Günter Grass war nicht nur ein großartiger Wort- und Bildkünstler, sondern auch ein leidenschaftlicher Tänzer. Ab 28. März 2024 widmet sich daher die neue Ausstellung „GRASS TANZBAR“ im Lübecker Günter Grass-Haus dem Thema Tanz. Wie und wann Günter Grass das Tanzen gelernt hat, welchen Einfluss das Ballett auf sein Werk hatte und was der Autor über die Loveparade in Berlin geschrieben hat – darüber informiert diese ungewöhnliche Schau, in der die Exponate und die Besucher:Innen selbst in Bewegung geraten. Sie ist bis 5. Januar 2025 in Lübeck zu sehen.

Die Ausstellung zeigt zahlreiche Manuskripte sowie Grafiken, Lithografien und Plastiken des Grafikers, Malers, Bildhauers und Schriftstellers zum Thema Tanz. Ein Highlight im Raum ist eine Drehbühne mit einer Bar. Hier können die Besucher:innen Platz nehmen, Getränke der Firma VOELKEL zu sich nehmen, miteinander ins Gespräch kommen und sich von einer Themenecke zur nächsten drehen lassen. Die Ausstellung wurde von dem renommierten Berliner Designer Matthias Kaminsky gestaltet. Die Kurator:innen sind Katrin Wellnitz, Julia Wittmer und Dr. Jörg-Philipp Thomsa.

Die Schau ist in drei Themenblöcke gegliedert: „Eine tanzwütige Zeit“, „Der Mensch als Tanzmaschine“ und „Letzte Tänze“, analog zu den Lebensstationen von Günter Grass, die mit Tanz zu tun haben. Zunächst geht es um seine ersten Tanzversuche als Jugendlicher, geführt von „vereinsamten Soldatenbräuten“. Es folgen die „tanzwütigen“ Nachkriegsjahre, in denen Grass die Wochenenden durchtanzte, sowie seine ersten Begegnungen mit dem Ballett durch seine erste Frau Anna, die bei Mary Wigman in Berlin Ausdruckstanz studierte. Sie inspirierte ihn dazu, sich mit dem Tanz und speziell dem Ballett sowohl künstlerisch als auch theoretisch zu beschäftigen. Grass schrieb Ballettstücke, zeichnete oder modellierte tanzende Figuren und schrieb einen seiner ersten Essays: „Die Ballerina“ (1956). Im Roman „Hundejahre“ (1963) beschreibt er die Entstehung von immer komplexeren mechanischen Vogelscheuchen, die einerseits in Perfektion tanzen, andererseits zum Abbild des nationalsozialistischen Menschen werden. 2003 schließlich veröffentlichte Günter Grass den Text-Bild-Band „Letzte Tänze“. Dafür töpferte er Tanzpaare aus Ton, fertigte Kohlezeichnungen und Lithografien an und dichtete dazu – eine Hommage an die Liebe und den Tanz.

Mit verschiedenen medialen Präsentationsformen wie Videoinstallationen und Soundduschen beleuchtet das Günter Grass-Haus auf kurzweilige Art zahlreiche Facetten des Tanzens. Auf zwei Monitoren ist Günter Grass selbst beim Tanzen zu sehen. Selbstverständlich stehen neben fröhlichen Motiven auch politische Aspekte des Tanzens im Fokus. Im Roman „Die Blechtrommel“ lässt der Autor den kleinen Oskar Matzerath mit seiner Trommel eine nationalsozialistische Versammlung sprengen, indem er die Nationalsozialisten im wahrsten Sinne des Wortes aus dem Takt bringt und sie Charleston und Walzer tanzen lässt. Diese berühmte Tribünen-Szene zeigt ein von der Illustratorin und Figurenbauerin Sara-Christin Richter entworfenes Diorama.

Eine Filmcollage des Hamburger Künstlers Mikhele Apitzsch greift die gesellschaftliche Dimension des Tanzens in unterschiedlichen Ländern auf. Wie politisch Tanz- und Musikveranstaltungen werden können, ist gerade durch Angriffe auf Vergnügen in der jüngsten Geschichte in Paris 2015, Israel 2023 und Moskau 2024 schmerzhaft zu beobachten gewesen.

Die ganz jungen Gäste werden mithilfe eines eigenen Ausstellungshefts kindgerecht durch die märchenhaften Gefilde der Tanzwelt von Günter Grass geführt.

Mit KUNST AUF REISEN/ART IN MOTION – 2024 beginnt der Start einer der kreativen und spielerischen Kommunikationsaktion mit einer Institution, die für die Zusammenarbeit zwischen Künstler, Kunst und dem Betrachter eine herausragende Rolle und Symbiose spielen kann.

Die Seemannsmission in Hamburg Altona in der großen Elbstraße 132. Sie ist dabei nicht nur Hamburgern, sondern auch Seefahrern in aller Welt als Ort der Geborgenheit, der zeitlich begrenzten Heimat und des interkulturellen Austausches bekannt.
Kunst und Kultur konnte und kann gerade in gesellschaftspolitisch virulenten Zeiten hier bereits einen ergänzenden Beitrag leisten, Menschen unterschiedlichster Hautfarbe, Sozialisation, Herkunft und Religionszugehörigkeit zusammenzuführen, um dabei freien und friedlichen Austausch der Standpunkte zu ermöglichen. Ausstellungskonzepte haben in den letzten Jahren bereits erfolgreich Fuß gefasst.

Die Arbeiten im zentralen Raum der Seefahrermission können dabei weiterhin den Impuls des Gespräches und des kulturellen Austausches initiieren. Und sie können bei „Gefallen“ ihre Reise als begleitendes Geschenk zurück in die Heimat der weltweit tätigen Seefahrer/Innen und Festigung der Missionsidee in die Welt tragen.
Es kann dann am Zielort in neuer Umgebung und Erinnerung mit der jeweiligen Reise versehen werden. Am Ende bleibt in der Seemannsmission (der Zeitraum wird noch festgelegt) eine leere Wand übrig. Kunst auf Reisen ist dann zu Ende, ähnlich dem Arbeitsvertrag von Mitarbeiterinnen und Mitarbeitern auf Containerschiffen und Kreuzfahrtschiffen. Und Kunst auf Reisen/Art in Motion bleibt eine Reise der Erinnerungen, die durch eine Karte bei Google Maps wachgehalten wird. Sie zeigt mittels roter Pins/Markierungen die Orte an, wo die Bilder im Projektzeitraum gelandet sind. Das setzt voraus, dass die Teilnehmer/Innen von Art in Motion den letzten Standort des Bildes als Ende seiner unter aim@kunsteins.de mitteilen.

Auch wenn die Fotografien von Nicole Ahland, Corina Gertz und Kris Scholz die Gegenwart zeigen, fühlen sich die Betrachtenden an Vergangenes erinnert. Die im Rahmen ihres Artist-in-Residence-Aufenthalts auf Föhr geschaffenen Werke zwingen zum Innehalten und zur Selbstbefragung im Hinblick auf unseren Umgang mit Erbe, Traditionen und Werten.

So erkundet Nicole Ahland, die bereits mehrfach auf Föhr zu Gast war, leer stehende Innenräume und Gebäude, in deren Mauern und in zurückgelassenen Objekten Geschichten eingeschrieben zu sein scheinen. „Räume spiegeln unsere Gesellschaft“ – so sagt sie treffend.

Die Fotografin Corina Gertz widmet sich in ihrer Serie Das abgewandte Porträt den Tracht tragenden Föhrerinnen. Ohne von Mimik, Gestik oder dem Umraum abgelenkt zu werden, richtet sich der Fokus auf die Rückansichten: aufwendige Frisuren, detaillierte Stickereien der Kopf- und Schultertücher und die Stofflichkeit der Röcke. Durch diese Konzentration entfalten Gertz’ Aufnahmen eine große Ruhe und erzählen von Herkunft, Tradition und vom sich wandelnden Handwerk.

Kris Scholz, bis 2021 als Professor für künstlerische Fotografie an der Hochschule Darmstadt tätig, arbeitet gezielt mit dem historischen Papiernegativverfahren. Dadurch vermitteln seine großformatigen Landschaftsaufnahmen in Schwarz-Weiß den Eindruck, als würden wir an Orte der Vergangenheit geführt.

Die Galerie Tobien und die Kunstsammlung unserer Gemeinde veranstalten gemeinsam die Ausstellung „Connected“.
Als Kunstsammlung haben wir aus unserem Fundus dieses Mal Bilder der Drucktechnik herausgesucht. Von dem anerkannten und herausragenden Künstler Wolfgang Werkmeister haben wir Radierungen aus seinen Westküsten- und Nordfriesland-zyklen für unsere Sammlung erworben. Diese zeigen wir zusammen mit Bildern, die von weiteren Künstlern unserer Westküste stammen. Zum Beispiel von Friedrich Karl Gotsch, der hier nach dem Krieg lebte, von Gerd Uschkereit, der erst am Gymnasium, später in Flensburg an der Pädagogischen Hochschule lehrte, von Diether Kressel, zu dem Hansjürgen Krähe und Eckhard Kloth (die u.a. die Kunstsammlung aufbauten) gute Beziehungen pflegten und von Erhard Schiel, dessen Radierungen bundesweit Beachtung fanden.
Das Besondere unserer 15. Ausstellung: Wir zeigen nur Druckgrafiken von Künstlern der Westküste. Die Bilder sind oft in schwarz-weiß gehalten. Farbe kommt aber dennoch ins Spiel. Lassen Sie sich überraschen, welche Vielfalt Ihnen diese Ausstellung bietet.
Wir freuen uns auf Ihren Besuch,

Janus la Cour (1837–1909), an der dänischen Westküste geboren, gilt es wiederzuentdecken – vor allem in seiner Modernität. Bekannt als großer Einsiedler, hatte er bei seiner ersten Italienreise 1867 den Traum von einem perfekten Bild: ein leerer Strand, wild und öde. In den Schweizer Bergen, im warmen Italien, aber besonders bei seinen Wanderungen an den heimischen Stränden bei Århus suchte er seitdem karge, einsame Orte auf und verherrlichte sie in seiner fast meditativen Kunst. Bis heute faszinieren diese oft seriell angelegten menschenleeren Monumente der Stille. Nicht zuletzt hält er eine gefährdete Natur fest, die in der fortschreitenden Industrialisierung Europas zu verschwinden droht, und betont damit zugleich seine Ablehnung des impressionistischen Paris, das er wie alle Großstädte abscheulich fand. Er animiert uns, innezuhalten.

Die Ausstellung − entstanden in Kooperation des MKdW und der Nivaagaards Malerisamling in Nivå, Dänemark − basiert auf Meisterwerken aus der Berliner Janus-la-Cour, Sammlung von Christoph Müller, und wird um Leihgaben aus Privatsammlungen sowie wichtigen dänischen Museen ergänzt. Erweitert wird sie um zeitgenössische Perspektiven: Die Maler Per Kirkeby und Sven Drühl, die selbst La-Cour-Sammler waren beziehungsweise sind, setzen sich in ihren Werken direkt oder indirekt mit La Cours Kunst auseinander.

Selma Goebel bannt Strukturen und Farben auf Stoffe, oft in vielen Schichten übereinan-der, bis Tiefen und Farbräume entstehen. Die bedruckten Stoffe werden kombiniert und plan auf Holzkörper aufgezogen. Das Bild ist vollendet, wenn es in der Künstlerin ein Ge-fühl weckt, das sie in der Natur hatte.

„Wie viele Farbschichten übereinander? Wie viele Stoffe pro Bild? Wann hat das Wenige seine stärkste Präsenz?“ Diese Fragen begleiten die Künstlerin bei ihrem Schaffenspro-zess. Es entstehen Bilder mit farbstarken Flächen und Strukturen und einer sehr redu-zierten Formensprache, die trotz ihrer Brillanz auch Ruhe ausstrahlen.

Selma Goebel hat Ausbildungen zur Tischlerin, Diplom-Designerin und Künstlerin absol-viert. In ihrem künstlerischen Schaffen entwickelt sie ihre eigenen Techniken der Materi-albearbeitung, wie zum Beispiel den Stoffdruck in der jetzigen Phase. Ausstellungen mit ihren Werken wurden in Skandinavien, Nord- und Süddeutschland gezeigt. Selma Goebel lebt in Schleswig-Holstein.

Die Ausstellung „Von der Natur inspiriert“ zeigt das Museum Tuch Technik vom 29. November 2024 bis zum 21. April 2025.

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> Wenn gewünscht: Vermittlung von Workshops, Einzel-/Gruppenunterricht für EinsteigerInnen und Fortgeschrittene.

Kontakt:
Gitronik Handpans&More Hamburg
Fuhlsbüttlerstraße 681 Hamburg-Ohlsdorf
040-5000990 Mail: info(at)gitronik.de

Die Gemälde des jungen, aus Ostholstein stammenden Künstlers Steffen Schwien (*1992) faszinieren nämlich durch ein flirrendes Farbspektrum, welches an Frühling, Sommer, die erste Liebe, Leidenschaft, aber auch Schmerz, Sehnsucht und Traurigkeit erinnern.  Für den Betrachtenden gewinnt die anfängliche Abstraktion an einer individuellen charakteristischen Gegenständlichkeit. Für Steffen Schwien ist die entgegentretende Abstraktion in den Gemälden ein Spiegel seiner Emotionen, die durch den körperlich kraftvollen Schaffensprozess an fesselnder Strahlkraft gewinnen. Dazugehörige Gedichte vertiefen und erweitern die zum Teil großformatigen Werke vielschichtig. 

Steffen Schwien entwickelt durch seine eigenständig erarbeite Ausdrucksmöglichkeit mit Acryl und Feuer den seiner Werke obliegenden expressiven Ausdruck. Die Verflüssigung der Farbe durch Feuer, das Vermengen und Zerfließens der einzelnen Farbschichten lässt aus der Reaktion Farbstrukturen entstehen, die ein vielfältigstes Assoziationsspektrum ermöglichen. Die zuvor auf der grundierten Leinwand und Vorskizzen aufgetragenen vielzähligen Farbschichten erfahren durch die Vermischung eine spezielle reliefartige Plastizität aus der Zweidimensionalität.

Ein erzwungener Paradigmenwechsel ermöglichte Steffen Schwien seinen ursprünglichen Blick auf das Leben zu verändern, um sich ganz der Kunst zu widmen. Nationale und internationale Ausstellungsprojekte erkennen den autonomen Weg des Künstlers Steffen Schwien an.

Vergängliche Augenblicke – von Heiko Westphalen

Der Flensburger Fotokünstler Heiko Westphalen lädt mit seiner neuen Ausstellung „Vergängliche Augenblicke“ zu einer faszinierenden Entdeckungsreise durch die Straßen des Alltags ein. Seine Werke widmen sich den unscheinbaren, oft übersehenen Details des urbanen Lebens – jenen kleinen Momenten und Szenen, die eine stille, aber eindringliche Geschichte erzählen.

Westphalen, bekannt für seine besondere Sicht auf die Welt, lenkt den Blick auf das, was jenseits des Offensichtlichen liegt: die abgeblätterte Farbe einer Hauswand, das Spiel von Licht und Schatten auf einer Bank, vergängliche Kunst im urbanen Raum. Ohne dabei plakativ zu wirken, fängt er die Poesie der scheinbaren Nebensächlichkeiten ein und zeigt, wie vergänglich und zugleich bedeutungsvoll die Spuren des Alltags sind.

Seine Streetfotografie verzichtet auf spektakuläre Szenen oder offensichtliche Motive. Stattdessen lädt sie dazu ein, innezuhalten, genauer hinzusehen und die Schönheit im Unscheinbaren zu entdecken. Es sind Bilder, die zum Nachdenken anregen und die Frage aufwerfen, wie viel wir im Alltag an uns vorbeiziehen lassen, ohne es wirklich wahrzunehmen.

„Vergängliche Augenblicke“ ist eine Hommage an das Alltägliche – voller Melancholie, aber auch voller leiser Freude. Die Ausstellung wird ab 11. Februar – 3. Mai 2025 im Haus der Fotografie in Husum, Am Außenhafen 28 gezeigt. Lassen Sie sich von Heiko Westphalens einzigartigem Blick auf die Welt inspirieren! Die Öffnungszeiten sind von Di bis Samstag 10 – 17 Uhr, So 11 -15 Uhr.

Die Overbeck-Gesellschaft eröffnet mit der Ausstellung Half Frame der zyprischen Künstlerin Maria Toumazou Programm unter der Leitung der neuen Direktorin Paula Kommoss.

In ihrer ersten institutionellen Einzelausstellung in Deutschland nutzt Toumazou Techniken der fotografischen Bilderzeugung, um bereits bestehende Werke (neu) zu interpretieren und weiterzuentwickeln. Der Titel der Ausstellung bezieht sich auf das Modell der Halbformatkamera, die in den frühen 1960er-Jahren populär wurde und die Fotografie revolutionierte. Durch die Halbierung der Bildgröße auf einem Standard-35-mm-Film verdoppelte sich die Anzahl der Belichtungen bei gleichen Kosten. Diese Verdopplung verweist
zum einen auf die Intensivierung einer fotografischen Erfahrung. Zum anderen kann sie als Vorbote eines kontinuierlichen technischen Fortschritts der Bilderfassung verstanden werden, der unsere Gegenwart als vielschichtiges, dezentrales und hyperreferenzielles Phänomen prägt.

Toumazou greift in ihrer Ausstellung frühe Formen der fotografischen Bildproduktion auf und präsentiert in der Overbeck-Gesellschaft eine ortsspezifische Installation, die eine ephemere und flüchtige optische Erfahrung schafft. Indem sie unser Verlangen nach einem vollständigen Bild bewusst unerfüllt lässt, hinterfragt Toumazou die Fragmentierung unserer Wahrnehmung. Diese Formen des Sehens stehen für die Künstlerin im Zusammenhang mit der Sichtbarmachung marginalisierter Wissensformen.

Half Frame erstreckt sich über die Räume der Kulturkirche St. Petri auf einen zweiten Ort. Hier eignet sich Toumazou in ihren Skulpturen bereits existierende Objekte an und interpretiert diese neu. So findet eine Glockenkrone aus einer Kirche in Nikosia, Zypern, Eingang in die Ausstellung.

Ihre tentakelhafte Form verleiht der Skulptur dabei eine beinahe organische Anmutung. Auch andere Objekte werden von Toumazou mit subtilen Eingriffen verändert: Ventilatoren der Marken Emily, Midea und Serpa, die, ihrer Klingen beraubt, an Überwachungsapparate erinnern; daneben die Überreste eines nicht mehr erhältlichen Essteller-Sets mit dem Bild einer abstrahierten Großstadtlandschaft, das aus einem Geschäft in der Altstadt von Nikosia stammt. Wie Mythen die Kulturen durchwandern, so zirkulieren Markenartikel in der globale Wirtschaft – ein tiefgreifender Antagonismus, der die Geschichte und Gegenwart Zyperns prägt.

In ihren Arbeiten untersucht Toumazou die verborgenen Geschichten gefundener Objekte und bereits existierender künstlerischer Konzepte. Dabei zeichnet sie die Geschichte ihrer Wiederverwendung nach und beschäftigt sich mit deren erzählerischem Potenzial. Durch das Zusammenspiel von Ort, Objekt und Bild stellt sie tradierte Vorstellungen von Identität, Authentizität und Zusammenarbeit in Frage. Mit Half Frame eröffnet Toumazou uns eine neue Perspektive, von der aus die Relikte eines technologischen und kulturellen Optimismus, in einer Abfolge von Halbbildern betrachtet werden können.

Aus dem Artist-in-Residence-Programm des MKdW wurden zwei Künstler ausgewählt, die mit sehr unterschiedlichen Techniken arbeiten, aber eine große Begeisterung teilen: die intensive Auseinandersetzung mit der Natur.

Der deutsche, in Hamburg lebende Maler Jochen Hein (* 1960) sowie der argentinische, in Berlin tätige Installationskünstler Miguel Rothschild (* 1963) loten in ihren Werken das Verhältnis von Mensch und Natur neu aus. Die Landschaft wird zur bestimmenden Größe. Oftmals lässt sich nicht sagen, ob es eine Natur vor oder nach den Menschen ist – jegliche zivilisatorische Zeugnisse fehlen in ihr und erschweren damit, die reale Größe der Landschaft zu ermessen.

Die Künstler begeistern sich für alle Witterungsphänomene – Stürme überziehen das Land, Nebel steigen auf, Wolken regnen sich ab, Sonnenstrahlen dringen durch Laubwerk. Immer wieder werden neue atmosphärische Stimmungen in den oftmals monumentalen Bildformaten eingefangen. Gerade die schnellen Wetterwechsel, denen die Natur auf Föhr ausgesetzt ist, bilden einen Motivkreis. Oft scheint es, als würden die Bildräume über ihre realen Begrenzungen ausgreifen. Jochen Hein arbeitet zudem in Serien, um die tageszeitlichen Veränderungen zu visualisieren, die dem Land, dem Meer und dem Himmel immer wieder eine andere Ausdruckskraft verleihen. Demgegenüber bricht Rothschild die Bildoberflächen auf, durchlöchert sie sogar oder fügt ihnen Brandstellen hinzu. Die Betrachtenden werden gefordert, sich ihrer Beziehung zur Urkraft der Natur im Wissen um die sich dramatisch verändernden klimatischen Bedingungen zu stellen.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.

Die in Mecklenburg lebenden Künstlerinnen Monika Lawrenz und Anke Bastrop widmen sich in den Gattungen Fotografie und Lyrik der Natur und stellen die ihr innewohnende Schönheit sowie ihre Verletzlichkeit und Gefährdung in den Vordergrund.

Monika Lawrenz fotografiert still beobachtend Augenblicke, die sie in Deutschland, in der Schweiz, auf Island und in Norwegen vorfindet. Ihre Fotografien erzählen noch im Flüchtigen von den unendlich scheinenden Kreisläufen des Lebens. Indem sie die Farbe in ihren Fotografien reduziert oder die Linien in Dunst und Atmosphäre auflöst, vermitteln die Arbeiten eine besondere Nähe zur künstlerischen Grafik.

Anke Bastrop greift die Motive der Fotografien in ihren Texten auf und führt sie schreibend fort. Seien es die Kraniche in der Winterlandschaft oder auch das Torfabbaugebiet als Wunde – Bilder und Texte der Ausstellung berühren in ihrem Zusammenspiel und zeigen ein Spannungsfeld zwischen dem Verlorenen und dem Unverlierbaren auf.

Bei dieser Wanderausstellung wandern nicht die Kunstwerke, sondern die Menschen. Und zwar von Kirche zu Kirche.

Während der gesamten Passionszeit werden in den Kirchen der Region Billstedt und Horn Werke des Künstlers Ludger Trautmann zu sehen sein. Der Hamburger Bildhauer und Maler hat bereits die Philippus-Rimbert-Kirche nach deren Umbau mitgestaltet. Hinzu kommen ausgewählte Bildzyklen und Einzelobjekte von herausragenden Künstlern der klassischen Moderne aus der Grafiksammlung der Nordkirche. Folgende Werke werden zu sehen sein:

SCHIFFBEK-ÖJENDORF
Jubilatekirche, Merkenstraße 4, Hamburg
Polnischer Kreuzweg – HAP Grieshaber /
Gemeindehaus, Merkenstraße 4, Hamburg
So, 12.00-13.00 Uhr, Mo, 10.00-12.00 Uhr, So, Di-Fr, 12.00 – 13.00 Uhr
Weiteres auf Anfrage über das Kirchenbüro:
www.doppelfisch.de / 040 712 02 79

PHILIPPUS-RIMBERT
Passionsgesicht – Max Uhlig /
Christuskopf – Odilon Redon /
Passionszyklus – Otto Dix /
Gemeindehaus, Manshardtstraße 105, Hamburg
Di, Do und Fr, 10.00-12.00 , So, 11.00-12.00
Weiteres auf Anfrage über das Kirchenbüro:
www.philippus-rimbert.de, 040 655 43 00

HORN
Christusbilder von George Rouault /
Martinskirche, Bei der Martinskirche 2, Hamburg
So, 12.00-13.00 Uhr, Di – Fr von 10.00 – 12.00 Uhr u. Mi
von 16.00 -18.00 Uhr.
Weiteres auf Anfrage über das Kirchenbüro:
www.martinskirche-horn, Tel. 040 226 3323-59

Auch die Vernissage zur Ausstellung wandert. Sie beginnt am Sonntag, 2. März um 12.00 Uhr in der Jubilatekirche, wird um 15.00 in Philippus-Rimbert fortgesetzt und endet um 18.00 Uhr in der Martinskirche. Die Finissage findet am Ostermontag, 21. April 2025 im Anschluss an den Gottesdienst in der Jubilatekirche statt.

Die Werke der Ausstellung werden aufgenommen in der Reihe der Passionsandachten, die am Mittwoch, 5. März 2025 um 18.00 Uhr in der Jubilatekirche beginnt.
Die weiteren Passionsandachten finden jeweils mittwochs um 18 Uhr an folgenden Orten statt:
Martinskirche (12. März 2. 16. April)
Philippuskirche (19. März 9. April)
Jubilatekirche (5. 26. März)

Die Künstlerin Jutta Gottschalt hat sich zum Ziel gesetzt, durch die Beteiligung der Öffentlichkeit, den „Ein-Farb-Raum Schwarz“ zu gestalten. Hierfür wurden die Menschen aufgerufen, schwarze, ausgediente Kabel zu sammeln und für das Kunstwerk zur Verfügung zu stellen. Entstanden sind mehrere kleine Objekte und eine spinnwebartige Raum-Installation.

Die Künstlerin nennt ihre Raumgestaltung „Stromausfall“. Ein Stromausfall bewirkt, dass die elektrische Versorgung eines bestimmten Gebiets oder einer bestimmten Region unterbrochen ist. Dies kann dazu führen, dass Haushalte, Unternehmen und öffentliche Einrichtungen ohne Strom sind.

Dadurch können diverse Geräte, wie elektronische Geräte, Computer, Kühlschränke, Heizungen, Beleuchtung und Sicherheitssysteme nicht mehr funktionieren. In einigen Fällen kann ein längerer Stromausfall auch zu Beeinträchtigung von Hilfeleistung und der öffentlichen Sicherheit führen.

Die Idee hinter diesem Kunst-Projekt ist es, Menschen zum Nachdenken anzuregen und deutlich zu machen, wie wichtig der Strom in der heutigen Zeit ist und wie stark unser alltägliches Leben vom Strom abhängt.

Das Exlibris als besondere Form der Kleingrafik hat eine lange, bis ins Mittelalter reichende Tradition, diente es doch als künstlerisch gestaltete Besitzanzeige in Büchern zur Kennzeichnung des Eigentümers. Die Verwendung und Umsetzung von Exlibris hatte durch die Jahrhunderte Bestand und erlebte schließlich Ende des 19. Jahrhunderts einen neuen Aufschwung, an dem Künstler wie Max Klinger wesentlichen Anteil hatten. Es entstanden Exlibris mit vielfältigen Themen und Motiven sowie in unterschiedlichen Ausführungen. Insbesondere im Jugendstil und im Expressionismus erfreute sich die Gattung des Exlibris bei Künstlern und Publikum großer Beliebtheit, woraus sich in der Folge Untergattungen entwickelten und Exlibris zum Gegenstand eigener Sammlungen von Kunstkennern wurden.

Sämtliche Exponate in der Ausstellung stammen aus Privatbesitz.

Ausdrucksstark und stimmungsvoll sind die Werke der Laboer Malerin, die fast ausschließlich Landschaften zeigen. Das Betrachten und Erleben der Natur führt sie zu ihren Bildmotiven, die sie in der näheren Umgebung ihrer Heimatgemeinde Laboe oder an weiter entfernten Orten aufsucht. Gleich drei Museen präsentieren die Werke der Malerin mit unterschiedlicher Akzentuierung: das Museum des Kreises Plön, das Probstei Museum Schönberg und das Künstlermuseum Heikendorf.

𝐑𝐞𝐢𝐬𝐞𝐥𝐮𝐬𝐭 𝐒𝐤𝐚𝐧𝐝𝐢𝐧𝐚𝐯𝐢𝐞𝐧 bei uns im Künstlermuseum
Eröffnung: Samstag, 8. März, 17 Uhr
Unkostenbeitrag Vernissage: 1 Euro/Person
Ausstellungsdauer: 8. März bis 8. Juni 2025

𝐀𝐮𝐬𝐟𝐥𝐮𝐠𝐬𝐳𝐢𝐞𝐥 𝐖𝐞𝐬𝐭𝐤ü𝐬𝐭𝐞 im Museum des Kreises Plön
Eröffnung: Freitag, 7. März, 19:30 Uhr
Ausstellungsdauer: 8. März bis 14. September 2025

𝐀𝐧𝐤𝐞𝐫𝐩𝐥𝐚𝐭𝐳 𝐋𝐚𝐛𝐨𝐞 im Probstei Museum Schönberg
Eröffnung: Sonntag, 9. März, 11:15 Uhr
Ausstellungsdauer: 9. März bis 13. Juli 2025

Der kulturelle Hotspot auf dem Lande:
Die Galerie für Aktuelle Kunst in Achterwehr feiert ihr 10-jähriges Bestehen

Gisella Reime, Galeristin und Malerin, holt für ihre Jubiläumsausstellung namhafte Künstlerinnen und Künstler zusammen, die in den vergangenen 10 Jahren dort ausgestellt hatten. Die Schau zeigt eine kontrastreiche Bandbreite an aktuellen künstlerischen Positionen in Skulptur und Malerei. Das Spektrum geht von konkreter Kunst und koreanischer Papiermalerei mit Pigmenten über zebra-realistische, fantastische, informelle, experimentelle bis cobra-wilde Malerei und verfremdete Fotografie bis zu Gemälden an den bildnerischen Grenzlinien von Gegenstand und Abstraktion. Skulpturen aus Granit, Mooreiche, Betonguss oder Keramik, abstrakt bis gegenständlich, sowie ein Objet trouvé von der portugiesischen Atlantikküste und ein Leucht-Objekt.

Die Sammlung der Stadtgalerie Kiel umfasst Kunstwerke, die durch
die Landeshauptstadt Kiel angekauft, in Auftrag gegeben oder ihr
geschenkt wurden. Nach demokratischem Verständnis sind die Werke
öffentliches Eigentum und somit im Besitz der Kieler Bürger*innen.
An diesen Gedanken knüpft das Motto »Unsere Kunst – Eure Kunst«
an, unter dem die Stadtgalerie Kiel in regelmäßigen Abständen einen
öffentlichen Einblick in die Kunstsammlung gewährt.

Die Sammlung der Stadtgalerie Kiel ist in ihren älteren Beständen
aus dem Kunstbesitz der Landeshauptstadt Kiel hervorgegangen.
Mit dem Beginn der Ausstellungstätigkeit der Stadtgalerie Kiel vor
37 Jahren konnte ein Erwerbungskonzept nach musealen Gesichtspunkten
entwickelt werden. Heute repräsentiert die Sammlung
den Facettenreichtum der Kunst vom Beginn des 20. Jahrhunderts
bis hin zu aktuellen Tendenzen.

Nach dem Umzug aus den Räumen im Sophienhof, wo sie 1988 eröffnet
wurde, hat die Stadtgalerie Kiel im März 2000 ihre Ausstellungstätigkeit
an der Andreas-Gayk-Straße aufgenommen. Grund genug den Fokus
der diesjährigen Sammlungspräsentation auf die Erwerbungen der vergangenen
25 Jahre zu legen. Jüngste Ankäufe umfassen Arbeiten von
überwiegend in Norddeutschland tätigen Künstler*innen, von Preisträger*
innen des Gottfried-Brockmann-Preises und Teilnehmer*innen
an den Wechselausstellungen in der Stadtgalerie Kiel. Entsprechend
lassen sich anhand der Sammlung der Stadtgalerie Kiel auch wichtige
Stationen der jüngeren Kieler und schleswig-holsteinischen Kunstgeschichte
ablesen. Regionale Positionen finden sich um Schlaglichter
überregionaler und internationaler Kunst ergänzt.

Otto Beckmann bezeichnet sich selbst als „Spülsaum- und Meerjunkie“. Nach seiner Ausstellung Briefe an das Meer (2003) ist er nun erneut im Flensburger Schifffahrtsmuseum zu Gast und führt mit Leinwand und Skalpell einen künstlerischen Dialog mit der See.

Paul Georg Hille, ein Künstler, der die Tradition der Malerei mit innovativen Techniken verbindet, hat sich einen festen Platz in der norddeutschen Kunstszene erarbeitet. Seine Werke, die von einer tiefen Verbundenheit mit der Natur und einer intensiven Auseinandersetzung mit Farbe und Form geprägt sind, zeichnen sich durch eine einzigartige Ausdruckskraft aus.
Hilles künstlerische Entwicklung ist eng mit seinem Leben verbunden. Nach einer klassischen Ausbildung und einer beruflichen Karriere im kirchlichen Dienst, entdeckte Hille seine Leidenschaft für die Malerei. Die Auseinandersetzung mit verschiedenen Techniken und Materialien führte zu einer unverkennbaren Stilistik, die sich durch eine starke Materialität und eine intensive Farbgebung auszeichnet.Hilles Werke sind nicht nur eine Augenweide, sondern laden auch zum Nachdenken ein. Der Künstler thematisiert universelle Fragen nach dem Sein und der Vergänglichkeit, ohne dabei in vordergründige Botschaften zu verfallen.
Die jüngste Ausstellung, in der auch seine Hinterglasmalereien präsentiert werden, zeigt Hilles Fähigkeit, sich immer wieder neu zu erfinden und seine künstlerische Sprache zu erweitern. Die transparenten Schichten der Hinterglasmalerei ermöglichen eine ganz besondere Tiefe und Leuchtkraft, die an mittelalterliche Glasmalereien erinnert.

Kreativität entfalten: Gisela Wriedt und ihre innovative Kunstpädagogik für Kinder
Seit über 40 Jahren begeistert die Künstlerin und Kunstpädagogin Gisela Wriedt junge Menschen für die Kunst. Ihr ganzheitlicher Ansatz, der spielerisches Lernen mit künstlerischem Ausdruck verbindet, eröffnet Kindern einen einzigartigen Raum zur Selbstentfaltung. Durch das Experimentieren mit verschiedenen Materialien und Techniken, das Erkunden unterschiedlicher Themenwelten und das gemeinsame Gestalten in der Gruppe erleben die Kinder die Kunst als lebendigen und inspirierenden Prozess. Dabei steht der Spaß am Tun im Vordergrund. Sie sagt:“In meinen Workshops reisen wir um die Welt, ohne das Haus zu verlassen. Wir tauchen ein in die Kulturen der Indianer, Ägypter, Japaner und Chinesen und lassen uns von deren Kunst und Traditionen inspirieren. Dabei lernen die Kinder nicht nur verschiedene Techniken kennen, sondern auch ihre eigene kulturelle Identität zu reflektieren.“In dieser Ausstellung präsentieren junge Talente ihre vielfältigen künstlerischen Ansätze. Von expressiven Malereien bis hin Skulpturen aus Gips, Ton und anderen Naturmaterialien. Lassen Sie sich überraschen von der Kreativität und dem Einfallsreichtum der jungen Künstler.

Kindheit als Kunstwerk
Nina Wriedt Melton, eine international renommierte Fotografin und Stylistin die in Paris an der Ècole superieur Louis Lumiére Fotografie studiert hat, vereint in ihren Arbeiten die Welt der Kunst mit der Unbeschwertheit der Kindheit. Inspiriert von Klassikern wie ‚Pippi Langstrumpf‘ und ‚Mary Poppins‘ entführt sie ihre jungen Modelle in fantasievolle Rollenspiele. Ob als kleiner Picasso, Dalí oder Frida Kahlo – die Kinder werden zu kleinen Kunstwerken, deren natürliche Ausstrahlung und Lebensfreude Melton meisterhaft einfängt. Ihre Bilder sind sowohl künstlerisch anspruchsvoll als auch emotional berührend. Mit sanften Farben, expressiven Posen und einer liebevollen Inszenierung verwandelt sie jedes Shooting in ein kleines Abenteuer. Die Zusammenarbeit mit ihrer Mutter, Gisela Wriedt einer erfahrenen Kunstpädagogin, führt zu einer einzigartigen Symbiose aus Fotografie und bildender Kunst. Die Ausstellung ist nicht nur eine Hommage an die Fantasie der Kindheit, sondern auch ein Zeugnis für die Kraft der Kreativität, die Generationen verbindet.