Wenn Kunst, Kommunikation und Marketing zusammenkommen, kann ein Brutkasten für fragwürdige Dinge entstehen. Und gerade das macht Kunst aus und erzeugt Neugierde, Irritation, aber auch spontane Aufmerksamkeit und die Bereitschaft der aktiven Teilnahme.
Das Atelier KUNSTEINS auf der nordfriesischen Insel Föhr verknüpft dabei Typografie und niedrigschwelliges Marketing mit künstlerischer Interpretation. Der touristische Ort selbst gerät in diesem Kontext zielgerichtet in den Blick. Konzeptuelle Sprüche und Aufkleber sind das Medium. Die Umsetzung findet mittels Guerilla Marketing, einer unkonventionelle Marketingstrategie statt, die mit kreativen und überraschenden Aktionen à la Pop-Art Situationen und Wirkungen mit begrenzten Ressourcen zu erzielen versucht. Die Aufkleber werden nummeriert und signiert in den Status eines Kunstwerkes erhoben. Der Klebeakt, ob im privaten oder öffentlichen Raum, obliegt der eigenen kreativen Entscheidung.

Im Rahmen der Feierlichkeiten zu „200 Jahre Seebad Wyk“ (2019) entstanden auf Initiative des Fotografen Harald Bickel Porträts von Frauen und Mädchen in Föhrer Tracht. Die Bilder wurden als Schnellporträts aufgenommen – pro Person standen nur wenige Sekunden zur Verfügung.

Von knapp 300 Teilnehmerinnen konnten 181 fotografiert werden. Es entstand eine der umfangreichsten bekannten Porträtsammlungen in Föhrer Tracht. Der spontane Charakter der Aufnahmen verleiht ihnen eine besondere Ausdruckskraft und lässt individuelle Züge sichtbar werden, die bei einer längeren Porträtsitzung möglicherweise nicht hervorgetreten wären.

Gezeigt wird eine Auswahl der entstandenen Bilder: In jedem der 80 Fenster des Musikpavillons ist ein Porträt zu sehen.

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Info:Keine Gruppenveranstaltung
Termine immer gern zu unseren Öffnungszeiten

Kontakt:
Gitronik Handpans&More Hamburg
Fuhlsbüttlerstraße 681 Hamburg-Ohlsdorf
040-5000990 Mail: info(at)gitronik.de

Die Otto-von-Bismarck-Stiftung zeigt vom 28. September 2025 bis zum 12. April 2026 im Bismarck-Museum Friedrichsruh die Sonderausstellung „Volkes Stimme! Parlamentarismus und demokratische Kultur im Deutschen Kaiserreich“. Erzählt wird die Geschichte der repräsentativen Demokratie in Deutschland von den mittelalterlichen Ständevertretungen bis in die Gegenwart. Dieser Entwicklungsprozess war von Reformen und Revolutionen geprägt. Das Parlament des Deutschen Kaiserreichs, der Reichstag, nimmt in diesem Entwicklungsprozess eine Schlüsselrolle ein: Es war das erste Sprachrohr für „Volkes Stimme“, das von den Regierungen aller Bundesstaaten und der Bevölkerung anerkannt wurde. Obwohl das Kaiserreich von obrigkeitsstaatlichen Strukturen geprägt blieb, nutzte und vergrößerte der Reichstag seine Spielräume.

In seiner Ausstellung „(Kultur-)Landschaften“ in der Galerie von Premium Mobile Kuntz in Gettorf geht das in Hasselberg lebende Künstlerehepaar Stephanie und Thomas Hartstang genau diesem Thema nach. Wo greift der Mensch in die Natur ein und wie stark? Wo gestaltet er ganz offensichtlich Lebensräume für sich selbst und wie nutzt er die Natur für seine Zwecke? Gibt es sie eigentlich noch, eine gänzlich unberührte Landschaft, die uns in ihrer Natürlichkeit berührt?

Die gemalten und fotografierten Werke sind Impressionen aus Hamburg und dem echten Norden, sie greifen das Thema hochkomplexer Industriehäfen ebenso auf wie unsere nordischen Landschaften, das Licht, die Bäume und das Wasser. Es werden auch Arbeiten zu sehen sein, die unmittelbar auf Reisen, z. B. nach Venedig, entstanden sind, vor Ort gemalt, auf jeden Fall dort fotografiert oder in ihrem Atelier Südereiche nachempfunden bzw. künstlerisch interpretiert wurden.

Viele Werke entstehen im Dialog, d. h., ein bestimmtes Sujet wird von Stephanie Hartstang malerisch und von Thomas Hartstang fotografisch interpretiert. Dabei tauschen sich Malerin und Fotograf intensiv aus, lernen voneinander und miteinander. Besonders spannend für die jeweilige Betrachterin oder den Betrachter ist es zu sehen, wie dicht beieinander oder auch wie unterschiedlich die Interpretationen ausfallen können.

Die Ausstellung beinhaltet Dialogpaare und Einzelwerke beider Künstler. Es werden expressive und kontrastreiche Aquarelle und Mixed Media Werke (in Acryl und Aquarell) zu sehen sein sowie kunstfotografische Aufnahmen mit Kamera und Drohne, unter anderem auch in diesem Jahr entstandene, bei großen internationalen Wettbewerben preisgekrönte Aufnahmen aus Island.

‘Vom Fliegen und Träumen‘
Malerei und Bildhauerei

Arbeiten von Karin Weissenbacher

22. November bis 26. März 2026

Vernissage am Samstag den 22. November um 14 Uhr

Unter dem Titel ‘Vom Fliegen und Träumen’ präsentiert und enthüllt die deutsch – brasilianische Malerin und Bildhauerin ihre diesjährigen und allerjüngsten Arbeiten.
Sich in die Lüfte zu erheben und Fliegen können (oder es zumindest zu versuchen) ist ein tragendes Thema in ihrer plastischen Arbeit und findet oftmals auf überraschende Weise neuen Ausdruck.
Weissenbachers bekannten mit ‚Else‘ betitelte bunt und blümerant gefasste weibliche Figuren, die teils mit gefiederten Armen Flugversuche unternehmen und flatternderweise versuchen die Erdschwerkraft zu überwinden – die Füße in Gummistiefeln oder überdimensionierten Plateauschuhen steckend. Vogelschwarm, Haus oder Leiter im wehenden Haar.
Die ‚Else‘ ist eine humoristische Betrachtung des Versuches, die Gegensätze des Erdendaseins miteinander zu vereinen und einige ‚urweibliche‘ Eigenschaften zu thematisieren. Das Pendeln zwischen Surrealität und der Wirklichkeit und das Träumen, die Sehnsucht als Basis Für die Fähigkeit der Verwirklichung darzustellen. ‚Ein bisschen verrückt sein‘?
Wieso eigentlich nicht…
(Frei nach Else Lasker Schüler, Dichterin des Expressionismus (1869 – 1945)
Der Spannungsbogen ist weit aufgefächert und verbindet humoristisches mit ungeahnten Tiefen. Als neue Fluggestalten sind ein ca. 60 cm hohes sitzendes ‚Flugschwein‘, eine wohlbeleibte Dame im Minikleid und der schnurrbärtige ‚Schwimmflieger‘ in historischen Kampfschwimmeranzug hinzugekommen, genauso wie der dunkelgelockte, teils verblattgoldete Putto, inspiriert von Raphaels Engeln in der Sixtinischen Kapelle. – Allen gemeinsam ist der wohlgerundete Körper, der das Fliegen und Schweben der von der Decke abgehängt installierten, teils größeren Figuren überhaupt nicht zu behindern scheint.
Die Vereinigung von Gegensätzen gelingt hier auf sehr humoristische Art und regt zum Nachdenken und Träumen an.
Ein dramatisch abstürzender ‚Ikarus‘ ist ebenfalls in Szene gesetzt und schraubt sich mit weit geöffneten Flügeln fallend in die Tiefe.
Der jahrtausendealte Ikarus Mythos ist auch Thema einiger Reliefarbeiten, die das Sujet variieren und Gedanken zur Technik von Flügelkonstruktionen und Federn aufnehmen.

Großformatige Ölgemälde in vielschichtigen Lasuren geben Blicke auf lichtvolle, surreale Landschaft frei. Bewegte Kornfelder, Birkenbäume und Spiegelungen im nahen Wasser eröffnen stimmungsvolle Szenen, die sich mit dem Umgebungslicht verändern.
Elemente aus Blattgold und Schlagmetall setzen Lichtpunkte und definieren weitere Dimensionen der Bildbetrachtung.

Licht, Bewegung und Kontrast ziehen den Betrachter in ihren Bann.
Die surrealen Szenen bewegen sich im Spannungsbogen zwischen Abstrakt und Figürlich, tauchen ein in Farbräume und spielen mit den organischen Formen der Bäume, Wälder und Landschaften.

Elemente aus Schlagmetall finden sich ebenso in den dreidimensionalen Werken.
Zusätzlich werden Einblicke in Weissenbachers Künstlerwerkstatt mit weiteren Arbeiten gewährt, die das gesamte Spannungsfeld von ‚Vom Fliegen und Träumen‘ zeigen und das vielseitige Oeuvre der Malern und Bildhauerin zeigen.
Viele unterschiedliche Bearbeitungstechniken offenbaren die grandiose Verschmelzung von Malerei und Plastischem Werk der Künstlerin.

Vernissage am Samstag 22. November um 14 Uhr

Grußworte:

Andrea Siedenhans, Kulturausschussvorsitzende der Stadt Barmstedt

Einführung in die Kunstausstellung:

Gudrun Arlt, (1. Vorsitzende des Kreiskulturverbandes Pinneberg e.V.) im Interview mit Karin Weissenbacher
Musik:
Marret Winger (Sophran) und Ana Miceva (Klavier) spielen und singen ausgewählte Stück von Gustav Mahler und Gabriel Fauré im verspielten Dialog mit den Kunstwerken.

Details:
Die Gruppenausstellung Feedback Bodies vereint verschiedene künstlerische Positionen, die sich mit Prozessen von Materialität, Bewegung und Rückkopplung beschäftigen.
Die Ausstellung zeigt Arbeiten in unterschiedlichen medialen Formen – von Malerei und Skulptur bis hin zu medienübergreifenden und prozessorientierten Praktiken – und versteht Form als einen Prozess: als Materie, die reflektiert, reagiert und erinnert.

Mit Arbeiten von:
Paul Schwer · Jan Kolata · Kevin Clarke · Denise Werth · Donja Nasseri · Sabrina Podemski · Tahmineh Mirmotahari · Jörg Lornsen · Julian Herstatt · Plyzitron · Pandagunda · Erfan Ashourioun · H. Merve Güç · Viola Rama

Kuratiert von Dr. Azalia Shahnazari
Eine Ausstellung der Frautz Contemporary, Lübeck

Schleswig-Holstein war für den Maler Siegward Sprotte (1913–2004) weit mehr als Heimat. Es war sein geistiger und künstlerischer Resonanzraum. Zwischen Himmel und Horizont, Wind und Wellen fand er jene elementare Erfahrung von Licht und Bewegung, die sein Werk prägte. Auf der Insel Sylt entwickelte er eine Malerei, die Natur nicht abbildet, sondern in Farbe, Rhythmus und Geste erfahrbar macht.

„Man muss sich selbst wie eine Woge bewegen – dann wird es eine Woge“, sagte Siegward Sprotte einmal. Dieser Satz fasst sein Verständnis von Kunst zusammen. Der Malende tritt mit der Natur in einen Dialog ein, der über das Sehen hinausgeht. Das Meer, die Weite des Nordens und das wechselnde Licht Schleswig-Holsteins wurden zu seinem Gegenüber, zu einer Landschaft, die antwortet.

Von der Küste ins Bewusstsein:
Siegward Sprottes künstlerische Entwicklung war mit Schleswig-Holstein eng verbunden. Hier entstanden seine Studien der Natur, die ihn zu einer immer stärkeren Reduktion führten. Die Klarheit des nordischen Himmels, das stetige Fließen der Wellen und die Horizonte der Küste brachten ihn zu der Einsicht, dass Natur kein Motiv ist, sondern ein prozesshaftes Wechselspiel von Wahrnehmung, Bewegung und Bewusstsein.

In seinem Schaffen verschmolzen Malerei und Philosophie. Seine Aquarelle, Gouachen und Ölbilder wirken auf den ersten Blick spontan und leicht. Doch sie beruhen auf konzentrierter Beobachtung und einer Haltung des aktiven Sehens. In der Mappe „Abschied vom Bilde“ formulierte er diesen Gedanken programmatisch: Nicht das Abbild, sondern das Sein des Gesehenen soll sichtbar werden.

Nordische Klarheit und östliche Stille:
Schleswig-Holsteins Landschaft öffnete Siegward Sprotte eine universelle Bildsprache. Hier fand er jene Weite und Leere, die ihn an asiatische Ästhetik erinnerte. So verband er westliche Maltraditionen, von William Turner bis Karl Hagemeister, mit der meditativen Einfachheit der ostasiatischen Kalligraphie. Seine „farbigen Kalligraphien“ und „Stenogramme“ entstanden oft in freier Natur, als spontane Pinselzüge, ohne Absetzen und Korrektur. Sie nehmen die Bewegung und den Rhythmus der Landschaft unmittelbar auf.

In seinen Ateliergesprächen auf Sylt führte Siegward Sprotte den offenen Dialog weiter mit Philosophen, Musikern, Schriftstellern und Wissenschaftlern. Sein Atelier wurde zu einem Ort geistiger Begegnung, an dem Kunst, Denken und Wahrnehmen zusammenfanden.

Natur als Gegenüber:
Für Siegward Sprotte war Malen kein Akt der Beherrschung, sondern der Begegnung. Er sprach von einem „face en face“ mit der Natur, einem Gespräch auf Augenhöhe. Dieses Motiv zieht sich durch sein gesamtes Werk: das „Gesicht“ der Landschaft, das sich im Moment des Sehens offenbart.

In seinen Reihen „Farbfolgen schaffen Landschaft“ untersucht Siegward Sprotte die Struktur der Natur, etwa in der Abfolge von Himmel, Horizont, Meer und Strand. Diese Farben, Lichtverläufe und Stimmungen bilden die gleichbleibende Ordnung der Natur und zugleich ihre unendliche Wandelbarkeit.

Ein Künstler des Nordens:
Siegward Sprotte war einer der eigenständigsten Maler Schleswig-Holsteins im 20. Jahrhundert. Sein Werk steht in der Tradition der norddeutschen Landschaftsmalerei, überführt sie jedoch in eine geistige Dimension. Schleswig-Holstein wurde für ihn zum Sinnbild einer universellen Erfahrung: das Land als offener Raum, in dem Natur, Bewusstsein und Kunst ineinanderfließen.

Seine Malerei ist damit nicht nur eine Liebeserklärung an das norddeutsche Licht, sie ist eine Einladung, die Welt neu zu sehen.

Die heutige Reise führt uns in eine Welt der Kontraste
Rot und Schwarz / Rouge et Noir
Eine scheinbar einfache Farbkombination, doch in ihr steckt eine explosive Kraft.
In der Kunst haben diese beiden Farben eine jahrhundertelange Tradition. Sie stehen für Gegensätze und doch auch für eine unzertrennliche Verbindung: Liebe und Tod, Macht und Untergang, Leidenschaft und Stille.
Die Werke, die Sie hier sehen, sind eine Hommage an diese beiden Töne und eine Erkundung ihrer vielfältigen Bedeutungen.

Sechs Künstlerinnen und Künstler – Ingrid Weber, Heike Vajen, Kerstin Hirsch, Julian Press, Ulla Stahmer und Friedrich Karl Gotsch – haben sich auf diese Farbwelt eingelassen und dabei ganz eigene, persönliche Interpretationen geschaffen.

Vielfältige Perspektiven auf „Rouge et Noir“

In dieser Ausstellung sehen Sie, wie die Künstler diese Farben nutzen, um Emotionen auszudrücken, Geschichten zu erzählen oder neue ästhetische Wege zu gehen.
Ingrid Weber verbindet in ihren Werken die Präzision ihrer Vergangenheit als Vermessungstechnikerin mit einer freischwebenden, spontanen Pinselführung. Ihre gegenstandslosen Bilder sind eine Hommage an die Natur und zeigen, wie frei und leicht sich Rot und Schwarz entfalten können.


Heike Vajen, die studierte Musikerin, bringt ihre musikalische Sensibilität in die Malerei. Ihre Werke, die sich sonst oft durch helle, natürliche Töne auszeichnen, stellen sich hier mutig der Herausforderung von Rot und Schwarz. Das Ergebnis ist ein spannender Dialog zwischen kraftvoller Farbe und subtiler Aquarelltechnik.


Julian Press, der bekannte Kinderbuchautor und Illustrator, zeigt, wie fließend die Grenzen zwischen Literatur und Kunst sind. Seine Bilder, die sonst die Seiten seiner Wimmelbuch-Krimis zieren, erhalten hier eine neue, eigenständige Bedeutung. Er beweist, dass Rot und Schwarz nicht nur dramatisch, sondern auch voller ästhetischer Freude sein können.


Kerstin Hirsch taucht tief in die abstrakte Malerei ein. Sie interpretiert die traditionelle Farbpaarung auf innovative Weise. Das kraftvolle Rot steht im Kontrast zum ruhigen Schwarz und schafft eine vielschichtige Bildsprache, die uns emotional berührt und zum Nachdenken anregt.


Ulla Stahmer arbeitet mit reduzierten Formen und intensiver Materialität. Ihre kleinformatigen Werke sind eine haptische Erfahrung. Sie spielen mit den Grenzen der traditionellen Malerei und beziehen sich dabei auf die expressive Malerei des Informel sowie auf die ikonografischen Elemente der Pop Art.


Und schließlich haben wir das Privileg, auch die Werke von Friedrich Karl Gotsch in dieser Ausstellung zu zeigen. Als bedeutender Maler und Grafiker des 20. Jahrhunderts hat er seine Spuren in der deutschen Kunst hinterlassen. Seine Werke beweisen die zeitlose Kraft dieser Farbwelt.


Ein inspirierender Dialog

„Rouge et Noir“ ist mehr als nur eine Sammlung von Werken – es ist ein Dialog. Ein Dialog zwischen Tradition und Moderne, zwischen unterschiedlichen künstlerischen Techniken und den sehr persönlichen Interpretationen der Künstler.

Der Naku e.V. lädt Kunstinteressierte herzlich ein, die lebendige Vielfalt und Kreativität der Kunstschaffenden mitten im Herzen der Stadt zu entdecken.

Vom 2. Dezember 2025 bis zum 8. Januar 2026 präsentiert der Naku e.V. im Rathaus Eckernförde seine jährliche Gruppenausstellung mit Positionen von Angela Büttner (Fotokunst), Donna Lazell (Keramik), Jutta Heilmann (Skulpturen), Katrin Mates (Malerei), Nataliia Nakonechna (Lederkunst) und Britta Stritzel (Seidenmalerei).

Die Ausstellung ist kostenfrei zugänglich: Mo–Fr 8–12 Uhr, donnerstags zusätzlich 14–17:30 Uhr.

Tipp: Kombinieren Sie Ihren Kunstbesuch mit einem Bummel über den Wochenmarkt (mittwochs 7–13 Uhr) – das perfekte Erlebnis im Stadtzentrum!

Wir freuen uns auf Ihren Besuch!

Kay Müller (sh:z) und Sven Zimmermann (Fotograf) haben über einen Zeitraum von fünf Jahren 15 Persönlichkeiten mit Stift und Fotoapparat besucht und begleitet. Die großformatige Publikation „Küstenkonturen“ und die Ausstellung präsentiert die Sparkassenstiftung Schleswig-Holstein in Kiel.

Konzert mit Trompete – Boris Kertsman
und Orgel – Marcel Gaul.
Nach dem Konzert stoßen wir mit den Musikern auf das neue Jahr an.

Rot, Grün, Blau – die faszinierende Welt der Farben
Museum Tuch Technik zeigt neue Sonderausstellung

Rot, Grün, Blau statt trist und grau. Farben umgeben uns in sämtlichen Lebensbereichen –vom Blau des Himmels über das Rot mancher Gesteine oder das Grün der Pflanzenblät-ter. Doch wie entstehen Farben? Und welchen Zweck erfüllen sie? Was ist Farbe und wie vielschichtig wird der Begriff Farbe verwendet? Die Sonderausstellung „Faszination Far-be“ geht diesen Fragen nach und verdeutlicht dabei, wie facettenreich und faszinierend das Thema Farbe ist. Die Ausstellung des Carl Bosch Museums Heidelberg ist vom 28. November 2025 bis zum 6. April 2026 im Museum Tuch Technik in Neumünster zu se-hen.

Anhand zahlreicher spannender Exponate erfahren die Besucher*innen, wie Farben durch verschiedenste Mechanismen entstehen. Licht spielt dabei eine herausragende Rolle. Doch auch auf dem Weg vom Objekt bis zum subjektiven Farbeindruck vollbringen unsere Augen und insbesondere unser Gehirn beeindruckende Leistungen. Eine Anima-tion des Farbsehens bei Insekten und Menschen veranschaulicht eindrucksvoll deren unterschiedliche Wahrnehmung.

Farbe ist jedoch noch viel komplexer. Schon Johann Wolfgang von Goethe, Wilhelm Ost-wald und viele weitere Natur- und Geisteswissenschaftler versuchten deshalb, Farben und ihre Eigenschaften in immer ausgefeilteren Systemen zu erklären. Bis heute werden diese ständig verfeinert und begegnen uns sogar im Alltag, beispielsweise in Form der bekannten RAL- oder Pantone-Farben.

Mit vielen Beispielen zeigt die Ausstellung die Entwicklung von pflanzlichen und minerali-schen Farbmitteln für Textilfärbung und Kunst. Das Aufkommen der Anilinfarben Ende des 19. Jahrhunderts stellt einen bahnbrechenden Umbruch dar, der die Verwendung von Farben komplett veränderte. Heute leben wir in einer bisher nicht gekannten, moder-nen Farbvielfalt und sind umgeben von funktionellen Farben.

Farben und Farbbezeichnungen können sehr kulturgebunden sein. Unsere bewussten und unbewussten Reaktionen auf bestimmte Farben mit ihren jeweiligen Geschichten regen zur weiteren Beschäftigung mit diesem faszinierenden Thema an.

Aus dem Artist-in-Residence-Programm des MKdW wurden zwei Künstler ausgewählt, die mit sehr unterschiedlichen Techniken arbeiten, aber eine große Begeisterung teilen: die intensive Auseinandersetzung mit der Natur.

Der deutsche, in Hamburg lebende Maler Jochen Hein (* 1960) sowie der argentinische, in Berlin tätige Installationskünstler Miguel Rothschild (* 1963) loten in ihren Werken das Verhältnis von Mensch und Natur neu aus. Die Landschaft wird zur bestimmenden Größe. Oftmals lässt sich nicht sagen, ob es eine Natur vor oder nach den Menschen ist – jegliche zivilisatorische Zeugnisse fehlen in ihr und erschweren damit, die reale Größe der Landschaft zu ermessen.

Die Künstler begeistern sich für alle Witterungsphänomene – Stürme überziehen das Land, Nebel steigen auf, Wolken regnen sich ab, Sonnenstrahlen dringen durch Laubwerk. Immer wieder werden neue atmosphärische Stimmungen in den oftmals monumentalen Bildformaten eingefangen. Gerade die schnellen Wetterwechsel, denen die Natur auf Föhr ausgesetzt ist, bilden einen Motivkreis. Oft scheint es, als würden die Bildräume über ihre realen Begrenzungen ausgreifen. Jochen Hein arbeitet zudem in Serien, um die tageszeitlichen Veränderungen zu visualisieren, die dem Land, dem Meer und dem Himmel immer wieder eine andere Ausdruckskraft verleihen. Demgegenüber bricht Rothschild die Bildoberflächen auf, durchlöchert sie sogar oder fügt ihnen Brandstellen hinzu. Die Betrachtenden werden gefordert, sich ihrer Beziehung zur Urkraft der Natur im Wissen um die sich dramatisch verändernden klimatischen Bedingungen zu stellen.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.

Das Museum zeigt Gemälde des Künstlers Ben Kamili aus zwei Schaffensphasen auf der Insel Helgoland.

Die neue Sonderausstellung wirft einen vielschichtigen Blick auf ein besonderes Stück Flensburger Stadtgeschichte. Im Zentrum steht der Oluf-Samson-Gang – eine Straße mit 400 Jahren bewegter Vergangenheit, die wie kaum ein anderer Ort von Gegensätzen geprägt ist: einst Seemannsviertel, später Bordellstraße, heute schicke Adresse und Touristenmagnet.

Die Ausstellung zeichnet die Entwicklung vom 17. Jahrhundert bis in die Gegenwart nach: von den Ursprüngen als Wohnhof des Kaufmanns Oluf Samson, über die Zeit der Verarmung während des Ersten Weltkriegs und die Repression der Prostitution im Nationalsozialismus bis zur heutigen, fast musealen Kulisse. Dabei wird deutlich: Die vermeintliche Idylle gründet auf jahrzehntelanger sozialer Verdrängung und strukturellem Wandel.

Neben dem Wandel der Bewohner*innen – von Seeleuten und ihren Witwen bis hin zu sozialen Randgruppen – stehen auch die Besitzverhältnisse und baulichen Besonderheiten des Ganges im Fokus. Die Ausstellung beleuchtet, wie Geschichte, soziale Dynamiken und Architektur hier untrennbar miteinander verflochten sind.

Im Rahmen der Feierlichkeiten zu „200 Jahre Seebad Wyk“ (2019) entstanden auf Initiative des Fotografen Harald Bickel Porträts von Frauen und Mädchen in Föhrer Tracht. Die Bilder wurden als Schnellporträts aufgenommen – pro Person standen nur wenige Sekunden zur Verfügung.

Von knapp 300 Teilnehmerinnen konnten 181 fotografiert werden. Es entstand eine der umfangreichsten bekannten Porträtsammlungen in Föhrer Tracht. Der spontane Charakter der Aufnahmen verleiht ihnen eine besondere Ausdruckskraft und lässt individuelle Züge sichtbar werden, die bei einer längeren Porträtsitzung möglicherweise nicht hervorgetreten wären.

Gezeigt wird eine Auswahl der entstandenen Bilder: In jedem der 80 Fenster des Musikpavillons ist ein Porträt zu sehen.

Eine alte norddeutsche und damit auch Sylter Tradition verbirgt sich hinter dem Rummelpottlaufen bzw. Maskenlaufen, das in der lokalen Kultur teils sehr verwurzelt ist. Am Silvesterabend werden bis heute die Türen für die RummelpottläuferInnen geöffnet. Damit wird zugleich einem besonderen Heischebrauch gewürdigt und dieser lebendig gehalten. Allerdings gerät dieser Brauch zunehmend in Vergessenheit. Verkleidet und meist mit Lärminstrumenten ziehen die Verkleideten von Haus zu Haus und Tür zu Tür, um die typischen Rummelpottlieder und Sprüche vorzutragen. Dafür gibt es dann Süßigkeiten und die ein oder andere Münze. Die Erwachsenen bekommen meist einen Schnaps. Bei den Versen kann es sich um überlieferte, meist plattdeutsche Gedichte handeln, aber auch zeitaktuelle und politische Reden.
Die Ausstellung gibt Einblicke in die Alltagskultur des Rummelpottlaufens und zugleich in das graphische Werk des Künstlers Willem Grimm, der sich während seiner Schaffenszeit mit dem Thema der Maskierung und des Rummelpottlaufens auseinandersetzte.

In seiner Ausstellung „(Kultur-)Landschaften“ in der Galerie von Premium Mobile Kuntz in Gettorf geht das in Hasselberg lebende Künstlerehepaar Stephanie und Thomas Hartstang genau diesem Thema nach. Wo greift der Mensch in die Natur ein und wie stark? Wo gestaltet er ganz offensichtlich Lebensräume für sich selbst und wie nutzt er die Natur für seine Zwecke? Gibt es sie eigentlich noch, eine gänzlich unberührte Landschaft, die uns in ihrer Natürlichkeit berührt?

Die gemalten und fotografierten Werke sind Impressionen aus Hamburg und dem echten Norden, sie greifen das Thema hochkomplexer Industriehäfen ebenso auf wie unsere nordischen Landschaften, das Licht, die Bäume und das Wasser. Es werden auch Arbeiten zu sehen sein, die unmittelbar auf Reisen, z. B. nach Venedig, entstanden sind, vor Ort gemalt, auf jeden Fall dort fotografiert oder in ihrem Atelier Südereiche nachempfunden bzw. künstlerisch interpretiert wurden.

Viele Werke entstehen im Dialog, d. h., ein bestimmtes Sujet wird von Stephanie Hartstang malerisch und von Thomas Hartstang fotografisch interpretiert. Dabei tauschen sich Malerin und Fotograf intensiv aus, lernen voneinander und miteinander. Besonders spannend für die jeweilige Betrachterin oder den Betrachter ist es zu sehen, wie dicht beieinander oder auch wie unterschiedlich die Interpretationen ausfallen können.

Die Ausstellung beinhaltet Dialogpaare und Einzelwerke beider Künstler. Es werden expressive und kontrastreiche Aquarelle und Mixed Media Werke (in Acryl und Aquarell) zu sehen sein sowie kunstfotografische Aufnahmen mit Kamera und Drohne, unter anderem auch in diesem Jahr entstandene, bei großen internationalen Wettbewerben preisgekrönte Aufnahmen aus Island.

Nicolas Wagner ist 22 Jahre alt und in Marne aufgewachsen, wo er an der Europaschule auch sein Abitur absolviert hat. Die Kunst war immer wichtiger Bestandteil seines Lebens. Da schon seine Mutter gern gemalt hat, war im Hause stets alles vorhanden, was man zur Malerei benötigt. Allerdings wurde für Nicolas Wagner erst mit dem Auszug aus dem Elternhaus eine echte Leidenschaft daraus. In den eigenen vier Wänden hatte er nun die nötige Privatsphäre und den Freiraum, die im Kopf kreisenden Fantasien und Gedanken auf die Leinwand zu bannen. Vorzugsweise auf runde Leinwände, die er selbst bespannt. Seine kraftvoll expressiven Bilder entstehen spontan. „Perfektionismus? Das gibt es bei mir nicht“, erklärt Nicolas Wagner. Es beginnt mit einer vagen Idee – der Rest ist Intuition. Und sein zweifellos vorhandenes Talent. Unter dem Titel KREISEN präsentiert das KBH die allererste Ausstellung des jungen Künstlers.

Eröffnung: Sonntag, 2. November 2025, 16:00 Uhr.

Der Weg zum Grundgesetz
Museum Tuch Technik zeigt Fotografien von Erna Wagner-Hehmke

Die „Mütter des Grundgesetzes“ im Gruppenporträt, der Fahrbereitschaftsdienst im War-temodus, „Zaungäste“ beim Festakt: Im Sommer 1948 beauftragt die Landesregierung Nordrhein-Westfalen die Fotografin Erna Wagner-Hehmke, die Arbeit des Parlamentari-schen Rats zu dokumentieren. Der Parlamentarische Rat, bestehend aus 65 Mitgliedern, die von den Landtagen der westlichen Besatzungszone gewählt worden waren und fünf Vertretern West-Berlins, verabschiedet am 8. Mai 1949 das Grundgesetz der Bundesre-publik Deutschland.
Erna Wagner-Hehmke ist zu dieser Zeit bekannt als erfahrene Fotografin, geübt in Port-rät-, Sach- und Werbefotografie. Sie hält wichtige Meilensteine der schwierigen Verhand-lungen über das Grundgesetz fest, zeigt aber auch den Alltag der verfassungsrechtlichen Arbeit. Ihre rund 4000 Aufnahmen fangen mit großer Nähe den historischen Vorgang ein, die beteiligten Menschen und die Atmosphäre. Wagner-Hehmke arbeitet im Stil der klas-sischen Reportage-Fotografie der 1920er Jahre, wählt oft ungewöhnliche Perspektiven. Sie zeigt auch die informellen Runden in Cafés und Biergärten am Rhein.
Für die bildliche Dokumentation der entstehenden Demokratie sind ihre Fotografien ein Glücksfall: Denn nur etwa zehn Minuten Filmaufnahmen und wenige Tonaufzeichnungen existieren von der Arbeit des Parlamentarischen Rats. Die Aufnahmen von Erna Wagner-Hehmke gehören zum Sammlungsbestand der Stiftung Haus der Geschichte der Bundes-republik Deutschland.

Die Ausstellung zeigt 22 Schwarz-Weiß-Fotografien, die aus diesen Beständen zusam-mengestellt sind. Sie ist vom 24. Oktober 2025 bis zum 15. Februar 2026 zu sehen. In-formationen zum Rahmenprogramm für Einzelpersonen, Gruppen und Schulklassen gibt es auf www.tuchundtechnik.de.

Der Bildhauer und Konzeptkünstler Thomas Judisch widmet sich Themen des Alltags und scheinbar belanglosen Dingen unserer Lebenswelt. Hintersinnig und mit einer Prise Humor appelliert er an unsere Vorstellungskraft und hinterfragt die klassischen Genres in der Kunst. Wegwerf- und Gebrauchsgegenstände werden zu Kunstgegenständen, Alltägliches wird wertvoll, Beiläufiges bemerkenswert.

Fragile Glasobjekte in leuchtenden Farben verweisen darauf, dass sich unsere Lebensführung im Müll widerspiegelt. Wie zufällig auf Stehtischen abgestellte Sektgläser lassen an eine Party denken, die achtlos verlassen wurde. Die Bodeninstallation „Deutscher Wald“, durch die der Besucher wie durch Herbstlaub schreiten kann, besteht aus Verpackungsabfall. Auf Leinwand gemalte oder als Teppich geknüpfte Notizzettel lassen ebenso wie Aquarelle mit Abdrücken von Weingläsern Genrebilder im Kopf entstehen.

Thomas Judisch arrangiert moderne Stillleben und spielt mit Sinnestäuschungen – Genussmittel wie eine Tafel Schokolade, Kaffeebohnen oder Lollis, doch die verwendeten Materialien simulieren sie nur. Eine Bauchtasche mit Smartphone, Plastiktütchen und Aluminium erzählt eine weitere Konsumgeschichte. Künstlerische Verfremdung und Irritation finden auch dann statt, wenn der Künstler gelbe Lollis oder Zigarettenstummel in überdimensionaler Größe inszeniert.

Mit ausgewählten Arbeiten tritt der Künstler in einen Dialog mit der Dauerausstellung. Vor dem Hintergrund von Blumenstillleben steht ein Müllbehälter mit einem wie achtlos hinein entsorgten Blumenstrauß. Ein in der Nähe des Einkaufsladens platzierter Kartoffelsack spielt mit unserer Wahrnehmung. Ein wie zufällig auf Holzpaletten abgestelltes Fischbrötchen widersetzt sich der Vergänglichkeit, denn es ist aus Bronze. Thomas Judisch entwirft gleichsam Bildergeschichten unserer vieldimensionalen und manchmal achtlos behandelten Lebenswelt.

Passend zur Weihnachtszeit zeigt das Industriemuseum einen Querschnitt durch die ganze Vielfalt von Adventskalendern aus den Sammlungen von Angelika Salzwedel, Itzehoe, und Werner Ohff, Hamburg, die ihre Ausstellung selbst gestaltet haben. Seit mehr als 100 Jahren verzaubern Adventskalender in der Vorweihnachtszeit Kinderherzen und erfreuen Erwachsene. Vielfältig, bunt, künstlerisch und durch die Jahrzehnte hindurch immer wieder neu begleiten uns die Kalender in den langen Wochen vor Weihnachten.
Bis zum 25. Januar 2026 gibt es Gelegenheit für Erinnerungen an die eigene Kindheit, strahlende Kinderaugen und beeindruckende Geschichten aus der Adventszeit.

Der Bundesverband Bildender Künstlerinnen und Künstler / Landesverband Schleswig-Holstein (BBK-SH) veranstaltet jährlich an wechselnden Ausstellungsorten seine vielbeachtete Landesschau, anlässlich der die Mitglieder des Verbandes sowie Gäste eingeladen werden, sich im Vorwege zur Ausstellung mit ihren aktuellen Arbeiten einer Fachjury zu stellen.

Seit vielen Jahren richtet sich der besondere Fokus im Ausstellungsbetrieb des Ostholstein-Museums sowohl auf überregionale Ausstellungsthemen als auch auf die Kunst in Schleswig-Holstein – und damit verstärkt auch auf die aktuelle Bildende Kunst im Lande. Somit nimmt die Landesschau des BBK mittlerweile einen festen Platz im Ausstellungsprogramm des Eutiner Museums ein. Nach 2009, 2014 und 2020 findet die Landesschau nun bereits zum vierten Mal im Ostholstein-Museum statt.
Die siebenköpfige Jury hatte in der Vorbereitung zur Ausstellung die schwierige und verantwortungsvolle Aufgabe, aus von 205 Künstlerinnen und Künstlern eingereichten 493 Werken eine Auswahl aus den Bereichen Malerei, Grafik, Skulptur, Fotografie und Installation zu treffen, die nun in Eutin eindrucksvoll die Vielfältigkeit der aktuellen schleswig-holsteinischen Gegenwartskunst unter Beweis stellt. Die Besucherinnen und Besucher der 72. Landesschau erwartet ein qualitätvoller, spannender und repräsentativer Einblick in das aktuelle künstlerische Geschehen im Lande.

Im Rahmen der Finissage am Sonntag, den 25.1.2026, um 15.00 Uhr werden der Landesschau-Preis sowie der Förderpreis für junge Künstler/innen unter 35 Jahren verliehen. Neben diesen beiden Prämierungen wird dann auch der Publikumspreis bekannt gegeben.
Begleitend zur Ausstellung erscheint ein Katalog, der im Ostholstein-Museum Eutin und beim BBK-SH in Kiel für 10,00 Euro erhältlich ist.

Die Ausstellung wird gefördert durch das Ministerium für Allgemeine und Berufliche Bildung, Wissenschaft, Forschung und Kultur des Landes Schleswig-Holstein und die Finanzgruppe der Sparkassenstiftung Schleswig-Holstein.

Rot, Grün, Blau – die faszinierende Welt der Farben
Museum Tuch Technik zeigt neue Sonderausstellung

Rot, Grün, Blau statt trist und grau. Farben umgeben uns in sämtlichen Lebensbereichen –vom Blau des Himmels über das Rot mancher Gesteine oder das Grün der Pflanzenblät-ter. Doch wie entstehen Farben? Und welchen Zweck erfüllen sie? Was ist Farbe und wie vielschichtig wird der Begriff Farbe verwendet? Die Sonderausstellung „Faszination Far-be“ geht diesen Fragen nach und verdeutlicht dabei, wie facettenreich und faszinierend das Thema Farbe ist. Die Ausstellung des Carl Bosch Museums Heidelberg ist vom 28. November 2025 bis zum 6. April 2026 im Museum Tuch Technik in Neumünster zu se-hen.

Anhand zahlreicher spannender Exponate erfahren die Besucher*innen, wie Farben durch verschiedenste Mechanismen entstehen. Licht spielt dabei eine herausragende Rolle. Doch auch auf dem Weg vom Objekt bis zum subjektiven Farbeindruck vollbringen unsere Augen und insbesondere unser Gehirn beeindruckende Leistungen. Eine Anima-tion des Farbsehens bei Insekten und Menschen veranschaulicht eindrucksvoll deren unterschiedliche Wahrnehmung.

Farbe ist jedoch noch viel komplexer. Schon Johann Wolfgang von Goethe, Wilhelm Ost-wald und viele weitere Natur- und Geisteswissenschaftler versuchten deshalb, Farben und ihre Eigenschaften in immer ausgefeilteren Systemen zu erklären. Bis heute werden diese ständig verfeinert und begegnen uns sogar im Alltag, beispielsweise in Form der bekannten RAL- oder Pantone-Farben.

Mit vielen Beispielen zeigt die Ausstellung die Entwicklung von pflanzlichen und minerali-schen Farbmitteln für Textilfärbung und Kunst. Das Aufkommen der Anilinfarben Ende des 19. Jahrhunderts stellt einen bahnbrechenden Umbruch dar, der die Verwendung von Farben komplett veränderte. Heute leben wir in einer bisher nicht gekannten, moder-nen Farbvielfalt und sind umgeben von funktionellen Farben.

Farben und Farbbezeichnungen können sehr kulturgebunden sein. Unsere bewussten und unbewussten Reaktionen auf bestimmte Farben mit ihren jeweiligen Geschichten regen zur weiteren Beschäftigung mit diesem faszinierenden Thema an.

Die heutige Reise führt uns in eine Welt der Kontraste
Rot und Schwarz / Rouge et Noir
Eine scheinbar einfache Farbkombination, doch in ihr steckt eine explosive Kraft.
In der Kunst haben diese beiden Farben eine jahrhundertelange Tradition. Sie stehen für Gegensätze und doch auch für eine unzertrennliche Verbindung: Liebe und Tod, Macht und Untergang, Leidenschaft und Stille.
Die Werke, die Sie hier sehen, sind eine Hommage an diese beiden Töne und eine Erkundung ihrer vielfältigen Bedeutungen.

Sechs Künstlerinnen und Künstler – Ingrid Weber, Heike Vajen, Kerstin Hirsch, Julian Press, Ulla Stahmer und Friedrich Karl Gotsch – haben sich auf diese Farbwelt eingelassen und dabei ganz eigene, persönliche Interpretationen geschaffen.

Vielfältige Perspektiven auf „Rouge et Noir“

In dieser Ausstellung sehen Sie, wie die Künstler diese Farben nutzen, um Emotionen auszudrücken, Geschichten zu erzählen oder neue ästhetische Wege zu gehen.
Ingrid Weber verbindet in ihren Werken die Präzision ihrer Vergangenheit als Vermessungstechnikerin mit einer freischwebenden, spontanen Pinselführung. Ihre gegenstandslosen Bilder sind eine Hommage an die Natur und zeigen, wie frei und leicht sich Rot und Schwarz entfalten können.


Heike Vajen, die studierte Musikerin, bringt ihre musikalische Sensibilität in die Malerei. Ihre Werke, die sich sonst oft durch helle, natürliche Töne auszeichnen, stellen sich hier mutig der Herausforderung von Rot und Schwarz. Das Ergebnis ist ein spannender Dialog zwischen kraftvoller Farbe und subtiler Aquarelltechnik.


Julian Press, der bekannte Kinderbuchautor und Illustrator, zeigt, wie fließend die Grenzen zwischen Literatur und Kunst sind. Seine Bilder, die sonst die Seiten seiner Wimmelbuch-Krimis zieren, erhalten hier eine neue, eigenständige Bedeutung. Er beweist, dass Rot und Schwarz nicht nur dramatisch, sondern auch voller ästhetischer Freude sein können.


Kerstin Hirsch taucht tief in die abstrakte Malerei ein. Sie interpretiert die traditionelle Farbpaarung auf innovative Weise. Das kraftvolle Rot steht im Kontrast zum ruhigen Schwarz und schafft eine vielschichtige Bildsprache, die uns emotional berührt und zum Nachdenken anregt.


Ulla Stahmer arbeitet mit reduzierten Formen und intensiver Materialität. Ihre kleinformatigen Werke sind eine haptische Erfahrung. Sie spielen mit den Grenzen der traditionellen Malerei und beziehen sich dabei auf die expressive Malerei des Informel sowie auf die ikonografischen Elemente der Pop Art.


Und schließlich haben wir das Privileg, auch die Werke von Friedrich Karl Gotsch in dieser Ausstellung zu zeigen. Als bedeutender Maler und Grafiker des 20. Jahrhunderts hat er seine Spuren in der deutschen Kunst hinterlassen. Seine Werke beweisen die zeitlose Kraft dieser Farbwelt.


Ein inspirierender Dialog

„Rouge et Noir“ ist mehr als nur eine Sammlung von Werken – es ist ein Dialog. Ein Dialog zwischen Tradition und Moderne, zwischen unterschiedlichen künstlerischen Techniken und den sehr persönlichen Interpretationen der Künstler.

Der Naku e.V. lädt Kunstinteressierte herzlich ein, die lebendige Vielfalt und Kreativität der Kunstschaffenden mitten im Herzen der Stadt zu entdecken.

Vom 2. Dezember 2025 bis zum 8. Januar 2026 präsentiert der Naku e.V. im Rathaus Eckernförde seine jährliche Gruppenausstellung mit Positionen von Angela Büttner (Fotokunst), Donna Lazell (Keramik), Jutta Heilmann (Skulpturen), Katrin Mates (Malerei), Nataliia Nakonechna (Lederkunst) und Britta Stritzel (Seidenmalerei).

Die Ausstellung ist kostenfrei zugänglich: Mo–Fr 8–12 Uhr, donnerstags zusätzlich 14–17:30 Uhr.

Tipp: Kombinieren Sie Ihren Kunstbesuch mit einem Bummel über den Wochenmarkt (mittwochs 7–13 Uhr) – das perfekte Erlebnis im Stadtzentrum!

Wir freuen uns auf Ihren Besuch!

Kay Müller (sh:z) und Sven Zimmermann (Fotograf) haben über einen Zeitraum von fünf Jahren 15 Persönlichkeiten mit Stift und Fotoapparat besucht und begleitet. Die großformatige Publikation „Küstenkonturen“ und die Ausstellung präsentiert die Sparkassenstiftung Schleswig-Holstein in Kiel.

Der Kitzeberger Gesprächskreis Kunst trifft sich seit nunmehr sieben Jahren vierteljährlich zum Austausch über Kunst und Kultur. Jürgen Affeldt, Peter Bergmann, Wolfgang Doré, Jürgen Hünerberg, Margit Huch und Gabriele Kirch verbinden die Freude am gemeinsamen Dialog, am Diskutieren über eigene Werke, am gegenseitigen Inspirieren und Motivieren. Was sie eint, ist die Begeisterung für das schöpferische Tun und der Respekt vor der Vielfalt künstlerischer Ausdrucksformen.
Die Mitglieder arbeiten in Bereichen wie Malerei, Skulptur, Grafik, Illustration, Poesie und Prosa. Der Kitzeberger Gesprächskreis Kunst demonstriert eindrucksvoll die positiven Auswirkungen des Austauschs. Die farbenfrohen und kreativen Werke in dieser Ausstellung laden dazu ein, den Winter mit mehr Freude und Vielfalt zu erleben.

Eröffnung: Samstag, 6. Dezember, 15 Uhr, Unkostenbeitrag: 1 Euro pro Person

Winterpause: Vom 22. Dezember 2025 bis zum 7. Januar 2026 bleibt das Künstlermuseum geschlossen!

Der „Dorn im Auge“ steht für das, was stört, was unangenehm ist, was sich kaum ignorieren lässt. Ein Dorn im Auge fordert uns heraus, zwingt uns zur Reaktion. Insbesondere in der Kunst ist der Dorn ein Symbol für Irritation, drängt uns dazu, genauer hinzusehen. Wir sind aufgefordert, die bequeme Position zu verlassen und einen Moment innezuhalten, um das Unbehagen, das Störende zu betrachten. Kunst hat in ihrer Geschichte immer wieder die Rolle des unbequemen Spiegels übernommen. Sie irritiert, provoziert, stellt Fragen und fordert zur Auseinandersetzung heraus. Die Kunst lehrt uns, mit dem Unangenehmen umzugehen, es zu reflektieren, es als Antrieb zur Entwicklung zu begreifen. Der Dorn im Auge ist damit auch ein Hoffnungssymbol – ein Zeichen dafür, dass Störung nicht Stillstand, sondern Bewegung bedeutet. 22 Künstlerinnen und Künstler waren aufgefordert, sich dem Thema zu stellen. Ihre Arbeiten zeigen wir in dieser Ausstellung,

Mit Petra Bergerhoff, Anne Bock, Ansgar Brodersen, Ursula Dietze, Felix Eckardt, Tom Gefken, Marit Gromus, Johannes Hartmann, Stefan Hillgruber, Barbara Kirsch, Dieter Koswig, Irmgard Kullmann, Paolo Moretto, Ralf-Rainer Odenwald, Tomasz Paczewski, Jens Rausch, Torsten Richter, Ele Runge, Carola Schapals, Manfred Schlüter, Nicolas Wagner, Edwin Zaft.

Premiere in Eckernförde: „Alles kein Akt“ – Mitreißende Musical-Comedy mit großartigen Stimmen und viel Swing!

Schlagfertige Dialoge, mitreißender Swing und das reinste Chaos auf der Bühne: Das Musical „Alles kein Akt“ entführt das Publikum in die turbulenten 90 Minuten vor dem Auftritt eines Gesangsquartetts – chaotisch, unvorhersehbar und voller Überraschungen. Mit pointiertem Humor, brillanten Stimmen und einer Prise Theater-Magie haben Lars Scheffel (Musik & Text) und Christoph Munk (Text) eine Show geschaffen, die ebenso unterhaltsam wie musikalisch mitreißend ist.

Mit dabei sind:
Claudia Piehl – claudiapiehl.de
Nicole Wellbrock – praesenzstation.de
Tim Karweick – tunder-ensemble.de
Julian Redlin – redlin.de

Das Stück hat eine Dauer von ca. 1 ¾ Stunden mit Pause und verspricht beste Unterhaltung!
Premiere: Donnerstag, 02.Oktober.2025
Ort: Carls, Carlshöhe 47, 24340 Eckernförde
Tickets & Infos: VVK eröffnet am 1. Mai, Early Bird bis zum 31. Mai, bei Eventfrog

Weitere Vorstellungen:
Fr., 03.10.2025 | Sa., 04.10.2025 | So., 05.10.2025
Do., 09.10.2025 | Fr., 10.10.2025 | Sa., 11.10.2025 | So., 12.10.2025
Fr., 17.10.2025 | Sa., 18.10.2025 | So., 19.10.2025

jeweils 18:30 Uhr

Erleben Sie einen unvergesslichen Abend voller Witz, Musik und Überraschungen – „Alles kein Akt“ wird Sie begeistern!