhe dauerhaft Gemälde, Skulpturen, Assemblagen, Textilobjekte und vieles mehr zu sehen. Wechselnde Themenausstellungen stellen darüber hinaus einzelne Arbeiten und Epochen in den Mittelpunkt.

☑️ professionelle (kostenlose) Beratung
☑️ Handpans kennenlernen & ausprobieren
☑️ Handpan-Starthilfe
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Dann bist du bei uns genau richtig.

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Wir bieten Dir Norddeutschlands größte und vielfältigste Handpan-Auswahl.
Bei uns in der Ausstellung findest Du eine abwechslungsreiche Handpan-Vielfalt unterschiedlicher Hersteller in diversen Stimmungen.
Auch ohne Voranmeldung hast Du die Möglichkeit zu unseren Öffnungszeiten, diese anzuspielen, zu kaufen oder auch zu leihen.

Unsere HANDPAN STARTHILFE

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Wir zeigen Dir die ersten Schritte und begleiten Dich gern.
Auch ganz ohne musikalische Vorkenntnisse, entspannt bei Café oder Tee, lernst Du:
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> Erste Töne
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> Du bekommst eine umfassende Beratung (Erläuterung der unterschiedlichen Stimmungen, Pflege, Transport, Aufbewahrung….)
> Wenn gewünscht: Vermittlung von Workshops, Einzel-/Gruppenunterricht für EinsteigerInnen und Fortgeschrittene.

Info:Keine Gruppenveranstaltung
Termine immer gern zu unseren Öffnungszeiten

Kontakt:
Gitronik Handpans&More Hamburg
Fuhlsbüttlerstraße 681 Hamburg-Ohlsdorf
040-5000990 Mail: info(at)gitronik.de

tierisch nordisch …
… so der Titel der Ausstellung, welche gut 50 Werke von Uta Masch und Heino Karschewski im Oberlandesgericht Schleswig präsentiert.
Einem nordischen Impressionismus folgend entstehen mit zügigem, manchmal ungeduldigen Strich die abstrahierten Landschaften von Uta Masch in ihrem  Atelier auf der Carlshöhe in Eckernförde.
»Im Draußen atme ich die Natur ein – im Atelier male ich sie aus« so die Künstlerin.
Das erlaubt ihr, mittendrin im Motiv zu sein. Dabei vernachlässigt sie bewusst Details.
Die atmosphärische Gesamtwirkung übernimmt die Vervollständigung des Bildes.
Meist bewegt sie sich dabei in der von einer erdigen, Grau geprägten Farbpalette.
Mit ihren Werken möchte sie den Betrachter an ihrer Wertschätzung zum Leben in und mit der Natur teilhaben lassen und ihn für seine unmittelbare Umgebung begeistern.
Diese Einstellung teilt Uta Masch mit ihrem Künstlerkollegen Heino Karschewski.
„Ich höre hin was die Natur mir erzählt – und ich versuche allem Negativen etwas Positives entgegenzustellen“ so der Künstler.
Positive Ausstrahlung gepaart mit Tiefgründigkeit und norddeutscher Gelassenheit waren ihm in seinen Werken ein wichtiges Anliegen und so ließ er – mal streng realistisch, mal fast surreal anmutend – mit Pinsel und Farbe auf der Leinwand beinahe greifbares Leben entstehen. Heino Karschewski selber sprach von norddeutscher Gelassenheit in seiner Malerei. Seine starke Affinität zum Lebensraum Meer spiegelt sich dabei in vielen seiner Werke: Wellen und Wind, Möwen und Schiffe, Menschen und Eisbären, all das sind Motive, die der Kunstmaler in seinen Ölgemälden einfing.
Beide Künstler sind keine Freunde der lauten Farben oder turbulenten Szenerien in ihren Bildern. Eher ruhige Geister, die das strukturierte, bedachte Medium der Ölmalerei für sich gewählt haben.
Es sind stille, ruhige Szenen von hohem ästhetischem Reiz und positiver Strahlkraft. Gemeinsam ist ihnen, dass immer ein irgendwie erwartungsfrohes Schweigen in ihren Bildern liegt. Sowohl Uta Masch wie auch Heino Karschewski können auf eine lange Reihe von Ausstellungen im In- und Ausland zurückblicken.

tierisch nordisch …
… so der Titel der Ausstellung, welche gut 50 Werke von Uta Masch und Heino Karschewski im Oberlandesgericht Schleswig präsentiert.
Einem nordischen Impressionismus folgend entstehen mit zügigem, manchmal ungeduldigen Strich die abstrahierten Landschaften von Uta Masch in ihrem  Atelier auf der Carlshöhe in Eckernförde.
»Im Draußen atme ich die Natur ein – im Atelier male ich sie aus« so die Künstlerin.
Das erlaubt ihr, mittendrin im Motiv zu sein. Dabei vernachlässigt sie bewusst Details.
Die atmosphärische Gesamtwirkung übernimmt die Vervollständigung des Bildes.
Meist bewegt sie sich dabei in der von einer erdigen, Grau geprägten Farbpalette.
Mit ihren Werken möchte sie den Betrachter an ihrer Wertschätzung zum Leben in und mit der Natur teilhaben lassen und ihn für seine unmittelbare Umgebung begeistern.
Diese Einstellung teilt Uta Masch mit ihrem Künstlerkollegen Heino Karschewski.
„Ich höre hin was die Natur mir erzählt – und ich versuche allem Negativen etwas Positives entgegenzustellen“ so der Künstler.
Positive Ausstrahlung gepaart mit Tiefgründigkeit und norddeutscher Gelassenheit waren ihm in seinen Werken ein wichtiges Anliegen und so ließ er – mal streng realistisch, mal fast surreal anmutend – mit Pinsel und Farbe auf der Leinwand beinahe greifbares Leben entstehen. Heino Karschewski selber sprach von norddeutscher Gelassenheit in seiner Malerei. Seine starke Affinität zum Lebensraum Meer spiegelt sich dabei in vielen seiner Werke: Wellen und Wind, Möwen und Schiffe, Menschen und Eisbären, all das sind Motive, die der Kunstmaler in seinen Ölgemälden einfing.
Beide Künstler sind keine Freunde der lauten Farben oder turbulenten Szenerien in ihren Bildern. Eher ruhige Geister, die das strukturierte, bedachte Medium der Ölmalerei für sich gewählt haben.
Es sind stille, ruhige Szenen von hohem ästhetischem Reiz und positiver Strahlkraft.
Gemeinsam ist ihnen, dass immer ein irgendwie erwartungsfrohes Schweigen in ihren Bildern liegt.
Sowohl Uta Masch wie auch Heino Karschewski können auf eine lange Reihe von Ausstellungen im In- und Ausland zurückblicken.

tierisch nordisch

… so der Titel der Ausstellung, welche gut 50 Werke von Uta Masch und Heino Karschewski im Oberlandesgericht Schleswig präsentiert.

Einem nordischen Impressionismus folgend entstehen mit zügigem, manchmal ungeduldigen Strich die abstrahierten Landschaften von
Uta Masch in ihrem Atelier auf der Carlshöhe in Eckernförde.
»Im Draußen atme ich die Natur ein – im Atelier male ich sie aus« so die Künstlerin.
Das erlaubt ihr, mittendrin im Motiv zu sein. Dabei vernachlässigt sie bewusst Details.
Die atmosphärische Gesamtwirkung übernimmt die Vervollständigung des Bildes.
Meist bewegt sie sich dabei in der von einer erdigen, Grau geprägten Farbpalette.
Mit ihren Werken möchte sie den Betrachter an ihrer Wertschätzung zum Leben in und mit der Natur teilhaben lassen und ihn für seine unmittelbare Umgebung begeistern.

Diese Einstellung teilt Uta Masch mit ihrem Künstlerkollegen Heino Karschewski.

„Ich höre hin was die Natur mir erzählt – und ich versuche allem Negativen etwas Positives entgegenzustellen“ so der Künstler.
Positive Ausstrahlung gepaart mit Tiefgründigkeit und norddeutscher Gelassenheit waren ihm in seinen Werken ein wichtiges Anliegen
und so ließ er – mal streng realistisch, mal fast surreal anmutend – mit Pinsel und Farbe auf der Leinwand beinahe greifbares Leben entstehen.
Heino Karschewski selber sprach von norddeutscher Gelassenheit in seiner Malerei. Seine starke Affinität zum Lebensraum Meer
spiegelt sich dabei in vielen seiner Werke: Wellen und Wind, Möwen und Schiffe, Menschen und Eisbären, all das sind Motive, die der Kunstmaler in seinen Ölgemälden einfing.

Beide Künstler sind keine Freunde der lauten Farben oder turbulenten Szenerien in ihren Bildern.
Eher ruhige Geister, die das strukturierte, bedachte Medium der Ölmalerei für sich gewählt haben.
Es sind stille, ruhige Szenen von hohem ästhetischem Reiz und positiver Strahlkraft.

Gemeinsam ist ihnen, dass immer ein irgendwie erwartungsfrohes Schweigen in ihren Bildern liegt.
Sowohl Uta Masch wie auch Heino Karschewski können auf eine lange Reihe von Ausstellungen im In- und Ausland zurückblicken.

Uta Masch & Heino Karschewski
Ausstellung tierisch nordisch
19. Februar – 18. August 2026
Mo-Do 8-15 Uhr , Fr 8-13 Uhr

tierisch nordisch

… so der Titel der Ausstellung, welche gut 50 Werke von Uta Masch und Heino Karschewski im Oberlandesgericht Schleswig präsentiert.

Einem nordischen Impressionismus folgend entstehen mit zügigem, manchmal ungeduldigen Strich die abstrahierten Landschaften von
Uta Masch in ihrem Atelier auf der Carlshöhe in Eckernförde.
»Im Draußen atme ich die Natur ein – im Atelier male ich sie aus« so die Künstlerin.
Das erlaubt ihr, mittendrin im Motiv zu sein. Dabei vernachlässigt sie bewusst Details.
Die atmosphärische Gesamtwirkung übernimmt die Vervollständigung des Bildes.
Meist bewegt sie sich dabei in der von einer erdigen, Grau geprägten Farbpalette.
Mit ihren Werken möchte sie den Betrachter an ihrer Wertschätzung zum Leben in und mit der Natur teilhaben lassen und ihn für seine unmittelbare Umgebung begeistern.

Diese Einstellung teilt Uta Masch mit ihrem Künstlerkollegen Heino Karschewski.

„Ich höre hin was die Natur mir erzählt – und ich versuche allem Negativen etwas Positives entgegenzustellen“ so der Künstler.
Positive Ausstrahlung gepaart mit Tiefgründigkeit und norddeutscher Gelassenheit waren ihm in seinen Werken ein wichtiges Anliegen
und so ließ er – mal streng realistisch, mal fast surreal anmutend – mit Pinsel und Farbe auf der Leinwand beinahe greifbares Leben entstehen.
Heino Karschewski selber sprach von norddeutscher Gelassenheit in seiner Malerei. Seine starke Affinität zum Lebensraum Meer
spiegelt sich dabei in vielen seiner Werke: Wellen und Wind, Möwen und Schiffe, Menschen und Eisbären, all das sind Motive, die der Kunstmaler in seinen Ölgemälden einfing.

Beide Künstler sind keine Freunde der lauten Farben oder turbulenten Szenerien in ihren Bildern.
Eher ruhige Geister, die das strukturierte, bedachte Medium der Ölmalerei für sich gewählt haben.
Es sind stille, ruhige Szenen von hohem ästhetischem Reiz und positiver Strahlkraft.

Gemeinsam ist ihnen, dass immer ein irgendwie erwartungsfrohes Schweigen in ihren Bildern liegt.
Sowohl Uta Masch wie auch Heino Karschewski können auf eine lange Reihe von Ausstellungen im In- und Ausland zurückblicken.

Uta Masch & Heino Karschewski
Ausstellung tierisch nordisch
19. Februar – 18. August 2026
Mo-Do 8-15 Uhr , Fr 8-13 Uhr

Gärten und Bücher sind von jeher die ideale Kombination – beide sind wie nichts anderes dazu geeignet, darin einzutauchen, die Seele baumeln, sich inspirieren zu lassen. Und das klappt in beide Richtungen: Lesende (und natürlich auch Schreibende) lassen sich von Gärten und Gärtnernde sich von Büchern inspirieren.
Die Geschichte der Gartenbücher und Büchergärten erzählt diese Ausstellung, die vom 25. Februar bis 20. Juni besichtigt werden kann, anhand von Büchern aus dem Bestand der Eutiner Landesbibliothek.

Von der Kapitulation Nazi-Deutschlands bis zu seinem Unfalltod 1984 hielt Harald Duwe mit figurativer Malerei knapp 40 Jahre lang der bundesrepublikanischen Wirklichkeit einen kritischen Zerrspiegel vor. Dabei nahm er als realistischer Maler seinerzeit in der BRD die Rolle eines Außenseiters ein und wurde nur zögerlich und vereinzelt überregional wahrgenommen. Gleichzeitig ermöglicht Duwe seine gegenständliche Ausdrucksweise die für ihn wesentlichen gesellschaftlichen Probleme und Widersprüche anschaulich und bis heute unmissverständlich zu formulieren.

Harald Duwe wohnte seit 1951 in Großensee, war von 1975 bis zu seinem Tod Dozent für Freie Kunst/Malerei an der Kieler Fachhochschule für Gestaltung und erhielt 1981 den Kulturpreis der Landeshauptstadt Kiel. Die Verbindung des Künstlers mit Schleswig-Holstein und der Bezug zu Kiel sind nicht nur biografisch, Duwe macht sie insbesondere in den 1970er und 1980er Jahren auch explizit zum Bildgegenstand. 2026 wäre der Maler und Grafiker 100 Jahre alt geworden, die letzte Ausstellung in Kiel, die sich seinem Werk widmete, liegt fast genau 40 Jahre zurück – ein Bündel an Gründen, die Erinnerung an das Werk Harald Duwes wachzurufen und dem Publikum der Stadtgalerie Kiel eine herausragende Position der jüngeren schleswig-holsteinischen und Kieler Kunstgeschichte vorzustellen.

Die Ausstellung verfolgt das Ziel, Inhalte, Bildsprache, Darstellungsform und -technik Harald Duwes durch den Vergleich mit Werken aus der Sammlung der Stadtgalerie Kiel im kunsthistorischen Kontext klar zu konturieren. Die Beiträge der drei Gäste Oska Gutheil, Sven Johne und SUSI POP, allesamt zeitaktuelle Positionen junger Kunst, bieten einen Ausgangspunkt, um von Duwes Perspektive auf Phänomene seiner Zeit, auch an gegenwärtige politische und gesellschaftliche Diskurse anzuknüpfen, rücken aber vor allem künstlerische Strategien und Verfahren in den Fokus.

Begleitend zur Ausstellung wird ein Katalog in deutscher und englischer Sprache erstellt.

Inhaltlich wird die Ausstellung unterstützt durch Leihgaben von Werken Harald Duwes aus der Sammlung der Kunsthalle zu Kiel, des Kieler Stadt- und Schifffahrtsmuseums, des Thor-Heyerdahl Gymnasiums der Landeshauptstadt Kiel und aus dem Privatbesitz der Erben Harald Duwes.

Künstler*innen:
Ilse Ament, Joerne Diedrichsen, Harald Duwe, Heinrich Ehmsen, Richard Grune, Oska Gutheil, Sven Johne, Peter Nagel, SUSI POP, Erasmus Schröter, Joachim Thode

Die Stadtgalerie Kiel bedankt sich für die freundliche Unterstützung des Ministeriums für Allgemeine und Berufliche Bildung, Wissenschaft, Forschung und Kultur des Landes Schleswig-Holstein.

Anlass der Ausstellung ist der bundesweite Tag der Druckkunst, der die traditionellen Drucktechniken würdigt. Am 15. März 2018 wurden sie von der Deutschen UNESCO-Kommission in das Bundesweite Verzeichnis als immaterielles Kulturerbe aufgenommen.

Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen außergewöhnliche Werke aus der Druckwerkstatt von Ulrich Grimm, entstanden in enger Zusammenarbeit mit Künstlerinnen und Künstlern aus dem In- und Ausland. Der Magdeburger Drucker gründete 1986 eine eigene Siebdruckwerkstatt, zu einer Zeit, in der künstlerisches Arbeiten in der DDR stark von staatlichen Strukturen bestimmt war.
Es gelang Ulrich Grimm sich als versierter Drucker zu etablieren und seine Werkstatt entwickelte sich zu einem gefragten Partner für zahlreiche Kunstschaffende.

Der Drucker, Verleger und später auch Galerist fertigte Originalgrafiken, Grafikmappen, Künstlerbücher und Kalender im Siebdruckverfahren an. Mit dem politischen Umbruch erweiterte sich das künstlerische Netzwerk. Künstlerinnen und Künstler aus Westdeutschland, dem europäischen Ausland und den USA arbeiteten fortan mit der Magdeburger Werkstatt zusammen. Über Jahrzehnte hinweg entstand so eine bedeutende Sammlung, die eindrucksvoll die Entwicklung zeitgenössischer Druckgrafik dokumentiert.

In der Ausstellung sind Arbeiten von Marc Alsterlind, Falko Behrendt, Joachim Böttcher, Feliks Büttner, Yves Charney, Chu Teh-Chun, Tim Davis, Huong Dodinh, Andreas Dress, Jens Elgner, Max Grimm, Michael Heindorff, Veit Hofmann, Stefan Plenkers, Ren Rong, Arno C. Schmetjen, Frank Schult und Rainer Zille zu sehen.

Ulrich Grimm ist zur Eröffnung anwesend und wird im Rahmen eines Interviews mit Marid Taubert von seinen Erfahrungen berichten.

Laufzeit: 15. März 2026 bis 23. Mai 2026

„Signs of Control“ arbeitet mit einem Motivtyp, der im Alltag kaum auffällt: Schilder, die Verhalten regeln. „Kein Eingang“, „Ballspielen nicht erlaubt“, „Düne betreten verboten“, „Überflutungsgefahr“, „Notausgang freihalten“ – kurze, imperative Sätze, ergänzt um Piktogramme, Pfeile und Ortsangaben wie Wyk oder Sylt. Es sind Texte, die nicht gelesen, sondern befolgt werden sollen.

Die Serie greift diese Schilder fotografisch auf und unterzieht sie einem klar strukturierten Transformationsprozess. In der Chromalayer-Technik werden die Vorlagen in Farbebenen zerlegt, farblich neu interpretiert und als Schichtstruktur aufgebaut. Der industrielle Träger – gebürstetes Aluminium – bleibt sichtbar und wird Teil der Bildlogik: Die metallische Oberfläche schimmert durch die Farbschichten, trägt Reflexe, unterläuft jede Illusion von Tiefe. Die Motive bleiben plan; es gibt keine „Landschaft“ hinter dem Schild, sondern Oberfläche, Raster, Material.

Wichtig ist, dass das Schild nach der Bearbeitung wieder als Schild erscheint. Rahmung, Schraublöcher, Kanten, Typografie – all das bleibt erkennbar. Aber die Umgebung ist in ihrer Farbigkeit überzeichnet und grafisch verdichtet. Die Hinweise wirken vertraut und zugleich aus dem Zusammenhang gelöst. Sie stehen nicht mehr konkret an einer Tür, am Deich oder auf einem Hof, sondern in einem Bildraum, der genau diese Funktionalität aussetzt. Die Autorität des Textes bleibt, sein Anlass verschwindet.

Damit bewegt sich die Arbeit in einer Traditionslinie von Kunst, die mit Sprache im Bild arbeitet: von der Konzeptkunst und Textkunst der 1960er/70er Jahre – etwa bei Jenny Holzer oder Barbara Kruger – bis hin zu fotografischen Serien, die Infrastruktur und Beschilderung als Bestandteil gesellschaftlicher Ordnung untersuchen. Ein Einfluss aus einer frühen künstlerischen Förderung durch Gerhard Winner zeigt sich in der konstruktiven, seriellen Behandlung der Zeichen. Zugleich gibt es eine Nähe zur dokumentarischen Fotografie von Schildern und Schriftzügen, die hier jedoch nicht im dokumentarischen, sondern im konstruktiven Sinn weitergeführt wird: Nicht das Auffinden, sondern das Neuaufbauen der Zeichen steht im Zentrum.

Die Serie zeigt eine Grammatik der Steuerung: Verbote, Warnungen, Instruktionen. Fast alle Tafeln sprechen im Imperativ, vermeiden ich- oder wir-Formen und verwenden eine sachliche, funktionale Typografie. Begriffe wie „Schutzdeich“, „Hafengebiet“ oder Formulierungen wie „Benutzung auf eigene Gefahr“ markieren konkrete Situationen. Die Bilder legen frei, dass diese Sprache nicht neutral ist, sondern wirksam: Sie definiert, wer sich wie wo bewegen darf.

Viele der Schilder stammen aus einem konkreten regionalen Umfeld und tragen Spuren davon – durch Ortsangaben wie Wyk oder Sylt sowie einzelne Hinweise auf lokale Nutzungssituationen. Dieser Aspekt öffnet eine zweite Leseschicht: Für Betrachterinnen und Betrachter, die den Ort kennen, entstehen Momente des Wiedererkennens oder Vermutens.

„Signs of Control“ untersucht Beschilderung als Schnittstelle zwischen Text, Raum und Verhalten. Die Arbeiten dokumentieren nicht einfach vorhandene Schilder, sondern verhandeln ihre Funktionsweise im Bild. Der Druck auf gebürstetes Aluminium, die Verdichtung der Farben, das Festhalten an der Form des Schildes – all das macht sichtbar, wie ästhetisch präzise diese funktionalen Gegenstände gestaltet sind. Was im Alltag als nüchterne Information erscheint, zeigt sich hier als gestaltete Oberfläche, die Verhalten steuert.

Erstmals stellen beide Bildhauer zusammen aus: Volker Tiemann und Peter F. Piening. Ihre Werke erkennt man sofort, denn beide haben eine beeindruckende, ganz besondere künstlerische Handschrift entwickelt! Beider Künstler Werkstoff ist Holz. Es fasziniert, wie Peter F. Piening (Jg. 1942) und Volker Tiemann (Jg. 1963) das Material ästhetisch in Form und Inhalt ausreizen, wie beide spielerisch Material, Form und Inhalt gedanklich immer neu verbinden.
Peter F. Piening und Volker Tiemann regen uns mit ihren hintersinnig- humorvollen Arbeiten zum Nachdenken und zum Schmunzeln über uns selbst und die Welt um uns herum an.
Gehen Sie auf eine Entdeckungsreise von der kleinen Wandarbeit über Skulpturen auf Sockeln bis zum begehbaren Großobjekt mit seiner facettenreichen Inneneinrichtung!

Am 18. April 2026 eröffnet die Galerie RIECK in Eckernförde die neue Ausstellung mit der dänischen Künstlerin Liza Krügermeier. Bekannt im Norden wurde sie durch ihre Teilnahme an der NordArt 2025. Ihre Werke zeichnen sich durch eine intensive Auseinandersetzung mit Farbe, Licht und Schatten aus, die sie mit persönlichen Erinnerungen und Momenten verbindet.

Krügermeiers künstlerische Sprache vereint skandinavische Klarheit mit Einflüssen des Mittelmeers – geprägt durch ihre mehrjährigen Aufenthalte auf der griechischen Insel Leros, deren leuchtende Farben und starken Lichtkontraste ihre heutige Bildwelt entscheidend formten. Zu sehen sein werden besondere, neue Arbeiten der Künstlerin, die täglich in ihrem Atelier auf der Insel Møn arbeitet und international ausstellt.

Die Ausstellung steht im Mittelpunkt der Galerie. Ergänzend präsentiert die Galerie RIECK eine Auswahl skandinavischer Kunst der letzten Jahrzehnte – von Positionen der Klassischen Moderne bis zu zeitgenössischen Sichtweisen. So treten Krügermeiers farbintensive Kompositionen in einen lebendigen Dialog mit unterschiedlichen künstlerischen Strömungen und Epochen. Zusätzlich werden Assemblagen des dänischen Künstlers Jens Christian Jensen gezeigt, der mit seinen kreativen und fröhlichen Farb- und Materialkompositionen eine wunderbare Ergänzung zur Malerei von Liza Krügermeier ist. Alle Werke stehen zum Verkauf.

Und hier entsteht im wahrsten Sinne des Wortes von Ernst W.Gombrich ein Brutkasten/ein Quadrat mit insektenfreundlichen Pflanzen. Im Laufe der Zeit wird sich dieses quadratische Bild vielfarbig entwickeln und von oben betrachtet vielleicht an niederländische Blumen-Stillleben erinnern. Ein Angebot zum Staunen, Lachen, Erfreuen und natürlich auch zum Ärgern.
Ich arbeite nahe an der Natur des „Weltnaturerbe Wattenmeer“, gleichsam aus ihr heraus. Meine Arbeiten sind keine Gegenentwürfe zur Stadt und zu „UrbanArt“, sondern tendieren dazu, einzig in der Natur aufzugehen. Dabei erscheint häufig die dunkle, ocker- oder sepiahafte sandige und schlickhafte Fläche am Strand und im Watt oder die grüne Seite der Landschaft der Insel Föhr in meinem Fokus. Ich sehe die Vorgänge als Sinnbilder dessen, was uns im Leben zustößt; es ist keine Kunst der künstlerischen Idylle. Die Materialien sind strikt natürlich.

Diese Kunstrichtung geht zurück auf Werke von Walter de Maria, Robert Smithson und Robert Morris. Mit ihren „Earthworks“ wollten diese Künstler, angesichts der gewaltigen Umweltprobleme, einen Appell an die Menschheit richten. Ihre Kunstwerke sollten die Menschen motivieren, ihr Verhältnis zur Natur zu überdenken, und wenn möglich wieder in ein Gleichgewicht bringen. „Land-Art“ und „Nature-Art“ wurden dabei zur wichtigsten Richtung in der Avantgarde.

Die Aktionskunst, ihrer Natur nach vergänglich, kann allerdings nur in den Kommunikationsprozess eintreten, wenn sie fotografisch dokumentiert werden. Konzept und Arbeitsprozess werden parallel genau so wichtig, als die „Ästhetik des Objekts“ das daraus resultiert.

Viele dieser Projekte zeichnen sich durch ihre Vergänglichkeit aus, weshalb sie durch S&W- und Farbfotografien, Videos und kleinen Texten dokumentiert werden. Die Absicht des Künstlers ist es nicht, seine Spuren in der Landschaft zu hinterlassen, sondern intuitiv in ihr zu arbeiten, sodass seine Werke, wie z.B. das Quadrat, so flüchtig sie auch immer sein mögen, eine einfühlende Beziehung zur Natur manifestieren. Es ist der Blick zurück hin zur Entdeckung des „ästhetischen Augenblicks“.

Die Freiheit der Kunst im öffentlichen Raum ist nicht selten eine Zumutung. Sich trotzdem zu positionieren und das auszuhalten, macht eine funktionierende Demokratie in ihrem Kern aus. Für den Künstler, wie für den Betrachter!

Die dritte Ausstellung des Jahres vom Kunstverein Elmshorn steht in den Startlöchern: Vom 25. April bis 05. Juni 2026 stellt die Hamburger Künstlerin Katharina Duwe ihre Arbeiten im Rahmen der Ausstellung „ZERBRECHLICHE WELT“ im Torhaus Elmshorn aus.

In ihren großformatigen Werken entwirft die bekannte Hamburger Künstlerin Katharina Duwe fiktive Stadtlandschaften: Ein komplexes, fast kaleidoskopartiges Zusammenspiel aus zivilisatorischen Versatzstücken und wuchernder Natur. Es ist ein visuelles Ringen um die Frage: Erobert der urbane Raum das letzte Grün oder schlägt die Vegetation unaufhaltsam zurück? Während in der Serie »Urbanität« die Architektur dominiert, taucht in den »Stadtmenschen« das Individuum nur noch als schattenhafte Figur auf – gefangen im künstlichen Licht einer durchstrukturierten Welt. Einen intimen Gegenpol bildet die kleinformatige Serie »Lichtreflexe«, in denen das nächtliche Leuchten der Großstadt in Malerei umgesetzt wird.

Katharina Duwe gehört zu den prägenden Positionen der zeitgenössischen Malerei in Hamburg. Aus einer bedeutenden Künstlerfamilie hervorgegangen – als Tochter von Harald Duwe und Heilwig Duwe-Ploog – hat sie eine unverwechselbare künstlerische Handschrift entwickelt, die weit über die Region hinaus Beachtung findet. Internationale Arbeitsaufenthalte von New York bis Marrakesch prägen ihr Werk ebenso wie ihre langjährigen Lehrtätigkeiten. Zahlreiche Auszeichnungen und die Präsenz ihrer Arbeiten in renommierten öffentlichen wie privaten Sammlungen unterstreichen ihre künstlerische Bedeutung.

Ihr Werk ist weit mehr ist als reine Bildproduktion – es ist eine intensive, jahrzehntelange Auseinandersetzung mit der Frage, wie wir als Menschen in einer sich rasant verändernden Welt leben. Ihre eindringlichen, atmosphärisch dichten Bildwelten bewegen sich souverän zwischen Realität und Imagination und ziehen den Betrachter unmittelbar in ihren Bann. Ihre Malerei fordert den Blick heraus. Sie zeigt keine fertigen Antworten, sondern öffnet Räume, die man selbst entdecken muss. Genau darin liegt ihre Kraft: Wer sich auf Duwes Werke einlässt, wird nicht nur Zuschauer, sondern Teil des Bildgeschehens. Besonders die Dynamik der Großstadt wird bei ihr zu einem Sinnbild unserer Gegenwart: zwischen Schönheit, Überforderung und der Suche nach Orientierung.

Die Ausstellung endet mit einer Finissage und einem Künstlergespräch am letzten Ausstellungstag, am Freitag, den 5. Juni 2025 von 16.00 bis 18.00 Uhr. Frau Katharina Duwe wird persönlich anwesend sein und für Fragen und Gespräche zur Verfügung stehen.

Ein besonderes Highlight: Im Zuge dieser Ausstellung bietet der Kunstverein Elmshorn einen Workshop für Jugendliche am 28.05.2026 von 16.30 – 19.00 h an, der von Susanne Berger und Amelie Sommer geleitet wird. Dieser Workshop bietet Jugendlichen zwischen 10 und 16 Jahren die Möglichkeit, sich intensiv mit Kunst im Rahmen der Ausstellung von Katharina Duwe auseinanderzusetzen – sowohl in Theorie als auch in Praxis. Mit diesem Workshop soll die Freude an der Kunstbetrachtung entfacht und die eigene Kreativität geweckt werden. Die Teilnahme-/Materialgebühr beträgt 10 Euro. Anmeldungen bis zum 21.05.2026 bitte an info@kunstverein-elmshorn.de.

Die Ausstellung ist zu den regulären Öffnungszeiten des Kunstvereins Elmshorn im Torhaus geöffnet. Der Eintritt ist frei.

Öffnungszeiten:
Mittwoch – Freitag: 10–12 Uhr und 16–18 Uhr
Samstag & Sonntag: 11–13 Uhr

Die Matrix der Wahrnehmung – Malerei zwischen Illusion und Realität

Meine Malerei erkundet das Spannungsfeld von Illusion und Realität. Durch Transparenzen und Farbüberlagerung offenbare ich die Flüchtigkeit von Erscheinungen und mache sichtbar, was sonst verborgen bleibt. Ich unterscheide dabei zwischen der „Realität“ als Konstruktion unseres Bewusstseins und der Realität als nondualer Tatsache, die von den Erscheinungen unabhängig ist.

Durchscheinende Figuren – zwischen Barock und Manga – oszillieren zwischen Präsenz und Auflösung. Die Werke erinnern an Benutzeroberflächen oder Spieloberflächen – sie sind visuell instabil, ähnlich wie sich wandelnde Interfaces. Ich male die „Matrix“ im Moment ihrer Auflösung.

Ich dekonstruiere historische Selbstdarstellungen, indem ich barocke Repräsentationsideale als fragile Echos heutiger digitaler Inszenierungen lese. Die perfekte Oberfläche war schon immer brüchig: Barocke Krisen spiegeln sich heute in digitaler Selbstoptimierung wider. Instagram-Filter ersetzen Puderperücken, Feed-Ästhetik tritt an die Stelle von Prunkgemälden. Menschen erscheinen als medial bearbeitete Hüllen – visuell greifbar, aber substanzlos.

Meine Arbeit nutzt bewusst Cuteness: Pastellfarbene Barock- und Kawaii-Figuren verweisen auf gesellschaftliche Stereotype, hinterfragen durch ihre auf die Spitze getriebene Künstlichkeit die Grenze zwischen Menschlichem und Posthumanem, und bieten gerade in ihrer reinen Oberflächlichkeit das Potenzial Erscheinungen als das zu erkennen, was sie sind – flüchtige Konstruktionen.

In Zeiten von künstlicher Intelligenz und algorithmischen Identitäten fordert meine Kunst dazu auf, scheinbar stabile Kategorien zu hinterfragen, eigene Wahrnehmungsmuster zu reflektieren und der nondualen Realität gewahr zu werden, in der alle Erscheinungen auftauchen.

Handpan kennen lernen ausprobieren | kostenlose Beratung
LASS DICH INSPIRIEREN | Handpan Workshop & Starthilfe

Entdecke in kurzer Zeit, dieses faszinierende und leicht erlernbare Instrument. Folge Deiner Intuition um beruhigende, sphärische Klangwelten entstehen zu lassen.

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Auch ohne Voranmeldung hast Du die Möglichkeit, diese zu unseren Öffnungszeiten Mo.-Fr-10-19 Uhr, Sa.10-14 Uhr anzuspielen,
zu kaufen oder auch zu leihen.

After Work Inspiration ab 19 Uhr gern nach Vereinbarung mit Termin

Info: Keine Gruppenveranstaltung

Kontakt:
Gitronik Handpans&More Hamburg
Fuhlsbüttlerstraße 681 Hamburg-Ohlsdorf
040-5000990 Mail: info(at)gitronik.de

Die Installation „Zug des Lebens“ ist in ständiger Bewegung – ohne Unterbrechung. Für die Lübecker Künstlerin Maike Remane wird der Zug zum Sinnbild ihrer Lebensreise.
Einzelne Waggons mit zahlreichen Abteilen tragen 100 Kunstwerke im Format DIN A5 – Impressionen einer fortwährenden Reise. Menschen steigen ein, begleiten ein Stück des Weges und steigen wieder aus, während andere hinzukommen. Begegnungen, Erlebnisse und Erinnerungen verdichten sich zu einem kontinuierlichen Fluss.
Die Werke spiegeln diese Vielfalt wider: mal leicht und suchend, mal pastos und kraftvoll. Jedes einzelne Bild ist Ausdruck eines Moments, skizzenhaft und schemenhaft inszeniert.
Die 100 Arbeiten bewegen sich gemeinsam im „Zug des Lebens“, nehmen Fahrt auf und erzählen von Veränderung und Übergang. Dazwischen öffnen weiße Leerstellen Raum für Neues – für unbekannte Ziele, zukünftige Begegnungen und das, was noch kommt.
Die Betrachtenden werden selbst zum Passagier. Ohne sich zu bewegen, taucht er/sie ein, geht in Resonanz, begleitet eine Etappe – und nimmt innerlich Fahrt auf.
Reiseziel: Leben. Im Zug des Lebens.

„Vertraute Formen an unerwarteten Stellen“. So beschreibt die Künstlerin Anja Müggenburg (1972) ihre phantasievollen, mit Fineliner und Buntstiften erstellten „Kosmen“ in ihren Bildern. Ihre Bewunderung für die Schöpfung zeigt sie uns, indem sie Teile von Tier- und Pflanzenwelt neu miteinander in unerwarteter Weise vernetzt. Es lohnt sich genau hinzuschauen. Entdecken Sie für sich die „fabelhafte Welt“ der Anja Müggenburg!

Daneben zeigt die Kunstsammlung der Gemeinde Zeichnungen, Radierungen, Aquarelle von Erich Duggen, Heinrich Kuhn, Gerd Uschkereit, Gisela Kleinschmidt, Georg Panskus und Tom Kosbab.

Am 25. August 2006 eröffnete ich gemeinsam mit meiner Frau,
Dorle Petzinna, unsere erste Ausstellung in Groß Grönau.
Damals haben 12 Künstlerinnen und Künstler ihre Arbeiten
gezeigt. Nun, 20 Jahre später, präsentiere ich Ihnen und Euch
meine 60. Ausstellung.

Anlässlich dieses Jubiläums habe ich nahezu alle Künstler
eingeladen, die je bei mir ausgestellt haben, und ich bin
überglücklich, dass 43 von ihnen ihre Teilnahme zugesagt haben.
Darauf hin habe ich mich entschlossen, die Ausstellung zu teilen.
Der erste Teil (auf der Künstlerliste schwarz gedruckt) wird am 1. Mai
und der zweite Teil (grau gedruckt) am 13. November eröffnet.

Über Ihren Besuch würde ich mich sehr freuen.

Die Ausstellung und auch meine Skulpturengalerie im Garten
sind geöffnet vom 1. bis 24. Mai 2026 (Finissage)
jeweils Samstag und Sonntag von 14.00 bis 18.00 Uhr.
Im Garten zeige ich zur Zeit mehr als 100 Skulpturen von knapp 40 Bildhauern.

„Vertraute Formen an unerwarteten Stellen“. So beschreibt die Künstlerin Anja Müggenburg (1972) ihre phantasievollen, mit Fineliner und Buntstiften erstellten „Kosmen“ in ihren Bildern. Ihre Bewunderung für die Schöpfung zeigt sie uns, indem sie Teile von Tier- und Pflanzenwelt neu miteinander in unerwarteter Weise vernetzt. Es lohnt sich genau hinzuschauen. Entdecken Sie für sich die „fabelhafte Welt“ der Anja Müggenburg!

Daneben zeigt die Kunstsammlung der Gemeinde Zeichnungen, Radierungen, Aquarelle von Erich Duggen, Heinrich Kuhn, Gerd Uschkereit, Gisela Kleinschmidt, Georg Panskus und Tom Kosbab.

Vier Mitglieder des Kreises der Künste in Eutin stellen aus. Es gibt Fotografien zu sehen, aber auch Werke des viel zu früh verstorbenen Künstlers Jens Fleßner.

Die Vernissage findet am 3. Mai 2026, 15:04 statt. Eine gute Gelegenheit wieder den Kulturbahnhof in Eutin zu besuchen.

Ihre Pracht und ihre Vielfalt ziehen viele Menschen an. Es sind Blumen, die uns seit vielen Jahrhunderten inspirieren, berühren und in Bann ziehen. Als dekoratives Element oder als Ausdruck künstlerischer Interpretation. Flower-Power des Atelier KUNSTEINS zeigt die aktuelle Frühjahrskollektion, die bei guter Pflege nicht verblüht und vor allem kein Wasser braucht! Ein Leben ohne Blumen scheint kaum vorstellbar und durch kreative Interpretationen jetzt durchgängig saisonunabhängig sichtbar zu machen.
Sie faszinieren nicht nur als Sträuße durch ihre farbige und formale Ästhetik, sie bereichern den Alltag als ein Stück lebendiger Natur im Wohnzimmer, am Arbeitsplatz oder in öffentlichen Räumen von Dienstleistungsunternehmen. Sie dienen auch als prachtvoller Schmuck bei Feiern oder sie werden zur Gratulation, als Dank oder als Ausdruck der Liebe und des Respektes überreicht. Blumen sind allerdings auch eine emotionale und traditionelle Möglichkeit, um Anteil und Wertschätzung zum Ausdruck zu bringen.
Blumen wurden und werden immer wieder in den verschiedensten Medien als Motiv verwendet. Mag es auch gerne als trivial oder harmlos abgetan werden, so gelangt doch die Auseinandersetzung mit der Blume zu einer faszinierenden Vielfalt künstlerischer Fragestellungen, die weit über die Darstellung reiner Naturschönheit hinausgehen. Zeit und Vergänglichkeit spielen dabei ebenso eine Rolle wie Fragen der künstlerischen Konstruktion von Natur, die Beschäftigung mit der malerischen, grafischen und kreative fotografischen Tradition dieses Bildgegenstandes oder auch die Auseinandersetzung mit den Farb- und Formwerten von Blumen. Eine kreative und spielerische Herausforderung für KUNSTEINS mit seiner Flower-Power.

Jeden einzelnen von uns beschäftigen irgendwann die wichtigen Fragen des Lebens. Angst, Trauer, das Gefühl von Ausweglosigkeit oder Verlassenheit sind ebenso von zentraler Bedeutung wie Zuspruch, Hilfe, Angenommensein und soziale Sicherheit. Als ehemaligem Gläubigen und heutigem Agnostiker begeistern mich auf meiner künstlerischen Suche auch die Themen der Bibel. Sie beschreibt in ihren Gleichnissen und Geschichten zentrale menschliche Bedürfnisse. Diese begegneten mir auch in meinem Leben als Hausarzt im Kreis Pinneberg in vielfältiger Weise. Die Auseinandersetzung damit schließt allerdings – wie fast alle wichtigen Ereignisse unseres Lebens – den Zweifel mit ein. Will ich wirklich, dass jemand alle meine Gedanken kennt? Es bleibt oft eine gewisse Unklarheit, ein Vielleicht, ein Möglicherweise. Hier begründet sich die bewusst zugelassene gestalterische Unschärfe in meiner Bildern.

Führung am 4.6.26, 10 Uhr

Jeden einzelnen von uns beschäftigen irgendwann die wichtigen Fragen des Lebens. Angst, Trauer, das Gefühl von Ausweglosigkeit oder Verlassenheit sind ebenso von zentraler Bedeutung wie Zuspruch, Hilfe, Angenommensein und soziale Sicherheit. Als ehemaligem Gläubigen und heutigem Agnostiker begeistern mich auf meiner künstlerischen Suche auch die Themen der Bibel. Sie beschreibt in ihren Gleichnissen und Geschichten zentrale menschliche Bedürfnisse. Diese begegneten mir auch in meinem Leben als Hausarzt im Kreis Pinneberg in vielfältiger Weise. Die Auseinandersetzung damit schließt allerdings – wie fast alle wichtigen Ereignisse unseres Lebens – den Zweifel mit ein. Will ich wirklich, dass jemand alle meine Gedanken kennt? Es bleibt oft eine gewisse Unklarheit, ein Vielleicht, ein Möglicherweise. Hier begründet sich die bewusst zugelassene gestalterische Unschärfe in meiner Bildern.

Führung am 4.6.26, 10 Uhr

Fotografie fesselt uns immer wieder aufs Neue. Gabriele Marl beherrscht ihr Fotografen-Handwerk im klassischen Sinne und ist mit allen Prozessen der manuellen Fertigung vertraut. Ihre Fotografie, die Wahl der Themen, Techniken und Ausarbeitungen, verschiedenste Druckverfahren und buchbinderische Unsetzungen ergeben eine unverwechselbare Handschrift.

„New York war ein unerschöpflicher Raum… es hinterließ in ihm das Gefühl, verloren zu sein… New York war das Nirgendwo… der verlorenste, der elendste aller Orte… Die Zerbrochenheit ist allgegenwärtig, die Unordnung universal“. So zornige Urteile von Paul Auster in seiner New-York-Trilogie über den Charakter der Metropole. Orientierungslos nach einer Ankunft in der Nacht, gebannt durch die völlige Fremdheit gegenüber dem urbanen Wirrwarr, das Misstrauen gegenüber der eigenen Vorstellung von Sicherheit. Am Morgen im Fahrstuhl, im SkyPod, Metropolgeschichte im Sekundentakt, bei einer Geschwindigkeit von über zehn Meter pro Sekunde. Dann ein Vorhang, ein abruptes Öffnen auf 406 Meter Höhe: Manhattan – Staunen wäre untertrieben, eine neue, andere Welt. Eine Entdeckung, die zur Kreativität anspornt, die Fantasie entführt. An jedem Häuserblock entzündet sich ein Erzählstrom in einem unerschöpflichen Raum. Die Bilder entlaufen in einem Labyrinth der Eindrücke. Sie streiten um ihre Eigenheit, um ihre Identität als Ausdruck künstlerischer Autonomie.
Berthold Grzywatz geht auf einen sehr persönlichen Gang durch New York, der allseits Bekanntes nicht ausspart, aber stets das individuelle Erleben verfolgt: Das Verweben von außen und innen, die entfesselte Urbanität, Symbole, der berauschende Blick auf die Konsumwelt, Bauten, Szenen, Lichter, das Innenleben, aber auch die Erinnerung an Gewalt und Terror wird in aufregenden Bildern festgehalten. Das New-York-Portrait korrespondiert mit Metallskulpturen, die sich linearen Strukturen fügen, aber auch durch die Behandlung ihres Materials in emotionale Tiefen entführen.

Michael Schrödter besticht durch seine Aquarell- und Gouachen- Malerei mit dem Schwerpunkt Landschaftsmalerei. Zu beachten sind auch seine aufheiternden Zeichnungen!
Ole Brandenstein beschäftigt sich mit Digital- und Bleistift- Malerei und ist Schüler der Oberstufe eines Neumünsteraner Gymnasiums. Für Ole ist Kunst eine Möglichkeit: Leidenschaft, Kraft und Emotionen Ausdruck zu verleihen.

Die Matrix der Wahrnehmung – Malerei zwischen Illusion und Realität

Meine Malerei erkundet das Spannungsfeld von Illusion und Realität. Durch Transparenzen und Farbüberlagerung offenbare ich die Flüchtigkeit von Erscheinungen und mache sichtbar, was sonst verborgen bleibt. Ich unterscheide dabei zwischen der „Realität“ als Konstruktion unseres Bewusstseins und der Realität als nondualer Tatsache, die von den Erscheinungen unabhängig ist.

Durchscheinende Figuren – zwischen Barock und Manga – oszillieren zwischen Präsenz und Auflösung. Die Werke erinnern an Benutzeroberflächen oder Spieloberflächen – sie sind visuell instabil, ähnlich wie sich wandelnde Interfaces. Ich male die „Matrix“ im Moment ihrer Auflösung.

Ich dekonstruiere historische Selbstdarstellungen, indem ich barocke Repräsentationsideale als fragile Echos heutiger digitaler Inszenierungen lese. Die perfekte Oberfläche war schon immer brüchig: Barocke Krisen spiegeln sich heute in digitaler Selbstoptimierung wider. Instagram-Filter ersetzen Puderperücken, Feed-Ästhetik tritt an die Stelle von Prunkgemälden. Menschen erscheinen als medial bearbeitete Hüllen – visuell greifbar, aber substanzlos.

Meine Arbeit nutzt bewusst Cuteness: Pastellfarbene Barock- und Kawaii-Figuren verweisen auf gesellschaftliche Stereotype, hinterfragen durch ihre auf die Spitze getriebene Künstlichkeit die Grenze zwischen Menschlichem und Posthumanem, und bieten gerade in ihrer reinen Oberflächlichkeit das Potenzial Erscheinungen als das zu erkennen, was sie sind – flüchtige Konstruktionen.

In Zeiten von künstlicher Intelligenz und algorithmischen Identitäten fordert meine Kunst dazu auf, scheinbar stabile Kategorien zu hinterfragen, eigene Wahrnehmungsmuster zu reflektieren und der nondualen Realität gewahr zu werden, in der alle Erscheinungen auftauchen.

Unter dem Titel „Resonanzen“ entsteht über das ganze Jahr 2026 eine fortlaufende Ausstellung, in der sich Künstler:innen mit unterschiedlichen Themen unserer Zeit auseinandersetzen. Krisen und Veränderungen erzeugen Unsicherheit und Ängste. Aber kann man Unsicherheit nicht auch als etwas Produktives verstehen, aus dem neue positive Narrative für die Zukunft entstehen? Und in wieweit können künstlerische Arbeiten dazu beitragen?
Als fließender Prozess, der Denkanstösse zum Handeln vermitteln will, werden sich die gezeigten Arbeiten immer wieder verändern, in einen Dialog miteinander treten und so neue Impulse setzen. Besucher:innen sind eingeladen, die Stadtgalerie ständig neu zu entdecken. Monatliche begleitende Veranstaltungen laden zum gemeinsamen Nachdenken über die Themen ein.
Unter dem Motto „Fließende Begegnungen und akustische Zwischenräume“ werden zunächst Klangarbeiten gezeigt, die sich mit dem Raum und der Außenwelt verbinden. Kuratiert wurde die Ausstellung von Marita Landgraf und dem ehemaligen Stipendiaten des Künstler:innenhaus Heiko Wommelsdorf. Sein Schwerpunkt sind raumbezogene Klanginstallationen.
In das Konzept integrieren sich auch die Lichtarbeiten des Künstlers Via Lewandowsky in der Reihe POSITION #03. Sie strahlen täglich von 12.00 bis 22.00 Uhr nicht nur in die Stadtgalerie, sondern erhellen auch die Altstadt und wecken Neugier auf das, was sich im Haus entwickelt.

In unseren Ausstellungsräumen in Kronshagen, am Rathausplatz 1, zeigen wir in einer ständig wechselnden Ausstellung Künstlerinnen und Künstler der Galerie. Die Ausstellung ist auch nach telefonischer Vereinbarung zu anderen Zeiten für Sie / Euch geöffnet.

Die Ausstellung der Mitglieder von Defacto Art widmet sich dem Thema „Brücken“ und zeigt Werke aus Malerei, Skulptur und Installation. Dabei werden Brücken sowohl als reale Bauwerke als auch als Metaphern für Verbindung, Vertrauen, Erinnerung und Verständigung interpretiert. Im Mittelpunkt steht die Idee, Menschen, Kulturen und Perspektiven miteinander zu verbinden und den gesellschaftlichen Zusammenhalt zu stärken.
Während der Öffnungszeiten sind wechselnde Künstler:innen anwesend und laden zum persönlichen Austausch ein. Ergänzt wird die Ausstellung durch zwei Sonntagslesungen, die jeweils um 15 Uhr stattfinden und sich ebenfalls mit dem Thema „Brücken“ auseinandersetzen.

Die Matrix der Wahrnehmung – Malerei zwischen Illusion und Realität

Meine Malerei erkundet das Spannungsfeld von Illusion und Realität. Durch Transparenzen und Farbüberlagerung offenbare ich die Flüchtigkeit von Erscheinungen und mache sichtbar, was sonst verborgen bleibt. Ich unterscheide dabei zwischen der „Realität“ als Konstruktion unseres Bewusstseins und der Realität als nondualer Tatsache, die von den Erscheinungen unabhängig ist.

Durchscheinende Figuren – zwischen Barock und Manga – oszillieren zwischen Präsenz und Auflösung. Die Werke erinnern an Benutzeroberflächen oder Spieloberflächen – sie sind visuell instabil, ähnlich wie sich wandelnde Interfaces. Ich male die „Matrix“ im Moment ihrer Auflösung.

Ich dekonstruiere historische Selbstdarstellungen, indem ich barocke Repräsentationsideale als fragile Echos heutiger digitaler Inszenierungen lese. Die perfekte Oberfläche war schon immer brüchig: Barocke Krisen spiegeln sich heute in digitaler Selbstoptimierung wider. Instagram-Filter ersetzen Puderperücken, Feed-Ästhetik tritt an die Stelle von Prunkgemälden. Menschen erscheinen als medial bearbeitete Hüllen – visuell greifbar, aber substanzlos.

Meine Arbeit nutzt bewusst Cuteness: Pastellfarbene Barock- und Kawaii-Figuren verweisen auf gesellschaftliche Stereotype, hinterfragen durch ihre auf die Spitze getriebene Künstlichkeit die Grenze zwischen Menschlichem und Posthumanem, und bieten gerade in ihrer reinen Oberflächlichkeit das Potenzial Erscheinungen als das zu erkennen, was sie sind – flüchtige Konstruktionen.

In Zeiten von künstlicher Intelligenz und algorithmischen Identitäten fordert meine Kunst dazu auf, scheinbar stabile Kategorien zu hinterfragen, eigene Wahrnehmungsmuster zu reflektieren und der nondualen Realität gewahr zu werden, in der alle Erscheinungen auftauchen.

Unter dem Titel „Resonanzen“ entsteht über das ganze Jahr 2026 eine fortlaufende Ausstellung, in der sich Künstler:innen mit unterschiedlichen Themen unserer Zeit auseinandersetzen. Krisen und Veränderungen erzeugen Unsicherheit und Ängste. Aber kann man Unsicherheit nicht auch als etwas Produktives verstehen, aus dem neue positive Narrative für die Zukunft entstehen? Und in wieweit können künstlerische Arbeiten dazu beitragen?
Als fließender Prozess, der Denkanstösse zum Handeln vermitteln will, werden sich die gezeigten Arbeiten immer wieder verändern, in einen Dialog miteinander treten und so neue Impulse setzen. Besucher:innen sind eingeladen, die Stadtgalerie ständig neu zu entdecken. Monatliche begleitende Veranstaltungen laden zum gemeinsamen Nachdenken über die Themen ein.
Unter dem Motto „Fließende Begegnungen und akustische Zwischenräume“ werden zunächst Klangarbeiten gezeigt, die sich mit dem Raum und der Außenwelt verbinden. Kuratiert wurde die Ausstellung von Marita Landgraf und dem ehemaligen Stipendiaten des Künstler:innenhaus Heiko Wommelsdorf. Sein Schwerpunkt sind raumbezogene Klanginstallationen.
In das Konzept integrieren sich auch die Lichtarbeiten des Künstlers Via Lewandowsky in der Reihe POSITION #03. Sie strahlen täglich von 12.00 bis 22.00 Uhr nicht nur in die Stadtgalerie, sondern erhellen auch die Altstadt und wecken Neugier auf das, was sich im Haus entwickelt.

Die Ausstellung der Mitglieder von Defacto Art widmet sich dem Thema „Brücken“ und zeigt Werke aus Malerei, Skulptur und Installation. Dabei werden Brücken sowohl als reale Bauwerke als auch als Metaphern für Verbindung, Vertrauen, Erinnerung und Verständigung interpretiert. Im Mittelpunkt steht die Idee, Menschen, Kulturen und Perspektiven miteinander zu verbinden und den gesellschaftlichen Zusammenhalt zu stärken.
Während der Öffnungszeiten sind wechselnde Künstler:innen anwesend und laden zum persönlichen Austausch ein. Ergänzt wird die Ausstellung durch zwei Sonntagslesungen, die jeweils um 15 Uhr stattfinden und sich ebenfalls mit dem Thema „Brücken“ auseinandersetzen.

Die Matrix der Wahrnehmung – Malerei zwischen Illusion und Realität

Meine Malerei erkundet das Spannungsfeld von Illusion und Realität. Durch Transparenzen und Farbüberlagerung offenbare ich die Flüchtigkeit von Erscheinungen und mache sichtbar, was sonst verborgen bleibt. Ich unterscheide dabei zwischen der „Realität“ als Konstruktion unseres Bewusstseins und der Realität als nondualer Tatsache, die von den Erscheinungen unabhängig ist.

Durchscheinende Figuren – zwischen Barock und Manga – oszillieren zwischen Präsenz und Auflösung. Die Werke erinnern an Benutzeroberflächen oder Spieloberflächen – sie sind visuell instabil, ähnlich wie sich wandelnde Interfaces. Ich male die „Matrix“ im Moment ihrer Auflösung.

Ich dekonstruiere historische Selbstdarstellungen, indem ich barocke Repräsentationsideale als fragile Echos heutiger digitaler Inszenierungen lese. Die perfekte Oberfläche war schon immer brüchig: Barocke Krisen spiegeln sich heute in digitaler Selbstoptimierung wider. Instagram-Filter ersetzen Puderperücken, Feed-Ästhetik tritt an die Stelle von Prunkgemälden. Menschen erscheinen als medial bearbeitete Hüllen – visuell greifbar, aber substanzlos.

Meine Arbeit nutzt bewusst Cuteness: Pastellfarbene Barock- und Kawaii-Figuren verweisen auf gesellschaftliche Stereotype, hinterfragen durch ihre auf die Spitze getriebene Künstlichkeit die Grenze zwischen Menschlichem und Posthumanem, und bieten gerade in ihrer reinen Oberflächlichkeit das Potenzial Erscheinungen als das zu erkennen, was sie sind – flüchtige Konstruktionen.

In Zeiten von künstlicher Intelligenz und algorithmischen Identitäten fordert meine Kunst dazu auf, scheinbar stabile Kategorien zu hinterfragen, eigene Wahrnehmungsmuster zu reflektieren und der nondualen Realität gewahr zu werden, in der alle Erscheinungen auftauchen.

Die Ausstellung der Mitglieder von Defacto Art widmet sich dem Thema „Brücken“ und zeigt Werke aus Malerei, Skulptur und Installation. Dabei werden Brücken sowohl als reale Bauwerke als auch als Metaphern für Verbindung, Vertrauen, Erinnerung und Verständigung interpretiert. Im Mittelpunkt steht die Idee, Menschen, Kulturen und Perspektiven miteinander zu verbinden und den gesellschaftlichen Zusammenhalt zu stärken.
Während der Öffnungszeiten sind wechselnde Künstler:innen anwesend und laden zum persönlichen Austausch ein. Ergänzt wird die Ausstellung durch zwei Sonntagslesungen, die jeweils um 15 Uhr stattfinden und sich ebenfalls mit dem Thema „Brücken“ auseinandersetzen.

Unter dem Titel „Resonanzen“ entsteht über das ganze Jahr 2026 eine fortlaufende Ausstellung, in der sich Künstler:innen mit unterschiedlichen Themen unserer Zeit auseinandersetzen. Krisen und Veränderungen erzeugen Unsicherheit und Ängste. Aber kann man Unsicherheit nicht auch als etwas Produktives verstehen, aus dem neue positive Narrative für die Zukunft entstehen? Und in wieweit können künstlerische Arbeiten dazu beitragen?
Als fließender Prozess, der Denkanstösse zum Handeln vermitteln will, werden sich die gezeigten Arbeiten immer wieder verändern, in einen Dialog miteinander treten und so neue Impulse setzen. Besucher:innen sind eingeladen, die Stadtgalerie ständig neu zu entdecken. Monatliche begleitende Veranstaltungen laden zum gemeinsamen Nachdenken über die Themen ein.
Unter dem Motto „Fließende Begegnungen und akustische Zwischenräume“ werden zunächst Klangarbeiten gezeigt, die sich mit dem Raum und der Außenwelt verbinden. Kuratiert wurde die Ausstellung von Marita Landgraf und dem ehemaligen Stipendiaten des Künstler:innenhaus Heiko Wommelsdorf. Sein Schwerpunkt sind raumbezogene Klanginstallationen.
In das Konzept integrieren sich auch die Lichtarbeiten des Künstlers Via Lewandowsky in der Reihe POSITION #03. Sie strahlen täglich von 12.00 bis 22.00 Uhr nicht nur in die Stadtgalerie, sondern erhellen auch die Altstadt und wecken Neugier auf das, was sich im Haus entwickelt.